Il direttore d'orchestra e compositore Hans Haug, nato a Basilea nel 1900 (morto a Losanna nel 1967), ha diretto numerosi ensemble in Svizzera e all'estero, tra cui l'Orchestra della Radio di Beromünster dal 1938 al 1943. Negli anni Trenta scrisse le opere Don Giovanni in terra straniera e Madrisa. Il gioco popolare dei soldati divenne molto popolare durante la Seconda Guerra Mondiale. Gilberte de Courgenay. Secondo MGG il suo lavoro si è concentrato su opere sceniche di vario genere. Tra le sue opere strumentali, spiccano in particolare i concerti, tra cui il Concertino per chitarra e piccola orchestra. Ha ricevuto il primo premio di composizione da Andrés Segovia all'Academia Chigana di Siena nel 1951.

Marisa Minder, chitarrista cresciuta a Windisch e ora residente a Basilea, studia da molti anni le opere per chitarra di Hans Haug. Con il suo progetto "Concertino Hans Haug", vuole portare nelle sale da concerto una delle composizioni migliori, ma meno conosciute, di Haug. Dopo la sua prima esecuzione nel 1970, l'opera è scomparsa dalla scena e fino ad oggi non sono state effettuate registrazioni. Dopo quattro esecuzioni, il progetto si concluderà con la produzione di un CD.

L'ultimo concerto si terrà il 28 febbraio all'Ackermannshof di Basilea. Alexander Zemtsov dirige l'orchestra del progetto, con Dmitry Smirnov come concertatore.

L'ultima tornata di negoziati è stata annullata dopo che undici dei 28 Paesi dell'UE hanno respinto la proposta di compromesso presentata dalla Romania. Oltre all'articolo 11, che prevede l'introduzione di un diritto d'autore accessorio a livello europeo per gli editori di stampa, l'articolo 13 è particolarmente controverso. L'articolo 13 è particolarmente controverso e mira a obbligare le piattaforme a verificare se il caricamento dei rispettivi contenuti viola il diritto d'autore.

Il compromesso ora raggiunto tra Germania e Francia esclude dalle disposizioni dell'articolo 13 le piattaforme che hanno meno di tre anni, un fatturato annuo inferiore a dieci milioni di euro e meno di cinque milioni di utenti al mese. Oltre al Consiglio musicale tedesco e al Landesmusikrat NRW, numerose altre organizzazioni culturali sono favorevoli all'adozione della direttiva UE sul copyright nel mercato unico digitale.

Se gli ulteriori negoziati con il Parlamento europeo e la Commissione europea avranno successo, la direttiva potrebbe essere adottata prima delle elezioni europee di maggio. Il Consiglio musicale tedesco accoglie con favore l'accordo raggiunto dagli Stati membri dell'UE.

A causa di un referendum sul bilancio, la città di Lucerna non ha attualmente un bilancio giuridicamente vincolante. Istituzioni come l'associazione Südpol, che dipendono dal sostegno finanziario della città di Lucerna per svolgere la loro missione, sono particolarmente colpite dalla mancanza di un bilancio. Se gli elettori approveranno il bilancio 2019 il 31 marzo, questo sostegno finanziario sarà erogato a partire da aprile 2019. Se gli elettori respingeranno il bilancio, dovrà essere elaborata una nuova proposta, discussa in parlamento ed eventualmente sottoposta a referendum.

Il contenuto dell'accordo di prestito e sovvenzione con l'associazione Südpol si basa sull'accordo precedente. La destinazione dei fondi a favore della scena indipendente locale e regionale è stata formulata in modo più chiaro e gli obiettivi di performance sono stati specificati in modo più preciso, scrive la città. Allo stesso tempo, il Consiglio della Grande Città ha concesso all'associazione Südpol un finanziamento transitorio fino a quando il Consiglio della Grande Città non avrà preso una decisione o fino a quando non sarà disponibile un bilancio giuridicamente vincolante.

