Perché l'iniziativa sul dimezzamento colpisce nel profondo la vita musicale svizzera

La Svizzera è un Paese musicale. Milioni di persone cantano, suonano, ascoltano, partecipano a concerti e festival. Ma questo vivace panorama musicale dipende dalla visibilità. Con la cosiddetta iniziativa di dimezzamento della SSR, è in gioco proprio il palcoscenico mediatico che per decenni ha trasportato, documentato e reso accessibile la musica svizzera a un vasto pubblico.

La musica non nasce nel vuoto. Vive di risonanza, di comunicazione, di pubblicità. In Svizzera, questo pubblico è strettamente legato alla SSR. Essa rende la musica svizzera udibile attraverso la radio, la televisione e le piattaforme digitali - attraverso tutti i generi, le regioni linguistiche e le generazioni. Ogni anno la SRG trasmette oltre 42.000 ore di musica svizzera, produce quasi 1.000 ore di musica dal vivo e documenta concerti, festival, ensemble e orchestre di tutto il Paese.

Questi servizi non sono un sottoprodotto, ma parte di una missione politico-culturale. I media privati non possono - e non vogliono - assumere questo ruolo. Sono orientati al numero di click, ai mercati pubblicitari e ai contenuti sfruttabili a livello internazionale. Non c'è quasi spazio per la musica classica, il jazz, la musica popolare, la nuova musica o i formati sperimentali. Senza la SSR, gran parte della musica svizzera scomparirebbe dalla percezione del pubblico.

 

Un palcoscenico per tutti, non solo per il mainstream

Le conseguenze sarebbero particolarmente drastiche per gli artisti emergenti. Formule come SRF 3 Best Talent, RTS Radar o Eurovision Young Musicians offrono ai giovani musicisti il loro primo palcoscenico nazionale, spesso il passo decisivo verso una carriera professionale. Queste piattaforme esistono perché la SRG non opera sulla base di ritorni a breve termine, ma consente invece uno sviluppo culturale a lungo termine.

La SRG è anche al centro di ensemble, cori e orchestre affermati. Le trasmissioni di concerti, le registrazioni e i ritratti creano una portata che va ben oltre la sala da concerto. Garantiscono la presenza della musica non solo a livello locale, ma anche a livello nazionale, persino nelle regioni in cui i media privati sono quasi inesistenti.

 

La cultura ha bisogno di memoria

C'è anche un aspetto spesso trascurato: la memoria culturale. Ogni anno vengono create centinaia di registrazioni di concerti, documentari musicali e archivi audiovisivi. Queste registrazioni sono più che semplici contenuti: sono testimonianze contemporanee. Mostrano come suona la Svizzera, oggi e domani. Con una SRG dimezzata, questa memoria sonora diventerebbe fragile. Perché nessun altro produce, conserva e rende accessibili queste collezioni con un'ampiezza e una qualità paragonabili.

 

Film, serie e la musica che li accompagna

L'iniziativa del dimezzamento non riguarderebbe solo la musica, ma anche la cinematografia svizzera e quindi la musica di produzione. Attraverso il Pacte de l'audiovisuel, la SRG investe ogni anno circa 34 milioni di franchi svizzeri in film e serie indipendenti. Per compositori, sound designer, studi di registrazione e musicisti, questo significa centinaia di commissioni ogni anno. Se questo finanziamento viene cancellato, il mercato centrale della musica applicata crollerà, con gravi conseguenze per l'intera catena del valore.

 

Il dimezzamento non è un programma di risparmio

La SRG sta già realizzando ingenti risparmi e sta attraversando un processo di trasformazione di vasta portata. Dimezzare il budget non sarebbe un ulteriore passo verso l'efficienza, ma un taglio strutturale. Gli studi regionali dovrebbero chiudere, le produzioni verrebbero centralizzate e la diversità regionale e culturale andrebbe persa. Le regioni di lingua latina e le aree periferiche sarebbero particolarmente colpite, e con esse quelle voci musicali che già lottano per avere visibilità.

 

La posta in gioco

L'iniziativa del dimezzamento è quindi molto più di una proposta di politica mediatica. È una decisione di politica culturale. Si tratta di stabilire se la musica svizzera continuerà ad avere un palcoscenico nazionale o se cadrà in silenzio all'ombra delle piattaforme internazionali. Chiunque prenda sul serio la vita musicale svizzera deve considerare queste conseguenze.

 

Ordinare il materiale della campagna

Il Consiglio svizzero della musica si batte contro l'iniziativa di dimezzamento della SSR con la campagna «Dove suona la musica». Il materiale informativo, le argomentazioni, i volantini e gli adesivi possono essere ordinati su info@musikrat.ch

 

Ulteriori informazioni e molte voci dalla scena musicale svizzera: wodiemusikspielt.ch

Inverno culturale ad Arosa

L'inverno culturale di Arosa offre anche quest'anno un programma molto vario. Oltre a tanta musica, ci sono conferenze, letture, colloqui e un film. Gli eventi di punta sono i due festival Arosa Sounds e Arosa Klassik.

Arosa Sounds 2026, dal 29 gennaio al 1° febbraio, è tutto dedicato al pianoforte: dal sensuale cinema di testa al boogie-woogie con cuore. Con Traffic, il compositore bernese Simon Ho e André Dubois presentano una suite per due pianoforti ispirata agli spostamenti: Stazioni ferroviarie, bar di alberghi, mercati e autostrade diventano scene musicali piene di movimento e poesia.

Il pianista e compositore palestinese Faraj Suleiman, noto per la sua energica combinazione di musica araba e jazz, delizierà il pubblico con opere che gettano ponti tra Oriente e Occidente. Frank Muschalle, uno dei principali pianisti europei di boogie-woogie, fornirà ritmi pulsanti. La giovane pianista svizzera Manon Mullener accompagna il pubblico in un viaggio intorno al mondo con il suo album Stories. Ogni brano racconta di persone, incontri ed emozioni: un album di jazz moderno con un tocco cubano e molto cuore.

Con il progetto Bündner Sounds, Arosa Kultur porta sul palco la diversità della scena musicale locale: da Mel D a Ursina, da Walter Lietha a FROM KID - il quintetto composto da Anna Bläsi, Gianna Lavarini, Sören Dokter, Marc Jenny e Rolf Caflisch conferisce alle composizioni grigionesi freschi colori sonori tra pop, minimal e improvvisazione con nuovi arrangiamenti di Andi Schnoz.

Il tema del Festival di musica classica di Arosa di quest'anno è "canti d'italia" e si svolgerà dal 27 febbraio al 20 marzo. Il mezzosoprano svizzero Maria Riccarda Wesseling canterà all'inaugurazione. Trasporterà il pubblico nel mondo poco conosciuto dei canti d'autore italiani. Sarà accompagnata dalla pianista Kristina Rohn. - Giuseppe Verdi fondò la "casa di riposo" a Milano nel 1896. Con Il bacio di Tosca, il regista svizzero Daniel Schmid ha realizzato nel 1984 un film toccante sulla casa di riposo. Ancora oggi ospita musicisti, cantanti d'opera... persone per le quali la grande carriera non si è mai concretizzata - e altre persone di successo i cui stipendi da sogno sono stati esauriti da tempo.

