«In Harmonie» gesetzt erfreuten sich Bearbeitungen bekannter Opern und Sinfonien im ausgehenden 18. und beginnenden 19. Jahrhundert grosser Beliebtheit, ebenso die Airs du Mariage de Figaro (deuxième livraison) von Amand Vanderhagens. Für eine stilistische Auseinandersetzung mit der Musik dieser Zeit ist eine Opernbearbeitung besonders gut geeignet: Interpreten und Interpretinnen können auf die Opernvorlage zurückgreifen, ihr Spiel nach dem dramaturgischen Geschehen der Handlung auszurichten. Sie finden in der Gesangsvorlage den Schlüssel für ein sprechend-instrumentales Musizieren. Dies entspricht einem zentralen Anliegen, das Leopold Mozart 1756 in seinem Versuch einer gründlichen Violinschule (S. 108 und 109) formulierte: «Und wer weiss denn nicht, dass die Singmusik allezeit das Augenmerk aller Instrumentisten seyn soll?»

Um dieser Forderung bei der aufführungsorientierten Neuausgabe nachzukommen und um eine differenzierte Ausführung des Vokalparts auf dem Instrument zu ermöglichen, wurden die Libretto-Texte in die Partitur und in das Stimmenmaterial von Vanderhagens Figaro-Bearbeitung übertragen. Der Gestus der italienischen Sprache und der emotionale Gehalt der Arien können dadurch unmittelbar im instrumentalen Vortrag reflektiert werden. Die dazu eingesetzten technischen Mittel wie z. B. differenzierte Artikulationen, kleinräumig ausgearbeitete Dynamik, Profilierung rhythmischer Figuren sowie Phrasierung und agogische Gestaltung erschliessen sich aus dem Sprachduktus. Ausserdem wurden mit freundlicher Genehmigung des Bärenreiter-Verlages die originalen Vortragsbezeichnungen (Artikulation, Dynamik, Bindebögen) aus dem Urtext der Neuen Mozartausgabe in Vanderhagens Bearbeitung übertragen und durch Farbe markiert.

Wie Leopold Mozart vermittelte auch Amand Vanderhagen in seinem Unterrichtswerk Méthode nouvelle et raisonnée pour la clarinette (1785) Hinweise zu einer stilistisch adäquaten Umsetzung der Musik des ausgehenden 18. Jahrhundert. Beide Lehrmeister diskutierten detailliert Fragen hinsichtlich Artikulation, Dynamik, Stimmführung, Rhythmus und Phrasierung. Neben dem praktisch eingerichteten Notenmaterial enthält die Neuedition einen Vergleich einzelner Abschnitte beider Unterrichtswerke. Diese Gegenüberstellungen bestätigen, dass die Violinschule Leopold Mozarts bereits zu seinen Lebzeiten als richtungsweisendes Werk für die Musizierkunst betrachtet wurde und dass sie auch in musikpädagogische Werke späterer Epochen eingeflossen ist.

AIRS du Mariage de Figaro, Mise en Harmonie par Amand Vanderhagen, für 2 Flöten, 2 Klarinetten, 2 Hörner und 2 Fagotte, Neuausgabe von Heinrich Mätzener, Institut für Musikpädagogik, Hochschule Luzern – Musik, 2013
Forschungsbericht und Notenausgabe

Die Grossform, eine Lieblingserscheinung der spätromantischen Musikwelt, wurde anfangs des 20. Jahrhunderts von den jungen Musikern weitgehend abgelehnt. Als mit der frühen Zwölftontechnik, bei Anton Webern beispielsweise, die musikalischen Strukturen so komplex und zerbrechlich wurden, liess dieser sich auf Stücke von wenigen Minuten Dauer ein. In neuerer Zeit tauchen immer wieder Stücke in der Grössenordnung von rund einer Stunde auf. Armin Köhler, Programmleiter am SWF und im Speziellen für die Donaueschinger Musiktage, hat schon seit etlichen Jahren versucht, den Programmen eine bestimmte Thematik zugrunde zu legen. Dieses Jahr ist es nun eben die neu erstandene Grossform, und zwar in allen Programmteilen bis hin zu den Installationen.