L'IGNM-VS organizza l'annuale Festival for New Music Forum Valais al Castello di Leuk, che ha regolarmente fatto notizia a livello internazionale con l'Helicopter String Quartet di Karlheinz Stockhausen con il Quartetto Arditti e il Cod.Acts Pendulum Choir, tra gli altri.

Il Forum Wallis ha anche acquisito un nuovo consiglio di amministrazione internazionale: La giuria del 5° concorso Ars Electronica Forum Wallis comprende Javier Hagen (IGNM-VS), Kotoka Suzuki (Tokyo/Chicago), Jaime Oliver (Lima/New York) e Reuben de Lautour (Istanbul/Auckland), i concerti acusmatici sono curati da Simone Conforti dell'IRCAM di Parigi e il direttore artistico della 1° Accademia Forum Wallis per studenti di composizione è il direttore d'orchestra svizzero-argentino e direttore dell'Electronic Studio Basel Erik Oña.

Questo strumento storicamente interessante è stato suonato in passato dal cofondatore dell'orchestra Wolfgang Schneiderhan. Ora lo si potrà riascoltare per la prima volta in due concerti, il 5 marzo alla Konzerthaus di Vienna e il 7 marzo al KKL di Lucerna. Daniel Dodds, direttore artistico del Festival Strings Lucerne, eseguirà i due concerti per la prima volta sul violino, costruito prima del 1680.

Lo strumento è stato offerto in esclusiva al Festival Strings Lucerne qualche tempo fa. Per oltre 100 anni ha fatto parte della collezione di strumenti della famiglia di industriali del Vorarlberg Hämmerle, nel frattempo emigrata in Argentina, e negli ultimi decenni è stato conservato in una cassaforte di banca.

Il Festival Strings Lucerne ha trovato un partner nella Fondazione Monika Widmer di Lucerna, che ha reso possibile l'acquisto dello strumento. La Fondazione ha acquistato lo Stradivari e lo ha messo a disposizione del Festival Strings Lucerne.

L'équipe guidata dallo psicologo musicale Daniel Lloyd Eaves dell'Università di Teesside nel Regno Unito ha testato il modo in cui i soggetti sottoposti al test sono fisicamente stimolati a battere il piede o ad assecondare il ritmo quando guardano un batterista. A tal fine, hanno sincronizzato o spostato le esperienze visive e acustiche dei soggetti in esame.

Questo ha dimostrato che l'esperienza visiva gioca un ruolo nel determinare se siamo fisicamente stimolati da un ritmo. Secondo il team, i risultati ottenuti confermano l'importanza delle esperienze sensoriali multimodali per un'esperienza olistica della musica.

Articolo originale:
Daniel Lloyd Eaves, Noola Griffiths, Emily Burridge, Thomas McBain, Natalie Butcher, Seeing a drummer's performance modulates the subjective experience of groove while listening to popular music drum patterns, Musicae Scientiae, First Published February 1, 2019,
https://doi.org/10.1177/1029864919825776

Malta e il barocco: un binomio non scontato a prima vista, ma che lo è molto di più a un secondo sguardo. La Valletta, la capitale fondata nel 1566, è puro barocco, costruita con una meravigliosa e calda pietra gialla e immutata dal XVII secolo. È quindi giusto che la musica del XVII e XVIII secolo venga celebrata qui e in alcune delle altrettanto incantevoli città dei dintorni, e quest'anno per la settima volta. Il Valletta International Baroque Festival è stato avviato e organizzato dal direttore del Teatru Manoel, Kenneth Zammit Tabona, da allora. Il festival gode del pieno sostegno del governo, rappresentato dall'On. Owen Bonnici, Ministro della Giustizia, della Cultura e degli Enti Locali, che ha assistito a molti dei concerti.

Tra il 23 e il 27 gennaio, i giorni del festival di cui si può parlare in questa sede, si sono svolti sette concerti, il primo e l'ultimo dei quali sono stati dei momenti unici.

