Gewöhnlich hat die Gitarre sechs Saiten. Doch Urs Güntensperger spielt die romantischen Stücke meist auf einem 13-saitigen Instrument. Vor allem in den fülligen Tiefen machen sich die frei schwingenden Bordunsaiten bemerkbar. Doch auch im Diskant geht es höher als gewohnt: bis zum vier gestrichenen d, das sowohl Napoléon Coste fordert wie auch sein romantischer Komponisten-Kollege Johann Kaspar Mertz.

Zumindest innerhalb einer oft übersehenen Gitarren-Gemeinde sind Coste und Mertz alte Bekannte. Beeindruckende Titel wie Grande Serenade (Coste) oder Grande Fantaisie (Mertz) können aber Schwächen kaum verbergen. Güntensperger spricht von «Kabinettstückchen». Virtuoses Feuer entfachen sie also, nur die Wärme will nicht kommen. Stereotyp klingen jene Arpeggien, dazu kommen Wiederholungen, mangelnde Entwicklung, harmonische Redundanz. Salonmusik ist es wohl, nicht aber höhere Kunstmusik.

Das gitarristische Literaturproblem ist bekannt. Selbst eifrigste Interpretationsarbeit, die auch Güntensperger leistet, kommt an ihre Grenzen. Ein Ausweg aus der Misere besteht in Transkriptionen, die sich Gitarristen in der Regel selbst schreiben. Johann Sebastian Bachs Partiten und Suiten sind beliebt, manch vermessener Virtuose adaptierte sogar Bilder einer Ausstellung. Urs Güntensperger beweist mehr Geschmack. Er entschied sich für eine Bearbeitung dreier Klavier-Intermezzi aus op. 117 und op. 118 von Johannes Brahms. Ihr lyrischer, nachdenklich-intimer Charakter schmiegt sich der Gitarre schön an. Keine aufdringliche Effekthascherei, dafür hübsche Farbtupfer, die Güntensperger mit Flageoletts setzt. Der Ton bleibt einheitlich, das Tempo in schön ruhigem Puls. Am Ende also ein sehr ambivalentes Bild, verknüpft mit der Frage: Vielleicht eignet sich noch mehr von Brahms oder Schubert für die Gitarre?

Romantica – Gitarrenmusik des 19. Jahrhunderts. Werke von Mertz, Brahms, Coste und Manjón. Urs Güntensperger, 13-saitige Gitarre. swiss pan SP51 733

Die drei Instrumentalisten um die Sängerin Barbara Berger wollen, obwohl sie auf Violine, Hackbrett und Kontrabass spielen, keine Streichmusik sein und schon gar nicht eine Ländlerkapelle. Und dennoch darf das Ensemble Silberen, das seinen Namen nach dem silberhellen Fels am Pragelpass im Kanton Schwyz gewählt hat, der traditionellen Musik zugeordnet werden. Die 16 Tracks des neuen Albums Blumenstein lassen sich mit drei Ausnahmen – den Kompositionen Randal von Barbara Berger, Wald Eingang von Christian Schmid und Annebäbi im Säli von Hannes Boss, der Bühnenmusik zum gleichnamigen Stück von Beat Sterchi – auf alte Schweizer Melodien zurückführen. Sie sind Volksliedersammlungen oder Tonträgern entnommen und in eigenschöpferischen Begleitungen auf den erwähnten Instrumenten, aber auch mit Harmonium, Hanottere (Emmentaler Halszither), Guitalele (kleine Gitarre von der Grösse einer Ukulele) und Schlagwerk in ungewöhnlichen Klangfarben und nervigen Rhythmen verfremdet und erneuert worden.