Grundlegende Probleme
Das Problem der Grossform: das Publikum immer wieder von Neuem und stetig zu interessieren und dennoch eben eine einheitliche grosse Form zu schaffen. Dies zeigten gleich die zwei Stücke des ersten Abends mit dem grossen SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg unter der gemeinsamen Leitung von Pascal Rophé, Wolfgang Lischke und Christopher Sprenger. Bernhard Lang arbeitet in seinen Monadologien – hier ging es um die 13., genannt «The Saucy Maid» – mit Motivwiederholungen und ihren Veränderungen, und das in einer mechanisierten Struktur, die durch die ewigen Repetitionen rasch langweilt. Dass die zweite Orchesterformation, die sich hinter dem Publikum aufstellt, um einen Viertelton tiefer gestimmt ist, bringt nicht sehr viel und geht im massigen Gesamtklang, wo Klangflächeneinheiten gegeneinander verschoben werden, unter. Ganz anders bei Walter Zimmermann in seinem Suavi Mari Magno Clinamen I-VI für sechs Orchestergruppen, die rund um die Zuhörer verteilt sind und mit mehreren Dirigenten und TV-Übertragungen des Hauptdirigenten über Monitore zusammengehalten werden. Kanonfügungen ergeben eng nebeneinander liegende Zusammenklänge, aber alles ist ständig in Bewegung, mit viel Fantasie, springt hin und her.

Faszinierend und verängstigend zugleich wirkt Speicher für grosses Ensemble (Klangforum Wien) des 44-jährigen Sauerländer Komponisten Enno Poppe, bei dem ein ruhiger Viervierteltakt dirigiert wird, die Töne aber immer nach dem Schlag herunterkugeln, in ihrer Abfolge wohl vom Computer definiert. Der Komponist lässt die Instrumente ständig in exzessiven Höhenlagen schreien, 71 Minuten lang in einer unglaublichen Hektik, und das alles in höchster Präzision, wie ein Uhrwerk. Dieses Klanggeschehen fasziniert, gleichzeitig tun einem die Musiker leid, die unablässig Garben von Tönen spielen müssen, die einfach so eingeübt sein müssen, dass sie ohne nachzudenken abgerufen werden können. Es wirkt unmenschlich, was der schlacksige rothaarige Komponist als Dirigent locker tänzelnd unaufhörlich hervorzaubern kann.

In den ersten Abschnitten gibt uns die Autorin einen historischen Überblick über die Gattung der «Etüde»: Worin liegt der Unterschied zwischen Etüde und Exercice? Was macht eine Salonetüde aus? Und wie fügen sich die Konzertetüden von Chopin und Liszt in diesen Kontext? Auch über das Virtuosentum ganz allgemein weiss die Autorin allerhand Lesenswertes zu berichten: Wie kann sie erworben werden? Wie hängen Virtuosität und Geschwindigkeit zusammen? Ist Virtuosität heutzutage positiv oder negativ besetzt?
All diese Aspekte erläutert Sandra Simone Strack in einer sehr differenzierten, aber gleichzeitig leicht lesbaren Sprache. Der Kern ihrer über 350-seitigen Arbeit liegt dann in der genauen Analyse einiger Klavieretüden des 20. Jahrhunderts: Werke von Skrjabin, Ives, Bartók, Messiaen, Wyschnegradsky, Cage, Kagel und Ligeti. Dabei werden nicht nur die einzelnen Stücke bis in den verborgensten Winkel durchforstet, die Autorin versucht auch auf zahlreichen Tabellen, die Werke anhand vergleichender Statistiken in Beziehung zu bringen. Doch was bringen all diese Zahlen und Fakten? Ein persönliches Fazit lässt sich aus all diesen Bemühungen kaum herauslesen; auch für Kenner der Materie bleibt die Antwort unbefriedigend. Vielleicht wäre es erhellender gewesen, den Bezug zur klavierspielenden Praxis zu suchen und deren Erfahrung einzubringen? Die Aussage der Autorin, «eine Befragung von Pianisten hätte aber auch nur subjektiv gefärbte Werte ergeben», greift doch etwas zu kurz. Sinn und Unsinn von Dissertationen: Ein weites Feld!

Sandra Simone Strack, Die Klavieretüde im 20. Jahrhundert. Virtuose «Fingerübung» für den Interpreten oder Komponisten? Analysen ausgewählter Beispiele, 374 S., € 39.95, Tectum Verlag, Marburg 2013, ISBN 978-3-8288-3166-7

Die FUKA-Verwaltung unterstützt mit der Aktion «kulturelle Produktionen und Veranstaltungen, die besonders überzeugen». Das Angebot umfasst Eintrittskarten für Konzerte, Theater- und Tanzaufführungen, Lesungen und Filmvorführungen sowie Publikationen und CD.