È già stata pubblicata la terza edizione della guida turistica Genova - La superba. La storica grigionese Prisca Roth ha sottotitolato il suo libro "Streifzüge durch die Kulturstadt". Nella sua conferenza su Genova, Prisca Roth parla dell'oscuro labirinto di vicoli genovesi, del porto industriale, della cortese freddezza dei suoi abitanti, degli abiti colorati delle donne africane, dei sorrisi tranquilli dei travestiti... È accompagnata dal cantautore genovese Paolo Gerbella.

L'orchestra grigionese le phénix - specializzata in vivaci interpretazioni della musica barocca - abbina nel suo programma opere originali di Vivaldi e adattamenti di questo stile musicale da parte del Rondo Veneziano. Al Festival di Musica Classica di Arosa, "le phénix" accosta per la prima volta dal vivo in concerto il barocco e il "moderno", viaggiando nella Venezia del primo Settecento con sonorità originali e nello stile degli anni Ottanta.

Come negli anni precedenti, i vincitori del Premio Hans Schaeuble terranno concerti nell'ambito del Festival di musica classica di Arosa. In due gruppi, prepareranno programmi di concerti che saranno eseguiti non solo ad Arosa, ma anche a Coira, Ilanz, Boswil, Cham e Zurigo.

Che cos'è la Swissmedmusica?

Swissmedmusica promuove la salute e la prevenzione nella professione musicale dal 1997. A tal fine, l'organizzazione ha creato una rete interdisciplinare di esperti di alto livello.

La rete comprende associazioni professionali internazionali, associazioni musicali svizzere, scuole di musica, accademie musicali e orchestre. Insieme a queste organizzazioni, Swissmedmusica assicura che i danni causati da posture scorrette, stress e sovraffaticamento siano evitati durante l'intero ciclo di vita e professionale.

Swissmedmusica dispone di un centro di consulenza nazionale per coloro che cercano consigli. È gratuito e indipendente dalle istituzioni del settore. Tratta le richieste con assoluta riservatezza, non trasmette alcun dato e può essere contattato anche in forma anonima. Swissmedmusica è anche un centro di competenza per le relazioni pubbliche e lo scambio di informazioni per la medicina dei musicisti. Questo include un incontro annuale del settore, un elenco di servizi di prevenzione e terapia e attività su piattaforme di social media.

Tra le altre cose, i membri ricevono informazioni regolari sugli eventi SMM, una newsletter esclusiva con notizie sul settore e riferimenti bibliografici, l'accesso all'elenco completo dei membri, sconti sulla documentazione per i simposi SMM (ulteriori informazioni sono disponibili alla voce "Letteratura" del sito web di Swissmemdmusica), sconti sulla rivista della Società tedesca di fisiologia musicale, una piattaforma per le proprie offerte di corsi e l'ingresso scontato ai simposi della società.

La musica queer in Svizzera - Che suono ha la visibilità?

Nemo vince l'Eurovision Song Contest. Un vestito scintillante polarizza l'attenzione e si apre un dibattito nazionale sulla non-binarietà. Ma Nemo non è l'unica persona queer nel mondo della musica svizzera.

La domanda è molto più grande: che suono ha la queerness in Svizzera e come influenza il paesaggio musicale?

Ciò che oggi viene celebrato come mainstream si è spesso sviluppato nelle sottoculture queer. La storia del pop è difficilmente concepibile senza le comunità queer. Madonna, il liscio, il synthpop: molte delle cose che sono diventate popolari tra le masse sono nate in spazi che offrivano protezione alle minoranze sociali. Anche uno sguardo alle biografie di compositori classici come Robert Obouissier o Tchaikovsky mostra che le personalità queer e la musica sono storicamente strettamente intrecciate.

 

Jazz, identità e strutture di potere

Ramón Oliveras ha studiato percussioni jazz e composizione alla ZHdK. Guardando al passato, critica l'ambiente dominato dagli uomini:

"Il corso di laurea in jazz era molto dominato dagli uomini. Spesso si trattava di tecnica, di suonare nel modo più complicato o virtuoso possibile. Ma la musica è anche espressione, identità e ciò che vuole trasmettere. Spesso questi argomenti venivano deliberatamente ignorati".

Oggi, è un convinto sostenitore della visibilità queer nella scena musicale. "Molti uomini gay cis dell'industria sono privilegiati. Ma quando sei donna, non bianco, trans o disabile, non c'è quasi nessun senso di inclusione. Ecco perché le istituzioni devono cambiare".

Per Oliveras, una cosa è chiara: il patriarcato ha un forte effetto anche sulla musica. I suoi concerti e le sue sessioni di coaching dovrebbero essere spazi aperti a tutti. Sostiene i giovani musicisti non solo dal punto di vista musicale, ma anche per quanto riguarda la carriera.

 

Pop, attitudine e narrazioni queer

Jessica Jurassica è autrice e fa parte del duo electropop della Svizzera orientale CAPSLOCK SUPERSTAR. Insieme a Mia Nägeli, combina pop, politica e autotune. Prodotti su ritmi tecnoidi e giocosi da Nägeli, i testi di Jurassica sono ironici e rivelatori. "Nei nostri testi affrontiamo il tema della queerness. L'ultimo album parlava dei nostri coming out, tra le altre cose", spiega durante l'intervista nel caffè di Basilea. L'identità gioca un ruolo anche nella scelta dei concerti: "Mi piacerebbe vedere più atteggiamento da parte dell'industria".

Il duo mette in discussione le strutture di potere, critica i modelli di pensiero patriarcali [DI1] ed è particolarmente impegnato nella visibilità dei trans. In "Valerie Solanas on a Healing Journey", non solo cantano di un'icona trans, ma negoziano anche cosa significhi essere trans ed essere se stessi da adulti.

Meno vulnerabili e più accusatori, cantano nella canzone di successo "Helvetia": "Ficke mit de Waffe-Lobby mit em geile Pharmageld. Schubidubidu"

Allo stesso tempo, la domanda che preoccupa molti artisti queer rimane: "Siamo scritturati perché soddisfiamo il fattore diversità - o per la nostra musica?".

Tuttavia, Jurassica è grata per i finanziamenti culturali della Svizzera orientale che hanno sostenuto il suo progetto. Mentre molti artisti queer si trasferiscono in città per essere visibili e sicuri, per lei è importante rimanere presente nelle zone rurali e contribuire a plasmare l'offerta culturale in quelle zone. Questo perché lei stessa ha trovato i suoi primi contatti come persona queer nei circoli culturali di Frauenfeld.