In umfassender Vorarbeit haben sich die Jodel-Dozentin an der Musikschule Konservatorium Bern und ihre Begleiter mit den wichtigsten Liedersammlungen der deutschsprachigen Schweiz (Sammlung von Schweizer=Kühreihen und Volksliedern, hg. von Johann Rudolf Wyss, Bern 1818; Das Volkslied im Appenzellerland, hg. von Alfred Tobler, Zürich 1903; Im Röseligarte, hg. von Otto von Greyerz, 6 Bändchen Bern 1908–1925; Was unsere Väter sangen, hg. von Alfred Leonz Gassmann, Basel 1961; Anderi Lieder, hg. von Urs Hostettler, Gümligen 1979 u. a. m.) auseinander gesetzt und den 1979 von Hugo Zemp publizierten Tonträger Les Jüüzli du Muotatal studiert.

Als besonders interessant gelten unter diesen Recherchen die Plötsche Mazurka aus einer unbekannten Handschrift in Privatbesitz und der solistisch gesungene Naturjuuz aus Wolfgang Sichardts Monografie Der alpenländische Jodler, Hahnefeld 1939.

Die fünf Musiker in schwarz-weisser Kleidung und die Gestaltung der neuen CD aus dem Zytglogge-Verlag, eine graue Scheibe mit silbernem Rand und ein weisses, schwarz bedrucktes Cover mit einem Hauch von Himmelblau, deuten auf den musikalischen Inhalt: Lieder über eine Kindsmörderin, eine Todkranke und über das Heimweh; Naturjodel auf blosse Silben ohne Wortbedeutung und dennoch voller Sinn.

Silberen ist ein volksmusikalisches Kammer-Ensemble, das hohe Ansprüche an die Interpreten und Zuhörer stellt.

Insgesamt wurden zum diesjährigen KHS-Wettbewerb 83 junge Instrumentalistinnen und Instrumentalisten sowie Sängerinnen und Sänger eingeladen. Die je mit 15’000 Franken dotierten ersten Preise sind Benedek Horváth (Klavier) und Valerio Lisci (Harfe) zugesprochen worden. Horváth ist zudem mit dem Collard Preis ausgezeichnet worden. Letzterer besteht aus einem finanziellen Ausbildungsbeitrag während eines Jahres.

Zweite Preise (je 10’000 Franken) erhalten haben: Pablo González Balaguer (Saxophon), Leonor Dill (Klavier), Harun Bugran Yüksel (Klavier), Anton Spronk (Violoncello), Carlos Tarancón (Fagott), Sherniyaz Mussakhan (Violine), Alejandro Oliván López (Saxophon),  Sandrine Droin (Sopran) und Jansen Ryser (Klavier).

Der Kiefer Hablitzl Preis richtet sich an in der Schweiz lebende junge Musiker und Musikerinnen, die im Besitz eines anerkannten Berufsdiploms sind. Die Altersgrenzen sind auf 28 Jahre für Instrumente und auf 30 Jahre für Gesang festgesetzt.
 

Der inhaltliche Fokus des Büros soll im Eröffnungsjahr auf den visuellen Künsten, dem Design und den performativen Künsten liegen. Geplant sei zudem, schreibt Pro Helvetia, dass Schweizer Schriftstellerinnen und Schiftsteller ihre übersetzten Werke an Buchmessen oder Festivals vorstellen können. Neu baut das Verbindungsbüro ein Residenzprogramm auf, das schweizerischen und russischen Künstlerinnen und Künstlern mehrmonatige Aufenthalte im jeweils anderen Land ermöglicht.

Das Verbindungsbüro wird von vier lokalen Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern geführt, welche vor Ort gut vernetzt sind. Nach Kairo, Johannesburg, New Delhi und Shanghai ist Moskau das fünfte Verbindungsbüro von Pro Helvetia. Zudem unterstützt die Stiftung die Kulturprogramme der Schweizer Institute in Rom, Venedig, Mailand und New York sowie der swissnex in San Francisco und führt das Centre culturel suisse in Paris.
 

Evelinn Trouble lebt und arbeitet in Zürich und Berlin. Ihr erstes Album «Arbitrary Act», für welches sie alle Instrumente selbst einspielte, veröffentlichte sie 2007 als Maturaarbeit. Seit 2007 ist die Sängerin und Musikerin in verschiedenen Formationen und Bands im In- und Ausland unterwegs.