Das detaillierte Angebot wird jeweils eine Woche vor Kiosköffnung im Anzeiger Luzern und auf der Internetseite www.fuka.stadtluzern.ch angekündigt. Der Kiosk ist am Mittwoch, 11. Dezember 2013, 12 bis 13 Uhr, geöffnet.

Die Angebote werden in der Heiliggeist-Kapelle im Stadthauspark abgegeben. Der Eingang in den Stadthauspark befindet sich am Hirschengraben 17b. Pro Person wird maximal ein Angebot abgegeben. Bestellungen und Reservationen sind nicht möglich.

Die Cellokonzerte Carl Philipp Emanuel Bachs erfreuen sich wachsender Beliebtheit. Noch etwas im Schatten der bekannten Sonaten für dieselbe Besetzung des Vaters Johann Sebastian (BWV 1027–1029) stehen die Gambensonaten (Wq 136, Wq 137, Wq 88).

Die jeweils dreisätzig angelegten Kammermusikwerke stammen aus C. P. E. Bachs Berliner Zeit als Cembalist am Hof Friedrichs II. von Preussen. Punkto instrumentaler Attraktivität stehen sie den Sonaten des Vaters in nichts nach. Der deutsche Musikwissenschaftler Ernst Fritz Schmid (1904–1960) schrieb 1931: «Die Gambensoli sind beide sehr dankbar für das Instrument geschrieben; in keinem anderen Kammermusikwerk seiner Berliner Zeit, von einigen Flötensoli abgesehen, hat Bach den Charakter des Instrumentes, für das er schrieb, so sehr berücksichtigt (…)»

Die beiden frühen Sonaten (Wq 136, Wq 137) sind in der Begleitung für Generalbass gesetzt. Die spätere 3. Sonate in g-Moll (Wq 88) verwendet den dreistimmig-obligaten Typus und folgt damit dem Vorbild der Sonaten des Vaters.

Die Henle-Ausgabe lässt nichts zu wünschen übrig: Das Notenbild ist klar und übersichtlich, die Papierqualität hervorragend; die Solostimme enthält Ausklappseiten, mit denen die wendetechnischen Probleme perfekt gelöst sind. Die separate Continuo-Stimme zu den beiden ersten Sonaten enthält zudem die Solostimme im Kleinstich.

Carl Philipp Emanuel Bach, Gambensonaten Wq 88, 136, 137, Ausgabe für Violoncello hg. von Wolfram Ensslin und Ernst-Günter Heinemann, Generalbassaussetzung von Wolfgang Kostujak, mit zusätzlich bezeichneter Violoncellostimme von David Geringas, HN 991, € 35.00,  G. Henle Verlag, München 2012

Seit 2012 werden in Solothurn im Sinne der Nachwuchsförderung bis zu zwölf Förderpreise von je 15‘000 Franken vergeben. Junge Kunst- und Kulturschaffende aller Disziplinen, die Wohnsitz im oder einen engen Bezug zum Kanton Solothurn haben, können sich ab sofort beim Kuratorium für Kulturförderung um einen Förderpreis 2014 bewerben.

Ebenfalls läuft die Bewerbungsfrist für zwei Aufenthalte im Künstleratelier in der Cité International des Arts in Paris für das Jahr 2015 (Januar bis Juni und Juli bis Dezember). Kunstschaffende jeden Alters und aller Disziplinen erhalten die Möglichkeit, während eines halben Jahres in Paris frei arbeiten zu können. Es gelten die gleichen Voraussetzungen wie bei den Förderpreisen.

Wer sich für einen der maximal zwölf Förderpreise 2014 und/oder für den Aufenthalt im Künstleratelier in Paris im Jahr 2015 bewerben will, kann dies bis am 10. Januar 2014 tun. Das Anmeldeformular kann im Internet unter www.aks.so.ch bezogen werden.

pd. Die 54-Jährige gebürtige US-Amerikanerin war bis 2012 Künstlerische Leiterin der Reihe Kunst aus der Zeit der Bregenzer Festspiele. Zuvor war Laura Berman leitende Musikdramaturgin am Theater Freiburg und freischaffende Dramaturgin für die Wiener Festwochen, die Bayerische Staatsoper, die Schwetzinger Festspiele, die Berliner Festspiele, das Ballett der Deutschen Oper am Rhein, das Düsseldorfer Schauspielhaus und das Zürcher Ballett.

