Gli obiettivi e le misure della futura strategia culturale cittadina sono stati discussi con 180 partecipanti della scena culturale bernese in occasione del 2° Forum culturale di Berna. Sulla base dei risultati del forum, la strategia definitiva sarà presentata al Consiglio comunale per l'approvazione in autunno.

Secondo il sondaggio, i temi dell'uso temporaneo e degli spazi, delle autorizzazioni e delle strutture di finanziamento sono di grande interesse per i partecipanti. Comunicazione della città più. La discussione ha anche rivelato che il posto di rilievo dato alla cultura dei bambini e dei giovani nel catalogo delle misure è stato generalmente accolto con favore. Sono state individuate delle lacune nei settori della cultura amatoriale, della costruzione della cultura e del dialogo, della cooperazione e del coordinamento. I partecipanti hanno anche discusso sull'immagine di Berna come città della cultura.

La revisione della base giuridica comporta essenzialmente l'adeguamento della formulazione alla prassi attuale e una regolamentazione definitiva delle competenze finanziarie del dipartimento. Le disposizioni modificate entreranno in vigore il 1° agosto 2016. All'inizio di luglio, inoltre, il dipartimento si trasferirà nell'edificio amministrativo di Effingerstrasse 21.

Per molto tempo, Johann Sebastian Bach è stato soggetto a ciò che la birra è ancora oggi: la legge tedesca sulla purezza. Stefan Müller (strumenti a tastiera) e Martin Pirktl (chitarre) non ci fanno caso. E nemmeno alcuni compositori che hanno arricchito le opere di Bach circa 200 anni fa. Ignaz Moscheles (1794-1870) lasciò intatte le fughe, ma aggiunse alcuni passaggi propri a preludi selezionati del compositore. Clavicola ben temperata. Müller e Pirktl estendono i dialoghi della storia trasferendo nel presente i brani di Moscheles "dotati di una parte solistica concertante". Entrambi sono interpreti storicamente informati e hanno riflettuto molto sugli stati d'animo più antichi e sulle questioni di tempo.

I brani di Bach di Ignaz Moscheles sembrano più un'assurda scurrilità storico-musicale, nonostante gli strumenti insoliti - una chitarra Biedermeier e un fortepiano dell'inizio del XIX secolo. Molto più memorabili sono i Cambiamenti canonici dalle Variazioni Goldberg nell'accurato arrangiamento di Josef Rheinberger (1839-1901). Si tratta fondamentalmente di un'orchestrazione, poiché Rheinberger trasferì essenzialmente le variazioni originali a due pianoforti e inserì solo riempimenti cromatici o raddoppi di ottava in alcuni punti. Max Reger apprezzò quello che Rheinberger chiamava "arrangiamento riverente" e pubblicò la raccolta di Rheinberger quasi senza modifiche.

Anche se alcune opere sembrano strane, il CD ha sempre un fascino tonale particolare. Il tono meravigliosamente sottile degli strumenti antichi, il pronunciato senso del suono e la sovranità degli intelligenti interpreti fanno di Bach - ganz leise un serio concorrente di produzioni non meno patinate, che tra l'altro probabilmente non sono nemmeno del tutto nello spirito di Bach.

L'album di debutto dell'Yves Theiler Trio è stato pubblicato quattro anni fa ed è stato subito eletto album trio dell'anno dai redattori culturali di SRF2. Il ventottenne pianista zurighese racconta che in realtà avrebbe voluto raddoppiare prima, ma un cambio di personale o di strumento ha comportato un ritardo. Al posto del basso elettrico fretless di Valentin Dietrich, ora sentiamo il contrabbasso di Luca Sisera, con cui Theiler suona anche nel gruppo Roofer.

Il suono di questo strumento, unito allo stile fluido e melodico di Sisera, conferisce al suono ritmicamente esplosivo ma cristallino e preciso del trio un calore nuovo, quasi solare. Lo si capisce già dal primo brano del secondo album coprodotto da Radio SRF2 Ballo in un triangolo chiaro. Si chiama Per il basso e inizia con un'introduzione di quasi due minuti, in cui una melodia di basso finemente filata è spinta in avanti da un'insistente nota singola di pianoforte e dalle percussioni, prima che Theiler introduca un groove potente e una melodia labirintica a metà tra l'Africa e Erik Satie.