Evelinn Trouble bewege sich gekonnt zwischen den Genres: Mal sei ihre Musik schroff und rockig, mal düster mit Synthesizern versetzt, mal seien es traumähnliche Balladen mit hymnischen Refrains, heisst es in der Mitteilung des Kantons.

Im letzten Herbst hat der Regierungsrat des Kantons Zürich festgelegt, dass künftig zwei Förderpreise à je 30‘000 Franken vergeben werden statt wie bisher ein Förderpreis à 40‘000 Franken. Der zweite geht dieses Jahr an den Bildenden Künstler Reto Boller. Er lebt und arbeitet in Zürich und Stuttgart, wo er seit 2007 eine Professur für Malerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste innehat.

Der mit 50‘000 Franken dotierte Zürcher Kulturpreis geht in diesem Jahr an den Mitbegründer des Unionsverlages und Büchermacher Lucien Leitess. Die Goldene Ehrenmedaille des Kantons geht an das «sogar theater», das 1998 von Peter Brunner und Doris Aebi in einem Hinterhof nahe der Langstrasse im Zürcher Kreis 5 gegründet wurde.
 

Das Mainzer Verlagsarchivs B. Schott’s Söhne konnte von der Bayerischen Staatsbibliothek 2014 unter anderem gemeinsam mit der Staatsbibliothek zu Berlin durch das Engagement zahlreicher Drittmittelgeber erworben werden. In der Bayerischen Staatsbibliothek werden 40 Druck- und Stichbücher aus dem Geschäftsarchiv, historische Briefe und Musik-Handschriften aus dem Bereich des Safearchivs, der Quellenbestand des Herstellungs-Archivs (Zeitraum rund 1780 bis 1840) und das Erstausgaben-Archiv konservatorisch gesichert, katalogisiert und – sofern gemeinfrei – digitalisiert.

Des Weiteren ist die Entwicklung eines übergreifenden Online-Portals für die gemeinsame Präsentation und Durchsuchbarkeit aller laufend erstellten Katalogisate und Digitalisate aus dem Schott-Archiv geplant.

Die handschriftlichen Opernpartituren des 18. Jahrhunderts der Bayerischen Staatsbibliothek, ein Bestand von mehr als 200 Werken in über 400 Bänden, werden über drei Jahre katalogisiert, digitalisiert und im Internet bereitgestellt. Der umfangreiche Bestand handschriftlicher Partituren von Komponisten wie Pietro Torri und Andrea Bernasconi, die in unmittelbarem Zusammenhang mit Münchner Aufführungen stehen, bildet einen wesentlichen Schwerpunkt der Sammlung.

Der 1978 in Rapperswil geborene Michael Pelzel hat an den Musikhochschulen von Luzern, Basel, Stuttgart, Berlin und Karlsruhe studiert, unter anderem bei Dieter Ammann, Detlev Müller-Siemens, Georg-Friedrich Haas, Hanspeter Kyburz und Wolfgang Rihm. Der vielfach ausgezeichnete Michael Pelzel ist als freischaffender Komponist und Organist tätig. Er unterrichtet zudem sporadisch an Musikhochschulen im Bereich Musiktheorie.

Lisa Streich ist Schülerin von Adriana Hölszky, Johannes Schöllhorn, Mauro Lanza und William Brunson. Simon Steen-Andersen unterrichtet Komposition an der Staatlichen Hochschule für Musik im dänischen Aarhus, darüber hinaus war er Gastprofessor an der Norwegischen Musikhochschule in Oslo und Dozent bei den Ferienkursen für Neue Musik Darmstadt.

Wie entwickelt sich (traditionelle) Musik in Zeiten der Globalisierung? Dies ist eine der Kernfragen, mit denen sich der Schweizer Musikethnologe Max Peter Baumann seit Jahren beschäftigt. Das war so während seiner Lehrtätigkeiten in Bamberg (später: Würzburg) und Berlin, und das spiegelt sich in zahlreichen Vorträgen und Publikationen wider.

