Siete membri del consiglio di amministrazione della vostra orchestra e dovete occuparvi di varie questioni amministrative? Ad esempio, state per scegliere un nuovo direttore d'orchestra e dovete redigere un nuovo contratto? Avete a che fare con assenze del personale per malattia (ad esempio, direttore d'orchestra, maestro di concerto) e vi chiedete quale sia la situazione per quanto riguarda l'obbligo di continuare a pagare gli stipendi? Avete già un'informativa sulla privacy sul vostro sito web e lo statuto della vostra organizzazione è ancora aggiornato?

L'EOV mette a disposizione delle orchestre associate modelli e schede informative per questi e altri argomenti amministrativi e legali sul proprio sito web, alla voce "Offerte per le orchestre". Registratevi con il visto dell'amministrazione della vostra orchestra. Nell'ultimo anno abbiamo rivisto e aggiornato molti dei documenti. Utilizzate l'assistenza dei nostri esperti e semplificate la vostra amministrazione. I documenti relativi ai seguenti argomenti sono attualmente disponibili per il download gratuito:

- Modello di contratto per i conduttori

- Esempio di contratto per solisti e principianti

- Modello di riferimento per il lavoro

- Questo appartiene al riferimento

- Corretto insediamento AVS/IV/EO/ALV

- Tariffa consigliata per i neofiti della SMV

- Compensi dei conduttori Raccomandazioni del CSA

- Modelli di buste paga (basati sul pagamento netto, sull'importo lordo senza e comprensivo di ferie)

- Modello di statuto per le orchestre amatoriali

- Modello di contratto per il prestito di spartiti tra orchestre

- Esempio di dichiarazione sulla protezione dei dati per le società orchestrali

- Tassazione degli utili e del capitale per le associazioni orchestrali

- Imposta sul valore aggiunto per le società orchestrali

- Assicurazione contro gli infortuni e le indennità giornaliere di malattia per le società orchestrali

 

Scaricamento gratuito da:
www.eov-sfo.ch > Offerte per orchestra
Cogliete l'occasione per scoprire anche le altre offerte dell'EOV per le orchestre associate, come ad esempio la biblioteca di spartiti, i corsi per i partner, l'assicurazione degli strumenti e altro ancora.

Zainab Lascandri, in arte Signup (Z), è un genitore e un artista transdisciplinare nero. Z vive a Zurigo e dal 2012 fa parte del duo di musica elettronica pop, punk, rap, techno e new wave "None of Them". H ha parlato con Z per telefono. Claire Huguenin (C) e Malcolm Braff (M), musicisti jazz, vivono e lavorano come artisti, madre e padre, fondatori e co-fondatori di Maison-Matrice, centro artistico e luogo di residenza, situato nel bernois del Giura a Crémines. Abbiamo incontrato C e M con loro alla "Maison-Matrice" di Crémines. La scena che segue si svolge in una sera buia di fine mattinata, con i loro figli e i nostri che giocano davanti alla vecchia casa colonica insieme ad altri residenti della casa.

Davanti alla vecchia segheria della Maison-Matrice :

Bambino: Mamaaaaan j'ai faim

C : alors il faut faire le feu

H : SONART ci ha proposto di scrivere su un momento cruciale della vita e della carriera: diventare genitori. Un articolo sulle ripercussioni, i vantaggi e gli svantaggi di avere figli come musicisti... ma...

C : HAHA !

M : Volete fare della musica? Avete pensato di fare dei bambini?

CMHR : *rigolade

Una settimana prima tra Bienne e Crémines, con C al telefono:

C : (si toglie.) alors la vie d'artiste... tu vois en ce moment je sutout surtout maman de trois enfants et co-gestionnaire de la Maison-Matrice. Faccio concerti o registrazioni occasionali, e vedo questi momenti come una respirazione rispetto alla mia vita quotidiana di demeurant molto impegnata.

H : Ma con la Maison-Matrice tu ti dedichi a un progetto culturale, di condivisione e di accoglienza artistica. E anche i bambini ne fanno parte: è questo che ci interessa.

Scena dal video musicale "Hyenas on the Beach" di "None of Them": Nella stanza color terra una custodia nera per chitarra rivestita di ocra carne al suo interno un tubo di scarico marrone fallico dietro di esso il bambino nero il microfono il cavo ombelicale il cavo scivola giù per il tubo l'apertura il buco attraverso la custodia un "Hey" \ La persona all'estremità del tubo di scarico aperto.

Avec Z au Téléphone :

Z : Sono diventato genitore a 23 anni, nel 2004. In molte situazioni, a meno che qualcuno non me lo chiedesse espressamente, non ho mai detto: sono un genitore. Dire che si è genitori comporta un rischio. Perché le capacità sono diverse, i rischi per la collaborazione sono diversi. E anche per l'immagine. Soprattutto nel contesto della performance o della musica e quando si è sul palco. Quindi - non la vedo più così - ma in un certo senso è in gioco la tua attrattiva.

C : La madre è l'antinomia della donna séduisante? Ho il ricordo di una foto su questo tema, di una cantante americana che faceva voci al pianoforte e che all'epoca era seduta in una chaise à bascule, con i piedi nel petto, un fucile in una mano e un cochonnet nell'altra. C'era chiaramente una nozione di matrona.

Z : Questa lotta con la mia (auto)immagine di genitore letta come madre, e la mia identità artistica come musicista - era in realtà qualcosa che mi accompagnava. Questo lato oscuro nella mia musica rappresentava un'eco di questo stato. È anche il visual dei nostri video musicali che riflette questa insicurezza con il personaggio della madre. Non riuscivo a identificarmi con esso. A un certo punto ho deciso: ah ok, ci sono modi diversi di essere genitori.

C : Quando alcune persone hanno una giornata regolare - come la carta per la musica - con noi, sono soprattutto gli assi principali ad essere chiari. Per esempio: sono completamente disponibile per la famiglia, guardo i miei figli su richiesta durante i loro primi tre anni. La nostra presenza è quindi massima in casa, andiamo anche a scuola a casa, e per quanto riguarda l'organizzazione precisa della giornata... beh, è molto jazzata, soprattutto con le vicende dell'associazione, che sono sempre dirompenti.

Z : E posso andare per la mia strada, anche se forse non ho molti modelli di riferimento nel mio ambiente. È stato un percorso solitario.

C : Il desiderio di essere mamma che c'era al momento del lancio di Maison-Matrice, un desiderio spontaneo di essere mamma in modo estremamente radicale, unito al desiderio di essere utile, al desiderio di servire. Quello che non volevo era vivere in un appartamento "prototipo" con la nostra famiglia, avevo bisogno di aprirmi e avevo una gran voglia di creare la casa di famiglia in un posto come questo.