C'era una volta, nella chiesa di Santa Caterina d'Alessandria a Żejtun, a pochi chilometri dalla capitale, la presentazione della Dixit Dominus a 4 concertato di Niccolò Jommelli (1714-1774) e la Messa in re maggiore di Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) da parte del coro e dell'orchestra dello storico Collegio Ghisleri di Pavia, Italia, sotto la direzione di Giulio Prandi (che ha diretto l'intera serata in modo ispirato e a memoria). Entrambe le orchestre si sono esibite con incredibile differenziazione dinamica e agogica e impegno. Le parti solistiche sono state eseguite in modo così naturale e convincente dai membri del coro che non si è ritenuto necessario citare i loro nomi nel programma...

Il Museo Archeologico della Valletta, ospitato in uno dei palazzi più eleganti della città (risalente al 1571), ha ospitato i concerti all'ora di pranzo nel suo Gran Salon, dove i visitatori hanno potuto assistere al restauro dei dipinti murali. Il Signum Saxophone Quartet, fondato nel 2006, si è esibito con il titolo di Bach e oltre Musiche di J. S. Bach, J. Chr. Bach, Steve Reich (1936), David Maslanka (1943-2017) e Marcelo Zarvos (1969). I quattro (ancora) giovani sassofonisti Blaž Kemperle, Hayrapet Arakelyan, Alan Lužar e Guerino Bellarosa hanno dato vita a un vero e proprio fuoco d'artificio di virtuosismo nei brani moderni, passandosi le palle musicali l'un l'altro e affrontando le partiture barocche con grande cura e fantasia. Per un fan sfegatato del barocco, tuttavia, il Bach per sassofono è difficile da digerire, e l'argomentazione che una musica così buona è ancora buona in tutte le versioni possibili non è davvero convincente.

Nella stessa sede si sono tenuti altri due concerti, entrambi con il pianista Paul Gulda, che ha suonato su un meraviglioso clavicembalo di Bruce Kennedy. Il primo ha presentato la prima parte dell'opera Clavicola ben temperata di Johann Sebastian Bach. Gulda ha suonato con abilità e impegno, con rubati molto idiosincratici e molti cambi di registro. Tra i singoli preludi e fughe, ha letto frasi filosofiche (del Dalai Lama, per esempio), che non sono state accolte universalmente bene, in parte perché sono sembrate un po' predicatorie e in parte perché solo gli ascoltatori nelle immediate vicinanze potevano capirle. Nel secondo concerto, Gulda si è esibito con il suonatore di oud e cantante Marwan Abado. Il programma prevedeva composizioni dello stesso Abado e di altri autori mediorientali, e i due hanno deliziato il pubblico con improvvisazioni entusiasmanti. Ancora una volta, purtroppo, solo una piccola parte del pubblico ha potuto ascoltare i numerosi commenti.

L'oratorio Il trionfo del tempo e del disinganno di Handel è stato rappresentato al Teatru Manoel. Questo teatro fu costruito nel 1731 convertendo due case nobiliari; il Gran Maestro Anton Manoel de Vilhena commissionò l'opera e le diede il nome. Oggi questo gioiello è il teatro nazionale di Malta ed è uno dei teatri più antichi d'Europa. Un quartetto di solisti e l'orchestra Armonia Atena di Atene si sono esibiti sotto la direzione di George Petrou. Si sarebbe desiderata una maggiore libertà dinamica in questa bella esecuzione e un tocco di teatralità in più da parte dei solisti.

Nella Chiesa dell'Assunzione di Qrendi, il Missa in illo tempore di Claudio Monteverdi (1567-1643), integrate da brevi opere di altri maestri dell'epoca, tra cui forse spicca la prima esecuzione in tempi moderni del mottetto In convertendo di Michelangelo Falusi (1645-1733). Gli otto cantanti dell'ensemble Cantar lontano sotto la direzione di Marco Mencoboni hanno cantato magnificamente, anche se in modo un po' statico in termini di tempo e volume. Purtroppo, l'annunciato ensemble vocale Monteverdi Project di La Valletta ha fatto appena una comparsa.