Den Diskurs über damit zusammenhängende Fragen habe er immer wieder belebt und vorangetrieben, heisst es in der Begründung zur Ehrung; damit habe er Kollegen wissenschaftlich herausgefordert und ungezählt viele Studierende für ihren späteren Lebensweg geprägt. «Wir gehen die Wege ohne Grenzen» heisst eine seiner Publikationen (über die Musik der Sinti und Roma). Es könnte auch als Motto über Max Peter Baumanns eigenem (beruflichen) Leben stehen.

Der 1944 im urnerischen Altdorf geborene Max Peter Baumann promovierte an der Universität Bern und wirkt heute als Professor für Ethnomusikologie an der Universität Bamberg. Seit 1988 gibt er die Zeitschrift «the world of music» heraus, die dreimal im Jahr erscheint.

Co Streiff hat sich nach einer klassischen Querflöten-Ausbildung am Saxofon mehrheitlich autodidaktisch durch sämtliche Stücke und Stile gespielt. Ihre Musik sei heute geprägt von der Tradition, aber auch «von der Eigenständigkeit derjenigen, die sich vieles selber erarbeiten mussten», schreibt der Kanton. Von dieser Basis aus sei sie eine der bedeutendsten Schweizer Jazz-Musikerinnen geworden. Auch weil sie, wie die Jury betont, als Pionierin die Strukturen erst schaffen musste, in denen sich heute viele Jazzmusikerinnen bewegen.

Auf ihrer künstlerischen Suche interessiert sich Co Streiff auch für Volksmusik im Grenzbereich zum Jazz. Nach mehrmonatigen Tourneen durch Europa, aber auch Nigeria, Ghana, Benin, Namibia, Zimbabwe, Ägypten, Kuwait und Kirgistan dokumentieren zahlreiche Tonträger, diverse Auszeichnungen und Kompositionsaufträge ihr künstlerisches Wirken. Streiff hat überdies mit Grössen wie Irène Schweizer oder Fred Frith zusammengearbeitet.

Die Auszeichnung wird der Musikerin am 20. Mai 2017 um 13 Uhr in der Alten Reithalle in Aarau übergeben. Die Laudatio hält der Kulturjournalist Manfred Papst.
 

So wie in unserem Leben der Schlag unseres Herzens und das Ticken der Uhr den Rhythmus bestimmen, so gibt in der Musik das Metronom das Tempo vor.
Als Johann Nepomuk Mälzel vor rund 200 Jahren das mechanische Metronom erfand, machte er damit die musikalische Zeit zu einer messbaren Grösse. Seither gehörte das unbestechlich tickende Gerät ganz selbstverständlich zur Ausstattung eines Musikers. Doch im Zuge der Digitalisierung ist das Metronom als physisches Objekt im Verschwinden begriffen. Für das Museum für Musik in Basel war das Grund genug, dem Metronom eine Sonderausstellung zu widmen. Trotz der geringen Ausstellungsfläche, die den Kuratoren dort zur Verfügung steht, beleuchten sie die Thematik von Tempo und Takt von allen Seiten – von der Wahrnehmung des eigenen Herzschlags bis hin zum Taktgefühl im zwischenmenschlichen Zusammenleben.

