Fare di necessità virtù

La soluzione a questi problemi potrebbe consistere nel fare di necessità virtù e trovare forme didattiche in cui gli allievi trascorrano più tempo alla scuola di musica, senza che i docenti debbano insegnare più a lungo, cosa che non è fattibile per motivi di costo. Bisognerebbe quindi smettere di considerare le lezioni individuali come l’unica vera forma di insegnamento. Le lezioni di ensemble sono sicuramente un buon complemento alle lezioni individuali, ma hanno senso solo se i membri dell’ensemble possiedono già un certo livello di competenza. E nelle lezioni di gruppo sussiste il rischio che i singoli allievi siano sovraccaricati o sottostimolati. Come si può quindi creare, senza costi aggiuntivi, una situazione didattica con più ore di presenza, in cui gli allievi possano esprimersi appieno, apprendere in modo duraturo e siano anche stimolati a esercitarsi in modo efficiente?

Intervisto insegnanti di musica che erano in anticipo sui tempi, poiché già anni fa avevano intrapreso nuove strade nel campo della pedagogia musicale.

Lezioni strumentali multidimensionali

Gerhard Wolters è sicuramente noto a molti, poiché hanno già seguito un corso di formazione continua presso di lui in MDU^® hanno frequentato. E anche se non tutti ritengono che il suo metodo sia applicabile nella loro scuola di musica, voglio farmi un’idea di persona e lo incontro per una chiacchierata nella sua Accademia per l’innovazione musicale a Langnau, nell’Emmental.

MW: Caro Gerhard, grazie mille per aver trovato il tempo di presentarmi il tuo metodo. Che cos’è l’MDU?

Gerhard Wolters: Il modello MDU prevede un insegnamento orientato allo studente, che però non va confuso con un insegnamento incentrato sullo studente. Nell’insegnamento orientato allo studente, l’insegnante tiene sempre conto delle esigenze dello studente, ma non gli lascia decidere tutto, poiché ha un vantaggio in termini di conoscenze ed esperienza; piuttosto, fornisce consigli che garantiscano il raggiungimento dell’obiettivo prefissato. È importante che l’alunno riceva insegnamento dall’insegnante solo quando ne ha davvero bisogno, cioè quando apprende qualcosa di nuovo o quando desidera chiarire un dubbio. Una volta raggiunto questo punto, all’alunno non resta che esercitarsi su ciò che ha compreso. Per farlo non ha bisogno dell’insegnante. Ne avrà nuovamente bisogno solo quando sorgerà una domanda o quando si effettuerà un esercizio esemplificativo. A tal fine utilizziamo un sistema a semaforo: il rosso significa che l’allievo ha bisogno di un input da parte dell’insegnante, il giallo che l’allievo ha compreso e il verde che l’allievo padroneggia il brano o una sequenza di esso e l’insegnante non può fare altro che ascoltare e godersi l’esibizione. È importante che, quando è «giallo», l’allievo possa esercitarsi senza essere disturbato, senza che l’insegnante gli stia accanto a commentare. Abbiamo persino coniato un termine per descrivere lo stato d’animo dell’insegnante quando è «giallo»: «EUGAZE» – emotivamente impossibile sopportare il «giallo».

È per questo che per questa modalità didattica servono più aule?

Di sicuro non per il primo passo: in questa fase, il compito dell’insegnante è innanzitutto quello di «esercitarsi» nell’orientamento degli studenti con metodi chiari. In seguito, un contesto organizzativo più ampio sarà di grande vantaggio, soprattutto quando, idealmente, si aggiungono più persone: allievi di età e livelli diversi e persino altri insegnanti. Gli allievi più avanzati imparano mostrando ai principianti come si fa. Oppure si rendono conto che un brano, che in realtà è di un livello inferiore a quello attuale, non è poi così facile da suonare senza ripassarlo. In questo modo consolidano ciò che hanno imparato di recente. I più piccoli a volte preferiscono imparare dai più grandi piuttosto che dall’insegnante, ma possono anche aiutare i più grandi, ad esempio distraendoli durante l’esibizione, consentendo così ai più grandi di allenare la propria capacità di concentrazione in vista dell’esibizione, e tutti si divertono un mondo! Se poi più insegnanti lavorano in team, possono sfruttare consapevolmente i propri punti di forza individuali per determinati compiti.

Ma come si presenta qui la dimensione del tempo?

Nella pratica della MDU osserviamo regolarmente che i nostri allievi trascorrono molto più tempo alla scuola di musica. Entro un arco di tempo prestabilito, seguono lezioni individuali, si esercitano da soli o con gli altri, insegnano ai più piccoli ciò che già sanno fare e imparano dai più grandi. Anche i giochi musicali e le lezioni di teoria trovano spazio in questo programma.

Come risolvi la questione del pagamento di queste lezioni?

