Der «Salquin Saal» im Neubau des Departements Musik der Hochschule Luzern verspricht punkto Akustik und Klangerlebnis neue Massstäbe in der Kulturszene der Zentralschweiz zu setzen. In dem Saal, der nach Hedy Salquin aus Kriens, der ersten Schweizer Orchesterdirigentin, Pianistin, Kammermusikerin und Komponistin benannt ist, finden rund 300 Personen Platz. Publikum, Konzertveranstalter und Kulturschaffende aus der ganzen Region sollen darin kleinere Musikproduktionen aller Sparten geniessen können. «Um diese Vision zu verwirklichen, ist die Hochschule Luzern bei der Finanzierung der Innenausstattung allerdings auf private Partner und Sponsoren angewiesen», sagt Michael Kaufmann, Direktor des Departements Musik. Ziel sei es, etwa zehn Prozent der Finanzierung der Innenausstattung durch Stuhlpatenschaften zu gewährleisten. Der restliche Betrag wird durch Spenden von Mäzenen, Stiftungen und aus der Privatwirtschaft abgedeckt.

Mit der nun lancierten Aktion «Stuhlpatenschaft» erhalten Privatpersonen und Unternehmen die Möglichkeit, im Kammermusiksaal einen oder mehrere Stühle zu «kaufen» und mit einer individuellen Beschriftung in Form einer Plakette zu versehen. «Das dient aber nicht nur dem guten Zweck. Unsere Stuhlpatinnen und -paten schaffen sich gleichzeitig eine bleibende Erinnerung und erhalten attraktive Gegenleistungen», führt Michael Kaufmann aus. Erhältlich ist die Patenschaft in drei Kategorien, für 300 Franken, 750 Franken und 1000 Franken. Als Dank profitieren Paten und Patinnen – je nach gewählter Kategorie – von besonderen Benefits, beispielsweise von Gratis-Konzertkarten oder einer Einladung zur grossen Eröffnungsfeier im Jahr 2020.

Bezug im Sommer 2020
In Kriens entsteht derzeit das neue Gebäude des Departements Musik der Hochschule Luzern. Der Bezugstermin, ursprünglich für 2019 vorgesehen, wurde aus technischen Gründen auf Sommer 2020 gesetzt. Unerwartete bauliche Massnahmen sowie das nasskalte Wetter Anfang Jahr haben zum Verzug geführt. Die Festlegung der Inbetriebnahme zum Studienjahr 2020/21 stellt sicher, dass die Termin- und Kostenrisiken minimal ausfallen und die Bauqualität gewährleistet bleibt.

2014 wurde der 1954 im schweizerischen Schaffhausen geborene Komponist, der seit Langem in Österreich lebt, laut der Mitteilung des Bärenreiter Verlages mit dem Grossen Österreichischen Staatspreis ausgezeichnet, was die Voraussetzung für die Mitgliedschaft im Kunstsenat ist.

Die Aufgabe des 1954 gegründeten Österreichischen Kunstsenats besteht darin, die Anliegen der Kunst in der Öffentlichkeit zu vertreten und die öffentlichen Stellen in wichtigen Fragen der Kunst zu beraten. Beat Furrer folgt der Schriftstellerin Ilse Aichinger nach, die im November 2016 verstorben war.
 

Bertolt Brecht (189 –1956) ist einer der bedeutendsten deutschen Dichter und Theatermacher des 20. Jahrhunderts. Von 1947 bis 1949 lebte er in Zürich und insgesamt fünf seiner Stücke wurden in der Schweiz uraufgeführt. Mutter Courage und ihre Kinder (1941), Der gute Mensch von Sezuan (1943), Galileo Galilei (die dänische Fassung, 1943), Herr Puntila und sein Knecht Matti (1948) am Zürcher Schauspielhaus und die Antigone des Sophokles (1948) in Chur. Am damaligen Stadttheater im Churer Rätushof unter der legendären Theaterdirektion von Hans Curjel führte Brecht bei der Aufführung seiner Antigone selbst Regie. Die Probenarbeiten hatten Anfang Januar 1948 begonnen. Die Welturaufführung des Stücks erfolgte am 15. Februar 1948 unter grossem Medienaufgebot und mit viel Aufregung um den umtriebigen Weltstar der Literatur.