Gleich der erste Raum im Untergeschoss ermöglicht einen direkten, interaktiven Einstieg. Dort kann man den eigenen Puls messen, der im Ruhezustand durchschnittlich bei 60 bis 100 Schlägen pro Minute liegt. Mit der so gewonnenen Tempoangabe steigt man auf ein Laufband, wo man die Geschwindigkeit des eigenen Herzschlags unmittelbar körperlich als Laufgeschwindigkeit erfährt. Schade ist, dass hier nicht die direkte Brücke zum musikalischen Tempo geschlagen wird: Das Laufband lässt sich nicht in Geschwindigkeiten wie «presto», «andante» o. ä. einstellen.
An einer anderen Station kann der Besucher seine Präzision beim Nachspielen eines rhythmischen Musters erproben und dabei herausfinden, dass es unmöglich ist, so genau zu sein wie eine Maschine – eine Tatsache, die zur Entwicklung des «Humanizer»-Effekts geführt hat, der auch in programmierte Beats minimale Ungenauigkeiten einbaut, um sie menschlicher klingen zu lassen. Welches Tempo man bei verschiedenen Musikstücken bevorzugt, kann man an einer Hörstation bestimmen, die einem Lieder in unterschiedlichen Geschwindigkeiten vorführt, mit Abstufungen von je 40 bpm (beats per minute). Das ist ein so gravierender Unterschied, dass sich die Beispielsongs entweder wie Musik aus der Gruft oder wie das Erzeugnis wahnsinniger Mickey-Mäuse anhören. Ein geringerer Abstufungsgrad hätte da vielleicht zu Ergebnissen geführt, die sich ernster nehmen lassen.

Der Geschichte und der Konstruktion des Metronoms, das auf dem Prinzip des Pendels beruht, widmet sich eine Stellwand im Obergeschoss. Auch hier kann der Besucher selber Hand anlegen, indem er an einem Pendelmodell ausprobiert, wie sich die Frequenz der Schläge mit unterschiedlicher Kettenlänge verringert oder erhöht, oder indem er an einem übergrossen Metronom ein Gewicht nach oben oder unten verschiebt, so dass sich das Tempo verändert, das der schwankende Zeiger anzeigt. Im Obergeschoss sind in grossen Glasvitrinen auch die 175 Metronome, Taktgeber und musikalischen Zeitmesser des britischen Sammlers Tony Bingham ausgestellt. Weil die akustische Ebene eigentlich untrennbar zu diesen Geräten dazugehört, wird von Zeit zu Zeit das vielstimmige Geräusch der Metronome per Lautsprecher eingespielt. Die Vielzahl der Sammlerstücke, die den Zeitraum von 200 Jahren abdecken, macht auch noch auf andere Art und Weise das Vergehen der Zeit erfahrbar, weil die verschiedenen Materialien und Designs von Blattgold bis zu rotem Plastik vor Augen führen, wie sehr sich die Welt in diesem Zeitraum verändert hat.

Ausstellungsstücke und Filmausschnitte geben Einblicke in weitere Verwendungsweisen des Metronoms, das nicht nur als Taktgeber im Musikunterricht diente, sondern auch als Hilfsmittel in der Forschung. So wurde beispielsweise Pawlows berühmtes Experiment mit dem Hund zunächst mit einem Metronom ausgeführt. Und schliesslich inspirierte das Metronom Komponisten wie György Ligeti und Mauricio Kagel dazu, es als Musikinstrument zu verwenden.

Dass den Schlägen eines Metronoms eine geradezu sinnliche Qualität innewohnen kann, zeigt das Al-Pen-Del des Schweizer Künstlers Lukas Rohner, das extra für die Sonderausstellung im Museum für Musik entstanden ist. Eine grosse Milchkanne ist an einem langen Seil im Treppenhaus aufgehängt. Wird dieses Milchkannenpendel in Bewegung versetzt, berührt es bei seinem langsamen Hin-und-Her klingende Kuhglocken. So ruft das Al-Pen-Del eine meditative Stimmung hervor: ein riesiges Metronom, das der hektischen Betriebsamkeit des Alltags ein entschleunigtes Tempo entgegensetzt.
 

Anlässlich des 41. Internationalen Circus Festivals (19. bis 29. Januar 2017) wurde Reto Parolari für seine grossen Verdienste innerhalb der Zirkusbranche und speziell für seine mittlerweile 22-jährige Tätigkeit als Chefdirigent des Festival-Orchesters in Monte Carlo mit dem Förderpreis der «Schweizer Circus-, Varieté- und Artistenfreunde» ausgezeichnet. Nebst der Urkunde gehört zum Preis – als einziger in Monaco – auch ein Geldbetrag.