M : Per me, c'è il desiderio di non compartimentare le sfere della vita. E infatti, a volte con Claire ti ritrovi con un bambino che è sul palco mentre ti alleni per fare il nostro concerto in duo...

C : Oui or bien je m'arrête au milieu du concert pour allaiter, et je continue de chanter avec bébé dans les bras.

M : Sì, quindi c'è una reale necessità di integrare tutti gli aspetti della vita in un'unica realtà multipla. E ora siamo probabilmente nella fase di *cris d'enfants sur baby(tele)phone* ah questa volta è réveillé! *pausa*

M : Ho avuto la fase in cui il fatto di avere figli era percepito come un danno per la mia arte e per il mio tempo di creazione. Questa sensazione per me è stata veramente decostruita quando ho deciso di mettere il mio ego nel mio ruolo di artista. Se tutto è decostruito, è molto meno tendenzioso, è molto meno in attrito - credo.

Z : Quando sono rimasta incinta vivevo ancora in un appartamento condiviso. Ho sempre pensato di poter crescere mio figlio in questo appartamento condiviso *risate* ma non ha funzionato. E poi abbiamo vissuto con il padre dei miei figli in un piccolo appartamento familiare, una cooperativa, che non mi ha reso molto felice. Ma abbiamo avuto molto sostegno dai suoi genitori, soprattutto da sua madre, e anche dagli amici. Con il primo figlio ho fatto un uso totale della mia rete di contatti *risate*. Volevo anche che mio figlio fosse cresciuto da prospettive e persone diverse. Con il secondo figlio è diventato molto più difficile. E poi, dopo la separazione - come una relazione romantica, per così dire - abbiamo continuato a vivere insieme come una famiglia per altri 6 anni. Penso che sarebbe stato diverso se avessi avuto i mezzi finanziari per organizzare le cose in modo diverso. La maggior parte delle cose si regge sulle risorse finanziarie. In seguito mi sono trasferita in un appartamento condiviso ed ero la persona che faceva il pendolare. Sono sempre stata per metà nell'appartamento di famiglia - dove mio padre viveva stabilmente con i bambini - e per metà nell'appartamento condiviso. E abbiamo fatto così finché i bambini non hanno detto: "Ehi, va bene. Vieni a cucinare, puoi tornare a casa dopo"."A quel punto erano già adolescenti. E prima di allora dormivo nel letto di uno o dell'altro bambino. Quindi non avevo una stanza tutta mia. Ero sempre così: bambino 1, bambino 2.

M : E poi, con l'arrivo del terzo figlio, chiaramente vivete un po' di più.

 

L'uomo nella roulotte stordito con gli occhiali nei mondi virtuali immerso nella madre con il coltello in mano canta "Non so cosa fare per baciare". \ "Sono come" la mano il coltello un taglio nello stomaco il sangue "Un quarto in un quarto in una casa un piccolo spazio fino a qui e non so dove andare ma non so dove posso stendermi"."

 

Z : Il padre dei miei figli aveva un bar. Non era molto adatto ai bambini e alle famiglie. Ma per questo funzionava. Perché lui era lì la sera. Avevamo ancora legami familiari. E io ho ancora un rapporto stretto con i suoi genitori. Credo che in qualche modo ci siamo riusciti bene *risate*. Sì, era quello che volevamo - o che abbiamo cercato di fare - credo.

C: Funziona bene soprattutto con una divisione spontanea dei ruoli, in famiglia come nell'associazione. Credo che alla fine ci sia un deficit, dove a volte manca la consapevolezza dei compiti da svolgere, la comprensione dei problemi e la disponibilità a organizzarsi. Anche i mezzi sono limitati e l'ambizione è alta, quindi le richieste eccessive fanno parte del quadro.

Z : Sì, e per me è stato così: mio padre vive a Freetown, sulla costa occidentale dell'Africa, da quando ero piccola. E mia madre ha avuto un altro figlio, che ha quasi la stessa età del mio primo figlio. E viveva a Losanna, con la sua famiglia. Io vivevo a Zurigo. E sì, non aveva la capacità di essere nonna. E poi la domanda era: quando si ottiene un posto in un asilo nido? Tra i sei mesi e l'anno di età, i bambini avevano un posto in un asilo nido e da quel momento in poi ci andavano per almeno tre giorni. E quando stavo facendo la laurea triennale, sono stati all'asilo nido per 100 %. Credo che la cosa positiva sia stata che all'epoca ero giovane e avevo energia. E spesso i bambini potevano pernottare dai nonni o dai vicini. Non sarebbe stato possibile senza i nonni del mio compagno.

 

Alla luce dell'ora blu \ il bambino nero vestito di bianco \ la madre sul letto \ il corpo nero sotto un lenzuolo bianco \ il bambino ben nascosto \ il cefalopode polpo a otto braccia \ nella pancia aperta della madre \ la ferita il taglio \ la césarienne il buco. La pancia con il bostitch \code(0144)\ il bambino con "KLACK KLACK" \ Il mollusco morto rosso sangue nella pancia. L'utérus matrice. La torta bianca di latte materno che fluttua fluidamente nello spazio intermedio.

 

Outro : Être (m)other et musicienne, c'est composer à plusieurs mains et voix, souvent dans l'improvisation, avec des temporalités et des besoins multiples. Ma al di là della commistione individuale tra genitorialità e pratica artistica, questi racconti ci invitano a ripensare più in generale alle condizioni della creazione: come i nostri mondi rendono invisibile il lavoro di cura, quali strutture mancano ed emergono, e quali nuove forme collettive di fare potrebbero emergere da tutto ciò. In altre parole, il s'agit pas seulement d'une affaire privée, but d'un terrain commun, où se (re-)mix Kunst, Leben, Ökonomie et politique.

Lukas Bolt, co-responsabile delle competenze presso lo SCV, fornisce una panoramica degli sviluppi attuali.

 

Lukas Bolt, perché i cori vogliono cantare davanti a degli esperti?

IVedo due esigenze principali. Da un lato, i cori vorrebbero ricevere una visione esterna e competente della loro performance e scoprire su cosa possono lavorare per rendere le loro esibizioni ancora più riuscite. Dall'altro lato, c'è anche la necessità di confrontarsi con altri cori.

 

Come gestire queste due esigenze?

L'attenzione ai festival canori deve essere rivolta all'ulteriore sviluppo. Il coro e, in particolare, la direzione del coro dovrebbero trarre spunti specifici su cui continuare a lavorare. Vorremmo realizzare il nostro desiderio di confrontarci e misurarci, tanto più a lungo, solo in occasione dei concorsi corali, che organizziamo regolarmente.

 

Cosa caratterizza un esperto di canto corale?

Da un lato, come direttore di coro, è necessaria una grande esperienza con cori di diversi livelli, da quelli amatoriali a quelli (semi)professionali. Il secondo aspetto molto importante è dare ai cori un feedback comprensibile e orientato al sostegno. Questo richiede molte capacità relazionali. Gli esperti partecipano anche ai corsi di formazione che organizziamo regolarmente per tenersi aggiornati sugli ultimi sviluppi tecnici e pedagogici.