Nun gibt es den originalen Churer Regiestuhl von Brecht bis Ende Jahr im Kulturhotel Ambassador à l’Opera zu sehen. Und während dieser Zeit wird an der Hotelbar Bertolt Brechts Leibspeise serviert: Schnittlauchbrot!
 

Die neue Lübecker Orchesterakademie ist im Herbst 2017 gestartet. Ihre Besonderheit ist das Zusammenwirken der beiden Institutionen, die die Studierenden gemeinsam betreuen, während andere Orchesterakademien in der Regel nur an das Berufsorchester angegliedert sind.

Eine Verknüpfung mit der Ausbildung an einer Musikhochschule in Form eines Dreistufenmodells ist in Deutschland einzigartig. Seit September wirken die ersten Akademisten in den Konzerten und Opern des Theaters mit. Ziel ist eine bessere Verzahnung von Ausbildung und Beruf, die sich immer mehr intensiviert. Für jede Stufe müssen die Studierenden die Hürde eines Vorspiels meistern.

Rund 40 junge Musikerinnen und Musiker stellten sich der Auswahljury vor, 20 von ihnen wurden bisher in die Orchesterakademie aufgenommen. Das Projekt, bei dem die Studierenden Pauschalhonorare für ihren Einsatz erhalten, wird von beiden Institutionen mit Unterstützung der Possehl-Stiftung Lübeck finanziert.

Orchester können ihre Auswahl unter den besten Studierenden der international renommierten Musikhochschulen treffen. Auf eine Orchesterstelle bewerben sich bei den Lübecker Philharmonikern je nach Instrument rund 60 bis 100 junge Musikerinnen und Musiker. Eine exzellente Beherrschung des Instrumentes und grosse musikalische Flexibilität wird erwartet. Die Nachwuchsmusiker sollen sich integrieren und ein umfassendes Repertoire für ihren Berufsbeginn erarbeiten.
 

Akademisten der neuen Lübecker Orchesterakademie (v.l n.r): Caroline Spengler (Viola), Holger Roese (Schlagzeug), Julia Puls (Klarinette), Caroline Lüer (Violine). Bild: Christine Rudolf

Die Unesco beurteilte die Kandidatur laut Bundesamt für Kultur (BAK) als beispielhaft. Die Aufnahme auf die Repräsentative Liste verstärke die Sichtbarkeit des immateriellen Kulturerbes im städtischen Raum und unterstreiche die wichtige Rolle der Sprache, in diesem Fall des Basler Dialekts, bei der Vermittlung dieses Kulturerbes.

Im März 2016 wurde die Basler Fasnacht vom BAK bei der UNESCO als zweite Schweizer Kandidatur für die Repräsentative Liste des immateriellen Kulturerbes der Menschheit eingereicht. Das zwölfte Zwischenstaatliche Komitee für die Bewahrung des immateriellen Kulturerbes hat an seiner Sitzung auf der Insel Jeju (Südkorea) am 7. Dezember 2017 entscheiden, die Basler Fasnacht in die Repräsentative Liste aufzunehmen.

Ab sofort gilt: Zu allen Motetten, Messen, Passionen, Oratorien und den gut 200 geistlichen Kantaten des Thomaskantors ist Notenmaterial für Chor und Orchester auf dem aktuellen Stand der Forschung erhältlich. Im Bereich der geistlichen Vokalmusik waren viele Werke letztmalig vor 50 und mehr Jahren ediert worden, noch dazu meist ohne Aufführungsmaterial.