Ancora una volta al Teatru Manoel, il festival si è concluso brillantemente con la rappresentazione del 6 Concerti Brandeburghesi di J. S. Bach. L'orchestra barocca bernese Les Passions de l'Âme (direttore e violinista Meret Lüthi) emanava gioia di suonare e ha impressionato con il suo stupendo virtuosismo, e nei movimenti lenti con la sua ammaliante musicalità. Ci si può forse chiedere perché i movimenti esterni, solitamente segnati da Bach come Allegro, dovessero essere suonati in un incredibile prestissimo. Sembrava che i musicisti si divertissero soprattutto.

Un luogo di esibizione che non è stato ancora menzionato, ma che merita sicuramente: la meravigliosa e dorata Concattedrale di San Giovanni a La Valletta, che ha un'acustica eccellente oltre a un dipinto originale di Caravaggio e molti altri tesori artistici. Non resta che attendere con ansia il prossimo festival!

L'Archivio Donne e Musica ha annunciato l'assegnazione della borsa di studio internazionale per compositori in residenza in collaborazione con l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Francoforte (HfMDK), Istituto di Musica Contemporanea (IzM), per la quarta volta. La borsa di studio, che durerà da metà luglio a metà ottobre 2019, è aperta a compositori di tutte le età e nazionalità fino al 15 marzo 2019.

L'archivio e la HfMDK offrono alla compositrice l'opportunità unica di utilizzare risorse come lo studio di musica elettronica e acustica e la rete internazionale di musica femminile. Durante il suo soggiorno a Francoforte, la borsista comporrà una nuova opera e la proverà con gli studenti dell'HfMDK. Inoltre, una classe del progetto scolastico Response dell'HfMDK svilupperà una "risposta" musicale a una delle sue opere sotto la sua guida.

La giuria annuncerà il nome del compositore alla fine di maggio. Le opere di nuova creazione saranno presentate in anteprima al concerto finale del 17 ottobre 2019.
L'Archivio delle donne e della musica è stato fondato nel 1979 dall'Internationaler Arbeitskreis Frau und Musik e. V. Archivia la musica di circa 1800 compositrici dal IX secolo a oggi.

www.archiv-frau-musik.de
 

"Sorimuni 2" sarà eseguito dalla Tallinn Chamber Orchestra il 5 maggio. Inoltre, "Shadow Art II" per voce, flauto ed elettronica del compositore australiano Paul Clift, che vive a Basilea, è stato selezionato come contributo della sezione australiana.

Junghae Lee, nata a Tokyo nel 1964, è cresciuta in Corea. Ha studiato composizione alla Seoul National University con Byung-Dong Paik e dal 1991 all'Electronic Studio dell'Università di Musica di Basilea, specializzandosi in musica elettronica. Ha frequentato masterclass con Isang Yun e Toru Takemitsu. Dopo una fase di intenso coinvolgimento con la musica elettronica, ha rivolto la sua attenzione sempre più alla composizione strumentale. Il suo lavoro - con o senza elettronica - è caratterizzato da miscele speciali e da uno stile unico e altamente espressivo.

L'ISCM World Music Days è il festival annuale della Società Internazionale di Musica Contemporanea, fondata nel 1922, che quest'anno si terrà dal 2 al 10 maggio a Tallinn, in Estonia. Il festival è ospitato da Estonian Music Days, che celebra il suo 40° anniversario con le Giornate mondiali della musica dell'ISCM. Le opere da selezionare sono presentate dalle 65 sezioni nazionali e sottoposte alla giuria del festival.

Nicolas Farine ed Egidius Streiff hanno coordinato le candidature della Società Svizzera di Musica Contemporanea (ISCM Svizzera). Quest'anno sono state presentate opere di Katharina Rosenberger, Junghae Lee, René Wohlhauser, Nadir Vassena, Stephanie Hänsler, Benoit Moreau, Nicolas Bolens e Keiko Kikoutchi.
 