Anlässlich der Gala vom 24. Januar erhielt Reto Parolari von seiner Chefin, Prinzessin Stéphanie von Monaco, zudem noch ein Diplom, das jeweils die Teilnahme an der Gala und am Festival bestätigt.

Das Schweizer Fernsehen wird im April während der Ostertage Ausschnitte aus dem diesjährigen Festival zeigen.
 

Den Wettbewerb «kultur.digital» hatte die zweisprachige Abteilung Kulturförderung im Amt für Kultur des Kantons Bern in Zusammenarbeit mit dem Conseil du Jura bernois im 3. Quartal 2016 lanciert. Das Ziel dieses einmaligen Förderakzents ist es, «digitale Vorhaben zu unterstützen, welche einen niederschwelligen, breiten Zugang zu Kultur verschaffen, neuartige Wege der Auseinandersetzung mit Kultur bieten, zu selbständiger künstlerischer Praxis anregen oder das Verhältnis zwischen Kulturschaffenden und Publikum neu definieren».

Mit 50’000 Franken unterstützt der Kanton «Norient – Network for local and global sounds and mediaculture». Es trifft verschiedene digitale Massnahmen, um «seine Referenzfunktion als Plattform für globale Musik und Medienkultur auszubauen». Dazu gehören ein Relaunch der Website und die Erarbeitung inhaltlich fokussierter Formate, die auf sozialen Medien verbreitet, remixed und diskutiert werden.

Das TOBS-Prjekt unterstützt der Kanton mit 35’000 Franken. Das Projektkonzept setzt «beim souveränen Umgang der Jugendlichen mit dem Medium der Online-Videos an». Bei Jugendlichen etablierte Ausdrucksformen und Genres von Youtube-Videos werden eingesetzt, um die Kunstformen Oper, Schauspiel und Konzert zu vermitteln. Von zentraler Bedeutung sei zudem der Austausch unter dem Publikum.

Weitere unterstützte Projekte stammen vom Alpinen Museum Schweiz, der Antikensammlung Bern, des Neuen Museums Biel, des Photoforums PasquArt und der Bieler Fototage sowie des Kunsthauses Langenthal.
 

Über die Hälfte der Studierenden war an einer der 24 staatlichen Musikhochschulen eingeschrieben. Insgesamt habe sich die Anzahl der Studierenden damit im Vergleich zum Vorjahr um rund 1,5 Prozent weiter erhöht. Ausschlaggebend für den Anstieg sei vor allem ein Zuwachs bei den Studiengängen im Bereich Musikerziehung im freien Beruf und an Musikschulen, deren Belegungszahlen um über 11 Prozent auf rund 4300 Studierende gestiegen seien.

Mit rund 9000 Studierenden führen die Fächer Instrumental- und Orchestermusik die Beliebtheitsskala weiterhin mit Abstand an, gefolgt von Lehramtsstudiengängen für Musik an allgemein bildenden Schulen und der Musikwissenschaft. Konnten die Lehramtsstudiengänge nach deutlichen Einbrüchen im vergangenen Jahrzehnt zuletzt wieder einen Aufwärtstrend verzeichnen, so stagnierten sie nun erstmals im Vergleich zum Vorjahr. Die Zahl der Studienanfängerinnen und -anfänger, die vor allem durch Einführung der verkürzten gymnasialen Oberstufe in vielen Bundesländern zwischenzeitlich gestiegen war, hat sich mit rund 5100 mittlerweile wieder auf dem Niveau der vorangegangenen Jahre eingependelt.