 

Una piccola scena con un grande atteggiamento

La scena musicale queer in Svizzera è piccola, strettamente collegata e molto solidale. Lo scambio e il sostegno reciproco sono fondamentali. Allo stesso tempo, visibilità significa anche vulnerabilità. Artisti come Jurassica e Oliveras sottolineano quanto siano importanti i concetti di sicurezza per gli organizzatori di eventi, non solo per il pubblico, ma anche per gli artisti stessi.

 

Quanto la queerness caratterizza la creazione artistica?

La risposta è individuale: per alcuni l'identità è una risorsa artistica, un tema e un atteggiamento. Per altri, la musica è al centro della scena e la sfera privata rimane tale. Ma insieme, i musicisti queer stanno cambiando il panorama musicale svizzero - esteticamente, strutturalmente e culturalmente.

La musica queer in Svizzera non suona solo come stile, ma anche come coraggio, cambiamento e richiesta di spazi in cui tutti possano essere visibili.

Nuovi redattori per il Dizionario musicale della Svizzera

Il Dizionario musicale della Svizzera sta entrando in una nuova fase, con un nuovo team editoriale e finanziamenti sicuri, per un'opera di riferimento aggiornata, multilingue e partecipativa sulla storia della musica svizzera.

f.l. Cla Mathieu (foto: Jan Hellman), Sandra Tinner (foto: Johan Virt, EMC), Irène Minder-Jeanneret (foto: Béatrice Devènes), Caiti Hauck (foto: Dres Hubacher)

Come promemoria, lo sviluppo dell'Enciclopedia musicale della Svizzera (MLS) ha una storia lunga più di dieci anni. Un piccolo gruppo di musicologi e storici ha dedicato molte ore di lavoro volontario a questo progetto, motivato dall'idea che la Svizzera avesse finalmente bisogno di un lessico musicale aggiornato (online). Tuttavia, per molto tempo è stato difficile trovare i fondi necessari per offrire una piattaforma online di facile utilizzo per gli utenti dell'enciclopedia, da un lato, e per creare un team editoriale professionale, dall'altro. Dall'inizio del 2025, l'MLS ha ricevuto un finanziamento iniziale dalla maggior parte dei Cantoni svizzeri, nonché un sostegno speciale da parte di generosi sponsor e del Cantone di Ginevra per finanziare il proprio progetto. Il progetto ginevrino vuole essere un esempio e dimostrare come il lessico musicale presenti la storia musicale di una regione. Questi contributi hanno reso possibile l'assunzione di personale per una redazione professionale a partire dalla primavera/estate di quest'anno: Cla Mathieu per la redazione in lingua tedesca; Sandra Tinner per la redazione in lingua francese; Irène-Minder-Jeanneret per la redazione degli articoli del progetto ginevrino; Caiti Hauck come coordinatrice editoriale.

La MLS è caratterizzata da diverse particolarità: È interdisciplinare e contiene articoli biografici su protagonisti della vita musicale come esecutori, compositori, insegnanti, mecenati, costruttori di strumenti e ingegneri del suono, nonché articoli fattuali su luoghi e altri argomenti legati alla musica. L'obiettivo del MLS è quello di offrire articoli di enciclopedia in tutte le lingue nazionali e, ove possibile, supplementi con esempi sonori, immagini e link a informazioni esistenti.

La MLS si concentra anche sulla partecipazione culturale, in quanto incoraggia e autorizza gruppi e individui a scrivere articoli con il nome di persone o istituzioni che gli autori hanno (ancora) conosciuto personalmente. Il team editoriale garantisce a tutti gli autori un supporto professionale.

Il MLS è stato costituito come associazione indipendente nel 2024 e da allora è una sezione della SMG. Dal 2022, il MLS è anche un consiglio di amministrazione dell'Accademia svizzera di scienze umane e sociali.

Se avete domande sul Dizionario musicale della Svizzera, contattate il presidente Pio Pellizzari: pio.pellizzari@outlook.com.

Attraverso gli occhi degli studenti

Quando nel 2024 ho assunto la direzione del nuovo programma di Master Musica e Scena in Trasformazione a Basilea, ho letto per un po' il libro "Attraverso gli occhi di chi apprende" della filosofa catalana Marina Garcés.

Anche il titolo è incentrato sul quadro generale: a cosa serve la conoscenza "se non sappiamo come vivere? Perché imparare se non possiamo immaginare il futuro?".

L'educazione è il substrato della nostra convivenza, il campo di battaglia dove la risorsa dell'educazione viene sfruttata invece di essere un parco giochi dove sperimentare nuovi modi di vita. Garcés, nel frattempo, immagina un laboratorio in cui l'apprendimento permanente non sia orientato alla necessità di essere costretti a sperimentare secondo gli imperativi neoliberali della performance, ma debba invece assomigliare a un invito. Un invito a "correre il rischio di imparare insieme, contro le forze del proprio tempo".

 

Regno del talento e logica dei due

Le accademie di musica sono luoghi di talenti. Luoghi in cui già durante la valutazione attitudinale viene chiarito se vale la pena continuare a seguire la regola del talento o se è opportuno consigliare una carriera diversa e un percorso di vita alternativo. Con il concetto di dominio del talento mi riferisco allo studioso di letteratura e psicoanalista americano Eric L. Santner, che ha elaborato come la perfezione dei nostri talenti possa anche essere foriera di una potenziale mancanza di libertà. Anche le accademie di musica sono luoghi di una logica a due. I maestri possiedono qualcosa che, in un trasferimento di conoscenze per lo più lineare, ha in mente un interprete storicamente informato. In questo trasferimento, sembra che sappiamo per chi o cosa ci stiamo formando: per un'area della vita che noi stessi abbiamo già colonizzato. Un'area di vita che forse abbiamo anche dovuto combattere per noi stessi attraverso concorsi, premi e procedure di selezione. Non solo in questi settori competitivi dell'istruzione, ma nella società nel suo complesso, sembra che non ci sia quasi più spazio per un laboratorio in cui si possa armeggiare, costruire, inciampare e progettare insieme. Come dice Marina Garcés: Manca il tempo per crescere lentamente, in modo organico. Siamo nervosi e abbiamo bisogno di imparare in fretta. Invece di creare un giardino in cui combinare nuove piante ed erbe, creando un luogo che non sia solo coltivato, ma un intero arcipelago in cui valga la pena vivere, la logica dei due può portare a una monocultura. Forse addirittura a diventare una riserva in cui le forme di vita devono esistere separatamente le une dalle altre. Se sostituiamo il concetto di forme di vita con quello di discipline artistiche, c'è il rischio di creare anche discipline artistiche come monoculture.

