900presente ha interpretato "La chiave delle canzoni".

Da dove nasce l'ispirazione per il suo brano "The Key to Songs"?
È stato più di 30 anni fa; a quel tempo, dalla fine degli anni '70 agli anni '80, le compagnie di balletto facevano la mia musica. Ogni pezzo che ho scritto e che è stato registrato è stato eseguito da compagnie di balletto di tutto il mondo. Mi piaceva vederli e volevo scrivere un pezzo per il balletto, ma non me ne commissionavano mai, perché prendevano la mia musica dopo averla scritta e la ballavano. Così ho deciso di scrivere un balletto immaginario. Ho preso un libro di Max Ernst, uno di quelli che si occupano di collage, Una settimana di vacanza (1933) e ho scattato delle foto. Erano come fotografie di una ballerina che volava nell'aria.
Era un libro surreale, quindi c'erano poesie molto strane e surreali sotto ogni immagine.

Ho immaginato come sarebbe stato il balletto prima e dopo che lui fosse in aria e ho creato la musica e la mia coreografia.

Uno dei quadri del libro di Ernst si chiamava La chiave delle canzonie non aveva altro che piccoli punti, nessuna parola. Per me la "chiave delle canzoni" era Schubert. Così ho scelto un frammento di una canzone di Schubert, che si sente, gli archi lo suonano spesso, e gradualmente si trasforma in qualcos'altro. E l'ho usato per il titolo La chiave delle canzoni.
La cosa divertente è che una volta registrato è diventato un balletto! (sorridendo). 3 o 4 compagnie ci ballavano sopra. Alla fine ho scritto 3 balletti immaginari e tutti sono stati coreografati!

Lei ha lavorato con Francesco Bossaglia, che ha diretto il concerto "City Songs" di 900presente a Lugano a fine marzo, per il riarrangiamento del suo brano "The Key to Songs". Com'è stato lavorarci di nuovo, a distanza di anni, con un giovane direttore d'orchestra?
È stato davvero interessante, perché nel corso degli anni quel pezzo è stato suonato molto e registrato. A un certo punto è stato il mio pezzo più suonato - gli ensemble lo suonavano 3-4 volte all'anno e negli ultimi quattro anni è stato suonato 3-4 volte. È molto interessante il fatto che abbia trovato degli errori che io non ho mai colto. È molto difficile correggere la propria musica. Quando la guardi, senti quello che pensi che ci sia, non cogli gli errori. Non sono mai stato molto bravo a leggere la mia musica. Dato che veniva suonata in continuazione, non ho mai pensato che ci fossero altri errori. Quindi trovare altri errori a questo punto è molto interessante. Ricordo brani di altri compositori che avevo suonato quando ero più giovane (ero un clarinettista - suonavo dappertutto) e trovavo errori: per esempio in un brano di Schönberg, dove c'erano note sbagliate, e venivano pubblicate. Pensavo che fosse una follia: come può accadere - e ora sta accadendo anche a me. Non guardavo il pezzo da molto tempo e l'elettronica era diversa fino a poco tempo fa. Fino a poco tempo fa - anche quando l'ho scritto per la prima volta - bisognava suonare esattamente al tempo indicato. All'inizio, i direttori d'orchestra dovevano suonare esattamente a quel tempo e a nessun altro tempo. Nel processo di rifacimento abbiamo scoperto una nuova tecnologia che permette di cambiare il tempo - non qualsiasi tempo, ma all'interno di una gamma di tempi. È stato interessante scoprirlo.

Considerando il contesto odierno delle tecnologie e il fatto che lei è considerato uno dei pionieri della musica elettronica americana, qual è la sua opinione sulla musica elettronica attuale. Dove sta andando?
Beh, non credo che nulla stia andando da nessuna parte! Penso che siamo arrivati al punto in cui ci sono così tante informazioni e così tante persone che fanno così tante cose diverse che non abbiamo una direzione. Penso che, piuttosto che un fiume che va in una direzione, abbiamo un lago in cui cadono continuamente molte rocce e ci sono queste pozze, dove sembra un fiume, perché ci sono molti rivoli, ma non va in nessuna direzione. Non è un male o un bene, è solo una differenza. Una volta c'era l'avanguardia e c'era la musica o l'arte normale e alcune persone facevano delle cose e altre le seguivano e le facevano. Ora c'è solo gente che fa cose diverse.

Ho parlato con i giovani e mi hanno detto "Oh, questo è vecchio!" parlando di qualcosa di 5-6 anni fa e la gente ne scrive come se fosse storia vecchia. Non è nemmeno una generazione: sono solo 5-10 anni. Non vedo le cose muoversi in un'unica direzione; ogni piccola cosa ha la sua forma di vita e con l'elettronica quando ho iniziato - probabilmente abbiamo realizzato il primo sintetizzatore analogico nel '63 (ero un clarinettista che suonava il Concerto di Mozart con le orchestre e andava in tournée) - ero molto affascinato dall'idea che la tecnologia di allora, che non era ancora nata, per la musica avrebbe cambiato tutto perché era così economica.

Negli anni Cinquanta la gente poteva ascoltare la musica in un concerto o magari la domenica mattina alla radio. Ma non era come oggi: significava che solo una piccola percentuale di persone poteva ascoltare la musica.

