{"id":8970,"date":"2018-04-09T00:00:00","date_gmt":"2018-04-08T23:00:00","guid":{"rendered":"https:\/\/www.musikzeitung.ch\/allgemein\/technologie-und-historisches-bewusstsein\/"},"modified":"2025-08-07T14:27:58","modified_gmt":"2025-08-07T12:27:58","slug":"technologie-und-historisches-bewusstsein","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.musikzeitung.ch\/it\/berichte\/2018\/04\/technologie-und-historisches-bewusstsein","title":{"rendered":"Tecnologia e consapevolezza storica"},"content":{"rendered":"
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Bruno Spoerri. Foto: Daniel Allenbach\/HKB<\/figcaption><\/figure>\n
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Il team dedicato ai due iniziatori Immanuel Brockhaus e Thomas Burkhalter ha accolto gli ospiti con un programma denso che minacciava di sovraccaricare la loro attenzione. Il simposio \u00e8 stato aperto da Peter Kraut, vicedirettore del dipartimento di musica della HKB, seguito da Thomas Gartmann, responsabile della ricerca della HKB. Quest'ultimo ha delineato il profilo dell'universit\u00e0 ospitante. \u00c8 iniziato il passaggio strategico dalla pratica esecutiva storicamente informata ai nuovi media. La collaborazione tra ricerca e insegnamento \u00e8 oggi centrale. Sotto l'etichetta \"Arts in Context\" si trova l'ultimo tema di ricerca: la comunicazione tra uomo e macchina. Le interfacce di questa comunicazione sono le cosiddette interfacce, che verranno discusse pi\u00f9 volte durante l'intera durata del simposio.<\/p>\n<\/div>\n

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Fare musica gestuale<\/h3>\n<\/div>\n
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La prima presentazione \u00e8 stata tenuta dal musicista jazz svizzero e pioniere dell'elettronica Bruno Spoerri. Una buona scelta. La ricchezza dell'esperienza di Spoerri \u00e8 stata in un certo senso il tema centrale del simposio e ha anche portato alla luce uno o due aneddoti degli \"inizi\". Egli ritiene che il \"suono\" sia il pi\u00f9 grande parametro di riconoscimento e quindi di definizione del genere. Ha ricordato i primi strumenti elettronici come gli Ondes Martenot. \u00c8 riuscito a farlo senza soffermarsi sulla nostalgia. Ha dato uno sguardo critico all'introduzione dello standard midi nel 1984, che ha descritto come una cementificazione e una focalizzazione sulle interfacce a tastiera. Chiede una maggiore libert\u00e0 per la spontaneit\u00e0 nel passaggio dal computer alla musica, un addio ai suoni di culto e un ritorno a Stockhausen. Tuttavia, la ricerca \u00e8 sulla strada giusta: fare musica con i gesti sta diventando sempre pi\u00f9 possibile e la sua interfaccia da sogno, in cui un suono dovrebbe essere solo pensato, forse non \u00e8 pi\u00f9 un'utopia. La creazione di musica gestuale \u00e8 stata anche la principale preoccupazione di Werner Jauk (Graz). Le interfacce dovrebbero essere in grado di modellare il suono attraverso il corpo. Jauk si spinge oltre e vuole catturare anche la tensione corporea. Considera l'informazione corporea come costitutiva rispetto al suono.<\/p>\n<\/div>\n