 

Laboratorio polifonico

Tuttavia, l'educazione artistica è un luogo a tre. Tra l'insegnante e l'allievo c'è un terzo oggetto, una domanda, una tesi, un conflitto o una preoccupazione comune su cui vale la pena lavorare insieme. È qui che si crea un terzo sapere, radicalmente soggettivo, ma nato da un interesse comune, al di là delle nude esigenze del mercato.

Questo luogo di un terzo sapere è un laboratorio, non una fabbrica. A Basilea parliamo di laboratori polifonici, un termine che ho preso in prestito da Clemens Risi e David Roesner e che ho sviluppato ulteriormente con gli studenti. Qui diamo spazio al cambiamento perché fa parte della vita. Nel primo anno di Musica e Scena in Trasformazione, in questi laboratori sono stati creati progetti per spazi pubblici, performance sulla figura della strega come figura femminista e nuovi formati di concerti e performance sotto forma di installazioni musicali. Abbiamo esplorato la musica spazio-corpo-tempo e avviato un campus studentesco. Abbiamo riflettuto sulla musica come rituale temporaneo in contesti politici, abbiamo esaminato la musica, la cultura commemorativa e la politica del ricordo nel contesto dell'80° anniversario della fine della guerra in Europa al Festival della Pace di Augsburg e abbiamo fondato un'orchestra di rapinatori di banche nell'ambito del Social Club di Basilea, che ha contestualizzato criticamente la musica spesso utilizzata a fini rappresentativi in una banca vuota durante Art Basel.

 

Interpreti emancipati

Negli ultimi anni si è parlato ripetutamente della necessità per le accademie di musica classica di orientare i propri corsi verso un mercato sempre più complesso e competitivo e di modellare i propri corsi di conseguenza. Gli studenti dovrebbero sempre più diventare decatleti invece di professionalizzarsi in una disciplina, o preferibilmente in entrambe. Devono acquisire sempre più strumenti e qualifiche aggiuntive per poter reagire in modo flessibile alle nuove sfide professionali. Sembra che ci sia una strana pressione a imparare di più su varie altre discipline invece di imparare con e all'interno di esse. Non possiamo aver pensato a questa lotta quando abbiamo voluto sviluppare l'insegnamento artistico-musicale in direzione della transdisciplinarità. L'obiettivo deve essere piuttosto quello di affiancare agli interpreti storicamente informati interpreti emancipati. Non per sostituirli, ma come compagni. Sono emancipati perché, oltre ad apprendere il repertorio classico, sono incoraggiati a ricercare il proprio, terzo sapere insieme a compagni e insegnanti. Questo sapere è importante perché ci permette di immaginare un futuro - per usare ancora le parole di Marina Garcés. Un futuro comune, al di là dell'isolamento che si è insinuato quasi inosservato nella formazione artistica attraverso il dominio del talento e della competizione incentrata sull'individuo. A Basilea abbiamo iniziato. Sperimentale e aperto alla cooperazione, ma allo stesso tempo inserito negli istituti universitari esistenti.

In memoria di Tomas Dratva

Il Consiglio direttivo dell'EPTA Svizzera ricorda con gratitudine il suo Presidente, il pianista e insegnante di pianoforte Tomas Dratva di Basilea, scomparso inaspettatamente all'inizio di ottobre all'età di 56 anni. Vorremmo condividere ancora una volta i suoi pensieri.

La seguente intervista abbreviata è stata condotta da Nadia Lasserson, segretario esecutivo dell'EPTA International, nel 2023 ed è stata pubblicata in inglese su PianoJournal (n. 129/2023), tradotta e curata qui da Verena Friedrich.

 

Tomas Dratva, come mai ha iniziato a suonare il pianoforte e alla fine è diventato un pianista?

I miei genitori non erano musicisti - mio padre è ingegnere e mia madre chimica - ma la musica ha sempre avuto un ruolo importante nella nostra famiglia. Mia madre suonava il pianoforte e mio padre il violino. I cugini di mia madre erano musicisti, uno di loro era un compositore e direttore di banda di grande successo, quindi sono stato esposto alla musica fin da piccolo. Mi portavano ai concerti e ho vissuto una ricca vita culturale. A casa avevo un pianoforte che suonavo sempre. I miei genitori hanno capito subito che avrei dovuto prendere lezioni e così ho preso lezioni di pianoforte, prima con mia madre e poi presso la scuola di musica locale con Verena Haller.

Partecipai a molti concorsi e vinsi diversi premi. A 13 anni ho tenuto il mio primo vero concerto nella sala dello studio radiofonico di Basilea; ho suonato i Lieder ohne Worte di Mendelssohn. Nel 1991, all'età di 23 anni, ho debuttato alla Tonhalle di Zurigo: il Concertino di Honegger è un'opera umoristica e jazzistica con un'ottima orchestrazione - è stata un'esperienza meravigliosa per me.

 

Dove ha studiato pianoforte?

Jean-Jacques Dünki è stato il mio professore di pianoforte all'Università di Musica di Basilea; ho studiato con lui dal 1987 al 1991. In seguito ho continuato i miei studi per due anni a Londra con Peter Feuchtwanger e infine mi sono diplomato nel 1995 a Lucerna con il pianista ceco Ivan Klánsky.

 

Ci sono aspetti particolari che caratterizzano la pedagogia svizzera?

Non credo. Ma ai bambini vengono offerte molte opportunità di fare musica fin dalla più tenera età. Le prime lezioni di pianoforte sono più libere e giocose che serie.

 

Cosa ne pensate dei concorsi?

Da bambino mi piaceva partecipare alle gare. In seguito, durante e dopo gli studi, ho partecipato ad alcuni concorsi internazionali, ma non ero pronto a entrare nel circuito dei concorsi internazionali. All'inizio della mia carriera professionale di concertista ho preferito preparare progetti concertistici.

Per quanto riguarda i miei studenti, li sostengo se vogliono partecipare alle gare di loro iniziativa, ma non li spingo a farlo. Alcuni partecipano regolarmente alle gare perché sono molto motivati a prepararsi. Altri non hanno alcun interesse.

 

Peter Feuchtwanger è un mio buon amico. So che ha un'eccellente tecnica pianistica e presumo che non abbia mai avuto dolori quando suona e che sappia come evitarli.

Fortunatamente non ho mai avuto alcun dolore durante la pratica o l'esecuzione. Una delle mie convinzioni più importanti al pianoforte è quella di padroneggiare una tecnica sana e rilassata. Questo è ciò che cerco di trasmettere. Non appena si manifesta un dolore, deve esserci sempre un modo per modificare la tecnica di esecuzione, al fine di evitare lesioni croniche. Questo è un compito molto importante per un insegnante.

 

So che lei ha una grande passione per la musica contemporanea. Ci dica qualcosa di più al riguardo.