Il Prix Thierry Scherz premia la migliore interpretazione della serie "Giovani talenti" del festival e consente al vincitore di realizzare una registrazione su CD. Sostenuta da Renaud Capuçon, direttore artistico del festival, la giuria - Gérard Caussé, mentore dei giovani talenti, Yann Maresz, compositore in residenza e Patrick Peikert, direttore dell'etichetta Claves Records - ha assegnato all'unanimità il Prix Thierry Scherz di quest'anno a Timothy Ridout.

Nella seconda metà di quest'anno, il giovane violista registrerà un CD con l'Orchestra Sinfonica di Berna e l'etichetta Claves Records, che si occuperà anche della promozione. La giuria ha inoltre premiato Jean Sautereau con il Prix André Hoffmann. Il premio, del valore di 5.000 franchi, premia la migliore interpretazione dell'opera "Soliloque" di Yann Maresz, compositore in residenza del festival.

Inoltre, Denis Schuler di Ginevra succederà al revisore dei conti uscente Laurent Mettraux. Fachard è nato a New York da padre svizzero e madre greca ed è cresciuto a Losanna. Ha studiato composizione con Daniel Glaus, William Blank e Xavier Dayer, oltre che con Lachenmann, Ferneyhough e Boulez. Nel 2015 è stato Composer in Residence presso il programma Composer's Next Generation dell'Ensemble Vortex di Ginevra. Fachard vive a Losanna. Oltre a lui, Max E. Keller, Egidius Streiff e Javier Hagen (presidente) sono membri dell'attuale consiglio direttivo della SGNM.

La SGNM è la sezione svizzera della Società Internazionale di Musica Contemporanea (IGNM/ISCM) ed è stata fondata nel 1922 dal mecenate di Winterthur Werner Reinhart - primo segretario generale dell'ISCM - come una delle prime sezioni nazionali dell'ISCM. È l'interfaccia svizzera dell'ISCM e quindi delle Giornate Mondiali di Musica dell'ISCM, che si svolgono ogni anno in un paese diverso e che finora si sono tenute in Svizzera sei volte: nel 1926, 1929, 1957, 1970, 1991 e più recentemente nel 2004.

Il simposio PRJ del 19 gennaio 2019 è stato piccolo ma piacevole, senza troppo clamore, ma con sostanza. È stato organizzato ancora una volta dal Scuola di musica del Conservatorio di Berna in collaborazione con il Associazione delle scuole di musica bernesi (VBMS) organizzato. L'evento di formazione continua per il settore pop, rock e jazz
rispetto alla prima edizione, è stato aperto in direzione della pedagogia generale. L'organizzatore Victor Wanderley ha sottolineato che il suo simposio non era rivolto solo agli insegnanti di PRJ, ma ai rappresentanti di tutti i generi musicali. Questa apertura è stata accolta molto bene dall'evento, ma si è avuta l'impressione che i rappresentanti della musica classica non si sentissero (ancora) interpellati.

L'evento si è svolto in un "formato di incontro", il che significa che ai partecipanti è stato dato ampio spazio per scambiare idee e condividere i loro risultati ed esperienze nella sessione plenaria. Tre esperti invitati hanno fornito importanti contributi, hanno guidato i workshop e stimolato le discussioni.
 

Natalia Ardila-Mantilla, responsabile della Pedagogia strumentale e vocale presso l'Istituto di ricerca sull'educazione musicale dell'Università di Musica e Teatro di Colonia, si occupa di ricerca sull'educazione musicale in contesti di apprendimento formali e informali e sullo sviluppo di concetti per l'apprendimento della musica in gruppi eterogenei. Ha fornito un'interessante introduzione con sei domande sulla loro storia educativa personale e su ciò che ritengono di aver appreso nei vari contesti di apprendimento. Tutti hanno dovuto dare le proprie risposte nella sessione plenaria. Le intuizioni illuminanti che sono emerse sono state sorprendenti. Chiunque pensasse di poter dedurre i vantaggi di una o dell'altra forma di apprendimento si sbagliava tanto quanto chi pensava che l'apprendimento informale dovesse essere classificato come PRJ e quello formale come classico. La relatrice ha utilizzato i profili didattici che aveva creato nel suo lavoro di ricerca per dimostrare che le due forme di apprendimento si verificano più o meno allo stesso modo da entrambe le parti. Ha ipotizzato quattro mondi di apprendimento: Lezioni, ensemble, performance e sfera privata, che possono essere organizzati in modo più o meno formale o informale. È fondamentale che ci sia un mix fruttuoso e che l'insegnante cerchi di influenzare i mondi di apprendimento informali dei suoi studenti.