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Invecchiamento virtuale<\/h3>\n<\/div>\n
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Il fatto che lo standard Midi non fosse pi\u00f9 in grado di soddisfare questi requisiti era ampiamente accettato. L'ingegnere Lippold Haken si \u00e8 lanciato in questo vuoto e ha fatto presentare il suo Continuum Controller dal brillante musicista Edmund Eagan, che lo conosceva bene. Questo controller si discosta dallo standard criticato e consente di registrare una ricchezza di parametri senza precedenti. L'input avviene con le dita attraverso una superficie tattile continua. Secondo lo sviluppatore, tuttavia, non \u00e8 ancora in vista una svolta industriale di questa tecnologia. \u00c8 ancora difficile trovare investitori al di fuori del persistente standard Midi. In ogni caso, i risultati della dimostrazione delle prestazioni sono stati impressionanti. Tuttavia, la complessit\u00e0 del funzionamento di questa interfaccia sembra essere paragonabile a quella di imparare a suonare il violino. Resta da vedere se il desiderio di libert\u00e0 anzich\u00e9 di controllo formulato da Imogen Heap e citato da Katia Isakoff (Londra) possa essere soddisfatto. Il fatto che i giovani vogliano sempre pi\u00f9 tornare a usare i controller tattili \u00e8 stata anche la conclusione della ricerca di Jack Davenport (University of Central Lancashire). Tuttavia, la sua \"interfaccia musicale ludica\" estremamente semplificata \u00e8 stata esaminata criticamente dal pubblico. Non per la prima volta, sono state espresse preoccupazioni su una \"pigrizia\" strisciante nella produzione di \"musica\". Il progetto di ricerca V:Age, avviato da Brockhaus sul tema dell'\"invecchiamento virtuale\", affronta in modo nuovo la mancanza di un legame personale con gli strumenti musicali al di fuori del funzionamento tattile: I due game designer Ruben Brockhaus e Brett Ayo (Berlino\/Berna) stanno attualmente sviluppando uno strumento virtuale che avr\u00e0 la capacit\u00e0 di invecchiare. In futuro, ci sar\u00e0 un processo di invecchiamento indotto dall'utente sia a livello visivo che a livello funzionale e audiofilo.<\/p>\n<\/div>\n

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Restrizioni dovute alla macchina?<\/h3>\n<\/div>\n
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La conferenza non ne ha fatto mistero: Siamo arrivati nell'era digitale. Le possibilit\u00e0 sembrano infinite e le macchine difficilmente possono essere spinte al limite. C'\u00e8 stato disaccordo sull'impatto di questi fatti sulla creazione di musica, il processo creativo per eccellenza. Mentre Wayne Marshall (Berklee College of Music\/Harvard, Boston) \u00e8 rilassato riguardo alle restrizioni imposte dalla logica delle macchine, Fereydoun Pelarek (Macquarie University, Sydney) ha addirittura parlato di libert\u00e0 creativa grazie alle possibilit\u00e0 illimitate e l'aspetto della maneggevolezza \u00e8 stato discusso seriamente pi\u00f9 volte, ci sono state voci dissenzienti. Il produttore techno Georgi Tomov Georgiev (Berlino) ha ricordato al pubblico il potere creativo della limitazione. Citando Jeff Mills, ha parlato di schiavi dei computer per quanto riguarda il presente. Jauk ha considerato che il corpo materiale sta diventando sempre pi\u00f9 privo di funzioni. Il problema delle \"decisioni\" \u00e8 stato sollevato da Jan Herbst (Bielefeld) nel suo lavoro \"vecchie chitarre con nuove tecnologie\". Ha studiato la tecnologia del \"profiling\". Si tratta di un processo che misura le caratteristiche sonore degli amplificatori per chitarra e dei loro microfoni e le riproduce di conseguenza. Ci\u00f2 che avrebbe dovuto essere deciso in una fase iniziale della produzione senza questa opzione, ora rimane un'opzione aperta fino all'ultimo momento. Il sovraccarico della macchina \u00e8 escluso, cos\u00ec come la scoperta accidentale.<\/p>\n<\/div>\n

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Design scultoreo<\/h3>\n<\/div>\n
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Il discorso digitale\/analogico ha trovato i suoi poli nelle presentazioni di Katia Isakoff e Holger Lund (Berlino\/Ravensburg). La compositrice Isakoff ha adottato un approccio performativo al Theremini lanciato dalla Moog, un riferimento digitale e pratico al leggendario Theremin. A sua discolpa va detto che ha presentato una toccante rivalutazione del rapporto personale tra la virtuosa del theremin Clara Rockmore e l'inventore dello strumento Leon Theremin come approccio umanistico alla macchina e alla sua innovazione. Tuttavia, Isakoff ha espresso ci\u00f2 che \u00e8 stato parafrasato nel canone: \"Il divario si sta chiudendo\". Non sono comunque gli strumenti a fare la musica, ma le persone, cit\u00f2 Max Rudolph. Pi\u00f9 avanti, su questo punto. In ogni caso, non c'era quasi nessuna opposizione. La situazione \u00e8 cambiata radicalmente con il contributo di Lund. Nella sua presentazione \"New sound aesthetics through post-production mastering and vinyl cutting\", ha parlato di un fenomeno post-digitale e della relativa rianalogazione. Si pu\u00f2 notare un'influenza decisiva sul prodotto finale dell'arte in studio attraverso i processi analogici e la corrispondente abilit\u00e0 artigianale. La presenza sonora viene scolpita con l'aiuto della distorsione. Alla domanda se questo confronto audiofilo avvenga o meno nel campo dell'udibile, ha dato una risposta devastante per l'attuale industria musicale: \"Le differenze sono notevoli, l'unica domanda \u00e8 se riusciamo ancora a percepirle. Le nostre abitudini di ascolto sono gi\u00e0 state stravolte dall'onnipresenza della digitalizzazione e dei relativi dispositivi di riproduzione mobile. Dalle interviste con i principali artisti della masterizzazione, Lund ha appreso che la trasparenza non sar\u00e0 pi\u00f9 l'estetica del futuro, ma piuttosto la colorazione e l'elaborazione di un \"timbro sonoro\" individuale.<\/p>\n<\/div>\n