 

Come funziona effettivamente il canto di fronte agli esperti, cosa può immaginare un coro che non l'ha mai fatto prima?

Questa fase varia a seconda del festival canoro. Di solito, due esperti ascoltano l'esibizione e uno di essi fornisce un feedback costruttivo e, se desiderato, un voto. Abbiamo a disposizione circa un quarto d'ora per coro. Metà di questo tempo è dedicato al coro nel suo insieme o al consiglio direttivo, l'altra metà è dedicata al solo direttore del coro, in quanto ci permette di approfondire gli argomenti tecnici. Anche i direttori di coro apprezzano enormemente questo punto di vista esterno dei colleghi.

 

Negli ultimi mesi avete apportato alcune modifiche al sistema di esperti. Quali in particolare?

Avevamo un'enorme lista di Expert :inside che comprendeva fino a 100 persone. Tuttavia, molte di esse non sono mai state utilizzate. Abbiamo quindi dovuto ridurre l'elenco e in futuro lavoreremo solo con circa 50 persone. Per esempio, per noi era importante avere un mix di esperti giovani e anziani. Per garantire che tutti siano regolarmente impiegati, io e la responsabile per la Svizzera francese, Caroline Meyer, siamo incaricati del coordinamento.

50 anni di musica sono molto più di un arco di tempo: formano un arco melodico attraverso le generazioni, un ponte sonoro tra il passato e un futuro già vibrante. La SJMW ha festeggiato il suo mezzo secolo con un evento che rimarrà un ricordo vivido per tutti i partecipanti. Nelle sale della Tonhalle di Zurigo si respirava un entusiasmo palpabile, un'eco di storie e successi legati da decenni. Due prime mondiali hanno coronato i festeggiamenti: nuove opere appositamente composte da Richard Dubugnon e Daniel Schnyder, che hanno onorato il percorso del concorso e ne hanno portato lo spirito nel futuro. Non meno emozionante è stata l'esibizione degli ex vincitori del premio come solisti. Hanno formato una riunione di eccellenza musicale e hanno dimostrato in modo impressionante come i semi gettati 50 anni fa continuino a germogliare oggi e a dare frutti di rara qualità.L'inizio di un nuovo capitolo

Ma un anniversario, per quanto affascinante, non è un punto di arrivo, bensì una soglia. Mentre i suoni dei festeggiamenti ancora riverberano, la SJMW apre un nuovo capitolo con la 51ª edizione del suo concorso e invita i giovani musicisti di tutta la Svizzera a contribuire ancora una volta alla storia del concorso.

Nel 2026, il concorso è suddiviso in tre discipline - Classica, Composizione e FreeSpace - e offre quindi spazi che vanno dall'interpretazione alla creatività.

Nella categoria solisti, nel 2026 si presterà particolare attenzione ai ricchi colori sonori degli strumenti a corda, a fiato e a percussione. Il programma comprende violino, viola, violoncello, contrabbasso, flauto, flauto dolce, oboe, clarinetto, sassofono, fagotto, arpa, fisarmonica, dulcimer, flauto di Pan e percussioni classiche. Questa variegata tavolozza sonora invita a esplorare i mondi musicali più diversi: dall'intimità lirica del violino alla voce arcaica e sorprendente del dulcimer, dal respiro pastorale del flauto di Pan all'energia ritmica del sassofono.

Nella categoria Composizione, i giovani compositori sono invitati a "dipingere con il suono", in modo che le loro idee e ispirazioni diventino partiture vive - fresche e fantasiose.

Il FreeSpace, invece, è un terreno libero, un crocevia di improvvisazione, elettronica, arti performative e formati sperimentali. Qui si ascoltano jazz e nuove tecnologie, ma anche installazioni multimediali.

Ciò che rende unico questo concorso è, come sempre, l'idea di fondo di offrire ai giovani un palcoscenico su cui mostrare il proprio talento e la propria dedizione, in un dialogo che non conosce confini linguistici o culturali. Chi partecipa entra in una tradizione che ha già ispirato numerose carriere internazionali.

Il SJMW sa che ogni partecipante porta con sé una storia unica: un arco che oscilla, un respiro che diventa melodia, una percussione che segna il battito del futuro. Per questo il concorso non è solo una gara, ma anche un laboratorio di crescita e un luogo di incontro dove si impara ad ascoltare gli altri e se stessi. L'invito è quindi chiaro: partecipare a questa avventura musicale, contribuire con il proprio suono, la propria idea di bellezza e il proprio desiderio di superare i confini.

Il nuovo mezzo secolo è alle porte e la prima nota è già nell'aria, pronta a connettersi con i suoni di tutti coloro che hanno il coraggio di sollevare l'archetto, far uscire un suono dal proprio strumento con il respiro e far risuonare un cuore giovane e curioso. Che si tratti di esecutori esperti o di creatori di nuove forme, la SJMW aspetta tutti.

Il 2026 in sintesi

Iscrizione a tutte le competizioni:
1-30 novembre 2025
www.sjmw.ch

 

Scadenza per la presentazione di progetti/video per Composition e FreeSpace:
30 novembre 2025

 

Classica: concorsi Entrada:
13-15 marzo 2026 a Arbon, Ginevra, Lugano, Neuchâtel, Sion, Unterägeri, Winterthur
Finale: dal 30 aprile al 2 maggio 2026 a Zurigo
Concerto dei vincitori il 3 maggio 2026 a Zurigo

La nota violoncellista e psicologa Chiara Samatanga, che ha conseguito un dottorato all'Università di Berna e offre corsi per studenti di musica alla Bern University of the Arts su pratica, stress, ansia da prestazione e psicologia della musica da camera, parlerà degli stati mentali durante la pratica e l'esecuzione. La pianista e psicologa clinica Sara Ascenso, che sta sviluppando progetti di ricerca e nuovi curricula universitari sul tema del benessere dei musicisti presso il Royal Northern College of Music di Manchester, in Inghilterra, analizzerà con noi i miti sul benessere dei musicisti. Ha anche una buona notizia.

La pianista, cantante e medico tedesca Pauline Gropp è docente di embodiment e medicina del musicista presso l'Università di Musica e Danza di Colonia. Ci avvicina alla struttura della personalità dei personaggi carismatici del palcoscenico. La pluripremiata vibrafonista, percussionista e mental trainer francese Sylvie Reynaert insegna al Conservatorio di Strasburgo e gestisce uno studio sul modello dell'allenamento mentale per gli atleti per preparare mentalmente i musicisti di talento a concorsi, esami e audizioni.