Ho eseguito molta musica contemporanea perché ritengo importante suonare la musica del presente e vedere cosa offre il linguaggio di oggi. Per esempio, la compositrice svizzera Esther Flückiger, che vive in Italia, scrive in uno stile atonale/tonale libero e contemporaneo, ricco di ritmi jazz e che include molti aspetti della tecnica pianistica estesa. Ho eseguito in anteprima alcuni brani di Esther e ho pubblicato la sua musica in un doppio album su Pianoversal, la mia piattaforma web ed etichetta musicale per la musica per pianoforte.

 

In realtà, lei ha fondato Pianoversal...

Ho suonato nel trio pianistico Animæ per 17 anni, dal 1993 al 2010, e abbiamo eseguito più di 100 trii pianistici in tutta Europa con la stessa formazione. Abbiamo anche fatto diverse tournée in Sud America. Ogni anno commissionavamo un nuovo trio. Per esempio, abbiamo suonato un emozionante triplo concerto che Peter Breiner, un direttore d'orchestra, compositore e pianista che vive a Londra, ha composto appositamente per noi.

Un altro progetto importante è stata la prima postuma del concerto per pianoforte del compositore svizzero-ungherese János Tamás con l'Orchestra da Camera di Basilea, un concerto meraviglioso che non è mai stato eseguito durante la sua vita. Tamás è morto nel 1995 e un gruppo di amici si è occupato della sua eredità musicale. Ho registrato tutte le sue prime opere per pianoforte e un album di musica da camera. In realtà, gran parte delle mie 20 registrazioni in CD è dedicata alla musica del XX e XXI secolo.

 

Sono sicuro che condividete la vostra passione per la musica contemporanea con i vostri studenti.

Di solito insegno questa musica in gruppo perché è così nuova, impegnativa e complessa. Gli studenti hanno bisogno di contestualizzare questo genere e insieme possono esplorare e comprendere meglio i suoni e i colori. Il gruppo li aiuta a non sentirsi smarriti e soli quando lavorano con la musica contemporanea. Insegno anche musica classica in gruppo, perché credo fermamente che gli studenti traggano grande beneficio dall'ascolto reciproco. Suonando in gruppo, si motivano a vicenda.

Organizzo regolarmente progetti educativi, come "Bartók's Echo", dedicato alla musica di Bartók e ai compositori contemporanei che emulano Bartók. L'ultimo progetto si chiamava "Schwankende Quinten - Musik von Frauenhand" ed era incentrato sulle compositrici del periodo romantico e impressionista e sulla musica contemporanea.

 

Suonava molta musica classica o si concentrava principalmente sulla scena contemporanea?

Ho una passione per la scoperta di nuova musica, indipendentemente dall'epoca, e anche per portare avanti progetti su singoli compositori. Ad esempio, ho eseguito tre concerti per pianoforte e orchestra di Koželuch, finora sconosciuti, dopo aver fatto ricerche nelle biblioteche musicali e aver studiato i manoscritti originali a Vienna e a Parigi. Sono diventato uno specialista di Janáček e ho suonato la sua opera pianistica completa, compresi il Concertino e il Capriccio. Prima di registrare tutta la sua musica per pianoforte, ho visitato l'Archivio Janáček di Brno e ho ricevuto tutti i manoscritti originali per prepararli e studiarli. È stato affascinante anche il fatto che ho suonato sul suo pianoforte, un bellissimo modello da concerto Ehrbar del 1876. Ho avuto anche la fortuna di poter registrare gli Années de Pèlerinage di Liszt sul pianoforte di Richard Wagner a Bayreuth: Lo Steinway & Sons di New York lo aveva donato per il primo Festival di Bayreuth. Poiché si trova in un museo, mi è stato permesso di suonare e registrare sullo Steinway solo di notte, quindi ho trascorso le notti nella Haus Wahnfried, la casa della famiglia Wagner. È stata un'esperienza strana ma meravigliosa.

 

Ovviamente anche lei è affascinato dai vecchi pianoforti.

Questa è un'altra delle mie passioni, i vecchi tempi della costruzione dei pianoforti, quelli di Blüthner, Bechstein, Steinway, Gaveau, Erard, Pleyel e altri. Adoro suonare questi vecchi pianoforti. La cosa affascinante è che ogni pianoforte ha il suo carattere, mentre i pianoforti moderni sono costruiti in modo piuttosto standardizzato.

 

Lei si esibisce spesso e mi chiedo se ha mai avuto quell'"esperienza di picco" in cui la musica fluisce e lei si trova al di fuori di essa.

Suonare richiede sempre un controllo interiore ed esteriore. Non credo che sul palco ci si possa "dimenticare di sé". D'altra parte, ho spesso questo tipo di esperienza quando suono il pianoforte a casa, soprattutto quando improvviso. Ma non definirei questi momenti "fuori di sé", al contrario, sono piuttosto "dentro di sé".

 

Che il ricordo di Tomas e del bene che ha fatto ci incoraggi a portare avanti l'amore per la musica e la sua comunicazione. À Dieu, caro Tomas, ti salutiamo, ma ti ricorderemo sempre con gratitudine. Sappiamo tutti cosa abbiamo perso.

Musicare (M)altri

Questo contributo si basa su storie frammentarie e sulle forme del divenire in e con progetti appassionatamente non pianificati e con conseguenze: un récit de musiciennes mères - tre artisti raccontano le loro vite di musicisti e genitori.

Zainab Lascandri, in arte Signup (Z), è un genitore e un artista transdisciplinare nero. Z vive a Zurigo e dal 2012 fa parte del duo di musica elettronica pop, punk, rap, techno e new wave "None of Them". H ha parlato con Z per telefono. Claire Huguenin (C) e Malcolm Braff (M), musicisti jazz, vivono e lavorano come artisti, madre e padre, fondatori e co-fondatori di Maison-Matrice, centro artistico e luogo di residenza, situato nel bernois del Giura a Crémines. Abbiamo incontrato C e M con loro alla "Maison-Matrice" di Crémines. La scena che segue si svolge in una sera buia di fine mattinata, con i loro figli e i nostri che giocano davanti alla vecchia casa colonica insieme ad altri residenti della casa.

Davanti alla vecchia segheria della Maison-Matrice :

Bambino: Mamaaaaan j'ai faim

C : alors il faut faire le feu

H : SONART ci ha proposto di scrivere su un momento cruciale della vita e della carriera: diventare genitori. Un articolo sulle ripercussioni, i vantaggi e gli svantaggi di avere figli come musicisti... ma...

C : HAHA !

M : Volete fare della musica? Avete pensato di fare dei bambini?

CMHR : *rigolade

Una settimana prima tra Bienne e Crémines, con C al telefono:

C : (si toglie.) alors la vie d'artiste... tu vois en ce moment je sutout surtout maman de trois enfants et co-gestionnaire de la Maison-Matrice. Faccio concerti o registrazioni occasionali, e vedo questi momenti come una respirazione rispetto alla mia vita quotidiana di demeurant molto impegnata.