Il pianista collabora da dieci anni con il percussionista Lukas Mantel. L'intesa telepatica che ne deriva permette al trio di illuminare la complessità estremamente sottile delle composizioni di Theiler - la maggior parte delle quali inizia con un'improvvisazione al solo pianoforte - con una dinamica ritmica che fornisce un forte sostegno emotivo al virtuosismo mozzafiato offerto. Con giovanile giocosità, Theiler si destreggia con tecniche e stili provenienti da tutto il mondo, dall'Eritrea e Ahmad Jamal al post-rock. Tuttavia, non si ha mai la sensazione di avere a che fare con una gazza, perché ogni musicista ha la propria voce e non ha paura di usarla in modo forte e chiaro. Un album pieno di umorismo, energia e curve audaci.

Yves Theiler Trio: Danza in un triangolo. Musiche svizzere MGB Jazz 18

Parallelamente all'ultima edizione completa delle opere organistiche di Bach pubblicata da Breitkopf e Härtel (7 dei 10 volumi pubblicati finora) e alle edizioni aggiornate della New Bach Edition (NBA) di Bärenreiter, negli Stati Uniti viene pubblicata un'ulteriore edizione delle opere organistiche del Cantor di San Tommaso. L'edizione è curata da George B. Stauffer, professore di musicologia presso la Rutgers University e uno dei maggiori studiosi americani di Bach, in qualità di curatore generale e da Christoph Wolff in qualità di curatore consulente. Se nelle vecchie edizioni era deplorevole la mancanza di una relazione critica (Peters) o la sua pubblicazione in volumi separati (NBA), è ancora più piacevole che tutte queste nuove edizioni siano ora dotate di commenti esaurienti che forniscono direttamente agli esecutori preziose informazioni di base sulle opere e sul loro contesto e rendono più trasparenti le decisioni editoriali. Breitkopf fornisce anche diversi Incerta su un CD-ROM allegato.

I tre presenti volumi statunitensi - ne sono previsti 15 - sono caratterizzati da una prefazione estremamente esauriente e dettagliata (purtroppo solo in inglese), che descrive la storia della creazione delle opere e il loro contesto secondo lo stato più recente della ricerca; presentano inoltre numerose pagine in facsimile, alcune a colori, e un rapporto critico completo nell'epilogo, che scompone con precisione la situazione attuale delle fonti e spiega le letture più diverse.

Il volume 1 comprende il Otto piccoli preludi e fughe BWV 553-560, il Esercizio a pedali e le corali del Piccolo libro d'organo opere "pedagogiche" di Bach. È disponibile in due diverse edizioni: 1A con un taglio più storico-scolastico (ad esempio con le varianti di alcuni corali), 1B come edizione pratica con tavole di ornamentazione, movimenti di corali a quattro parti o presentazione "non colorata" delle melodie colorate per soprano, che probabilmente sta diventando sempre più necessaria non solo in America ma anche in questo Paese, poiché i corali utilizzati rischiano di scomparire dalla pratica liturgica e dalla coscienza degli esecutori. Oltre alle sonate per trio, il volume 7 contiene altri movimenti per trio (alcuni dei quali sono disponibili solo presso Breitkopf nel CD-ROM allegato) e una prefazione particolarmente dettagliata, mentre il volume 8 contiene la 3ª parte dell'opera per soprano. Esercizio di pianoforte.

Il testo musicale è chiaro e conciso, con buoni punti di svolta, anche se nelle due edizioni tedesche leggermente più grandi è un po' più "arioso" e stampato in caratteri più grandi con un numero di pagine simile. Un confronto dettagliato rivela diverse piccole deviazioni rispetto alle edizioni precedenti, sebbene queste siano in gran parte le stesse nelle tre nuove edizioni (si basano sulle stesse fonti) o almeno spiegate nei commenti se i curatori hanno optato per letture diverse. Ad esempio, la doppia cadenza con mordente sulla penultima della fuga in mi bemolle maggiore BWV 552, che manca nelle vecchie edizioni bachiane ed è annotata anche per la mano sinistra, e la cui origine Stauffer fa risalire direttamente a una copia manoscritta e corretta a stampa di Bach e di cui fu il primo editore a tenere conto, si trova ora anche nella versione NBA aggiornata, pubblicata successivamente, ma manca in Breitkopf. Interessante è la differenza in BWV 675: Christoph Wolff lo ha annotato su tre pentagrammi per la NBA (con cantus firmus di 4' nel pedale), mentre Stauffer rappresenta la lettura manualiter. Sarà interessante vedere come i curatori tratteranno nei volumi successivi le opere di non chiara attribuzione che non sono ancora state pubblicate, ad esempio per quanto riguarda alcuni preludi corali trasmessi individualmente, per i quali Stauffer sembra aver previsto non meno di cinque volumi, il che suggerisce che molti di questi Incerta saranno probabilmente inclusi nella stampa. Conclusione: l'American Bach Complete Edition completa il panorama delle ultime edizioni di Bach con una variante convincente. E poiché si scoprono continuamente nuove fonti, il capitolo Bach è probabilmente tutt'altro che chiuso!