In un gruppo fisso di quattro bambini, ad esempio, ognuno paga 30 minuti e tutti possono rimanere lì per due ore. È però possibile aumentare la flessibilità fino al punto in cui gli allievi possano recarsi alla scuola di musica ogni giorno, diciamo tra le 14:30 e le 19:00, quando lo desiderano. Chi paga 60 minuti può farlo ogni giorno; chi paga 40 minuti, in due giorni a scelta; chi paga 30 minuti, in un solo giorno. Naturalmente ci sono poi le ore di punta, in cui sono presenti moltissimi bambini che si esercitano insieme, fanno giochi e suonano brani. Molti bambini apprezzano l’interazione con gli altri e ne traggono un’incredibile motivazione per esercitarsi e suonare. E se in qualche punto non riescono ad andare avanti, c’è l’insegnante che li aiuta. Gli allievi più tranquilli e quelli particolarmente dotati vengono nelle fasce orarie marginali; la cosa si regola da sé. Si rendono presto conto che l’insegnante ha allora molto tempo da dedicare proprio a loro. In questo senso, in questo sistema non c’è nemmeno bisogno di un programma separato di promozione dei talenti. È una cosa che viene da sé.

Anche se si lavora ancora in gruppi fissi, è opportuno introdurre le cosiddette “settimane del caos” o almeno delle “giornate del caos”, in cui le lezioni si svolgono secondo questo modello del tutto flessibile. Affinché ciò funzioni, una buona comunicazione con gli studenti e, soprattutto, con i genitori è fondamentale. Con argomentazioni adeguate e ben preparate, di solito riusciamo a convincere quasi tutti i genitori a lasciare che il proprio figlio provi qualcosa di nuovo, ad esempio per sei settimane, quando si rendono conto che in questo modo il bambino riceve un sostegno migliore e può ottenere molto più tempo di apprendimento a parità di costo. E in più si diverte un mondo! L’esperienza dimostra che in questo caso sono più disposti a accompagnare o a far accompagnare il proprio figlio in una sede didattica leggermente più lontana. Qui, infatti, l’insegnamento decentralizzato è meno praticabile.

Tieni seminari e formi anche insegnanti certificati MDU. Questi insegnanti riescono ad applicare il principio dell’insegnamento simultaneo, anche se la loro scuola di musica si trova magari in una regione con molte valli montane, dove l’insegnamento decentralizzato è la norma?

Sì, assolutamente! Ad esempio c'è Sami Lörtscher, che suona con grande entusiasmo la tromba alla scuola di musica di Interlaken Ost secondo il metodo MDU^® hanno seguito le lezioni. In questa scuola di musica è stato inoltre possibile ricavare spazi adeguati. Durante le «settimane del caos» sono state due bambine di 8 anni di Grindelwald a trascorrere la maggior parte del tempo alla scuola di musica. Tre giorni alla settimana, dopo la scuola, prendevano il treno per Interlaken per recarsi alla scuola di musica.

Sami Lörtscher e Sämi Seiler si divertono un mondo durante la lezione di tromba secondo il metodo MDU^{®
Foto di Gerhard Wolters}

Oppure c'è Andreas Aeppli, insegnante di batteria, che a Winterthur ha investito appositamente in un locale adatto, dotato di cabine di prova integrate, dove tiene le sue lezioni di musica, solo per citarne due.

Grazie mille per l'intervista!

Per ulteriori informazioni e video, visitate il sito: www.mdu.ch

Sviluppo dei talenti

I circa 2% di allievi delle scuole di musica particolarmente dotati necessitano di un sostegno specifico. Oggi esistono programmi di sostegno consolidati, “tessere del talento” e contributi finanziari da parte della Confederazione.
Nel 2017, due colleghe molto impegnate della scuola di musica Bantiger hanno avviato un programma regionale di promozione dei talenti, acquisendo nel corso di questa esperienza conoscenze che possono risultare interessanti per tutti coloro che oggi operano nel campo della promozione dei talenti.

Parlo con Valentina Zürcher, flautista, coach mentale ed ex preside, e con la violinista e compositrice Gabrielle Brunner, che, in qualità di insegnante di violino, ha preparato con successo innumerevoli allievi e allieve a concorsi e agli esami di ammissione all’università.

MW: Come è nato il progetto di promozione dei talenti?

Valentina Zürcher (VZ): In qualità di direttrice della scuola di musica di Wohlen AG, conoscevo altri modelli cantonali di sostegno e, come madre di una figlia che si sta avvicinando allo sport agonistico, ho potuto constatare di persona come viene organizzato il sostegno in quel contesto: gli allenamenti si svolgono più volte alla settimana, fin dall’inizio in squadra. Esistono molteplici forme di sostegno e opportunità per partecipare a manifestazioni regionali, cantonali e nazionali e per ricevere un feedback.
Da qui è nato il mio desiderio di creare qualcosa di simile alla scuola di musica. Ho chiesto ai colleghi se qualcuno volesse collaborare – e Gabrielle si è fatta avanti immediatamente.