H : Ma con la Maison-Matrice tu ti dedichi a un progetto culturale, di condivisione e di accoglienza artistica. E anche i bambini ne fanno parte: è questo che ci interessa.

Scena dal video musicale "Hyenas on the Beach" di "None of Them": Nella stanza color terra una custodia nera per chitarra rivestita di ocra carne al suo interno un tubo di scarico marrone fallico dietro di esso il bambino nero il microfono il cavo ombelicale il cavo scivola giù per il tubo l'apertura il buco attraverso la custodia un "Hey" \ La persona all'estremità del tubo di scarico aperto.

Avec Z au Téléphone :

Z : Sono diventato genitore a 23 anni, nel 2004. In molte situazioni, a meno che qualcuno non me lo chiedesse espressamente, non ho mai detto: sono un genitore. Dire che si è genitori comporta un rischio. Perché le capacità sono diverse, i rischi per la collaborazione sono diversi. E anche per l'immagine. Soprattutto nel contesto della performance o della musica e quando si è sul palco. Quindi - non la vedo più così - ma in un certo senso è in gioco la tua attrattiva.

C : La madre è l'antinomia della donna séduisante? Ho il ricordo di una foto su questo tema, di una cantante americana che faceva voci al pianoforte e che all'epoca era seduta in una chaise à bascule, con i piedi nel petto, un fucile in una mano e un cochonnet nell'altra. C'era chiaramente una nozione di matrona.

Z : Questa lotta con la mia (auto)immagine di genitore letta come madre, e la mia identità artistica come musicista - era in realtà qualcosa che mi accompagnava. Questo lato oscuro nella mia musica rappresentava un'eco di questo stato. È anche il visual dei nostri video musicali che riflette questa insicurezza con il personaggio della madre. Non riuscivo a identificarmi con esso. A un certo punto ho deciso: ah ok, ci sono modi diversi di essere genitori.

C : Quando alcune persone hanno una giornata regolare - come la carta per la musica - con noi, sono soprattutto gli assi principali ad essere chiari. Per esempio: sono completamente disponibile per la famiglia, guardo i miei figli su richiesta durante i loro primi tre anni. La nostra presenza è quindi massima in casa, andiamo anche a scuola a casa, e per quanto riguarda l'organizzazione precisa della giornata... beh, è molto jazzata, soprattutto con le vicende dell'associazione, che sono sempre dirompenti.

Z : E posso andare per la mia strada, anche se forse non ho molti modelli di riferimento nel mio ambiente. È stato un percorso solitario.

C : Il desiderio di essere mamma che c'era al momento del lancio di Maison-Matrice, un desiderio spontaneo di essere mamma in modo estremamente radicale, unito al desiderio di essere utile, al desiderio di servire. Quello che non volevo era vivere in un appartamento "prototipo" con la nostra famiglia, avevo bisogno di aprirmi e avevo una gran voglia di creare la casa di famiglia in un posto come questo.

M : Per me, c'è il desiderio di non compartimentare le sfere della vita. E infatti, a volte con Claire ti ritrovi con un bambino che è sul palco mentre ti alleni per fare il nostro concerto in duo...

C : Oui or bien je m'arrête au milieu du concert pour allaiter, et je continue de chanter avec bébé dans les bras.

M : Sì, quindi c'è una reale necessità di integrare tutti gli aspetti della vita in un'unica realtà multipla. E ora siamo probabilmente nella fase di *cris d'enfants sur baby(tele)phone* ah questa volta è réveillé! *pausa*

M : Ho avuto la fase in cui il fatto di avere figli era percepito come un danno per la mia arte e per il mio tempo di creazione. Questa sensazione per me è stata veramente decostruita quando ho deciso di mettere il mio ego nel mio ruolo di artista. Se tutto è decostruito, è molto meno tendenzioso, è molto meno in attrito - credo.

Z : Quando sono rimasta incinta vivevo ancora in un appartamento condiviso. Ho sempre pensato di poter crescere mio figlio in questo appartamento condiviso *risate* ma non ha funzionato. E poi abbiamo vissuto con il padre dei miei figli in un piccolo appartamento familiare, una cooperativa, che non mi ha reso molto felice. Ma abbiamo avuto molto sostegno dai suoi genitori, soprattutto da sua madre, e anche dagli amici. Con il primo figlio ho fatto un uso totale della mia rete di contatti *risate*. Volevo anche che mio figlio fosse cresciuto da prospettive e persone diverse. Con il secondo figlio è diventato molto più difficile. E poi, dopo la separazione - come una relazione romantica, per così dire - abbiamo continuato a vivere insieme come una famiglia per altri 6 anni. Penso che sarebbe stato diverso se avessi avuto i mezzi finanziari per organizzare le cose in modo diverso. La maggior parte delle cose si regge sulle risorse finanziarie. In seguito mi sono trasferita in un appartamento condiviso ed ero la persona che faceva il pendolare. Sono sempre stata per metà nell'appartamento di famiglia - dove mio padre viveva stabilmente con i bambini - e per metà nell'appartamento condiviso. E abbiamo fatto così finché i bambini non hanno detto: "Ehi, va bene. Vieni a cucinare, puoi tornare a casa dopo"."A quel punto erano già adolescenti. E prima di allora dormivo nel letto di uno o dell'altro bambino. Quindi non avevo una stanza tutta mia. Ero sempre così: bambino 1, bambino 2.

M : E poi, con l'arrivo del terzo figlio, chiaramente vivete un po' di più.

 

L'uomo nella roulotte stordito con gli occhiali nei mondi virtuali immerso nella madre con il coltello in mano canta "Non so cosa fare per baciare". \ "Sono come" la mano il coltello un taglio nello stomaco il sangue "Un quarto in un quarto in una casa un piccolo spazio fino a qui e non so dove andare ma non so dove posso stendermi"."

 

Z : Il padre dei miei figli aveva un bar. Non era molto adatto ai bambini e alle famiglie. Ma per questo funzionava. Perché lui era lì la sera. Avevamo ancora legami familiari. E io ho ancora un rapporto stretto con i suoi genitori. Credo che in qualche modo ci siamo riusciti bene *risate*. Sì, era quello che volevamo - o che abbiamo cercato di fare - credo.

C: Funziona bene soprattutto con una divisione spontanea dei ruoli, in famiglia come nell'associazione. Credo che alla fine ci sia un deficit, dove a volte manca la consapevolezza dei compiti da svolgere, la comprensione dei problemi e la disponibilità a organizzarsi. Anche i mezzi sono limitati e l'ambizione è alta, quindi le richieste eccessive fanno parte del quadro.