Johann Sebastian Bach, The Complete Organ Works, ed. George B. Stauffer; Vol. 1 A/B: Pedagogical Works; Vol. 7: Six Trio Sonatas and Micellaneous; Vol. 8: Clavier-Übung III; Wayne Leupold Edition, USA, 48 $ (Vol. 1, 7), 58 $ (Vol. 8).

Edizioni comparate di Breitkopf & Härtel (Sämtliche Orgelwerke, EB 8801 e segg.) e Bärenreiter (Neue Bach-Ausgabe, parzialmente rivista)

A metà degli anni Venti, dalle formazioni del jazz di New Orleans si svilupparono gradualmente le big band, che erano in grado di affascinare il pubblico con il loro suono potente e le cui ricche sfaccettature sonore continuano a ispirare ancora oggi. Per molti batteristi, allora come oggi, il drumming delle big band rappresenta la disciplina suprema del drumset. Protagonisti come Gene Krupa, Buddy Rich e Louie Bellson - solo per citarne alcuni - hanno esercitato un'influenza duratura su questo genere.

L'aiuto didattico Batteria per Big Band di Stephan Genze è pensato per far conoscere ai batteristi la teoria e la pratica del lavoro in una big band. Nella sezione teorica, l'autore spiega i vari componenti di una drum chart, nonché i termini musicali di base e le denominazioni comuni. La preparazione e l'interpretazione di un kick giocano un ruolo importante nella routine di un batterista. Genze spiega come affrontare questo compito in un capitolo speciale, utilizzando esempi di fills annotati. Per inciso, l'autore non include una legenda della notazione della batteria. Conclude la sezione teorica con una breve storia illustrata delle big band.

Sono disponibili sei brani per l'applicazione pratica di quanto appreso: Medium Swing, Latin, Fast Swing, Swing Ballad, Shuffle Blues e Funk. Ogni drum chart è preceduta da un'introduzione di non più di tre pagine. Contiene i groove di base e le sequenze di apprendimento per le singole sezioni dei brani, spiegate anche nel DVD in dotazione. Le drum chart forniscono solo l'essenziale, lasciando all'esecutore sufficiente spazio per l'interpretazione. Le parti di batteria non superano le tre pagine e sono molto facili da leggere. Solo nel brano "Funkissimo" le numerose note di sedicesimo infilate insieme a bandierine tra le pause dello stesso nome tolgono importanza alla struttura altrimenti ordinata.

I brani sono originali di Stephan Genze, che ha registrato in alta qualità con la sua orchestra jazz. Sono disponibili sul CD audio in versione integrale e senza batteria.

Il corso pratico Batteria per Big Band per i principianti e il livello intermedio è adatto sia per lo studio autonomo che per le lezioni. È stato premiato con il premio tedesco Premio per i media educativi "digita 2016" nella categoria "Studio privato, oltre 16 anni".

Stephan Genze, Bigband Drumming, corso pratico con video tutorial per batteristi, bandleader e arrangiatori, libretto con DVD e CD audio, HI-S7151, Fr. 47.90, Helbling, Innsbruck/Esslingen/Bern 2015

Gabriel Fauré, uno dei più famosi compositori francesi della fin de siècle, scrisse principalmente musica vocale, pianistica e da camera. E fu un maestro della "mélodie française".
L'edizione critica dell'Urtext, attualmente in corso di pubblicazione da parte di Peters-Verlag, si è posta l'obiettivo di organizzare i brani del compositore nel modo più affidabile possibile, tenendo conto dei cicli, delle raccolte e dei raggruppamenti e rendendo chiari gli sviluppi stilistici conclusivi all'interno dei brani - il che si sta rivelando ovviamente una sfida editoriale a causa dell'abbondanza e della qualità delle fonti disponibili.

Il risultato è un'edizione accattivante sotto tutti i punti di vista: finora è stato pubblicato un volume di vocalizzi (2013, EP11385) che Fauré compose durante il periodo in cui era direttore del Conservatorio di Parigi per i suoi studenti come esercizi di canto a vista, ma anche come "esercizi di formazione vocale di base per una voce flessibile". 45 vocalizzi sono stati composti tra il 1906 e il 1916 e, sebbene il loro scopo pratico sia evidente, si può spesso percepire la penna del compositore nella melodia e nell'armonia, anche se, a mio parere, la maggior parte dei pezzi non è all'altezza delle composizioni canore eleganti, sicure e accattivanti di Fauré.