 

22 novembre 2025, Farelsaal Biel, traduzione simultanea tedesco/francese

 

Info e iscrizioni:
swissmedmusica.ch/healthday

Negli ultimi anni l'importanza della salute mentale è diventata sempre più oggetto di attenzione da parte dell'opinione pubblica. Secondo alcuni studi, gli studenti di musica sperimentano uno stress mentale maggiore rispetto alla media dei loro coetanei. Secondo l'Indagine sulla salute in Svizzera 2022, il numero di disturbi mentali nella fascia d'età compresa tra i 15 e i 24 anni è fino a 25% superiore a quello della popolazione nel suo complesso. Ciò rende evidente che la prevenzione, l'individuazione precoce e il trattamento dei problemi di salute mentale e delle malattie sono un tema rilevante per gli studenti dei conservatori. Secondo Horst Hildebrandt, lo stress psicosomatico è il più grande problema di salute tra gli studenti di musica insieme ai disturbi muscolo-scheletrici. Le diagnosi sono spesso complesse e richiedono spesso un approccio interdisciplinare, poiché numerosi fattori di influenza sono responsabili dello sviluppo di un disturbo. In particolare, la qualità dell'insegnamento, la pratica e il livello di abilità scenica sembrano essere fattori di influenza significativi.Concetto di salute e risorse

Secondo Promozione Salute Svizzera, la salute è soggetta a processi dinamici e nasce quando le risorse e le sollecitazioni interne ed esterne sono in equilibrio. L'interazione tra lo stato fisico, mentale e sociale di una persona svolge un ruolo centrale in questo senso.

Le risorse sono considerate fattori protettivi per la salute. Lo sviluppo individualizzato delle risorse, tenendo conto del modello bio-psico-sociale, è quindi di grande importanza per promuovere e mantenere la salute mentale durante la formazione.

Gli approcci orientati alle risorse mirano a sviluppare strategie e modelli di azione che possono essere utilizzati per la prevenzione graduale dello stress psicofisico e della malattia. Il concetto di risorse varia a seconda del fondamento teorico degli approcci. Ciò che hanno in comune, tuttavia, è che mirano a consentire all'individuo, ma anche alle istituzioni, di padroneggiare la formazione quotidiana in modo auto-efficace e auto-determinato.

Più ampia è la gamma di servizi offerti, migliore è il sostegno che si può fornire per promuovere e mantenere la salute psicofisica dei membri dell'università. Oltre ai servizi di consulenza individuale a bassa soglia, sono importanti i corsi basati sul curriculum, per consentire lo sviluppo e l'espansione delle risorse psicofisiche già durante la formazione. Questi includono approcci di gestione dello stress scientificamente fondati e valutati, adattati alla realtà del fare musica per il palcoscenico e alla vita quotidiana degli studenti, training mentale, forme di allenamento fisico adatte al palcoscenico e l'insegnamento di strategie di apprendimento e pratica adeguate. In un'ottica di prevenzione, dovrebbero essere previsti anche programmi per le lezioni individuali e per la formazione didattica e metodologica, al fine di formare le competenze fondamentali di uno stile di (auto)insegnamento costruttivo e orientato alla soluzione e una cultura del feedback adeguata.

La ricerca genera continuamente nuove conoscenze

Nelle università musicali svizzere si è registrato un incoraggiante sviluppo della ricerca e dell'insegnamento sulla salute mentale. Questo ruolo attivo si riflette anche nel "Position Paper on Health Education in Tertiary Music Institutions" avviato dalla Johns Hopkins University. Oltre ai progressi nello sviluppo dei programmi di studio, agli studi epidemiologici e ai progetti di ricerca su questioni strumentali e vocali e sull'udito, vanno citati i contributi alla ricerca sulla paura da palcoscenico che, in collaborazione con le università, danno sempre nuovi impulsi alla promozione della salute mentale. Di conseguenza, la formazione orientata alle risorse e gli approcci di autogestione possono essere combinati con successo con i requisiti altamente specifici della formazione in conservatorio.

Esempio di rete di promozione della salute sotto l'egida della KMHS:
Centro universitario svizzero di fisiologia musicale, www.shzm.ch

 

Esempio di programma di promozione della salute inserito nel curriculum:
www.zhdk.ch/departemente/dmu/musikphysiologie

 

Nota sulla formazione continua:
Training mentale per la vita professionale quotidiana nella musica, Università della Musica di Basilea,
17.01.2026 con il Prof. Horst Hildebrandt e Judith Buchmann

È ormai una pratica standard nel mondo dello sport e sta lentamente iniziando a prendere piede anche nella musica: il mental coaching. Una pioniera è la percussionista e mental coach di Strasburgo Sylvie Reynaert. L'autrice ritiene che il palcoscenico musicale, come l'arena sportiva, sia un ambiente competitivo che richiede prestazioni. Lo stress deve essere gestito sul palco. Le strategie necessarie sono simili a quelle utilizzate nel mondo dello sport.

Reynaert basa il suo lavoro sul Metodo Target, una guida riconosciuta per la preparazione mentale, e sull'applicazione delle neuroscienze. Con un approccio sistemico e il trasferimento di queste conoscenze al campo artistico, offre un "action coaching" che trae origine dallo sport di alto livello. Presenza scenica, strategia ben definita e lavoro mentale sono al centro del suo lavoro. Il suo coaching si basa su "buona volontà, ascolto, disponibilità e soluzioni pratiche".

Il Simposio Swissmedmusica del 22 novembre 2025 a Bienne offre l'opportunità di conoscere di persona Reynaert e il suo modo di lavorare. La sua presentazione sarà integrata dagli interventi della violoncellista e psicologa Chiara Samatanga, che lavora a Berna, della psicologa musicale britannica Sara Ascenso e della pianista e musicologa tedesca Pauline Gropp. Un'occasione unica per familiarizzare con il training mentale per musicisti.

Nel marzo 2021 mi sono imbattuto nella storia di Robert Oboussier e mi sono incuriosito. Il famoso compositore svizzero fu assassinato nel 1957. Quando le circostanze dell'omicidio, il suo orientamento omosessuale e l'ambiente maschile di Zurigo divennero noti, l'opinione pubblica rimase inorridita e da allora non solo la sua persona ma anche il suo lavoro furono praticamente taciuti. Come suonava la sua musica? Ho trovato solo poche registrazioni, tra cui 5 Abbreviationen per pianoforte. Ho scoperto gli spartiti dell'opera completa - 25 abbreviazioni - nella Biblioteca Centrale di Zurigo e ho chiesto a Christian Wernicke di arrangiarne un estratto per l'Orchestra Mandolinistica di Zurigo (MOZ).