Das geistliche Vokalwerk ist Teil der Stuttgarter Bach-Ausgabe. Carus hat grossen Wert auf die wissenschaftliche Neuedition der Noten gelegt. Die Ausgaben haben jedoch stets die Aufführung im Blick. Konsequent wurden zu allen Werken Partituren, Klavierauszüge, Chorpartituren und Orchestermaterial vorgelegt. Dirigenten, Sänger und Instrumentalisten mussten bislang auf Material aus dem 19. Jahrhundert zurückgreifen, das den heutigen Ansprüchen an eine historisch-informierte Aufführung nicht gerecht wurde. Viele der auf neuesten Erkenntnissen beruhenden Änderungen im Notentext sind durchaus hörbar und von führenden Bach-Interpreten, u.a. Frieder Bernius, Hans-Christoph Rademann und Masaaki Suzuki, auf CD eingespielt worden.

Bei der Editions der Grosswerke wurden neue editorische Wege beschritten und zum Teil auch Versionen zugänglich gemacht, die von den gängigen Fassungen abweichen. Wo es die Quellenlage erlaubte, machen nun Rekonstruktionen die Aufführung gewisser Werke erst möglich, wobei die rekonstruierten Teile im Notentext deutlich gekennzeichnet sind. Ebenso werden für die Stimmtondifferenzen zwischen den Instrumentengruppen in Bachs frühen Kantaten Lösungen angeboten.

Das geistliche Vokalwerk. Gesamtedition in 23 Bänden
Herausgegeben von Ulrich Leisinger und Uwe Wolf in Zusammenarbeit mit dem Bach-Archiv Leipzig

• Format 19 x 27 cm, Klavierauszugsformat, auch zum Dirigieren geeignet
• 12.500 Seiten – 248 Werke – 23 Bände – 3 Schuber
• 629 € (statt 769 €; Einführungspreis gültig bis 30.6.2018)
• Einzeln erhältlich: Kantaten und Motetten (2 Schuber 31.501/00), Messen, Passionen und Oratorien (1 Schuber 31.502/00)

Information und Bestellung: www.carus-verlag.com

Das Haus befindet sich an der Rue des Chaudronniers 7. Der rumänische Pianist wohnte dort die letzten Jahre seines Lebens. Mit der Tafel will die Stadt an das «immense Talent und seinen unverwechselbaren Stil» erinnern, der bis heute Pianistinnen und Pianisten beeinflusse.  Lipatti liess sich 1943 in der Schweiz nieder und unterrichtete ab 1944 am Genfer Konservatorium im Rahmen einer Klavier-Meisterklasse.

Bei seinem letzten Auftritt am 16. September 1950 in Besançon musste er sein Konzert geschwächt abbrechen; er verabschiedete sich vom Publikum mit einer Klavierbearbeitung des Bach-Chorals «Jesus bleibet meine Freude». Er starb im Alter von 33 Jahren am 2. Dezember 1950 in Genf. Seine Grabstätte befindet sich auf dem Friedhof in Chêne-Bourg.

«S isch immer e so gsi» – das musikalische Motto Solothurns meinte Chris Walton beim Schreiben seiner lesenswerten und auf umfangreichen unveröffentlichten Materialien fussenden, englischsprachigen Richard-Flury-Biografie selbst zu hören (S. 102/3). Seine Lebenserzählung des in Biberist geborenen, in Basel, Bern und Wien ausgebildeten Komponisten, die mit einem vollständigen Verzeichnis des umfangreichen Œuvres und einer CD mit einer gelungenen Auswahl an historischen Aufnahmen und Neueinspielungen ausgestattet ist, hat sich denn auch grundlegend mit dessen selbstverordneten musikalischen Anachronismen auseinanderzusetzen.