Il primo volume delle Canzoni complete, pubblicato nel 2014, contiene 34 canzoni giovanili di Fauré. La raccolta comprende composizioni dal 1861 al 1882 e contiene alcune delle canzoni più note come Al bordo dell'acqua e Dopo un sogno. Il 3° volume è stato pubblicato nel 2015 con 17 canzoni su testi di Verlaine; il 2° volume è previsto per l'autunno 2016. Con riserva, si parla già di un quarto volume nel 2017.

Comune a tutti i volumi è una dettagliata prefazione (trilingue fr/dt/en) con informazioni sulle fonti e sulle procedure editoriali, nonché note sull'edizione e sull'esecuzione e dettagli sulla genesi delle singole opere. I testi delle canzoni sono allegati alle mélodies in traduzione francese, inglese e tedesca. Lo spartito stesso invita a leggere, suonare e cantare: Lo spartito invita a leggere, suonare e cantare: è facile da leggere e da usare, e un commento critico, questa volta solo in inglese, si trova alla fine del libretto.

Tutti i volumi sono disponibili per voce alta e medio-bassa. Le tracce di accompagnamento sono disponibili anche online - un'aggiunta contemporanea e molto utile. Il mio consiglio: un acquisto che vale la pena fare!

Gabriel Fauré, Complete Songs 1: 1861-1882. 34 brani per voce e pianoforte, a cura di Roy Howat e Emily Kilpatrick; voce alta, EP 11391a ; voce media, EP 11391b ; Fr. 33.30 ciascuno, Edition Peters, Lipsia et al. 2014

id., Sämtliche Lieder 3: Verlaine-Vertonungen; voce alta, EP 11393a; voce media, EP 11393b; Fr. 25.90 cad.

La musica di Max Reger non è facile da capire. Si muove tra tempi e direzioni estetiche. Anche a cento anni dalla sua morte, il suo status rimane controverso. È quindi ancora più gratificante quando un conoscitore intimo - anche delle difficoltà tecniche di esecuzione delle opere - si propone di aprire il significato speciale del fenomeno Reger. L'organista e teologo Hans-Peter Retzmann ha Uno studio sul pensiero musicale di Reger in cui esplora le caratteristiche essenziali del modo di comporre di Reger e del suo "atteggiamento" musicale. Per farlo, si basa sulle dichiarazioni dello stesso compositore, sopravvissute in un gran numero di lettere, ma soprattutto sulle opere (organistiche) stesse. Basandosi sul concetto di "melodia armonica" dello stesso Reger, Retzmann conia un ulteriore vocabolario con cui si possono riassumere i processi compositivi e gli obiettivi estetici di Reger: linea emancipata, campi espressivi, miniaturizzazione, connessione emotiva interna, cifratura musicale, tecnica delle cellule a mosaico, delimitazione dell'opera. Ulteriori ricerche dovranno dimostrare se questi termini saranno validi anche in futuro. Particolarmente illuminanti sono le osservazioni sulla ricezione di Bach da parte di Reger, sulla sua posizione alternativa nel dibattito tra programma e musica assoluta dell'epoca e sulla fondamentale apertura del linguaggio espressivo musicale di Reger, che non è vincolato dal contenuto.

Data la complessità dell'argomento, c'è il rischio di non assicurare completamente le concettualizzazioni e di confondere il vocabolario una volta acquisito, anziché metterlo in relazione rigorosa. Nemmeno Retzmann è sfuggito a questo pericolo, poiché termini importanti per lui come "disparità" (da p. 51), "cellula parametrica" (da p. 112), "comportamento trasgressivo" e "valenze" (da p. 294), nonché "trasformazione integrale" (da p. 311) non sono sufficientemente motivati o non sono scelti con totale precisione. Forse l'autore voleva anche troppo: i suoi commenti aggiuntivi sulla ricezione della musica di Reger, sulle riflessioni di Albert Schweitzer sulle questioni stilistiche dell'organo e, infine, sull'interpretazione delle opere organistiche vanno al di là delle sue intenzioni e oscurano i suoi risultati e postulati centrali. Ciò che manca al libro è una revisione critica che avrebbe consigliato l'autore sia nella sistemazione dei suoi pensieri sia nella correzione delle carenze linguistiche. Numerosi errori di stampa, formattazione e formulazione danno l'impressione che l'imponente e stimolante studio sia rimasto alla fine una bozza.

Hans-Peter Retzmann, La musica di Max Reger. Eine Studie zu Regers Musikdenken, (=Quellen und Studien zur Musikgeschichte von der Antike bis in die Gegenwart, ed. by Michael von Albrecht and Eliott Antokoletz, vol. 44), 364 p., Fr. 76.00, Peter Lang, Bern et al. 2015

Ho trascorso 14 giorni a leggere questo libro pesante con grande interesse. Con le sue 2066 note e un utilissimo indice di 2400 nomi, batte tutti i precedenti libri di storia del violino. David Schoenbaum (nato nel 1935 a Milwaukee, USA) si è fatto un nome come storico con il proseguimento della sua tesi di laurea a Oxford La rivoluzione bruna: una storia sociale del Terzo ReichÈ stato professore di storia all'Università dell'Iowa fino al 2008. Il violinista dilettante ha scritto questo libro per 20 anni.