Aktuell führt Laura Berman die Künstler- und Projektagentur Laura Berman_Next.
2013 produzierte sie neue Opern von Ben Frost und Shara Worden, zwei Künstlern der alternativen Popszene. In diesem Jahr bereitet Laura Berman drei neue Musiktheater-Produktionen für das Schauspielhaus Wien vor. 2013 war sie zudem freie Mitarbeiterin bei Pro Helvetia und forschte dort über das neue Musiktheater in der Schweiz.

Wie das Theater Basel mitteilt, freut sich der designierte Direktor Andreas Beck auf diese Zusammenarbeit: «Laura Berman hat, ebenso wie ich, den Schwerpunkt ihrer Theaterarbeit in den letzten Jahren im Zeitgenössischen gefunden. In ihr habe ich seit langem eine kompetente und hoch erfahrene Kollegin gefunden, die ein breites Wissen über Oper und modernen Tanz sowie Komponistinnen und Komponisten unserer Zeit besitzt. Den Spielplan nicht von der Klassikerposition, sondern aus der Kunst unserer Zeit, vom zeitgenössischen Künstler oder Kunststück – ob in Oper oder Schauspiel – aus zu denken, ist für mich grundlegend bei der Programmierung des Theater Basel»
 

Die sukzessive Einführung von ganztägigen Betreuungsformen an öffentlichen Schulen entspricht heute weithin einem gesellschaftlichen Bedürfnis und bedeutet einen tiefgreifenden Wandel für die gesamte Bildungslandschaft. In besonderem Mass davon betroffen ist der Musikunterricht an Musikschulen, sowie der private Musikunterricht. Denn je mehr Raum die öffentliche Schule im Leben der Schülerinnen und Schüler beansprucht, desto anspruchsvoller wird es, andere Bildungsaktivitäten – inhaltlich und zeitlich – mit ihr zu vereinbaren. Koordiniert werden müssen zum Beispiel unterschiedliche pädagogische Formen, Einzelunterricht und Gruppenunterricht und nicht zuletzt unterschiedliche institutionelle Formen und Kulturen. So wie es nicht nur ein Ganztagsschul-Modell gibt, gibt es auch im Bereich der Kooperation nicht eine Lösung, sondern eine Vielfalt von Ansätzen. Die Diskussion darüber ist in Österreich, Deutschland und in der Schweiz im vollen Gange. Am weitesten gediehen hinsichtlich der Erörterung verschiedener Kooperationsmodelle zwischen Volksschule und Musikschulen ist die Diskussion in Österreich, wo diese etwa im Rahmen der BAGME (Bundesarbeitsgemeinschaft Musikerziehung im Auftrag des österreichischen Bundesministeriums für Unterricht, Kunst und Kultur) stattfindet. Dass das Niveau der Diskussion und die Berücksichtigung musikpädagogischer Spezifika hier durchaus Vorbildcharakter für die Nachbarländer besitzt, wurde deutlich in Beiträgen zur Kooperation von Schule und Musikschule auf der Primarstufe (Peter Röbke), zu «komplexen Wirkungsnetzen des Musiklernens» (Gerhard Hofbauer) und zu den Herausforderungen, die sich für Musikschulen durch ganztägige Schulmodelle stellen (Michael Seywald). Einen Blick auf die Situation in der Schweiz warfen Werner Schmitt und Gerhard Müller anhand früherer und aktueller Ansätze der Musikschule Konservatorium Bern zur Talentförderung. Beispiele ergänzender ausserschulischer musikalischer Bildungsangebote und -plattformen, die natürlich ebenfalls ganz entscheidende musikalische Impulse vermitteln können, lieferten darüber hinaus ein Rückblick auf die Geschichte des Carinthischen KinderSommers (ein nachhaltiges künstlerisch-pädagogisches Projekt im Rahmen eines grossen Klassikferstivals, Gerda Fröhlich), sowie ein Portrait der Bundesmusikakademie Rheinsberg/D Quartersounds(Ulrike Liedtke). Vorderhand noch Zukunftsmusik ist das Projekt einer Kunstschule Zentralschweiz mit besonderer Begabtenförderung (Urs Vogel).