Z : Sì, e per me è stato così: mio padre vive a Freetown, sulla costa occidentale dell'Africa, da quando ero piccola. E mia madre ha avuto un altro figlio, che ha quasi la stessa età del mio primo figlio. E viveva a Losanna, con la sua famiglia. Io vivevo a Zurigo. E sì, non aveva la capacità di essere nonna. E poi la domanda era: quando si ottiene un posto in un asilo nido? Tra i sei mesi e l'anno di età, i bambini avevano un posto in un asilo nido e da quel momento in poi ci andavano per almeno tre giorni. E quando stavo facendo la laurea triennale, sono stati all'asilo nido per 100 %. Credo che la cosa positiva sia stata che all'epoca ero giovane e avevo energia. E spesso i bambini potevano pernottare dai nonni o dai vicini. Non sarebbe stato possibile senza i nonni del mio compagno.

 

Alla luce dell'ora blu \ il bambino nero vestito di bianco \ la madre sul letto \ il corpo nero sotto un lenzuolo bianco \ il bambino ben nascosto \ il cefalopode polpo a otto braccia \ nella pancia aperta della madre \ la ferita il taglio \ la césarienne il buco. La pancia con il bostitch \code(0144)\ il bambino con "KLACK KLACK" \ Il mollusco morto rosso sangue nella pancia. L'utérus matrice. La torta bianca di latte materno che fluttua fluidamente nello spazio intermedio.

 

Outro : Être (m)other et musicienne, c'est composer à plusieurs mains et voix, souvent dans l'improvisation, avec des temporalités et des besoins multiples. Ma al di là della commistione individuale tra genitorialità e pratica artistica, questi racconti ci invitano a ripensare più in generale alle condizioni della creazione: come i nostri mondi rendono invisibile il lavoro di cura, quali strutture mancano ed emergono, e quali nuove forme collettive di fare potrebbero emergere da tutto ciò. In altre parole, il s'agit pas seulement d'une affaire privée, but d'un terrain commun, où se (re-)mix Kunst, Leben, Ökonomie et politique.

Svilupparsi come coro cantando di fronte a degli esperti

Partecipare a festival canori e cantare davanti a esperti è uno dei momenti salienti dell'anno corale per molti cori SCV.

Lukas Bolt, co-responsabile delle competenze presso lo SCV, fornisce una panoramica degli sviluppi attuali.

 

Lukas Bolt, perché i cori vogliono cantare davanti a degli esperti?

IVedo due esigenze principali. Da un lato, i cori vorrebbero ricevere una visione esterna e competente della loro performance e scoprire su cosa possono lavorare per rendere le loro esibizioni ancora più riuscite. Dall'altro lato, c'è anche la necessità di confrontarsi con altri cori.

 

Come gestire queste due esigenze?

L'attenzione ai festival canori deve essere rivolta all'ulteriore sviluppo. Il coro e, in particolare, la direzione del coro dovrebbero trarre spunti specifici su cui continuare a lavorare. Vorremmo realizzare il nostro desiderio di confrontarci e misurarci, tanto più a lungo, solo in occasione dei concorsi corali, che organizziamo regolarmente.

 

Cosa caratterizza un esperto di canto corale?

Da un lato, come direttore di coro, è necessaria una grande esperienza con cori di diversi livelli, da quelli amatoriali a quelli (semi)professionali. Il secondo aspetto molto importante è dare ai cori un feedback comprensibile e orientato al sostegno. Questo richiede molte capacità relazionali. Gli esperti partecipano anche ai corsi di formazione che organizziamo regolarmente per tenersi aggiornati sugli ultimi sviluppi tecnici e pedagogici.

 

Come funziona effettivamente il canto di fronte agli esperti, cosa può immaginare un coro che non l'ha mai fatto prima?

Questa fase varia a seconda del festival canoro. Di solito, due esperti ascoltano l'esibizione e uno di essi fornisce un feedback costruttivo e, se desiderato, un voto. Abbiamo a disposizione circa un quarto d'ora per coro. Metà di questo tempo è dedicato al coro nel suo insieme o al consiglio direttivo, l'altra metà è dedicata al solo direttore del coro, in quanto ci permette di approfondire gli argomenti tecnici. Anche i direttori di coro apprezzano enormemente questo punto di vista esterno dei colleghi.

 

Negli ultimi mesi avete apportato alcune modifiche al sistema di esperti. Quali in particolare?

Avevamo un'enorme lista di Expert :inside che comprendeva fino a 100 persone. Tuttavia, molte di esse non sono mai state utilizzate. Abbiamo quindi dovuto ridurre l'elenco e in futuro lavoreremo solo con circa 50 persone. Per esempio, per noi era importante avere un mix di esperti giovani e anziani. Per garantire che tutti siano regolarmente impiegati, io e la responsabile per la Svizzera francese, Caroline Meyer, siamo incaricati del coordinamento.

La SJMW tra anniversario e nuovo inizio

Il SJMW celebra il suo 50° anniversario e inizia un altro anno entusiasmante per i giovani talenti con la 51° edizione del suo concorso.

50 anni di musica sono molto più di un arco di tempo: formano un arco melodico attraverso le generazioni, un ponte sonoro tra il passato e un futuro già vibrante. La SJMW ha festeggiato il suo mezzo secolo con un evento che rimarrà un ricordo vivido per tutti i partecipanti. Nelle sale della Tonhalle di Zurigo si respirava un entusiasmo palpabile, un'eco di storie e successi legati da decenni. Due prime mondiali hanno coronato i festeggiamenti: nuove opere appositamente composte da Richard Dubugnon e Daniel Schnyder, che hanno onorato il percorso del concorso e ne hanno portato lo spirito nel futuro. Non meno emozionante è stata l'esibizione degli ex vincitori del premio come solisti. Hanno formato una riunione di eccellenza musicale e hanno dimostrato in modo impressionante come i semi gettati 50 anni fa continuino a germogliare oggi e a dare frutti di rara qualità.L'inizio di un nuovo capitolo

Ma un anniversario, per quanto affascinante, non è un punto di arrivo, bensì una soglia. Mentre i suoni dei festeggiamenti ancora riverberano, la SJMW apre un nuovo capitolo con la 51ª edizione del suo concorso e invita i giovani musicisti di tutta la Svizzera a contribuire ancora una volta alla storia del concorso.

Nel 2026, il concorso è suddiviso in tre discipline - Classica, Composizione e FreeSpace - e offre quindi spazi che vanno dall'interpretazione alla creatività.

Nella categoria solisti, nel 2026 si presterà particolare attenzione ai ricchi colori sonori degli strumenti a corda, a fiato e a percussione. Il programma comprende violino, viola, violoncello, contrabbasso, flauto, flauto dolce, oboe, clarinetto, sassofono, fagotto, arpa, fisarmonica, dulcimer, flauto di Pan e percussioni classiche. Questa variegata tavolozza sonora invita a esplorare i mondi musicali più diversi: dall'intimità lirica del violino alla voce arcaica e sorprendente del dulcimer, dal respiro pastorale del flauto di Pan all'energia ritmica del sassofono.