I capitoli sulla Liuteria, come un romanzo. Si apprendono notizie sorprendenti sulle origini del violino (anche se Cina e India non vengono menzionate), sul collegamento attraverso i passi alpini e sulle influenze politiche. Vengono svelate verità e leggende sulle famiglie Amati, Stradivari e Guarneri. L'ascesa e la storia sindacale di Mirecourt, la lunga storia di successo di Vuillaume, che fu il primo a inondare il mercato di "Stradivari" economici provenienti dalla sua bottega a causa dell'esplosione della domanda, la storia della liuteria tedesca da Stainer alle fabbriche di Markneukirchen sono descritte in dettaglio, così come quelle del Giappone e della Cina. Lo sviluppo dell'arco e il suo più famoso costruttore sono trattati solo brevemente.

Una sezione di 100 pagine ruota attorno alla Commercio di violini: interessanti contesti storici europei, lo stretto legame tra liutai e commercianti, l'ascesa dei grandi imperi commerciali Hill, Herrmann e delle case d'asta Christie's e Sotheby's con esperti che viaggiano in tutto il mondo, i rapidi aumenti dei prezzi (prima i salari degli artigiani, più tardi le ville servite da paragone), monografie su Bildupp, Fushi & Bein, Machold, anche sulle due commercianti Felicity Foresight e Claire Givens, l'incredibile numero di "Stradi" e le loro inimmaginabili aberrazioni, i crimini, le dispute ereditarie, le cause legali, tra cui il processo Werro "Stradi", rimasto confuso a causa delle dispute tra gli esperti, i progressi nell'autenticazione degli strumenti antichi grazie ai raggi X, all'analisi dei pigmenti e alla dendrocronologia, che hanno portato Wessel a chiedersi se le case d'asta si sarebbero scaldate di fronte a qualcosa che "fa prendere coscienza di quanti falsi hanno probabilmente venduto".

Le 250 pagine sul Suonare il violino iniziate con un elenco di molti violinisti famosi: rimarrete stupiti! In origine, il violino veniva tramandato di padre in figlio, proprio come altri mestieri. Negli Ospedali italiani, gli orfani imparavano a suonare per guadagnarsi da vivere durante le numerose feste religiose e profane. L'insegnamento si è sviluppato dall'insegnamento segreto dei virtuosi attraverso gli orfanotrofi (= conservatori!) agli istituti statali e privati famosi in tutto il mondo. Il passaggio da menestrello fuorilegge a impiegato di corte, ad artista indipendente e con alti guadagni, richiese molto tempo. Sentiamo molte cose nuove su Paganini, Viotti, Auer, Stern e molti altri. I concorsi sono anche politici! Le storie confuse della fondazione delle orchestre sono estremamente emozionanti, compresi i sorprendenti successi delle orchestre giovanili nelle aree svantaggiate. Gli editori e le case discografiche desideravano grandi interpreti e viceversa!

Non c'è molto da leggere sulla pedagogia, ma solo su molti insegnanti universitari di successo. L'insegnamento di gruppo è iniziato a Birkbeck, in Inghilterra, nel 1839. Ci sono resoconti dettagliati su Shinichi Suzuki e Roberta Guaspari, ma non una parola sugli altrettanto grandi successi di Paul Rolland e Sheila Nelson o sulle influenti ASTA ed ESTA (American and European String Teachers Association). Ci sono resoconti di molti successi, difficoltà e tragici destini di artisti; la completezza giustifica il termine "Who's who". L'inclusione tardiva, ma ormai paritaria, delle donne nell'attività orchestrale e solistica è un capitolo importante. Gli elenchi del violino come strumento a tutto tondo in tutti gli stili musicali, nelle arti visive, nella poesia, nella letteratura e nel cinema sono ampi, ma non possono essere esaustivi (mi permetto di aggiungere: Jean Diwo, Les violons du roi; Jaume Cabré, The Silence of the Collector; Mechtild Borrmann, The Violinist). Il libro sarebbe ancora più adatto come opera di consultazione se ci fossero più sottotitoli nell'indice e nelle singole sezioni.