Kontinuierliche Teilhabe am politischen Prozess unerlässlich
Die Schlussdiskussion brachte ein in allen drei Ländern vorhandenes Unbehagen über die oftmals geringe Priorität zum Ausdruck, welche politische Entscheidungsträger im Zuge bildungspolitischer (Reform-)Projekte musikpädagogischen Problemen regelmässig einräumen («das Ohr der Politik ist häufig weit von uns entfernt»). Es wurde deutlich, dass die Musikverbände sich in Zukunft noch stärker in den politischen Prozess einbringen und auch durchaus konkrete Forderungen an zuständige Behörden richten müssen, statt sich nur fallweise einzubringen oder sich gar nach Rückschlägen von der Politik abzuwenden. Angeführt wurde in diesem Zusammenhang auch der schweizerische Verfassungsartikel «musikalische Bildung», dessen Umsetzung die Verbände trotz glänzendem Abstimmungsergebnis kaum weniger fordert als der vorangegangene Abstimmungskampf.

Musikalische Bildung soll so früh wie möglich einsetzen
Gleichzeitig wurde ein übergeordnetes Problem in der Verankerung von Musikpraxis und musikalischer Bildung in der Gesellschaft geortet. Schon bei der jetzt 30-45 Jahre alten Elterngeneration sei häufig eine Musikferne zu beobachten, vor allem was die klassische E-Musik betrifft. Weil die musikalische Bildung auch nicht erst in Kindertagesstätten stattfinden kann, im Gegenteil schon zu Hause in der Familie einsetzen müsste, wären nun eben auch die Eltern Auszubildende – was beispielsweise durch Angebote wie Eltern-Kind-Singen geleistet werden kann. Insgesamt zeigte die Runde sich zuversichtlich, dass kommende SchülerInnen-Generationen wieder vermehrt und dauerhaft für das aktive Musizieren gewonnen werden können. Das glänzende Abendkonzert «Alle Neune!! Plus eins (=Südtirol)» (Österreichische Landesjugendchöre) dürfte zu dieser Zuversicht beigetragen haben.

Den hundertsten Geburtstag des am 8.März (23.Februar) 1913 in Clarens am Genfersee beendeten und am 29. Mai in Paris uraufgeführten Balletts würdigt die Paul-Sacher-Stiftung Basel mit einer wörtlich gewichtigen Jubiläumsausgabe in drei Bänden. Nebst den Faksimiles der Partiturreinschrift und der Klavierfassung zu vier Händen veröffentlichte sie einen Avatar of Modernity. The Rite of Spring Reconsidered betitelten Studienband mit 18 reich illustrierten Essays in englischer Sprache. In der von Hermann Danuser und Heidy Zimmermann herausgegebenen Textsammlung wechseln Untersuchungen zur Entstehung und Rezeptionsgeschichte mit solchen zu den mythischen und folkloristischen Quellen dieser «Jahrhundertkomposition» ab. Obschon auch das Bildmaterial mit Entdeckungen aufwartet, irritiert doch der Umstand, dass das Programm der Uraufführung zweimal zu sehen ist, Abbildungen der Erstausgaben der vierhändigen Klavierversion (1913) und der kriegsbedingt später erschienenen Partitur (1921) jedoch fehlen.

In seiner Einführung zur Reproduktion von Strawinskys Reinschrift der Partitur im Grossformat 45 x 34 cm geht Ulrich Mosch auch auf die verschiedenen Schichten nachträglicher Korrekturen, auf die späteren Metronomangaben und Tempobezeichnungen akribisch ein. Er informiert sogar über jene verschollene Kopistenabschrift, welche der Dirigent Pierre Monteux unter Berücksichtigung der vom Komponisten in den Proben eingetragenen Korrekturen für die Uraufführung benutzte. 1974 erwarb Paul Sacher die in schwarzer Tinte verfertigte Partiturreinschrift, die wichtigste Quelle zu dem revolutionären Meisterwerk, direkt von Strawinskys Witwe. Der Komponist hatte, bis er es 1967 nach langwierigem Revisionsprozess als Version letzter Hand veröffentlichte, seit den Proben zur Uraufführung zahlreiche Änderungen notiert. Erstaunlicherweise lieh er die zum unersetzlichen Handexemplar gewordene Reinschrift noch 1920/21 aus, als Vladimir Golschmann und Ernest Ansermet die nach der Uraufführung zweite Ballettproduktion dirigierten.