La mia prima esibizione europea fu al Teatro La Fenice di Venezia, durante la Biennale del 1963. Fui sorpreso da quanto fosse piccolo il teatro d'opera - non era come i teatri d'opera di oggi: 3.000 persone - e quindi la musica era per una piccola parte della popolazione del mondo. Ma con l'elettronica sarebbe stata un'epoca in cui tutti avrebbero potuto ascoltare la musica di chiunque, qualsiasi tipo di musica. Così decisi di mettere da parte il mio clarinetto e di scrivere per gli strumenti musicali e l'elettronica e immaginai che da lì a 100 anni i giovani che non avessero fatto come me (esercitarsi quattro ore al giorno per tutta la vita e scrivere musica, cosa che io ho fatto per tutta la vita), sarebbero arrivati: non sarebbero stati in grado di essere musicisti da concerto, non sarebbero stati in grado di essere virtuosi, ma sarebbero stati in grado di essere creativi. Con la nuova tecnologia avrebbero prodotto nuova musica.

E pensavo che sarebbe stato come Berlioz, un nuovo tipo di Berlioz, un nuovo tipo di musica. Ma non immaginavo che non sarebbero cresciuti con Berlioz - sarebbero cresciuti con la musica popolare, quindi quello che hanno fatto con la tecnologia è stata un'avanguardia della musica popolare - non con Berlioz o Beethoven, o altro. Quindi la direzione che ha preso l'elettronica mi ha sorpreso. Alla fine mi hanno raggiunto...

Sto facendo una prima al Lincoln Center, il materiale promozionale dice che sono il "padre dell'elettronica", che è una sorta di... musica da ballo - non avrei mai immaginato di essere il padre della musica da ballo (ride) o del balletto, addirittura. Ma posso capire perché: Ho usato ritmi e cose che gli altri non facevano. Questa è la sorpresa per me. Nella musica d'arte non vedo un grande aumento dell'uso dell'elettronica. Dove si vede l'avanguardia che usa l'elettronica, la maggior parte di essa è nella musica popolare d'avanguardia. Non sembra più musica popolare.

Sono andato ai festival, sono volato dappertutto per esibirmi e presentare a questi giovani. Il più delle volte non ho un pubblico di persone con più di 30 anni... Mi fa sentire come il vecchio orso - congelato in un'era glaciale e riportato in vita - ma questa musica è cambiata negli ultimi 15 anni. Sta cominciando ad assomigliare sempre di più alla musica d'avanguardia tradizionale. Forse avevo ragione. Forse tra 100 anni, non così lontani, ci sarà un tipo di avanguardia che sarà un nuovo tipo di musica d'arte. Si sta andando in quella direzione. Oggi c'è molta meno musica da ballo in questi festival - molta è piuttosto estrema - quindi forse succederà - ma la maggior parte dell'elettronica nella musica sta andando verso i giovani - che non rimarranno giovani, ovviamente, e continueranno a crescere, facendo musica piuttosto radicale.

Secondo lei, quali sono le somiglianze e le differenze tra la musica elettronica negli Stati Uniti, in Europa e in Asia?
Innanzitutto, quando si parla di musica elettronica, non chiamiamola musica elettronica: i giovani la chiamano musica elettronica, le belle arti la chiamano in un altro modo, ma piuttosto "uso dell'elettronica". Nell'area di cui parlavo poc'anzi, dove l'avanguardia si è sviluppata a partire dalla musica dance popolare, è quasi identica ovunque io sia stato (ho girato il Giappone e fatto molti concerti in Europa).

Per esempio, un paio di anni fa mi sono esibito a Berlino in un vecchio cinema dove era stato appena proiettato un documentario (film) straniero su questo argomento: la crescita dell'elettronica nella musica popolare. Quando sono salito sul palco alla fine, per esibirmi dopo il film, mi sono accorto di avere un pubblico (c'erano circa 800 posti a sedere, e c'erano solo posti in piedi) composto da una grande varietà di età, tutti cresciuti con questo nuovo tipo di musica. Era davvero un nuovo tipo di "situazione artistica".

Mi sono esibito anche in Australia e in Uzbekistan e ho avuto un grande pubblico. Per questo motivo, credo che sia molto simile in tutto il mondo; la gente ascolta la stessa musica, è tutta popolare, ecco cosa significa popolare: tutti la ascoltano.

Ma la "musica d'arte" è molto diversa. L'uso artistico dell'elettronica è nato in luoghi come Tempo Reale a Firenze (che ho contribuito a fondare all'inizio), fondato da Berio, e l'IRCAM a Parigi, fondato da Boulez. In Europa c'è una tradizione che continua. Ma da noi (Stati Uniti) non è così diffusa, non c'è un grande uso dell'elettronica nel mondo dell'arte. Nelle università e in altre cose, se ne sente parlare, ma nel mondo in generale non così tanto. Qui le opere provengono dalla generazione più giovane - per un certo periodo sono state realizzate da Steve Reich. I minimalisti ci hanno colpito molto di più negli Stati Uniti che in Europa. Ma non abbiamo le stesse tradizioni: non abbiamo un Berlioz, non abbiamo un Beethoven, quindi forse alla fine... Non credo che lo avremo mai. È troppo tardi per avere uno Stravinsky. Stravinsky è stato negli Stati Uniti e ha influenzato la gente, ma non veniva dagli Stati Uniti.

Link al sito web: Morton Subotnick