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Cosa significa \"futuro\"?<\/h3>\n<\/div>\n
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La definizione, che \u00e8 stata discussa in questo simposio, ha tardato ad arrivare. Sebbene ci fosse accordo sul termine \"suono\" e sulla sua adeguata traduzione in \"Klang\", il significato del termine \"futuro\" \u00e8 stato sollevato solo nel contributo del filosofo Robin James (UNC Charlotte). Se nell'era moderna il nuovo e l'innovazione erano ancora considerati l'epitome del futuro, con il neoliberismo le cose sono cambiate radicalmente. La speculazione e gli investimenti ora definiscono il futuro. James parla del futuro come di una conseguenza del successo. Per la musica, questo ha significato la perdita della narrazione. Il progetto drammaturgico sta subendo un cambiamento radicale. Nella lotta per l'attenzione, ad esempio, il climax appare proprio all'inizio. L'essenziale lotta per il successo si sta gradualmente manifestando anche nel nostro corpo. \u00c8 sempre pi\u00f9 visto come un oggetto di investimento. Investire significa sempre correre dei rischi. Per l'industria \u00e8 importante soppesare questi rischi. I beni strumentali mobili verso l'alto sono esposti al fenomeno della \"gentrificazione\". A questo punto, James porta sul podio la controversa questione del genere. Attribuisce l'investimento nel corpo femminile proprio a questo fenomeno: \"L'investimento nel corpo femminile \u00e8 la gentrificazione umana\". Anche Marie Thompson (Universit\u00e0 di Lincoln) affronta lo stesso tema. Nella sua conferenza ha presentato una serie di dispositivi che consentono alle donne incinte di ascoltare musica prenatale. L'investimento sul nascituro ha lo scopo di prepararlo al meglio per una societ\u00e0 orientata al successo. Naturalmente \u00e8 gi\u00e0 stata compilata una corrispondente playlist per neonati. L'apice dell'alta cultura \u00e8 presentato in un canone che va da Mozart ai Queen. Viene anche fornita un'analisi di quale musica stimola quale \"comportamento di apprendimento\" prenatale. La Thompson ritiene che la produzione e la riproduzione siano decisive per il capitalismo. Descrive la produzione senza riproduzione come il caso ideale di questo sistema. Un pensiero che pu\u00f2 assumere proporzioni devastanti se applicato al corpo femminile. L'autrice fa appello a una nuova consapevolezza. L'attenzione non dovrebbe essere rivolta ai prodotti e ai loro processi, ma alle condizioni quadro in cui vengono creati. Annie Goh (Goldsmith University of London) ha analizzato il fenomeno di massa giapponese \"Hatsune Miku\". Le popstar femminili virtuali sono programmate e commercializzate dagli utenti della relativa piattaforma online. Questa \"creativit\u00e0 in crowdsourcing\" porta alla morte dell'autore e quindi alla morte della realt\u00e0. Il punto centrale dell'analisi della Thompson \u00e8 l'uso della voce femminile virtuale. Qui traccia un parallelo con il mondo occidentale. La voce femminile virtuale nella sfera pubblica \u00e8 gi\u00e0 onnipresente. La questione non \u00e8 solo come verr\u00e0 utilizzata in futuro, ma anche chi decider\u00e0 in merito. La tecnologizzazione della voce femminile potrebbe quindi giocare un ruolo importante nel dibattito di genere del futuro.<\/p>\n<\/div>\n