Es dauert gute 200 unterhaltsame, reich bebilderte und strikt chronologisch gehaltene Seiten, bis Fleisch an die schon im Buchtitel genannten Romantizismen des 1896 geborenen Komponisten kommt. Ein wohltuend unterstrichener Blick von aussen auf die Deutschschweiz (Wie schmeckt Mehlsuppe? Was haben der Table Mountain und der Weissenstein gemein?) mündet in eine argumentative Herleitung des Romantikers Flury aus einem nie überwundenen Komplex der Provinzialität und konstatiert eine herbeidefinierte geistige Zuflucht, zu der sich durchaus Alternativen geboten hätten. Starke Passagen finden sich in der Verortung dieser interessanten Komponistenfigur im Schweizer Bildungs- und Musikausbildungssystem (Flury wirkte als Orchesterleiter und Kantonsschullehrer in Solothurn), auch im Vergleich mit seinen Schweizer Berufskollegen, die, im Gegensatz zu Flury, im Alter allesamt nahezu ganz verstummten (S. 95, 113).

Waltons auktoriale Perspektive, die über das Gut und Schlecht der Musik abschliessend urteilen möchte, befragt diese in letzter Konsequenz selbstisolationistisch veranlagte Figur nicht grundlegend und versetzt das Buch in ein Fortschrittsdenken, gegen das sich der Komponist gerade stellte. So werden die «modernsten» und kürzesten Werke der 1920er-Jahre mit Tendenzen in die Atonalität und Gebrauchsmusik als die besten und auch heute noch aufführenswert beschrieben.

Den besonders im Alterswerk ausgeprägten Romantizismen in der Tiefe nachzugehen, hätte wohl auch eine deutlichere Auseinandersetzung mit Flurys – wohl nicht körperlich vollzogener (S. 189)– Vorliebe für blutjunge Mädchen bedeutet, die mit einigen unangenehmen Stellen im Briefwechsel mit seinem Lehrer Ernst Kurth (S. 124) und in den Widmungen, vor allem seiner Lieder und Kammermusik, als Inspirationsquelle belegt sind. Es hätte bedeutet, eine Diskussion seiner Religiosität (mit Exkommunion nach der Scheidung und Wiederaufnahme nach Zölibatsgelübde) nicht zu scheuen, um seine geistlichen Kompositionen (und eine Verklärung dieser Mädchen in die Madonnenrolle hinein) zu verstehen. Vermutlich war dies alles nicht einfach umzusetzen bei einem Buch, das in enger Zusammenarbeit mit dem Sohn aus zweiter Ehe und mit Unterstützung der Familienstiftung entstand. «S isch immer e so gsi».

Chris Walton: Richard Flury. The life and music of a Swiss romantic. 328 p., £ 25.00, Toccata Press, London 2017, ISBN 978-0-907689-44-7

Der Buchtitel Beruf Dirigent ist unspektakulär. Und genau so gibt sich der Autor mit seiner Sprache: direkt, klar, verständlich und hart am Thema, deshalb mit vielen Details, die für den Konzertgänger erhellend sind, denn bei vielen Pausengesprächen kann man erfahren, wie vage die Kenntnisse über das Geschehen «hinter den Kulissen» und über die Bedingungen des Konzertbetriebs oft sind. Ralf Weikert, 1940 in St. Florian (Österreich) geboren, der die Ausbildung in Linz und Wien (bei Hans Swarovsky) absolvierte und mit achtundzwanzig Chefdirigent in der damaligen deutschen Hauptstadt Bonn wurde, war während beinah zehn Jahren (1983–92) auch Chef am Opernhaus Zürich und ist seit Langem in der Schweiz wohnhaft. Er spricht ganz bewusst von Beruf, nicht von Berufung – und er meint natürlich auch Dirigentinnen, wie er schon im Vorwort betont – welche Wohltat, dass auf die mühsamen Doppelnennungen verzichtet wird!

Weikert stellt das Handwerk in den Mittelpunkt und damit das Alltägliche dieser anspruchsvollen und faszinierenden Tätigkeit. Er denkt bei seinen Ausführungen vor allem an angehende Dirigenten und Musiker und legt dar, dass vieles davon erlernbar ist und ein überzeugendes Repertoire an Werken nur mit lebenslanger intensiver Arbeit spielbereit gehalten werden kann; er zeigt aber auch, dass gewisse Vorbedingungen erfüllt sein müssen, um den Anforderungen genügen zu können.