Selbst über blaue Eintragungen von Dirigenten und rote Bezeichnungen durch Mitarbeiter des Russischen Musikverlages (Berlin), über ein seitenverkehrt eingebundenes Blatt und über die beiden Restaurierungen, die das hochkarätige Manuskript über sich ergehen lassen musste, informiert der Herausgeber ebenso kenntnis- wie detailreich.

Strawinskys eigenhändige Bearbeitung für Klavier zu vier Händen war bereits wenige Tage vor der Uraufführung der Orchesterpartitur in Sergej Kussewitzkys Russischem Musikverlag im Druck erschienen. Das in ungewohnter Form überlieferte Manuskript, das sich nach wie vor im Besitz von Strawinskys Nachkommen befindet, setzt sich aus zwei kollaborativ entstandenen Teilen zusammen. Der erste liegt in einer Kopistenabschrift vor, der zweite in des Komponisten säuberlicher, gestochen scharfer Reinschrift mit dem Vermerk «Réduction pour piano à 4 mains par l’auteur». Der Herausgeber Felix Meyer, Direktor der Paul-Sacher-Stiftung, beschreibt nicht nur die «Vorpremieren» des Balletts am Klavier und die Vorgeschichte dieser mehrfach eingespielten Version, sondern auch die vielen nachträglichen Korrekturen ausführlich und spannend anschaulich.

Igor Stravinsky, Le Sacre du printemps, Jubiläumsedition, Faksimile der Partiturreinschrift, hg. von Ulrich Mosch, 146 S., € 175.00, Verlag Paul Sacher Stiftung (Boosey & Hawkes), London 2013, ISBN 978-0-85162-813-4 (vergriffen)

id., Faksimile der Klavierfassung zu vier Händen, hg. von Felix Meyer, 118 S., € 99.00, ISBN 978-0-85162-822-6

Avator of Modernity. The Rite of Spring Reconsidered, hg. von Hermann Danuser und Heidy Zimmermann, 502 S., € 79.00, ISBN 978-0-85162-823-3

Das dem vorliegenden Werk zugrunde liegende Fragment aus der Feder Felix Mendelssohns umfasst einen Choralsatz von O Haupt voll Blut und Wunden sowie eine unvollendete Variation dazu, die nach gut 26 Takten abbricht. Es ist nicht mit Sicherheit belegt, dass Mendelssohns Fragment mit jener Improvisation im Zusammenhang steht, die er am 6. August 1840 in der Leipziger Thomaskirche spielte und über welche Schumann berichtet: «Den Schluss machte eine Phantasie Mendelssohns (…); sie war auf einen Choral, irr’ ich nicht, auf den Text ‹O Haupt voll Blut und Wunden› basirt, in den er später den Namen Bach und einen Fugensatz einflocht, und rundete sich zu einem so klaren, meisterhaften Ganzen, dass es gedruckt ein fertiges Kunstwerk ergäbe».

Anlässlich einer Konferenz in Leipzig diente das Fragment dem St. Galler Organisten und Stil-Improvisationsspezialisten Rudolf Lutz zunächst als Grundlage für eine improvisierte Fassung, die dann in einem zweiten Arbeitsschritt zur hier publizierten schriftlichen Ausarbeitung wurde. Ein interessanter Arbeitsbericht, publiziert im Kongressbericht Diess herrliche, imponirende Instrument – Die Orgel im Zeitalter Felix Mendelssohn Bartholdys (Breitkopf und Härtel 2011, inkl. Einspielung der Sonate), dokumentiert Lutz’ Vorgehensweise und zeigt eindrücklich, wie sich analytisch-stilkundliche Überlegungen zum mendelssohnschen (Orgel-)Komponieren und der kreative Zugriff des erfahrenen – und insbesondere (wie Mendelssohn) an Bach geschulten – Improvisators durchdringen, gegenseitig anregen und ergänzen. Das Resultat: ein gut viertelstündiges Werk, das ein willkommenes Pendant zu den sechs «kanonischen» Sonaten Mendelssohns darstellt und sich (nicht zuletzt durch einige charmante Anklänge an originale Werke des Komponisten) dessen Idiom perfekt annähert. Trotz aller Kunstfertigkeit entsteht aber nie der Eindruck eines «über-komponierten» Satzes; die Sonate behält die Frische und den Impetus einer hervorragenden Improvisation.