65 anni dopo che l'opera di Oboussier è stata quasi completamente messa a tacere, il MOZ ha eseguito le Abbreviationen il 2 aprile 2022 in occasione di un festival organizzato dall'Associazione svizzera di musica a pizzico. Anche Ramon Bischoff, compositore e ingegnere del suono svizzero (www.nomar.ch), ha partecipato a questo festival, poiché il suo brano "Schwärme" è stato eseguito in anteprima dall'orchestra zupf.helvetica dell'associazione. Ramon è venuto a conoscenza della storia e ne è rimasto molto colpito, quindi ha iniziato a fare delle ricerche.

Nell'intervista, Ramon ha dichiarato che le numerose lacune riscontrate erano ciò che lo preoccupava all'inizio del progetto: non ci sono quasi foto, quasi nulla di personale della sua vita, un patrimonio incompleto, poche registrazioni sonore e solo pochi scritti pubblici sulle opere. Ramon ha trovato estremamente insolita la discrepanza tra l'aspetto storico delle composizioni, spesso eseguite in prima assoluta con grande successo in sedi prestigiose, e la loro attuale assenza dai repertori di musicisti e sale da concerto. L'idea di rendere finalmente udibile la musica di Oboussier in occasione del 125° anniversario della sua nascita cominciò a crescere.

Ramon ha selezionato sette composizioni musicalmente significative del periodo 1921-1948 e ha trovato musicisti professionisti che volessero riportare in vita questa musica insieme a lui. Le registrazioni sono state effettuate in 6 mesi con un'ampia varietà di strumentazioni, dal pianoforte solo all'orchestra d'archi. E come bonus, anche gli estratti delle sigle sono stati registrati con il MOZ. La maggior parte delle opere selezionate sono prime registrazioni mondiali - in altre parole, sono state registrate per la prima volta. Parallelamente al lavoro in studio di registrazione, è stato necessario chiarire i diritti, motivare gli sponsor, scrivere le domande di fondazione e, con NAXOS, trovare un'etichetta rinomata per pubblicare la produzione musicale.

Inizialmente Ramon aveva previsto un ampio libretto per il CD, al fine di rendere giustizia al significato socio-culturale e storico dell'opera e del suo occultamento. Questa idea si è trasformata in un libro, che ha portato con sé dimensioni inaspettate e nuove sfide in termini di contenuti. I contributi dei sette autori hanno prospettive molto diverse, provenienti dai campi della teoria musicale, dei media, della storia e della sociologia. Il racconto di un testimone contemporaneo completa il quadro in modo molto personale. La pubblicazione bilingue (DE/FR) contiene anche il primo catalogo ragionato completo.

Il mio obiettivo era far rivivere un'opera con il desiderio che l'idea venisse portata avanti e la musica riscoperta. Le mie speranze sono state più che superate.

Ramon scrive: "La musica di Robert Oboussier è espressione delle sue convinzioni politiche, sociali e umanistiche. Per me è importante che le sue opere continuino a trasmettere i valori per i quali si è battuto artisticamente. [...] In occasione del 125° anniversario della nascita di Robert Oboussier, spero che la sua musica torni a essere suonata ed eseguita più spesso e che possa avere un nuovo impatto come simbolo di uguaglianza sociale".

In autunno si terrà una serie di concerti, podi e letture (vedi volantino) e il MOZ si esibirà anche nei primi due concerti.

Sono così tante le persone meravigliose e creative coinvolte in questo progetto che, per rendere giustizia a tutti loro, mi limito a rimandare alla homepage (www.oboussier.ch), dove si possono trovare tutte le persone e ulteriori informazioni in tedesco, francese e inglese.

 

Informazioni su

progetto e lo streaming musicale: www.oboussier.ch

CD musicale: "Robert Oboussier. World Premiere Recordings"; etichetta NAXOS nella serie Musiques Suisses (www.naxos.com)

Pubblicazione del libro: "Robert Oboussier. Beiträge zu einem verschwiegenen Opus"; Ramon Bischoff (a cura di); Verlag edition clandestin (www.edition-clandestin.ch)

Orchestra mandolinistica di Zurigo: www.mo-zuerich.ch

Mercoledì mattina, 28 maggio, alla stazione di Berna: continuo a vedere persone con le custodie degli strumenti. "Sono persone che vengono con noi al Festival europeo delle orchestre di Avignone?", mi chiedo. In effetti, tutti i partecipanti iscritti da tutta la Svizzera arrivano puntuali alla Schützenmatte di Berna, in modo che la nostra auto, noleggiata dall'EOV e piena di orchestrali entusiasti, possa partire come previsto alle 11.30. In macchina incontro alcuni volti nuovi, ma soprattutto molti volti familiari. Molti sono stati contagiati dallo stesso virus: una volta che si è partecipato a un festival orchestrale europeo, lo si vuole rivivere. Brigitte Köppel, una delle partecipanti, la mette così: "Abbiamo già vissuto Tallinn e San Pietroburgo, Cremona e Bergen e tutto è sempre andato bene. Ogni volta è un grande evento!".

Per facilitare il più possibile la partecipazione al festival, l'EOV, sotto la guida di Hedi Boller, ex membro del consiglio direttivo di lunga data e ora membro onorario dell'EOV, ha organizzato un viaggio in auto congiunto per le persone provenienti dalla Svizzera che partecipano al festival.

Raggiungere Avignone con un'auto noleggiata dall'EOV

Il viaggio in auto è piacevole fino a quando non ci imbattiamo in un grosso ingorgo negli ultimi 120 chilometri. Questo non smorza il buon umore. Siamo ancora più contenti di cenare insieme al Grand Hotel di Avignone, dove alloggia la maggior parte dei partecipanti. Apprezziamo molto il comfort del nostro albergo. Sia gli hotel che le sedi dei concerti sono raggiungibili a piedi e si trovano nel centro storico di Avignone o poco fuori.

I laboratori individuali iniziano il giovedì mattina. Come sempre in questi festival, c'è un po' di caos finché ognuno non ha trovato il proprio workshop e le prove possono iniziare. Anche quest'anno, la Federazione europea delle orchestre EOFed, sotto il cui patrocinio è organizzato il festival e di cui l'EOV è membro, ha messo insieme un variopinto bouquet di workshop: dalla musica francese (barocca) alla classica, dalla romantica (due workshop: Bruckner e Tchaikovsky) al jazz e alla musica da film, ce n'era per tutti i gusti. I conduttori dei laboratori sono stati elogiati all'unanimità.

Giovedì sera, il concerto di apertura si svolge in un'atmosfera storica davanti al Palais du Pape, nella città vecchia. In condizioni di forte vento (il maestrale è un ospite fisso!), l'Orchestra Sinfonica degli Alumni dell'Università di Berna (ALSO), anch'essa membro dell'EOV, brilla sotto la direzione di Martin Studer con il Concerto per violino di Tchaikovsky (solista: Alexandre Dubach) e una versione abilmente ridotta della Sinfonia n. 1 di Brahms.