In klarer Gliederung geht er dann auf die einzelnen Problembereiche ein, zuerst in der Musik selber und dem dazu gehörigen Notenmaterial – mit eingefügten Partiturseiten wird dies auch anschaulich dokumentiert –, anschliessend widmet er sich dem Musikbetrieb, der Akustik in verschiedenen Räumen und der Orchesteraufstellung; weiter unterscheidet er deutlich die Situation des Opern- oder Konzertdirigenten. Er verfügt in beiden Bereichen über umfangreiche Erfahrungen, denn er hat an der Met in New York dirigiert, in San Francisco, in Korea, in Japan und in vielen namhaften Opernhäusern und Konzertsälen Europas. Auch das aktuelle Problem der Dominanz der Opernregie über die Musik führt er an, bringt zahlreiche, meist negative Beispiele, verliert aber nie die Contenance und subsumiert sie unter «Unwägbarkeiten». Einige knapp, aber hübsch formulierte Erinnerungen an unerwartete Ereignisse und Begegnungen gehören auch dazu, wenn er vom schönsten Beruf spricht, den er sich denken kann. Das «feu sacré» könne allerdings nicht erlernt werden.

Ralf Weikert: Beruf Dirigent, mit Disco-/Videografie, Personenverzeichnis, 189 S., geb., € 19.99,
Böhlau, Wien u. a. 2017, ISBN 978-3-205-20530-2

Es geschieht nicht alle Tage, dass ein Herausgeber seine eigene Edition nachträglich kritisch hinterfragt und Fehler offen zugibt. Als Christoph Flamm vor drei Jahren bei Bärenreiter Mussorgskys Bilder einer Ausstellung in einer neuen Ausgabe präsentierte, liess er darin aufgrund eines sowjetischen Faksimiles einige alte Lesarten korrigieren. Diese neuen Varianten waren aber schwer nachvollziehbar und die Kritik reagierte skeptisch, zumal das Faksimile zum Teil kaum lesbar war (siehe auch SMZ 3/2014, Seite 24).

In seiner Werkeinführung nimmt Christoph Flamm diese neuen Lesarten nun wieder zurück. Ein sympathischer Zug! Und nicht nur das ist zu loben: Das Büchlein bringt auf fast 180 Seiten so ziemlich alles Wissenswerte über Mussorgskys einzigartigen Klavierzyklus. Es geht darin zunächst um Viktor Hartmann, dessen Bilder an einer Gedächtnisausstellung ja der unmittelbare Anlass für das Werk waren. Nicht immer können sie ganz eindeutig den Sujets bei Mussorgsky zugeordnet werden. (So wurde das Porträt eines italienischen Bauern lange fälschlicherweise für den armen Juden «Schmuyle» gehalten.) Es geht um den einflussreichen Kunstkritiker Wladimir Stassow, dem Mussorgsky sein Werk widmete. Und natürlich geht es um die Musik selber.

Dabei kommt es zu interessanten Quervergleichen mit anderen russischen Kompositionen aus jener Zeit. Auch die sprachliche Mehrdeutigkeit mancher Überschriften (z. B. Bydło) wird thematisiert, und sogar alte Metronomzahlen wurden aufgestöbert. Diese stammen offenbar von Stassow und sind zumindest teilweise erstaunlich (120 für die Viertel in Baba-Jaga?). Darüber hinaus gibt es Hinweise zur Rezeption und damit natürlich auch zu den zahlreichen Transkriptionen, von denen Ravels Orchesterfassung immer noch die dominierende bleibt. All diese wissenswerten Fakten lesen sich bei Flamm spannend wie ein Krimi, und die vorzügliche Bebilderung tut das ihrige dazu.

Kurz: Dieses Taschenbuch ist ein Muss für alle, die sich mit Mussorgskys unsterblichem Klavierzyklus eingehender befassen möchten!

