Rimanere artisticamente presenti a lungo termine - La salute nella professione musicale di oggi

La conversazione tra Katrin Frauchiger e Veronika Lubert è incentrata sulla questione di come i musicisti possano rimanere capaci di regolazione e artisticamente presenti.

KF: Lei è professore di Salute dei musicisti dal maggio 2025. Qual è stato il suo percorso personale per diventare un esperto?

VL: Sono arrivato alla salute dei musicisti attraverso la psicologia dello sport. Mi sono interessato fin da subito a come le persone rimangono produttive sotto pressione. Nella musica ci troviamo di fronte a situazioni simili a quelle dello sport agonistico: audizioni, provini, gare. Come musicisti, possiamo imparare molto dagli atleti su come affrontare queste situazioni.

KF: All'epoca dei miei studi, la salute dei musicisti non era ancora un argomento del programma di formazione. C'erano alcuni corsi opzionali di tecniche fisiche, come la Tecnica Alexander o corsi di respirazione. Soprattutto, le sfide psicologiche e mentali e le possibili difficoltà da superare durante gli studi musicali e in seguito nella vita professionale erano - a seconda del rispettivo insegnante - un tabù o qualcosa che si doveva risolvere sotto la propria responsabilità. Come è cambiato l'atteggiamento nei confronti di questo aspetto negli ultimi anni?

VL: La salute non è più una questione marginale, ma è sempre più riconosciuta come parte della formazione professionale. Allo stesso tempo, i requisiti sono diventati più complessi: Internazionalizzazione, modelli occupazionali di tipo portfolio, self-marketing. Ciò significa che, da un lato, dobbiamo pensare alla salute più come a una competenza - come capacità di autoregolarsi e di organizzare una carriera sostenibile - ma, dall'altro, dobbiamo anche interrogarci criticamente sulle condizioni di lavoro dei musicisti.

KF: I cantanti, in particolare, dipendono in modo particolare dal loro stato fisico e mentale e spesso sono direttamente colpiti dalle incongruenze. Nella formazione vocale, indipendentemente dallo stile, lo sviluppo della propria percezione del corpo e dell'anima e la messa a punto di queste relazioni, sia in termini di tecnica che di espressione artistica, sono fondamentali. Cosa possono imparare gli strumentisti dai cantanti?

VL: I cantanti lavorano in modo molto differenziato sulla connessione tra corpo, respirazione, emozione ed espressione. La voce rende immediatamente percepibile quando qualcosa non è in equilibrio - fisicamente o mentalmente. A mio avviso, questa sensibilità agli stati interiori e alla loro regolazione è un modello per tutti i musicisti. Gli strumentisti possono imparare da questo per combinare ancora di più l'eccellenza tecnica e la consapevolezza di sé. Possono trarre beneficio da un controllo più specifico del loro livello di attivazione prima di un'esibizione, riconoscendo meglio i segnali fisici di sovraccarico e modellando più attivamente la rigenerazione tra le fasi intensive.La presenza artistica si crea attraverso la tensione regolata e la consapevolezza del momento. Lavorare consapevolmente sulla percezione, sul recupero e sulla preparazione mentale non è un'aggiunta alla tecnica, ma fa parte dell'esperienza professionale, ad esempio attraverso routine di preparazione, strategie di respirazione o di focalizzazione e chiare finestre di recupero nel programma settimanale.

KF: Sonart si impegna a fondo per migliorare le condizioni quadro e la percezione pubblica della professione musicale. L'impegno politico-culturale di varie organizzazioni professionali contrasta con la realtà seria e in rapida evoluzione dei musicisti. Il business della musica sembra essere sempre più squilibrato; mentre le corporazioni si arricchiscono, non offre più alla maggior parte dei musicisti un sostentamento, a parte il mercato delle star. L'autopromozione, che avviene principalmente attraverso i social media, è in aumento. Essere un musicista oggi richiede capacità di resistenza, flessibilità e resilienza in misura ancora maggiore rispetto al passato. Come possiamo sostenere in modo specifico queste capacità? E come possiamo evitare di esaurirci come combattenti solitari?

VL: Le discussioni attuali mostrano che molti musicisti stanno vivendo una forte intensificazione delle richieste. Per me è importante fare una distinzione: La resilienza non deve significare un tacito adattamento a strutture problematiche. Il lavoro di politica culturale di Sonart per migliorare le condizioni quadro è quindi centrale e necessario. Inoltre, sottolinea l'importanza dello scambio e della comunità tra musicisti. Allo stesso tempo, i musicisti hanno bisogno di competenze personali per rimanere in grado di agire in questo campo di tensione: una chiara definizione dei ruoli e delle priorità e una riflessione sulla propria identità, strategie di recupero consapevoli e demarcazione dalla visibilità digitale permanente, ma anche flessibilità psicologica - anche con pensieri e sentimenti difficili, per essere aperti, consapevoli e impegnati in azioni che corrispondono ai propri valori. Se insegniamo queste abilità fin dalle prime fasi dell'istruzione, non solo rafforziamo la salute, ma anche le prestazioni artistiche.

Prof. Dr. Veronika Lubert
... è psicologo, violinista, professore di salute dei musicisti e professore di salute dei musicisti presso la Lucerne University of Applied Sciences and Arts - Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna.

Musica.Katrin Frauchiger
... è cantante, compositore, membro del consiglio direttivo di Sonart e docente presso la Scuola di Musica di Lucerna.