Foto: Niklaus Rüegg

Natalia Ardila-Mantilla

Nik Bärtsch, pianista jazz di successo internazionale originario di Zurigo e laureato in musica classica, ha descritto la sua carriera di studente di musica negli anni '70 e '80 e ha parlato della formazione e della coltivazione di comunità creative, del suo Club Exil, della serie dei lunedì con la sua "Ritual Groove Music" con workshop e concerti. "La creatività ha bisogno di strutture", è convinto Bärtsch. Le radici locali, un campo base, sono importanti per lui per poter lavorare a livello internazionale. Per questo si reca ogni giorno nel suo "esilio", definendo così casa ed esilio come congruenti. Bärtsch è un sostenitore della "pedagogia del freestyle", che pone l'accento sull'iniziativa personale, sul "fare, rischiare, imparare". Aveva già imparato questo "modo selvaggio di imparare" durante la sua impegnativa carriera di studente di musica. All'inizio la scuola di musica di Zurigo ha avuto difficoltà con i suoi interessi: voleva suonare la batteria e il boogie-woogie e detestava gli spartiti. Queste cose non facevano parte della cultura didattica dell'epoca. Così non ebbe altra scelta che imparare da solo e in gruppi musicali. Alla fine, il ragazzo di talento incontrò insegnanti di musica comprensivi che "in qualche modo lo seguirono" e lo aiutarono a trovare la sua strada.

Foto: Niklaus Rüegg

Nik Bärtsch

Il pianista, batterista, matematico e docente al Jazzcampus di Basilea, Malcolm Braff, ci ha sorpreso con un approccio scientifico a un fenomeno non considerato accademico: il groove. Egli adotta un approccio opposto, per così dire, e tenta di spiegare e formalizzare il freestyle. Braff distingue tra ritmo musicale teorico e pratico: "Nella musica popolare il ritmo non è mai uguale", ha sottolineato, aggiungendo "nella musica classica non lo è nemmeno". Il groove nello swing si crea spostando e variando leggermente la lunghezza delle note. Con un gruppo di un quarto e due ottavi, ad esempio, questo può significare un'approssimazione a una terzina. Questa regola può essere utilizzata anche per rendere swing alcuni brani classici. Un esempio popolare è Bach. Anche il valzer viennese non sarebbe un valzer se tutte e tre le note fossero suonate esattamente della stessa lunghezza. Braff ha illustrato graficamente questi spostamenti ritmici, partendo da una terzina pari come un triangolo isoscele, e ha suddiviso gli effetti ritmici in "negative groove balance" (o "laidback"), "positive groove balance" (spinta in avanti) e "taking off the ground/taking down to the ground" (fraseggio attraverso il cambiamento degli accenti). Le dimostrazioni pratiche alla batteria e al pianoforte con ritmi alternati suonati simultaneamente a sinistra e a destra sono state impressionanti.

Foto: Niklaus Rüegg

Malcolm Braff

Quest'anno, per la prima volta, la Musikmesse si svolgerà su quattro giorni lavorativi (da martedì a venerdì). In questo modo si concentra più che mai sullo scambio professionale dei professionisti internazionali e affina la sua essenza di marchio come la più grande fiera europea per l'industria musicale. Per la prima volta dal 2015, Musikmesse si terrà di nuovo in contemporanea con Prolight + Sound, il "Global Entertainment Technology Show".