Christoph Flamm: Modest Mussorgsky. Bilder einer Ausstellung – Erinnerungen an Viktor Hartmann, Bärenreiter Werkeinführungen, 178 S., € 14.95, Bärenreiter, Kassel 2016, ISBN 978-3-7618-2221-0

Als Teamplayer kennen viele Chorleiterinnen und -leiter selbstverständlich auch die Champions-League-Eröffnungsmusik, welche Zadok the Priest (HWV 258) aus den Coronation Anthems von Georg Friedrich Händel als offizielle Hymne benutzt. Neben diesem intensiven, 6-minütigen Werk erschien nun beim Bärenreiter Verlag auch The King shall rejoice (HWV 260, Dauer ca. 12 Minuten) im Urtext der Hallischen Händel-Ausgabe. Händel schrieb die festlichen, reich orchestrierten und prunkvollen vier Coronation Anthems (Gesamtdauer ca. 40 Minuten) anlässlich der Krönung Georges des Zweiten 1727 in London. Ihre überwältigende Klangpracht umschrieb der englische Musikforscher und Zeitgenosse Charles Burney einst ebenso treffend wie flapsig als «grossen Wauwau-Stil». Es ist zu hoffen, dass die anderen beiden, weniger bekannten Anthems auch bald in einer so fantastischen Neuausgabe (Orchestermaterial, Klavierauszug und Partitur) erscheinen, um Oratorienchören weitere Alternativen zum altbekannten Messias zu geben.

Mit der Missa votiva des leider viel zu wenig aufgeführten Bach-Zeitgenossen Jan Dismas Zelenka erschien im Verlag Breitkopf & Härtel eine weitere sehr empfehlenswerte Urtext-Ausgabe. Das Aufführungsmaterial basiert auf den wissenschaftlich-kritischen Ausgaben der Reihe Das Erbe deutscher Musik, aus der auch das informative Vorwort und der Kritische Bericht stammen. Zelenkas Messen sind spektakuläre Prachtstücke barocker Chorliteratur, die in ihrer farbenfrohen Vielfalt den Werken Johann Sebastian Bachs wirklich in nichts nachstehen. Gerade für ambitionierte Kammerchöre, die oratorisch etwas Besonders suchen, ist diese 70-minütige Messe mit ihrer schlanken Orchesterbesetzung (2 Oboen, Streicher und Basso continuo) der ideale Fund.

Die berühmte Grosse Messe c-Moll (KV 427) von Wolfgang Amadeus Mozart reiht sich ohne Zweifel ein in eine musikgeschichtliche Linie zwischen Bachs h-Moll Messe und Beethovens Missa solemnis. Sie ist in diesem Jahr beim Carus-Verlag in einer vorbildlichen Neuedition erschienen. Leider blieb das Opus als Mozarts persönlichste und am grössten angelegte Messe unvollendet und hat als Torso seitdem viele Rätsel aufgegeben. Deshalb gab es im Laufe ihrer Rezeptionsgeschichte zahlreiche Versuche, das Fragment zu ergänzen, zu bearbeiten und sogar weiterzukomponieren.

Nun haben sich der Musikwissenschaftler Uwe Wolf vom Carus-Verlag und der bekannte Dirigent Frieder Bernius zusammengetan und eine Fassung geschaffen, die neue Massstäbe setzt in einer – leider viel zu selten praktizierten – kongenialen Zusammenarbeit von Wissenschaft und Praxis. Mit grossem Respekt vor den vorhandenen Quellen setzt diese Neuausgabe die Tradition der Fassungen von Eder, Beyer und Maunder fort, dem Torso keine neuen Messesätze hinzuzufügen, sei es durch das sogenannte Parodieverfahren oder Eigenkompositionen, wie in den Fassungen von Wilby, Levin oder Koopman. Besonders erfrischend sind die neu dazugekommenen Trompeten und Pauken im Credo und die Neuordnung und behutsame Korrektur der Kontrapunktik im Osanna. Neben dem gesamten Aufführungsmaterial erscheint auch ein elegantes Faksimilebeiheft zur besseren Zuordnung der Ergänzungen/Bearbeitungen und eine hervorragende CD-Einspielung mit dem Kammerchor Stuttgart unter Bernius (Carus CD 83.284).