Deutliche Unterschiede innerhalb der einzelnen Studiengänge konnten bei den Anteilen weiblicher Studierender festgestellt werden, deren Entwicklung das MIZ erstmalig in Zeitreihen untersucht hat. Demnach wurden sechs der insgesamt elf ausgewerteten Musikstudiengänge zu teilweise weit über 50 Prozent von weiblichen Studierenden belegt. Insgesamt lag ihr Anteil bei 54 Prozent und damit um sechs Prozentpunkte höher als im Durchschnitt aller Studienrichtungen zusammen.

Auch wenn der Frauenanteil in einigen Fächern – Dirigieren, Komposition, Kirchenmusik sowie Jazz und Popularmusik – weiterhin unterrepräsentiert ist, sind in den letzten Jahren auch hier steigende Tendenzen zu beobachten. So verzeichneten vor allem die Studiengänge Dirigieren, Komposition sowie Jazz und Popularmusik deutliche Zuwächse. Allein im Studiengang Tonmeister hat sich der Frauenanteil nach einem zwischenzeitlichen Anstieg erkennbar nach unten entwickelt.

Einen kontinuierlichen Aufwärtstrend erlebte der Frauenanteil am Lehrpersonal der Musikstudiengänge. Lag dieser im Jahr 2000 insgesamt noch bei rund 33 Prozent, so sind aktuell über 37 Prozent der Dozenten an den Ausbildungsinstitutionen weiblich. In den Musikstudiengängen an Universitäten, Pädagogischen Hochschulen und Fachhochschulen lag der Frauenanteil nach einigen Schwankungen zuletzt mit knapp 47 Prozent sogar deutlich höher.

An den Hochschulen sind immer mehr Lehrbeautragte, Honorarprofessoren und Privatdozenten beschäftigt. Ihre Zahl ist seit der Jahrtausendwende von rund 5000 kontinuierlich auf zuletzt über 6500 Personen gestiegen. Verglichen mit dem hauptangestellten Personal liegt ihr Anteil aktuell bei 66 Prozent. Sie stellen damit den personenmässig grössten Teil der Lehrenden an deutschen Hochschulen. Aktuellen Umfrageergebnissen zufolge erteilen sie zwischen 40 und 60 Prozent des Unterrichts.

Die Berechnungen des MIZ basieren auf Angaben des Statistischen Bundesamts, das in seiner jährlichen Studierendenstatistik die Meldungen von Musikhochschulen und Universitäten, Pädagogischen Hochschulen, Kirchenmusikhochschulen und Fachhochschulen zusammenführt. Berücksichtigt hat das MIZ neben dem 1. Studienfach auch Studierende mit Musik als 2. und 3. Studienfach.

Im Zentrum des diesjährigen Ultraschallfestivals steht die Stimme in all ihren Sinnvarianten – sei es als Sing- oder Sprechstimme, als unterdrückte politische Stimme oder die Stimme an der Wahlurne. So jedenfalls steht es im Programmheft. Da ist es nur folgerichtig, dass auch der Schweizer Vocalpoet Mischa Käser einen Auftritt hat. Etwas unglücklich gewählt ist leider der Zeitpunkt im Programm, denn direkt vor Käsers Vokalperformance spielt das Festivalthema überhaupt keine Rolle. Stattdessen bringt das Ensemblekollektiv Berlin, das sich aus dem Ensemble Adapter, dem SonarQuartett, dem Ensemble Apparat und dem ensemble mosaik zusammensetzt, ein neues Werk des kanadischen Komponisten Marc Sabat zur Uraufführung. Wer sich für Sabats instrumentale Intonationsexperimente im Gross-Ensemble-Format interessiert, bleibt wochentags eher nicht bis spät in die Nacht, um noch einem Solo-Vocalpoeten zuzuhören, so dass Käser im grossen Saal des Heimathafens vor einem nur noch dünn besetzten Zuschauerraum spielen muss. Da wäre es wohl besser gewesen, den Schweizer mit der irischen Stimmkünstlerin Jennifer Walshe zu kombinieren.