Anche dopo la fiera, la musica continua a Francoforte. Per la quarta volta, il "Musikmesse Festival" presenta concerti di spicco in 30 location e nel quartiere fieristico. Tra questi: i talenti del Premio Internazionale Pianista Tedesco e un grande concerto di chiusura con la leggenda del soul Gregory Porter e la Neue Philharmonie Frankfurt.
 

I visitatori della Musikmesse 2019 potranno contare su distanze più brevi. Il padiglione 3 riunisce un'ampia gamma di prodotti su due livelli, da pianoforti e tastiere a batteria e percussioni, chitarra e basso, strumenti a fiato e a ottone, strumenti a corda, strumenti armonici e spartiti. Per la prima volta, l'intero settore audio è concentrato su un unico livello del padiglione: i visitatori troveranno sintetizzatori e apparecchiature di registrazione, oltre a prodotti per il rinforzo del suono dal vivo, nel padiglione 8.0.

© Musikmesse Frankfurt

La novità del 2019 è la "Networking Area" congiunta di Musikmesse e Prolight + Sound nel padiglione 4.1, che si rivolge specificamente ai rivenditori e ai decision maker del settore. Con il suo concetto di lounge elaborato, offre l'ambiente ideale per colloqui d'affari in un'atmosfera rilassata.

Il nuovo "Music Education Centre" nel Centro Congressi Messe Frankfurt crea una piattaforma centrale per la promozione dei giovani talenti e l'aggiornamento professionale. Tra i punti salienti di questo settore vi è la Giornata del fare musica in classe (venerdì 5 aprile), che fornirà idee per un insegnamento moderno e orientato alla pratica. Lo stesso giorno, il Premio europeo per la musica nelle scuole premierà i progetti innovativi nel campo del lavoro metodico e creativo con gli strumenti musicali. Si terranno inoltre workshop e seminari sulla musicoterapia e, per la prima volta, la cerimonia di premiazione del "Concorso per nuovi strumenti terapeutici".

© Musikmesse Frankfurt

Il progetto "Discover Music" per i giovani esploratori musicali offre un viaggio alla scoperta del mondo dei toni e dei suoni. Sotto la guida pedagogica di musicisti esperti dell'Accademia musicale di Francoforte, gli scolari possono provare gli strumenti a loro piacimento.

Anche il "Premio europeo della canzone d'autore" entra in una nuova fase. In occasione della premiazione con finale dal vivo (5 aprile), cantautori e produttori potranno presentare le loro composizioni a una giuria di alto livello composta da A&R internazionali. Il vincitore entrerà direttamente in studio: per i brani migliori sono previste anche promozioni radiofoniche e online.
 

Oltre a workshop, masterclass e tutorial (con un focus sugli strumenti a tastiera martedì 2 aprile), la Musikmesse offre musica dal vivo di artisti nazionali e internazionali per tutta la giornata.

La sera, il quartiere fieristico diventa l'epicentro del Musikmesse Festival: ad esempio, la Festhalle di Francoforte, il Centro Congressi Messe Frankfurt, la Festival Arena nel quartiere fieristico all'aperto e i nuovi Circle Stages direttamente nei padiglioni espositivi offrono speciali esperienze musicali anche dopo la chiusura della fiera. Il Musikmesse Festival presenta anche concerti e feste nei club e nelle location per eventi di Francoforte. I visitatori della Musikmesse ricevono gratuitamente un braccialetto del festival, con il quale possono partecipare agli eventi del Musikmesse Festival a prezzo ridotto o addirittura gratuitamente.
 

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Il gran finale del "Premio internazionale del pianista tedesco" offre una chicca per gli amanti della musica pianistica di alto livello (1° aprile, Alte Oper di Francoforte). Accompagnati dall'Orchestra Filarmonica di Baden-Baden sotto la direzione di Douglas Bostock, i migliori giovani pianisti daranno prova delle loro capacità. Il programma comprende il Concerto per pianoforte e orchestra n. 2 op. 18 in do minore di Rachmaninoff e il Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 op. 15 in re minore di Brahms.