Oltre all'ALSO, la più grande orchestra che partecipa come ensemble completo, partecipano al festival altre due orchestre complete dell'EOV: la Basel Chemistry Chamber Orchestra (KOBC) e l'Orchesterverein Oerlikon, il che significa che la Svizzera, insieme ai vari partecipanti individuali, è rappresentata ad Avignone con la più grande delegazione di musicisti.

Tanti laboratori, concerti finali e sempre una bella atmosfera.

Il venerdì le prove continuano nei laboratori in condizioni estive. Nel pomeriggio c'è tempo per visitare la città prima di assistere ai primi concerti delle orchestre che si sono recate qui nel loro insieme. Prima si esibirà un'orchestra giovanile estone, poi la KOBC dalla Svizzera e infine i Pec Strings dall'Ungheria. Un mix colorato e ben riuscito che dimostra la diversità della musica orchestrale.

Il sabato è poi dedicato ai concerti finali dei singoli laboratori: I risultati di due giorni di prove (e di diverse ore di esercitazioni a casa prima) saranno presentati a un pubblico allegro e divertito all'ora di pranzo nella grande sala della Scala (sì, ce n'è una ad Avignone!) e la sera all'aperto sull'isola del Rodano, appena fuori dalla città vecchia. "Mi sono piaciuti i workshop. Sono rimasta molto colpita dal fatto che tutti abbiano prodotto una musica così bella e sofisticata in così poco tempo, e il fatto di aver potuto partecipare proprio nel mezzo è stata un'esperienza per me", dice Helene Steiner del gruppo EOV. La sera, dopo il concerto, ci sarà un buffet di saluto all'aperto.

Anche se il viaggio di ritorno di domenica subisce un leggero ritardo a causa degli ingorghi, il viaggio è molto piacevole. Tutti i partecipanti al viaggio dell'EOV tornano a Berna sani e salvi poco prima delle 17.00. "Mi è piaciuta la grande atmosfera e ho trovato bello che i musicisti provenissero da così tanti Paesi diversi", dice Therese Berger, riassumendo le impressioni degli ultimi giorni a nome di tutti.

 

Il Festival EOFed viene spiegato brevemente:

-La Federazione europea delle orchestre EOFed organizza il festival con partner locali.

-Il festival si svolge ogni 3 anni. L'ultima volta è stata a Plovdiv (BG) nel 2022, prima di Bergen (N) nel 2018, Cremona (I) nel 2015 e Tallinn (EST) nel 2012.

-I festival offrono laboratori orchestrali che spaziano dalla musica barocca a quella contemporanea, dalla musica da film al jazz. Al momento dell'iscrizione al festival, tutti i musicisti indicano la loro lista di priorità e vengono assegnati di conseguenza.

Le Settimane dei corsi di musica di Arosa si svolgono tra giugno e ottobre con circa 1450 partecipanti provenienti dalla Svizzera e dall'estero. Diversi corsi sono specificamente dedicati alla promozione di giovani talenti:

Corso di corno francese - da oltre 30 anni sotto la direzione di Stefan Ruf e Heiner Krause. Quasi 40 bambini e ragazzi della zona di Basilea si recano ogni anno ad Arosa.

Corso di violino - Da 25 anni sotto la direzione di Jens Lohmann con 20-30 giovani partecipanti ogni anno.

Settimana delle orchestre infantili e giovanili - Quest'anno si è svolta per la ventesima volta sotto la direzione di Verena Zeller. Therese Hauser assumerà la direzione artistica a partire dal 2026.

Settimana della musica da camera giovanile - In ottobre sotto la direzione di Katharina Stibal, Noëmi Rueff e Jonas Kreienbühl. Specialità: stretta collaborazione con il Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW). Ogni anno partecipano gratuitamente fino a dieci concorrenti del SJMW.

I bambini e i giovani sono i benvenuti anche in molte altre delle 132 settimane di corso di musica. Essi beneficiano di uno sconto di 100 franchi sul prezzo del corso regolare; i corsi speciali per bambini sono ancora più economici. Grazie al sostegno di varie fondazioni, possono essere assegnate anche generose borse di studio.

"accademia musicale di arosa"

L'"Accademia musicale di Arosa", nell'ambito delle settimane del corso di musica di Arosa, prevede due speciali masterclass di altissimo livello. La prima settimana sotto la direzione del Prof. Lars Mlekusch è offerta per fisarmonica e sassofono e la seconda settimana sotto la direzione di Markus Fleck per violino, viola e violoncello. Oltre alle lezioni individuali quotidiane con i docenti universitari, sono previste lezioni intensive di musica da camera.

Premio Hans Schaeuble

La Fondazione Hans Schaeuble di Zurigo sostiene da molti anni l'Associazione culturale di Arosa e attribuisce grande importanza alla promozione di giovani musicisti e gruppi di musica da camera. Il premio e i premi di riconoscimento vengono consegnati ai partecipanti più meritevoli delle due settimane dell'"Accademia musicale di Arosa".

97 delegati di un totale di 62 orchestre dell'EOV si sono recati da tutta la Svizzera a Soletta il 26 aprile per l'Assemblea dei delegati dell'EOV. Ciò significa che una percentuale molto soddisfacente, pari a quasi un terzo di tutte le orchestre associate, ha preso parte alla 105a Assemblea dei delegati. 47 orchestre hanno inviato le loro scuse.

A loro si sono aggiunti il consiglio direttivo al completo dell'associazione e circa una dozzina di ospiti provenienti da diverse associazioni musicali, Myriam Schleiss come rappresentante dell'Ufficio federale della cultura e la presidente uscente del Consiglio svizzero della musica, Rosmarie Quadranti, cosicché un totale di oltre 110 persone ha partecipato alla movimentata giornata del DM con la sua parte statutaria, il networking, il divertimento musicale e l'istruttiva formazione continua.

L'Orchestra Sinfonica Regionale Giovanile di Soletta (rjso), diretta da Ruwen Kronenberg, ha accolto i partecipanti nella Chiesa Francescana con un energico concerto matinée. La rjso si è esibita su invito dell'orchestra ospitante, l'Orchestra della città di Soletta, e ha dimostrato ancora una volta di continuare la sua ripida curva di sviluppo con brani di Bizet (estratti da Carmen), Shostakovich (dal film The Gadfly) e Bruch (Kol Nidrei).

Scambio di idee a pranzo

Il pranzo che è seguito nella spaziosa caffetteria della scuola cantonale ha rappresentato la prima occasione di scambio di idee per i delegati. Davanti a stroganoff di manzo e lasagne alle verdure si sono svolte vivaci discussioni, sono state presentate idee, sono state poste domande e sono stati organizzati incontri di follow-up al bar.

La parte statutaria, presieduta dal presidente dell'EOV Johannes Reinhard dopo il pranzo nell'auditorium della scuola cantonale, si è svolta rapidamente e senza intoppi.