David Schoenbaum Il violino: una storia culturale dello strumento più versatile del mondo, traduzione dall'americano di Angelika Legde, 730 p., Fr. 67.00, Bärenreiter Kassel & Metzler Stuttgart 2015, ISBN 978-3-476-02558-6

"La cosa più bella che possiamo sperimentare è il mistero". Barbara Arens mette questa citazione di Albert Einstein sopra il suo volume del 2015 Piano Misterioso. In effetti, le sue composizioni fanno intuire al lettore che dietro le note lo attende un altro mondo. Titoli latini come Rovine gotiche o Oscura luce Lo portano in epoche e culture lontane e noi guardiamo attraverso i suoni, per così dire, nel nostro mondo fantastico interiore, in cui il passato è ancora presente e le figure delle leggende e delle fiabe esistono in modo molto reale. - Per tutta la sua poesia, tuttavia, la compositrice è riuscita a mantenere i piedi ben saldi sul terreno (pianistico) e a non perdere di vista il suo pubblico di riferimento. Cerca consapevolmente di comporre in modo tecnicamente non complicato, ma incorpora comunque un'ampia varietà di figure pianistiche e musicali di base nei suoi pezzi. I brani sono facili da comprendere in termini di struttura e sono una gradita aggiunta alla letteratura di livello intermedio.

Barbara Arens, Piano Misterioso, 28 pezzi magicamente facili, EB 8883, € 15,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2015

Hans-Jürg Sommer ha insegnato chitarra come insegnante di musica professionista per circa quarant'anni, ma è anche un rinomato suonatore di corno alpino, compositore di oltre 500 opere per corno alpino - tra cui il famoso Moss-Ruef -È noto anche come concertista, insegnante e scrittore di musica. Nel 2002 è stato premiato per i suoi meriti musicali con la Ciabatta d'oro e nel 2006 con il Premio musicale del Cantone di Soletta per i suoi risultati culturali.

Nel 2010, Sommer ha pubblicato un documentario di 154 pagine intitolato Valutazione e interpretazione delle fonti storiche sulle melodie per corno alpino (autopubblicato da Oensingen). Il suo obiettivo era quello di modificare vecchi brani non dal punto di vista di un etnomusicologo, ma di un suonatore alla ricerca di melodie tradizionali. Ha raccolto vecchie notazioni di file di canti dalla letteratura itinerante del XVIII e XIX secolo, come già pubblicato nel libro di Alfred Leonz Gassmann Alphornbüechli del 1938 e in altre pubblicazioni, ma li ha integrati con vecchie registrazioni sonore disponibili dagli anni '30 e ora trascritte.

Tuttavia, l'autore non ha raggiunto tutti i circa 5000 suonatori di corno alpino in Svizzera con questa importante raccolta, perché molti di loro possono imparare le melodie solo ad orecchio. Da questa constatazione è nata l'idea di Hans-Jürg Sommer e di uno dei suoi collaboratori alphorn, Thomas Juchli, di registrare le melodie Kühreihen di questa raccolta e di ambientarle in paesaggi montani svizzeri accuratamente selezionati. L'obiettivo dell'educatore musicale non era semplicemente quello di visualizzare nel film il noto legame tra paesaggio, musica e allevamento di bestiame da latte, ma di presentare le singole parti di sei filari di mucche ricorrenti del XVIII e dell'inizio del XIX secolo nella loro funzione originale. Inizialmente, i motivi di invocazione si sentono in melodie ascendenti. Dopo queste introduzioni, le parti dei richiami e delle file mostrano che le mucche che pascolano sulle Alpi li seguono ancora oggi in modo tradizionale. La discussione sul significato del termine "file di mucche" si conclude con questo fenomeno naturale: quando viene suonato l'alphorn o altra musica, le mucche si allineano una dopo l'altra in una lunga fila. In ulteriori sequenze, che Sommer chiama cesure, tutti riconoscono passaggi di musica tranquilla durante i quali il mandriano alpino aspettava le mucche davanti alla stalla. Dopo altre sezioni di richiamo e di fila, le file di mucche terminano con la ripetizione dell'introduzione e con un fischio.

Ciò che sembra facile da capire in un commento sorprendentemente semplice in tedesco, francese o inglese, e che è anche splendidamente presentato, è il risultato di anni di lavoro minuzioso per raggiungere un pubblico generale e, soprattutto, i bambini delle scuole.

Pierre-Alain Monot, può raccontarci qualcosa di questo addio?

Un cerchio si chiude. Ciò che inizia a un certo punto deve anche finire a un certo punto. E nell'arte è meglio quando questo avviene al culmine, nel pieno della febbre creativa. Le condizioni per passare il testimone sono favorevoli: l'anno scorso il NEC ha festeggiato il suo ventesimo anniversario, al quale non ho voluto mancare. Nella stagione 2015/2016 abbiamo quindi potuto far maturare questa transizione. Lo schema dei colori dei programmi cambierà, è normale. Ma ci sono tutti gli elementi perché il NEC si evolva in modo naturale e continuo. Antoine Françoise, uno dei pianisti dell'ensemble, sarà il nuovo direttore artistico. Non ci sarà più un direttore principale.