Spieltechnisch sind die drei Sätze ungefähr im Bereich der schwereren (3./4.) Sonaten Mendelssohns anzusiedeln. Auch wenn von 18 Partiturseiten nur gerade deren zwei auf Mendelssohn zurückgehen und der Rest erst 2007 entstanden ist. Mit dieser «neuen» Sonate dürfte das Repertoire der deutschen Frühromantik eine interessante Bereicherung finden!

Felix Mendelssohn Bartholdy / Rudolf Lutz. Sonate in d über «O Haupt voll Blut und Wunden» für Orgel MWV W 27, Edition und Ergänzung eines Fragments aus der Bodleian Library Oxford. Carus 18.120/00, € 15.50, Carus Verlag, Stuttgart 2013

Im Bestreben das Singen in der Familie zu fördern, hat der Carus-Verlag bereits eine ganze Reihe schön gestalteter Liederbücher herausgegeben (vergl. SMZ 4/2010, S. 35), auch einen Band für Weihnachten. Die Weihnachtslieder liegen ebenfalls in chorischen Sätzen vor, und zwar in mehreren Versionen: für vierstimmig gemischten Chor, für dreistimmigen Chor mit zwei Frauen- und einer Männerstimme und ganz neu auch für gleichstimmigen Chor (SSA/SSAA). Die Bände bieten einen grossen Fundus an stilistisch vielfältigen und gut singbaren Arrangements aus allen Epochen. Für die Chorsätze konnten zahlreiche renommierte Komponisten aus Polen, Dänemark, England, Japan Südamerika, Italien, den Niederlanden und Litauen gewonnen werden. Daneben sind traditionelle Sätze vertreten.

Das dreistimmige Chorbuch trägt der aktuellen Besetzungssituation Rechnung. Es bietet 84 Sätze mit leichtem bis mittlerem Schwierigkeitsgrad. Das vierstimmige Buch richtet sich an Chöre mit grosser Besetzung. Es enthält rund 130 Arrangements mit vier bis acht Stimmen. 69 Sätze sind im Band für gleichstimmigen Chor zu finden. Die Ausführung kann a cappella oder mit Tasteninstrument erfolgen. Den Ausgaben für Chorleiter liegt jeweils eine CD-Einspielung bei mit einer Auswahl von Liedsätzen, aufgenommen mit dem Orpheus-Vokalensemble resp. dem Ulmer Spatzenchor.

Weihnachtslieder, Chorbuch dreistimmig, für Frauenstimmen und eine Männerstimme a cappella oder mit Tasteninstrument, hg. von Armin Kircher; Chorleiterband mit CD, CV 2.130/00, € 29.90; Chorausgabe, CV 2.130/05, € 14.90; Carus, Stuttgart 2012

id., Chorbuch vierstimmig, für vier oder mehr Stimmen a cappella oder mit Tasteninstrument, hg. von Klaus Brecht und Klaus K. Weigele; Chorleiterband mit CD, CV 2.140/00, € 34.90; Chorausgabe, CV 2.140/05, € 16.90

id, Chorbuch gleichstimmig (SSA/SSAA), hg. von Klaus K. Weigele, Klaus Brecht und Hans de Bilde, Chorleiterband mit CD, CV 2.135/00, € 23.90; Chorausgabe, CV 2.135/05, € 11.50 Carus, Stuttgart 2013

Die Sammlung Clarinet trios from around the world beinhaltet zehn Trios in verschiedenen Musikstilen aus aller Welt, herausgegeben von Florian Bramböck. Der österreichische Komponist und Arrangeur steht als Saxofonist mit verschiedenen Bands auf der Bühne und war Mitglied im Vienna Art Orchestra. Daneben ist er als Pädagoge in Salzburg und Linz tätig.

Die Hälfte der Stücke sind Eigenkompositionen von Bramböck, der Rest besteht aus Arrangements bekannter Titel: Da ist der Dreissigerjahre-Hit Bei mir bist du scheen zu finden nebst Miriam Makebas Klassiker Pata Pata oder der irischen Ballade Danny Boy. Die Arrangements klingen sehr gut, sind schwungvoll und gehen nicht einfach geradeaus vorwärts, sondern warten mit interessanten harmonischen oder rhythmischen Wendungen auf. Bei den Eigenkompositionen bietet Bramböck eine orientalisch verspielte Danse Marocaine, einen mitreissenden Boogaloo Mardi Gras oder einen rhythmisch herausfordernden Cha-Cha-Cha mit dem lustigen Titel El puesto de las butifarras (Die Bratwurstbude).