Gabrielle Brunner (GB): Mi ero resa conto già da tempo che l’offerta formativa di allora non era sufficiente a sostenere gli studenti dotati e particolarmente curiosi, e per questo mi sono impegnata con grande entusiasmo.

Come avete proceduto?

VZ: All’evento inaugurale si erano iscritti ventiquattro partecipanti (7-15 anni). Nel primo anno abbiamo offerto l’iniziativa gratuitamente, per discutere con i partecipanti quali fossero le loro esigenze e quali orari potessero essere più adatti a loro. Volevano soprattutto incontrarsi con persone che la pensavano come loro, fare musica, scambiarsi idee e suonare in concerti. Da quel momento in poi ci siamo incontrati ogni quattordici giorni.

Hanno potuto partecipare tutti, o avete fatto una selezione?

GB: Tutti! È sempre un miracolo vedere come i bambini si realizzano, nel loro sviluppo umano e artistico, qualunque sia il risultato finale. Anche un bambino di grande talento non deve necessariamente diventare un musicista professionista; forse diventerà un medico eccezionale, e la formazione musicale gli avrà dato tantissimo nel suo sviluppo personale come persona, preparandolo a intraprendere questa strada.

Com'era il programma?

VZ: Gli elementi principali del programma sono stati il confronto in plenaria, la musica da camera e l’accompagnamento. I partecipanti hanno imparato, in contesti guidati, a riflettere in modo mirato su ciò che desideravano sperimentare musicalmente. Abbiamo formato gruppi adeguati, in cui spesso si sono mescolate fasce d’età diverse.

GB: E abbiamo portato con noi pile di spartiti, in modo che potessero scoprire cosa gli piacesse. E naturalmente abbiamo avuto anche il supporto di alcuni docenti di materie principali, che ci hanno fornito i loro consigli sui brani.

Gli insegnanti delle materie principali sono stati coinvolti anche in altri contesti?

VZ: Certo, alcuni hanno collaborato all’insegnamento oppure erano presenti durante le sessioni di promozione dei talenti e ai concerti.

GB: Il programma non consisteva solo in musica da camera, audizioni e discussioni su questi argomenti, ma comprendeva anche il lavoro con i pianisti accompagnatori, esercitazioni con accompagnamento, mini-masterclass, lezioni di teoria e storia della musica, improvvisazione e workshop su temi specifici. In questi casi abbiamo sempre coinvolto dei colleghi.

E, almeno all’inizio, a titolo volontario?
GB: Non l'ho considerata un'attività di volontariato, ma parte integrante del mio incarico formativo, e col tempo abbiamo anche ricevuto un parziale compenso.

VZ: Sì, in gran parte. Ma ne è valsa la pena sotto ogni punto di vista.

Su quali aspetti vi siete concentrati in questo lavoro e cosa vi portate dietro di questo periodo?

VZ: Oltre all’organizzazione nel suo complesso, mi sono concentrato sull’allenamento mentale e sulla creazione di una cultura del feedback. È stato affascinante osservare come i bambini e gli adolescenti si assumessero sempre più la responsabilità dei propri processi di apprendimento artistico. Essendo una persona uditiva, ci si occupa dell’ascolto interiore ed esteriore e si cerca di differenziare – con costante dedizione – le abilità cognitive, motorie e strumentali. Si impara molto presto che da ciò derivano nuove domande e nuovi compiti. Far risuonare la musica insieme a persone che condividono la stessa passione ed esplorare come si potrebbe plasmarla o percepirla in modo diverso è incredibilmente motivante.

GB: Quando uno studente dimostra passione, è mio dovere fare di tutto affinché il progetto abbia successo. Sono piuttosto severo ed esigo molto dai miei studenti dal punto di vista sonoro, tecnico e musicale. Per suonare bene occorre un impiego olistico della tensione corporea, la volontà di esprimere qualcosa, un’elevata presenza nel momento e abilità tecnica. Durante i corsi abbiamo potuto approfondire questi aspetti e metterli in pratica nelle esibizioni. Lavorando insieme agli altri, hanno fatto progressi nel pensare con la propria testa, nel percepire le proprie emozioni e nel tradurre con precisione le loro sensazioni. E le esibizioni che abbiamo organizzato li hanno naturalmente motivati a esercitarsi molto di più. «Put the music first» era il nostro motto.

Avete anche voi avuto esperienze con metodi e progetti che inducono bambini e adolescenti a frequentare più a lungo e/o più spesso le scuole di musica e li motivano a esercitarsi con piacere? In tal caso, mi piacerebbe scriverne in un prossimo numero. ScrivetemiMi dice: marianne.waelchli@smpv.ch