Come vi sentite a fare questo passo?

Naturalmente c'è malinconia, malinconia, perché ho amici di lunga data qui. Vivo nel cantone di Zurigo, quindi la distanza locale si farà sentire. Ma non sono triste. Lo sarei se lasciassi l'ensemble in una fase negativa o con problemi, ma sta andando tutto così bene!

E quali progetti musicali avete ora?

Spesso mi si vede solo come direttore d'orchestra, ma io sono un musicista. Continuerò a lavorare come trombettista solista al Musikkollegium Winterthur, dove potrò anche selezionare e dirigere di tanto in tanto brani contemporanei, la mia specialità. Sempre a Winterthur, sono il direttore artistico di una serie di concerti con un focus multimediale e accattivante. Continuerò ad apparire come direttore ospite, ad esempio con il Nouvel Ensemble Moderne di Montreal. E tornerò a comporre, cosa che finora non ho avuto il tempo di fare.

Può illustrare brevemente la sua ampia carriera artistica?

Ho scritto il mio primo pezzo a dodici anni. E da allora ho composto ancora e ancora, completamente da autodidatta. Me ne rammarico, perché mi manca un po' il metodo, ma forse, dopo tutto, era la cosa giusta da fare per diventare un esecutore. Come trombettista, ho suonato a lungo in un quartetto di ottoni, il Quatuor Novus, con cui ho fatto registrazioni tra il contralto e il moderno. Eravamo anacronistici nella ricerca di repertorio difficile, ma abbiamo trovato uno stile e un suono che era storicizzante e faceva brillare la musica.
Sono arrivato alla direzione d'orchestra per caso. Mi sarebbe piaciuto da bambino, ma non ne ho avuto l'opportunità, finché non ho fondato il Nouvel Ensemble Contemporain. L'ensemble voleva eseguire una mia opera e all'improvviso mi hanno chiesto se mi sarebbe piaciuto assumere la direzione d'orchestra. Ho iniziato senza pormi troppe domande ed è diventata la cosa che preferisco fare. La cosa che mi piace di più è prendere un'idea e svilupparla insieme ad altri. Penso che sia fantastico.

E perché si dedica così tanto alla musica contemporanea?

Le nicchie, l'antico e il moderno, mi hanno sempre interessato particolarmente. Poi mi sono concentrato sul contemporaneo e questo mi ha portato a collaborare con il NEC. Purtroppo si indossa sempre rapidamente un'etichetta e poi si viene chiamati a lavorare solo in questo ambito. Amo l'avventura della musica contemporanea. Si può ancora mettere piede in un territorio sconosciuto. È un privilegio raro nel mondo di oggi.

Ci sono momenti o opere che l'hanno particolarmente toccata in questo viaggio avventuroso?

La sensazione che si prova quando si legge la partitura di Boulez Marteau sans maître sul podio prima di imbarcarsi in tre quarti d'ora di musica incredibile che deve essere eseguita con la massima precisione. E Maître Zacharius ou l'horloger qui avait perdu son âme di Leo Dick, un pezzo di teatro musicale. Abbiamo avuto una straordinaria produzione del compositore sul rapporto tra uomo e macchina. È anche un raro colpo di fortuna quando un pezzo contemporaneo entra a far parte del repertorio, come ad esempio l'opera di Gérard Grisey Quatre chants pour franchir le seuilche è diventato un monumento, o il Musica da torre di Heinz Holliger.
In generale, uno dei momenti più belli è quando il compositore di un'opera siede a un concerto e ringrazia gli esecutori alla fine per la loro fedeltà al testo. Questo significa che lo scambio che è alla base della nostra professione è avvenuto, che i musicisti, il compositore e io ci siamo messi insieme.

Ancora una volta a proposito del suo concerto d'addio con il NEC. Aveva in mente qualcosa di speciale, un programma particolare?

La preparazione è stata la stessa di tutti i concerti: bisogna padroneggiare perfettamente il programma, tutto qui. Non avevamo scelto nulla di speciale, certamente nulla di sentimentale. È stato un concerto del tutto normale per il nostro straordinario pubblico di La Chaux-de-Fonds. Parti di ricambio di Hanspeter Kiburz, una grande opera che deve essere conosciuta, che rimane nella memoria del pubblico e che ogni ensemble dovrebbe aver eseguito almeno una volta. E con Il giardino dei desideri terreni di Liza Lim, abbiamo continuato la linea di Romitelli, che era in programma a gennaio. Appartengono alla stessa generazione. Era da molto tempo che volevo suonare qualcosa di Liza Lim.
Sono molto soddisfatto, perché entrambi i lavori sono estremamente orchestrali e scritti in modo tale da mostrare al meglio le capacità dell'ensemble.

