Attraverso gli occhi degli studenti

Anche il titolo è incentrato sul quadro generale: a cosa serve la conoscenza "se non sappiamo come vivere? Perché imparare se non possiamo immaginare il futuro?".

L'educazione è il substrato della nostra convivenza, il campo di battaglia dove la risorsa dell'educazione viene sfruttata invece di essere un parco giochi dove sperimentare nuovi modi di vita. Garcés, nel frattempo, immagina un laboratorio in cui l'apprendimento permanente non sia orientato alla necessità di essere costretti a sperimentare secondo gli imperativi neoliberali della performance, ma debba invece assomigliare a un invito. Un invito a "correre il rischio di imparare insieme, contro le forze del proprio tempo".

Regno del talento e logica dei due

Le accademie di musica sono luoghi di talenti. Luoghi in cui già durante la valutazione attitudinale viene chiarito se vale la pena continuare a seguire la regola del talento o se è opportuno consigliare una carriera diversa e un percorso di vita alternativo. Con il concetto di dominio del talento mi riferisco allo studioso di letteratura e psicoanalista americano Eric L. Santner, che ha elaborato come la perfezione dei nostri talenti possa anche essere foriera di una potenziale mancanza di libertà. Anche le accademie di musica sono luoghi di una logica a due. I maestri possiedono qualcosa che, in un trasferimento di conoscenze per lo più lineare, ha in mente un interprete storicamente informato. In questo trasferimento, sembra che sappiamo per chi o cosa ci stiamo formando: per un'area della vita che noi stessi abbiamo già colonizzato. Un'area di vita che forse abbiamo anche dovuto combattere per noi stessi attraverso concorsi, premi e procedure di selezione. Non solo in questi settori competitivi dell'istruzione, ma nella società nel suo complesso, sembra che non ci sia quasi più spazio per un laboratorio in cui si possa armeggiare, costruire, inciampare e progettare insieme. Come dice Marina Garcés: Manca il tempo per crescere lentamente, in modo organico. Siamo nervosi e abbiamo bisogno di imparare in fretta. Invece di creare un giardino in cui combinare nuove piante ed erbe, creando un luogo che non sia solo coltivato, ma un intero arcipelago in cui valga la pena vivere, la logica dei due può portare a una monocultura. Forse addirittura a diventare una riserva in cui le forme di vita devono esistere separatamente le une dalle altre. Se sostituiamo il concetto di forme di vita con quello di discipline artistiche, c'è il rischio di creare anche discipline artistiche come monoculture.

Laboratorio polifonico

Tuttavia, l'educazione artistica è un luogo a tre. Tra l'insegnante e l'allievo c'è un terzo oggetto, una domanda, una tesi, un conflitto o una preoccupazione comune su cui vale la pena lavorare insieme. È qui che si crea un terzo sapere, radicalmente soggettivo, ma nato da un interesse comune, al di là delle nude esigenze del mercato.

Questo luogo di un terzo sapere è un laboratorio, non una fabbrica. A Basilea parliamo di laboratori polifonici, un termine che ho preso in prestito da Clemens Risi e David Roesner e che ho sviluppato ulteriormente con gli studenti. Qui diamo spazio al cambiamento perché fa parte della vita. Nel primo anno di Musica e Scena in Trasformazione, in questi laboratori sono stati creati progetti per spazi pubblici, performance sulla figura della strega come figura femminista e nuovi formati di concerti e performance sotto forma di installazioni musicali. Abbiamo esplorato la musica spazio-corpo-tempo e avviato un campus studentesco. Abbiamo riflettuto sulla musica come rituale temporaneo in contesti politici, abbiamo esaminato la musica, la cultura commemorativa e la politica del ricordo nel contesto dell'80° anniversario della fine della guerra in Europa al Festival della Pace di Augsburg e abbiamo fondato un'orchestra di rapinatori di banche nell'ambito del Social Club di Basilea, che ha contestualizzato criticamente la musica spesso utilizzata a fini rappresentativi in una banca vuota durante Art Basel.

Interpreti emancipati

Negli ultimi anni si è parlato ripetutamente della necessità per le accademie di musica classica di orientare i propri corsi verso un mercato sempre più complesso e competitivo e di modellare i propri corsi di conseguenza. Gli studenti dovrebbero sempre più diventare decatleti invece di professionalizzarsi in una disciplina, o preferibilmente in entrambe. Devono acquisire sempre più strumenti e qualifiche aggiuntive per poter reagire in modo flessibile alle nuove sfide professionali. Sembra che ci sia una strana pressione a imparare di più su varie altre discipline invece di imparare con e all'interno di esse. Non possiamo aver pensato a questa lotta quando abbiamo voluto sviluppare l'insegnamento artistico-musicale in direzione della transdisciplinarità. L'obiettivo deve essere piuttosto quello di affiancare agli interpreti storicamente informati interpreti emancipati. Non per sostituirli, ma come compagni. Sono emancipati perché, oltre ad apprendere il repertorio classico, sono incoraggiati a ricercare il proprio, terzo sapere insieme a compagni e insegnanti. Questo sapere è importante perché ci permette di immaginare un futuro - per usare ancora le parole di Marina Garcés. Un futuro comune, al di là dell'isolamento che si è insinuato quasi inosservato nella formazione artistica attraverso il dominio del talento e della competizione incentrata sull'individuo. A Basilea abbiamo iniziato. Sperimentale e aperto alla cooperazione, ma allo stesso tempo inserito negli istituti universitari esistenti.