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Macchine per l'apprendimento<\/h3>\n<\/div>\n
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La virtualizzazione \u00e8 stata anche l'argomento dell'emozionante contributo dei due media artist Michael Harenberg e Daniel Weissberg (Berna). Essi hanno fatto riferimento al problema dei \"big data\". Il trattamento computerizzato di grandi quantit\u00e0 di dati consente di esaminare il comportamento umano. Con il termine \"apprendimento automatico\", i programmi vengono fatti apparire intelligenti. Google, ad esempio, \u00e8 riuscita a sconfiggere il suo avversario umano nel secolare gioco da tavolo Go, grazie all'\"apprendimento automatico\" che consiste nel giocare contro se stessa migliaia di volte. Nel settore musicale sono gi\u00e0 in corso tentativi di creare una hit numero uno generata dalla macchina (si veda l'Antwerp Research Institute for the Arts). Non sono forse le persone a fare la musica, dopo tutto? Harenberg e Weissberg commentano subito: \"Non \u00e8 divertente\". Il sistema utilizzato \u00e8 privo di qualsiasi capacit\u00e0 umana ed \u00e8 innanzitutto un sistema di elaborazione dati incredibilmente veloce. Secondo Harenberg e Weissberg, questo non ha molto in comune con il termine \"intelligente\". L'applicazione dei big data elimina l'hobbista e pu\u00f2 essere utilizzata solo dalla grande industria. La digitalizzazione non contribuisce alla democratizzazione del mercato musicale.<\/p>\n

Su questo punto gli oratori non sono stati concordi. Jan Herbst, ad esempio, ha parlato di democratizzazione digitale. La possibilit\u00e0 di utilizzare attrezzature virtuali e i costi ridotti grazie alla disponibilit\u00e0 online dovrebbero garantire pari opportunit\u00e0. Non sono stati discussi i problemi di gestione dei diritti d'autore e le barriere all'ingresso in termini di metodi di pagamento. Harenberg e Weissberg hanno fatto appello alle universit\u00e0 affinch\u00e9 si assumano le proprie responsabilit\u00e0 nell'affrontare questi fenomeni. I loro programmi non dovrebbero concentrarsi sugli aspetti tecnologici, ma piuttosto sulle sottoculture ancora esistenti.\n<\/p><\/div>\n

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Conclusioni<\/h3>\n<\/div>\n
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Conclusione dell'evento densamente programmato: il simposio ha brillato innanzitutto per l'alto livello di consapevolezza storica. Tuttavia, non c'era molto in termini di sogni per il futuro. Gli scienziati non sono ancora in grado di guardare oltre la storia contemporanea. La prospettiva pu\u00f2 essere collocata nell'area delle idee creative, ma non viene quasi mai azzardata. Che il futuro sar\u00e0 elettronico, tuttavia, \u00e8 rimasto fuori discussione. Non ci sono stati contributi con una visione acustica. L'unico accenno in questa direzione \u00e8 venuto da Harenberg e Weissberg: \"La chitarra da viaggio non esiste in forma elettronica\". Come conclusione armoniosa, l'ospite di apertura ha detto di nuovo la sua. Questa volta con una performance musicale. Bruno Spoerri ha dimostrato, strizzando l'occhio alla storia, che la ricerca non ha fine e che il futuro porter\u00e0 sicuramente qualcosa di nuovo.<\/p>\n<\/div>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Dal 30 novembre al 2 dicembre dello scorso anno, in occasione di una conferenza internazionale organizzata dal dipartimento di ricerca dell'Universit\u00e0 delle Arti di Berna (HKB), sono state discusse numerose questioni relative all'estetica del suono nella musica pop.<\/strong><\/p>","protected":false},"author":1,"featured_media":8971,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"_acf_changed":false,"_relevanssi_hide_post":"","_relevanssi_hide_content":"","_relevanssi_pin_for_all":"","_relevanssi_pin_keywords":"","_relevanssi_unpin_keywords":"","_relevanssi_related_keywords":"","_relevanssi_related_include_ids":"","_relevanssi_related_exclude_ids":"","_relevanssi_related_no_append":"","_relevanssi_related_not_related":"","_relevanssi_related_posts":"","_relevanssi_noindex_reason":"","pgc_sgb_lightbox_settings":"","footnotes":""},"categories":[28,1540],"tags":[2239,5226,5227],"class_list":["post-8970","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-berichte","category-tagungen","tag-hochschule-der-kuenste-bern","tag-klangaesthetik","tag-popmusik"],"acf":[],"yoast_head":"\nTechnologie und historisches Bewusstsein - Schweizer Musikzeitung<\/title>\n<meta name=\"description\" content=\"Vom 30. 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