Il sindaco di Soletta, Stefanie Ingold, ha presentato le diverse offerte culturali della sua città in un discorso di benvenuto.

I delegati hanno approvato all'unanimità il verbale dell'Assemblea generale 2024 e la relazione annuale del Presidente. Sono stati approvati all'unanimità anche il bilancio 2024, che si è chiuso con un utile di 3697 franchi e un capitale di 93.379 franchi, e il bilancio 2025, che comprende un importo extra per la revisione del concetto di comunicazione. I delegati hanno confermato all'unanimità i revisori dei conti Ute Bölle (Orchesterverein Aarau) e Eckhardt Wirth (Orchester des Kaufmännischen Verbands Zürich) per un ulteriore mandato.

Il Presidente Johannes Reinhard ha illustrato il programma di lavoro per il 2025. L'EOV parteciperà al Festival delle Orchestre Europee dell'EOFed ad Avignone nel giorno dell'Ascensione, alla fine di maggio, con un gruppo di viaggiatori individuali delle orchestre associate. Tre orchestre dell'EOV vi si recheranno come ensemble completi.

Revisione della strategia di comunicazione

Gli incontri di rete regionali per i membri dei consigli d'orchestra sono molto apprezzati e verranno portati avanti. La gamma di corsi offerti sarà ulteriormente ampliata in collaborazione con i partner. L'uso della biblioteca sarà incrementato con l'aiuto di un volantino e di due corsi di formazione online. Verranno rivisti diversi fogli informativi e modelli di contratto. L'EOV sta inoltre sviluppando una nuova strategia di comunicazione.

Dopo gli affari statutari, i delegati hanno assistito alla presentazione di Sibylle Spengler sul tema "Fundraising per le associazioni orchestrali" (vedi testo a parte) o hanno conosciuto meglio la città barocca di Soletta con una visita guidata.

In prima serata, il gruppo si è ritrovato al Bar Soleure sul fiume Aare per un aperitivo e ha concluso in modo suggestivo una giornata di grande successo.

Desideriamo esprimere i nostri più sinceri ringraziamenti a Bernadette Wiederkehr e Lena Ruoss, i due membri del Consiglio direttivo dell'EOV responsabili dell'AGM, e all'Orchestra della città di Soletta, in particolare al suo vicepresidente Harry Rüfenacht e alla presidente Bettina Brand, per la superba organizzazione di una splendida giornata AGM con un grande valore aggiunto per tutti i partecipanti.

Siamo consapevoli che il livello dei compensi raccomandati da SONART è notevolmente superiore a quello attuale per molti organizzatori di eventi in tutti i settori. Non tutti gli operatori del settore sono in grado di tenere il passo fin dall'inizio. Ma è proprio per questo che SONART - come tutte le altre organizzazioni professionali del settore culturale - ha emesso le sue raccomandazioni, colmando così una lacuna: Volevamo sapere quali sono i compensi per la composizione, la scrittura di canzoni, le esecuzioni di concerti, la gestione della produzione e tutte le altre attività musicali e artistiche dei professionisti della musica.

SONART è stato inizialmente guidato dalla domanda su come dovrebbe essere organizzato un salario di sussistenza. Si tratta di una cifra paragonabile a quella di altre professioni autonome, ad esempio quelle dei commercianti, che oltre al reddito devono anche coprire le prestazioni sociali, le pensioni, le assicurazioni e gli investimenti. La tariffa equa per un concerto di 800 franchi a persona può sembrare alta a prima vista. Tuttavia, dietro a questa cifra ci sono tre o quattro ore di presenza nella sala da concerto, innumerevoli ore di prove e di esercitazioni, viaggi, strumenti, ecc. Da questo punto di vista, le tariffe che raccomandiamo sono assolutamente ragionevoli.

FairPay - MinimumPay: un modello di larghezza di banda per uso pratico

Tuttavia, anche i compensi sul libero mercato sono una questione di negoziazione. Anche con l'appoggio delle raccomandazioni di SONART, spetta ancora ai musicisti decidere quali compensi pagare per le loro esibizioni - i loro partner negoziali hanno molti altri costi e non possono dare una mano in ogni caso. È inoltre chiaro che nel panorama musicale i musicisti dipendono dagli organizzatori; anche con la migliore volontà del mondo, non è sempre possibile ottenere il massimo per lo svolgimento di un concerto. Per questo motivo le raccomandazioni di SONART lavorano con un modello a bande: FairPay è il livello di un compenso ragionevole, MinimumPay (fissato tra 20 e 25 % in meno a seconda della categoria) è il limite inferiore, che non dovrebbe essere sottovalutato dopo aver applicato criteri di riduzione come la dimensione dell'evento, l'esperienza professionale e la regione.

Promozione culturale: senza maggiori finanziamenti, gli obiettivi sono difficilmente raggiungibili.

Il messaggio culturale del Consiglio federale, così come gli sponsor culturali pubblici e privati, si aspettano che le associazioni fissino degli obiettivi per le tasse e vogliono far dipendere l'approvazione del sostegno ai progetti dalla domanda se il richiedente è disposto a pagare una tassa adeguata. Tuttavia, senza un corrispondente finanziamento aggiuntivo per la promozione culturale, questa pratica porta a una carenza e a un numero considerevolmente inferiore di richieste di sostegno.

In questa costellazione, le raccomandazioni di SONART sono un segnale per continuare il discorso iniziato durante la pandemia del 2020-2022, vista la situazione precaria della scena culturale: In definitiva, l'obiettivo è proteggere decine di migliaia di professionisti della cultura - tra cui ben 10.000-15.000 musicisti freelance. Tutti parlano del grande valore sociale e dell'importante ruolo della cultura: SONART vuole contribuire a far sì che alle parole seguano presto i fatti.

 

Tutte le informazioni, le raccomandazioni sulle tariffe SONART, un calcolatore delle tariffe e domande e risposte su www.sonart.swiss/honorarempfehlungen.

 

Michael Kaufmann è presidente di SONART dal 2020 ed è attivo in istituzioni culturali e musicali, oltre che in viaggi musicali.

Da oltre 150 anni, nel Cantone di Zurigo esiste una sorprendente varietà di scuole per aspiranti musicisti professionisti. Oggi sono state tutte incorporate nel Dipartimento di Musica della ZHdK. Il periodo intorno alla fine del millennio è stato caratterizzato da fusioni, integrazioni e riorganizzazioni. La fusione del Conservatorio di Zurigo e dell'Accademia di Musica di Zurigo è stata seguita dalla fusione con il Conservatorio di Winterthur, dall'integrazione delle Accademie di Arte Drammatica e di Danza, dal collegamento con il Seminario di Ritmica, dai programmi di musica scolastica ed ecclesiastica e, infine, dalla grande fusione con l'Accademia di Arte e Design per formare l'attuale ZHdK. Le diverse origini e storie delle sottoistituzioni sono ancora oggi percepibili. Tuttavia, i cambiamenti istituzionali e le forze esterne e interne che li hanno influenzati non sono ancora stati analizzati in dettaglio. Per questo motivo, l'Istituto per la ricerca musicale della ZHdK ha iniziato a esaminare i fascicoli e i verbali, le relazioni annuali e i giornali interni. È emerso che non si conoscono nemmeno i nomi di tutti gli studenti e i docenti dalla fondazione delle varie scuole.