Il sabato successivo alla Musikmesse (6 aprile), "Musikmesse Plaza" presenterà un concetto di evento completamente nuovo rivolto agli appassionati di musica di tutte le età. Insieme a partner del settore creativo, Messe Frankfurt sta realizzando un mercato pop-up con una varietà di mondi tematici e vendite dirette: da strumenti vintage a supporti sonori e prodotti lifestyle. Come momento culminante di una settimana ricca di musica e intrattenimento, gli appassionati di musica potranno assistere al concerto di chiusura dell'artista soul statunitense Gregory Porter, che si esibirà per la prima volta insieme alla Neue Philharmonie Frankfurt.

© Musikmesse Frankfurt

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Per quasi un quarto di secolo, Richard Irniger ha messo la sua villa a disposizione di musicisti di vari stili, dalla musica classica al jazz e alla musica popolare, secondo il comunicato stampa della città. Più di mille concerti hanno già avuto luogo nei locali della Schneckenmannstrasse, dove i musicisti possono anche esercitarsi e provare regolarmente.

Dopo ogni concerto, il mecenate, che il 27 gennaio ha festeggiato il suo 80° compleanno, offre un aperitivo ricco, permettendo al pubblico di parlare con gli artisti in un'atmosfera rilassata. Secondo l'omaggio, Richard Irniger ha "creato un gioiello culturale sullo Zürichberg con cui ha arricchito instancabilmente la vita musicale di Zurigo".
 

Dall'11 al 21 luglio 2019, la 10ª edizione di YOUTH CLASSICS Swiss International Music Academy SIMA offrirà a musicisti di talento provenienti dalla Svizzera e dall'estero un'opportunità formativa intensiva e di alta qualità sull'isola della musica a Rheinau. L'accademia si rivolge a giovani musicisti di talento di età compresa tra i 10 e i 25 anni che intendono studiare musica in un futuro prossimo o lontano o che lo stanno già facendo. È stata fondata nel 2009 dal violinista e direttore d'orchestra Philip A. Draganov. È uno degli insegnanti di violino più richiesti dai giovani musicisti di talento in Svizzera e insegna al Conservatorio di Zurigo, al Conservatorio di Winterthur e al PreCollege of Music dell'Università delle Arti di Zurigo.

Durante dieci giorni di lezioni individuali, lezioni di musica da camera e workshop, i partecipanti beneficiano dell'esperienza di docenti di fama internazionale provenienti da rinomate accademie musicali in Svizzera e all'estero. Nelle lezioni individuali intensive, i partecipanti ricevono un eccellente supporto musicale e una formazione di prim'ordine sul proprio strumento. Vengono inoltre preparati per concorsi, audizioni ed esami.

I partecipanti e i docenti vivono nello stesso luogo durante l'Accademia, sull'Isola della Musica di Rheinau. Questo favorisce l'incontro con eminenti insegnanti di musica e lo scambio con persone di età diverse che la pensano allo stesso modo.

I concerti durante l'Accademia e i concerti finali del 20 luglio e del 14 settembre 2019 a Zurigo sono un momento speciale.

Iscrizioni fino all'11 maggio 2019 presso www.youth-classics.ch
 

Thomas Grossenbacher, docente all'Università delle Arti di Zurigo, violoncellista solista dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo e docente alla SIMA per molti anni.

Signor Grossenbacher, in quanto musicista impegnato, cosa l'ha spinta a impegnarsi come docente alla SIMA?
Mi piace particolarmente la comunità di studenti e docenti, ma anche l'atmosfera incomparabile dell'isola musicale di Rheinau è una grande fonte di motivazione.

Cosa rende questa Accademia particolarmente preziosa?
Vedo un grande valore nella versatilità del programma (dai laboratori di liuteria alla danza barocca, alla formazione per le audizioni e molto altro), ma anche nell'eccellente organizzazione, nel mix di studenti, dai più giovani ai più anziani, e nelle molte opportunità per i partecipanti di esibirsi di fronte a un pubblico.

Che consiglio darebbe ai giovani talenti?
Rilassati!