Von der geringen Besucherzahl unbeeindruckt, bietet Mischa Käser eine hoch konzentrierte, klare und präzise Performance von grosser Kraft. Sein Programm Lava, das aus dem Jahr 2010 stammt, lässt sich für jeden Anlass neu verändern und anpassen. Es besteht aus einer Vielzahl von Vokalminiaturen, die wie Songs in einem Musik-Set aneinandergereiht sind, abgetrennt von kurzen Momenten der Entspannung.
Für das Themenfeld, in dem sich Käser in seinem Programm bewegen wird, stimmt das Präludium ein, in dem der Künstler mit einem schwach leuchtenden Hut auf die Bühne tritt, der mit vielen durcheinander klingenden Spieluhren bestückt ist. Diese laufen aus und nur eine Melodie bleibt übrig: «Sandmann, lieber Sandmann …» Auch wenn die Worte nicht zu hören sind, klingen sie und ihre Bedeutung im Kopf mit.
Wie Inhalt, Bedeutung, Form und Klang zusammenhängen, zeigt eindrücklich auch die nächste Miniatur Rede für M. Darin bringt Käser auf virtuose Art Nonsens-Laute zum Einsatz. Zunächst wirkt diese Form der Nicht-Sprachverwendung irritierend und befremdlich. Doch wenn man sich darauf einlässt, transportieren auch Sprachmelodie, Haltung und Gestik auf andere als die gewohnte Weise noch genug Inhalt und sind imstande, eine ganze Geschichte zu erzählen. Bei Käsers «Rede» beispielsweise handelt es sich, wie zwischen den Zeilen deutlich wird, um einen Vortrag über Stimmverwendung und Sprachtechniken. Die inhaltliche Ebene, die normalerweise transportiert wird, fehlt – alles andere bleibt aber übrig, zeigt wie eine Art Röntgenbild, was einen Vortrag neben dem Inhalt noch ausmacht, und richtet das Augenmerk darauf, was eigentlich das Skelett der Kommunikation bildet. Mit dieser Verständigungsebene arbeitet Mischa Käser auch in den anderen Kompositionen, die er in Lava präsentiert. Zugleich führt er darin seinen Körper als Vokalinstrument mit all seinen Facetten vor: den mal fliessenden, mal abgehackten Atem, die Lunge, den Bauch und den Brustkorb, den Kehlkopf, das Zwerchfell, die Zunge, die Zähne, den Mund. Er beeindruckt in Srrrrrit und Yoooo durch die mehrmalige genaue Wiederholung einzelner Nonsens-Laut-Phrasen, womit er die musikalische Ebene des Sprechens hervorkehrt. Zugleich bringt er hier die gesamte Bandbreite seiner Stimme zur Anwendung, von hohem Zirpen bis zu dunklen Impulsen aus der Tiefe des Bauchraums. Das rhythmische Spiel des gesamten Muskelapparats, das damit verbunden ist, wirkt geradezu wie ein Tanz.
In seinem Programm beleuchtet Käser ausserdem die Stimmungen und Leidenschaften, die von der Stimme transportiert werden, von Aggression bis Zärtlichkeit. Und auch der Unterschied verschiedener Sprachen spielt eine Rolle. So klingt Käser in der Hommage à Marina Zwetajewa plötzlich weich und sanft wie russische Lyrik.
Sein letztes Stück Allegro man troppo, Andante sostenuto erzählt mit vielgestaltigen nichtsprachlichen Mitteln die Geschichte eines lallenden Menschen, der versucht, etwas zu artikulieren, was ihm aber nicht so recht gelingt. Unbeirrt setzt er immer wieder neu an, bis er von einem ungeduldigen Gegenüber harsch angefahren wird: Es reicht! – Die Geschichte von der Zurückweisung eines um Verständnis bemühten, verletzlichen Menschen, die Käser hier zeigt, berührt auf eigentümliche Weise und hallt noch lange mit einem schmerzlichen Echo nach.

Das Publikum im Heimathafen zollte dem erschöpften Käser nach dieser beeindruckenden Vokalperformance Tribut mit lang anhaltendem Applaus.