Fino al 1944, nel Cantone di Zurigo esistevano quattro istituzioni in cui venivano formati musicisti professionisti: la Scuola di Musica di Winterthur (dal 1952 anche conservatorio; fondata nel 1873), il Conservatorio di Zurigo (fondato nel 1876), l'Accademia di Musica di Zurigo (fondata nel 1891) e il Conservatorio privato José Berr (1913-1944). C'è quindi abbastanza materiale per mostrare le differenze nello sviluppo delle scuole che sono diventate parte dell'attuale Dipartimento di Musica.

Tuttavia, esaminando i documenti scritti, è emerso anche che le rivoluzioni più importanti spesso non vengono nominate proprio perché erano fin troppo familiari a tutti i partecipanti dell'epoca.

Per questo motivo, la nostra conferenza non consiste solo in presentazioni che riassumono i fatti storici relativi alle singole sotto-scuole, ma anche in discussioni aperte con testimoni contemporanei, poiché i lavori precedenti hanno dimostrato che le costellazioni personali, gli slogan temporanei e i calcoli politici erano alla base delle decisioni dell'epoca, che a loro volta determinavano le atmosfere all'interno delle scuole interessate. Anche la riforma di Bologna e l'impegno delle scuole universitarie professionali nella ricerca hanno accompagnato i processi citati in termini di tempo e di contenuto. In definitiva, queste retrospettive portano a chiedersi come sia cambiata l'educazione musicale degli studenti sullo sfondo dei cambiamenti istituzionali e se le conquiste di allora non abbiano portato anche a delle battute d'arresto.

L'invito a partecipare a questa conferenza è quindi rivolto a tutti coloro che sono interessati alle questioni relative all'educazione musicale professionale, che hanno preso parte a questi cambiamenti - all'interno del Cantone di Zurigo o al di fuori - come studenti o insegnanti e che vorrebbero riflettere su di essi oggi. Il progetto di ricerca "Educazione musicale professionale nel Cantone di Zurigo" incorporerà i risultati in un'ulteriore analisi e mira a collocare le caratteristiche particolari degli sviluppi a Zurigo nel contesto più ampio dell'educazione musicale in Europa. Dopo tutto, cosa sarebbe la ricerca musicale se non includesse le basi biografiche, pedagogiche e istituzionali su cui si fonda ogni musicista, e quindi in ultima analisi l'intera vita musicale?

Secondo gli esperti del settore, negli ultimi anni i promotori di concerti e le etichette discografiche sono sempre più alle prese con cancellazioni all'ultimo minuto di concerti e date di produzione. Ciò è apparentemente dovuto a malattie mentali e psicosomatiche. I musicisti freelance, in particolare, sentono la pressione sempre più forte di doversi occupare da soli di compiti come il marketing, che prima le etichette e le agenzie svolgevano per loro. Oggi ci si aspetta che mantengano una presenza costante sui social media e che costruiscano da soli la loro base di fan. D'altra parte, le precedenti fonti di reddito, come le vendite di dischi e i compensi per i concerti, sono crollate. E ora il crescente utilizzo dell'intelligenza artificiale nella produzione di musica commerciale minaccia di eliminare ulteriori fonti di reddito.

Anche prima della pandemia di coronavirus, il sindacato britannico dei musicisti (UM) ha rilevato in uno studio del 2016 che più di due terzi dei freelance soffrono di ansia e depressione gravi, il triplo rispetto alla media della popolazione. Ha risposto con una guida per i freelance per aiutarli ad affrontare consapevolmente le sfide mentali ed emotive di oggi.

 

La guida è disponibile sul web cercando "A-Young-Freelancers-Guide-to-Mental-Health-and-the-Music-Industry.pdf".

All'inizio di aprile, i delegati del Consiglio svizzero della musica (SMR) si sono riuniti nell'edificio del Centro di competenza per la musica militare di Aarau. I padroni di casa hanno accolto i partecipanti all'incontro con un concerto di quasi mezz'ora della Scuola Militare di Musica 16/1-2025. Prima dell'inizio ufficiale dell'incontro, il Colonnello Philipp Wagner, Comandante del Centro di Competenza per la Musica Militare, e il Dr. Hanspeter Hilfiker, Sindaco di Aarau, hanno rivolto un saluto ai presenti. Il Consiglio svizzero della musica coglie l'occasione per ringraziare ancora una volta tutti i partecipanti per la festosa organizzazione dell'evento!

Come sempre, la Presidente della SMR Rosmarie Quadranti ha condotto la riunione in modo eloquente e con un tocco di umorismo. Il punto principale all'ordine del giorno era l'elezione di nuovi membri per il periodo 2025-2029, poiché sette membri del Consiglio di amministrazione avevano annunciato le loro dimissioni alla fine dell'ultimo mandato. Il CGO deve molto al loro lavoro in seno al Consiglio, che in alcuni casi è durato molti anni. Di conseguenza, sono stati salutati con molti applausi e un regalo. Si tratta di Irène Philipp, David Schneebeli, Elisabeth Karrer, Andy Kollegger, David Burger e Letizia Carigiet.

Anche la presidente Rosmarie Quadranti ha annunciato le sue dimissioni alla fine di questo mandato, perché ritiene che una persona con un "filo diretto con Berna" possa rappresentare meglio le preoccupazioni della scena musicale svizzera in politica. Il consigliere nazionale Stefan Müller-Altermatt di Soletta, già noto a molti delegati come presidente del Gruppo parlamentare per la musica, è stato nominato a questa carica. Stefan Müller-Altermatt è stato eletto all'unanimità nuovo Presidente. Tuttavia, non entrerà in carica fino al 1° agosto 2025, poiché fino ad allora ricoprirà ancora la carica di sindaco del suo luogo di residenza. Rosmarie Quadranti rimarrà quindi Presidente della SMR fino al 31 luglio 2025, ma in questa occasione è stata comunque onorata per il suo instancabile impegno nella SMR con un bel discorso di Irène Philipp, molti applausi e un regalo.

L'SMR è impaziente di lavorare con il nuovo consiglio e continuerà a fare tutto ciò che è in suo potere per migliorare il quadro politico culturale ed educativo in Svizzera per la creazione, la comunicazione, la diffusione e la conservazione della musica in tutta la sua diversità che la Svizzera ha da offrire.