Georg Friedrich Händel: Zadok the priest. Coronation Anthem HWV 258, hg. von Stephan Blaut; Partitur BA 10258, € 14.95; Klavierauszug BA 10258-90, € 4.95; Bärenreiter, Kassel 2016

Id.: The King shall rejoice; Partitur BA 10259, € 24.95; Klavierauszug BA 10259-90, € 10.95

Jan Dismas Zelenka: Missa votiva ZWV 18, hg. von Reinhold Kubik; Partitur PB 5577, € 89.00; Klavierauszug EB 8053, € 19.90; Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2016

Wolfgang Amadeus Mozart: Missa in c KV 427, ergänzt und hg. von Frieder Bernius und Uwe Wolf, Partitur CV 51.651/00, € 85.00; Klavierauszug CV 51.651/03, € 16.00; Faksimilebeiheft CV 51.651/02, € 29.80; Carus, Stuttgart 2017

Für die Querflöte gibt es sehr wenig Literatur aus der Romantik, darum ist es äusserst verdienstvoll, dass sich die Soloflötistin des Aargauer Symphonie Orchesters «argovia philharmonic» Miriam Terragni zusammen mit ihrer Duopartnerin, der Pianistin Catherine Sarasin auf Entdeckungstour durch die Basler und Pariser Antiquariate gemacht hat. Die Ausbeute war sehr erfreulich: Allein sechs Stücke erleben auf dieser CD ihre weltweit erste Wiedergabe auf Tonträger – und es handelt sich dabei um echte Trouvaillen aus der deutschen (Spät-)Romantik und dem französischen Fin de Siècle.

Den Anfang macht die Fantasie-Sonate in A-Dur op. 17 des Liszt-Schülers Max Meyer-Olbersleben (1850–1927). Obwohl schon mehrfach im Druck erschienen, ist diese grosse dreisätzige Sonate heute so gut wie vergessen. Eine echte Referenzaufnahme fehlte bisher. Diese Lücke darf jetzt als geschlossen gelten. Die beiden Solistinnen ziehen gleich zu Beginn alle Register und lassen ein subtiles, ausgewogenes Zusammenspiel hören. In der anspruchsvollen Ballade in gis-Moll op. 9 für Klavier desselben Komponisten vermag sich Catherine Sarasin als kompetente Solistin zu profilieren. Dem Violinvirtuosen und Konzertmeister von Wagners Gnaden am Bayreuther Festspielhaus August Wilhelmj verdanken wir die Violinstimme zu Richard Wagners kurzer Klavierromanze WWV 94, welche von Miriam Terragni wiederum auf die Flöte übertragen wurde. Von Wilhelmj selbst stammt die Ballade: Sie verbindet Anklänge an eine wagnerische Chromatik mit einer ausladenden spätromantischen Harmonik. Lili Boulangers Pièce erlebt eine träumerische Premiere, gefolgt von der besser bekannten, zart musizierten Nocturne. In Dans la forêt enchantée des Franzosen Léon Moreau (1870–1946) wird die Ruhe des Waldes und das Vorbeischwirren flirrender Sylphen (Luftgeister) plastisch dargestellt. In der Valse Lente variiert Louis Masson die gemächliche Melodie allmählich ganz filigran – mit Ohrwurmpotenzial. Deux Morceaux op. 41 von Victor Alphonse Duvernoy (1842–1907), aufgestöbert in der berühmten Pariser Rue de Rome, sind bei keinem Verlag mehr gelistet. Das Intermezzo, das dem bedeutungsschweren Lamento folgt, setzt mit seinem bezaubernd leichten Rhythmus den Schlusspunkt dieser rundum geglückten Aufnahme.