Die Stücke bewegen sich auf einem leichten bis mittleren Schwierigkeitsgrad und setzen bei Schülern rhythmische Sicherheit und Erfahrung im Zusammenspiel voraus. Technisch stellen sie keine übermässigen Anforderungen an die Ausführenden. Der Tonumfang bewegt sich in der Regel bis c‘‘‘, geht aber bei einzelnen Stücken in der ersten Stimme auch bis maximal e‘‘‘. Durch die Auswahl genretypischer Musikstücke ermöglicht es Bramböck, im Ensemble-Unterricht verschiedene Stile exemplarisch zu erarbeiten.

Sämtliche Stücke aus diesem Heft glänzen gleichermassen durch Spielspass für die Ausführenden und Hörvergnügen fürs Publikum.
 

Florian Bramböck, Clarinet trios from around the world, UE 35568, € 19.95, Universal Edition, Wien 2013

Unter dem Titel Spiel mir eine alte Melodie haben sich verschiedene kirchliche Verbände in Zusammenarbeit mit zwei renommierten Verlagen – dem Reclam- und dem Carus-Verlag – des Themas «Singen kennt kein Alter!» angenommen.

Nachdem schon 2012 eine vergleichbare Publikation mit den schönsten alten Kirchenliedern entstanden ist, stellt Spiel mir eine alte Melodie bekannte Schlager der Zwanziger- bis Fünfzigerjahre vor, Kanons, Gassenhauer und ausgewählte Volkslieder in einem ansprechenden, von Barbara Trapp schön illustrierten, gebundenen Buch. Das Liederbuch erscheint im Grossdruck; die Liedsätze in tiefen Tonlagen.

Zwar stimmt es, dass sich ältere Stimmen in tieferen Lagen wohler fühlen, aber nicht jede ältere Stimme mutiert zum Bass oder zum Alt! Bei einigen Liedern hätte man die Tessitur etwas optimistischer ein wenig nach oben anpassen können.

Akkordsymbole über den Melodien ermöglichen eine einfache und unkomplizierte Begleitung. Eine sehr gelungene Ausgabe!

Spiel mir eine alte Melodie, Die schönsten alten Schlager und Volkslieder. Neues Liederbuch der Initiative «Singen kennt kein Alter!», 128 S., € 19.95, Carus/Reclam, Stuttgart 2013, ISBN 978-3-89948-181-5

«Krimizeit, es ist wieder mal Krimizeit, und wir freu’n uns auf Diebstahl, Entführung, Erpressung und Mord. Krimizeit – ein neuer Fall, höchst dubios, die Polizei noch ahnungslos, der Kommissar jedoch bleibt cool.» So beginnt das kleine Musical für einstimmigen Chor, zwei Sprecher und Klavier. Krimi auf die Bühne! Spannung ist angesagt – Blaulicht und Alibi inklusive. Max ist übrigens der Täter, soviel sei hier schon verraten. Aber wird er gefasst? Von wem?

Krimizeit ist witzig und hat Fahrt. Temporeich und musikalisch versiert führt es durch den imaginären Fernseh-Krimiabend, unterbrochen durch Werbung, wie im richtigen Fernsehen. Die kurzen Sprechtexte und die anschaulichen Wendungen in den Liedtexten bieten Möglichkeiten für kleine szenische Gestaltungen. Kinder und Jugendliche ab 11 Jahren sind als Sänger, Darsteller und Mörder gefragt.

Die Reihe Kinderchor bei Fidula von Uli Führe hat nunmehr elf Bände, der jüngste setzt das Märchen Hans im Glück in Musik. Jeder Band ist stilistisch und thematisch eigen, aber alle Bände verknüpfen Musik (Chor und Ensemble) mit Literatur und Szene.
 

Harald Denzler, Krimizeit, Ein spannendes Vergnügen in 4 Liedern mit kurzen Sprecheinlagen, für einstimmigen Chor ab 11 Jahren, zwei Sprecher und Klavier (=Der Kinderchor bei Fidula 10), Best.Nr. 520, Euro 7.90, Fidula-Verlag, Boppard 2012