Secondo il Bachhaus, la prima parte della mostra si concentra sull'ostilità di Lutero nei confronti degli ebrei e sulle sue conseguenze nel luteranesimo. Vengono affrontati l'interesse di Bach per la storia e l'antigiudaismo ebraico e la questione ricorrente se le Passioni di Bach siano antiebraiche.

Una seconda parte è dedicata alle famiglie Itzig e Mendelssohn, nonché a personalità come Joseph Joachim, e alla coltivazione di Bach tra la borghesia ebraica del XIX secolo e al suo significato per la Bach Renaissance. La mostra costituisce anche un'integrazione all'anno tematico 2013 del Decennio della Riforma "Riforma e tolleranza".

Info:
"Lutero, Bach - e gli ebrei": mostra speciale dal 24 giugno al 6 novembre 2016, Bachhaus Eisenach, Frauenplan 21, 99817 Eisenach.
 

Nato a Radebeul, vicino a Dresda, nel 1992, Hermes Helfricht è borsista del Forum dei direttori d'orchestra del Consiglio musicale tedesco. Ha cantato nel Kreuzchor di Dresda per nove anni e ha assistito il Kreuzkantor Roderich Kreile come prefetto del coro dal 2008 al 2010. Ha studiato direzione d'orchestra con Lutz Köhler e Steven Sloane all'Università delle Arti di Berlino.

Hermes Helfricht si è esibito con numerose orchestre europee e ha un repertorio che spazia dal barocco al contemporaneo. In Svizzera è apparso in una produzione dell'Opera del Castello di Haldenstein (Pipistrello) sul podio dell'Orchestra Filarmonica da Camera dei Grigioni. Ha debuttato al Teatro di San Gallo nel febbraio 2016 con "Eugen Onegin".

Hermes Helfricht è direttore assistente della Joven Orquesta Nacional de España dal 2014. Nel 2015 ha diretto l'"Orchestra 1770" presso l'Accademia musicale di Rheinsberg. Nella stagione 2015/2016 è stato impegnato come Kapellmeister al Teatro di Erfurt.

Con il marchio "Telemann 2017", le città vogliono sensibilizzare l'opinione pubblica sul cosmopolita musicale Georg Philipp Telemann con vari formati di eventi. L'obiettivo è anche quello di creare un ponte con l'anniversario della Riforma nel 2017, dato che fu Telemann a riformare la musica della chiesa protestante nel XVIII secolo.

Il 25 giugno 2017 ricorre il 250° anniversario della morte di Telemann. Telemann ha plasmato il repertorio musicale del tardo Barocco e del primo Illuminismo. Seppe adattare e mescolare i numerosi stili musicali del suo tempo e sviluppare il proprio stile personale a partire da essi. Come impresario di concerti, stabilì una vita musicale borghese a Lipsia, Francoforte sul Meno e Amburgo, i cui effetti si sentono ancora oggi. Fu attivo anche come editore e gestì una propria casa editrice.

Per saperne di più: www.telemann2017.eu

I lavori in corso di musicisti in tutti i settori della musica sono ammissibili per il bando di concorso nel campo della musica. I contributi di questo bando vengono utilizzati per la pubblicazione e i relativi costi di promozione e distribuzione. L'importo totale disponibile è di 60.000 franchi svizzeri.

Contributi per un totale di 120.000 franchi svizzeri possono essere assegnati a produzioni di professionisti del teatro e della danza che verranno rappresentate per la prima volta nel 2017.

La scadenza per la presentazione dei dossier per la partecipazione al finanziamento selettivo è il 30 settembre 2016. Una giuria di quattro esperti sarà nominata per valutare le opere presentate. I risultati del concorso e i contributi premiati saranno annunciati durante la cerimonia di presentazione pubblica delle opere l'11 novembre 2016 presso il centro culturale Braui di Hochdorf.

A partire dal 2017, il Cantone prevede di pubblicare bandi semestrali, a fine gennaio e a fine giugno. Saranno offerte borse di produzione nelle categorie musica e danza teatrale, e borse di lavoro nelle categorie arti liberali e applicate. Il nuovo strumento di finanziamento si basa sul rapporto di pianificazione sul finanziamento culturale nel Cantone di Lucerna adottato dal Consiglio cantonale nel 2014.

Per saperne di più: www.kultur.lu.ch