Nella categoria Composizione, i giovani compositori sono invitati a "dipingere con il suono", in modo che le loro idee e ispirazioni diventino partiture vive - fresche e fantasiose.

Il FreeSpace, invece, è un terreno libero, un crocevia di improvvisazione, elettronica, arti performative e formati sperimentali. Qui si ascoltano jazz e nuove tecnologie, ma anche installazioni multimediali.

Ciò che rende unico questo concorso è, come sempre, l'idea di fondo di offrire ai giovani un palcoscenico su cui mostrare il proprio talento e la propria dedizione, in un dialogo che non conosce confini linguistici o culturali. Chi partecipa entra in una tradizione che ha già ispirato numerose carriere internazionali.

Il SJMW sa che ogni partecipante porta con sé una storia unica: un arco che oscilla, un respiro che diventa melodia, una percussione che segna il battito del futuro. Per questo il concorso non è solo una gara, ma anche un laboratorio di crescita e un luogo di incontro dove si impara ad ascoltare gli altri e se stessi. L'invito è quindi chiaro: partecipare a questa avventura musicale, contribuire con il proprio suono, la propria idea di bellezza e il proprio desiderio di superare i confini.

Il nuovo mezzo secolo è alle porte e la prima nota è già nell'aria, pronta a connettersi con i suoni di tutti coloro che hanno il coraggio di sollevare l'archetto, far uscire un suono dal proprio strumento con il respiro e far risuonare un cuore giovane e curioso. Che si tratti di esecutori esperti o di creatori di nuove forme, la SJMW aspetta tutti.

Il 2026 in sintesi

Iscrizione a tutte le competizioni:
1-30 novembre 2025
www.sjmw.ch

 

Scadenza per la presentazione di progetti/video per Composition e FreeSpace:
30 novembre 2025

 

Classica: concorsi Entrada:
13-15 marzo 2026 a Arbon, Ginevra, Lugano, Neuchâtel, Sion, Unterägeri, Winterthur
Finale: dal 30 aprile al 2 maggio 2026 a Zurigo
Concerto dei vincitori il 3 maggio 2026 a Zurigo

Come ottenere una presenza scenica convincente

Al simposio Swissmedmusica di quest'anno, relatori di alto livello provenienti da Inghilterra, Francia, Germania e Svizzera sveleranno le loro ricette per una presenza scenica convincente.

La nota violoncellista e psicologa Chiara Samatanga, che ha conseguito un dottorato all'Università di Berna e offre corsi per studenti di musica alla Bern University of the Arts su pratica, stress, ansia da prestazione e psicologia della musica da camera, parlerà degli stati mentali durante la pratica e l'esecuzione. La pianista e psicologa clinica Sara Ascenso, che sta sviluppando progetti di ricerca e nuovi curricula universitari sul tema del benessere dei musicisti presso il Royal Northern College of Music di Manchester, in Inghilterra, analizzerà con noi i miti sul benessere dei musicisti. Ha anche una buona notizia.

La pianista, cantante e medico tedesca Pauline Gropp è docente di embodiment e medicina del musicista presso l'Università di Musica e Danza di Colonia. Ci avvicina alla struttura della personalità dei personaggi carismatici del palcoscenico. La pluripremiata vibrafonista, percussionista e mental trainer francese Sylvie Reynaert insegna al Conservatorio di Strasburgo e gestisce uno studio sul modello dell'allenamento mentale per gli atleti per preparare mentalmente i musicisti di talento a concorsi, esami e audizioni.

 

22 novembre 2025, Farelsaal Biel, traduzione simultanea tedesco/francese

 

Info e iscrizioni:
swissmedmusica.ch/healthday

Promuovere la salute mentale nei conservatori

La formazione orientata alle risorse e gli approcci di autogestione offrono un potenziale per la promozione e il mantenimento della salute psicofisica nell'istruzione superiore.

Negli ultimi anni l'importanza della salute mentale è diventata sempre più oggetto di attenzione da parte dell'opinione pubblica. Secondo alcuni studi, gli studenti di musica sperimentano uno stress mentale maggiore rispetto alla media dei loro coetanei. Secondo l'Indagine sulla salute in Svizzera 2022, il numero di disturbi mentali nella fascia d'età compresa tra i 15 e i 24 anni è fino a 25% superiore a quello della popolazione nel suo complesso. Ciò rende evidente che la prevenzione, l'individuazione precoce e il trattamento dei problemi di salute mentale e delle malattie sono un tema rilevante per gli studenti dei conservatori. Secondo Horst Hildebrandt, lo stress psicosomatico è il più grande problema di salute tra gli studenti di musica insieme ai disturbi muscolo-scheletrici. Le diagnosi sono spesso complesse e richiedono spesso un approccio interdisciplinare, poiché numerosi fattori di influenza sono responsabili dello sviluppo di un disturbo. In particolare, la qualità dell'insegnamento, la pratica e il livello di abilità scenica sembrano essere fattori di influenza significativi.Concetto di salute e risorse

Secondo Promozione Salute Svizzera, la salute è soggetta a processi dinamici e nasce quando le risorse e le sollecitazioni interne ed esterne sono in equilibrio. L'interazione tra lo stato fisico, mentale e sociale di una persona svolge un ruolo centrale in questo senso.

Le risorse sono considerate fattori protettivi per la salute. Lo sviluppo individualizzato delle risorse, tenendo conto del modello bio-psico-sociale, è quindi di grande importanza per promuovere e mantenere la salute mentale durante la formazione.

Gli approcci orientati alle risorse mirano a sviluppare strategie e modelli di azione che possono essere utilizzati per la prevenzione graduale dello stress psicofisico e della malattia. Il concetto di risorse varia a seconda del fondamento teorico degli approcci. Ciò che hanno in comune, tuttavia, è che mirano a consentire all'individuo, ma anche alle istituzioni, di padroneggiare la formazione quotidiana in modo auto-efficace e auto-determinato.

Più ampia è la gamma di servizi offerti, migliore è il sostegno che si può fornire per promuovere e mantenere la salute psicofisica dei membri dell'università. Oltre ai servizi di consulenza individuale a bassa soglia, sono importanti i corsi basati sul curriculum, per consentire lo sviluppo e l'espansione delle risorse psicofisiche già durante la formazione. Questi includono approcci di gestione dello stress scientificamente fondati e valutati, adattati alla realtà del fare musica per il palcoscenico e alla vita quotidiana degli studenti, training mentale, forme di allenamento fisico adatte al palcoscenico e l'insegnamento di strategie di apprendimento e pratica adeguate. In un'ottica di prevenzione, dovrebbero essere previsti anche programmi per le lezioni individuali e per la formazione didattica e metodologica, al fine di formare le competenze fondamentali di uno stile di (auto)insegnamento costruttivo e orientato alla soluzione e una cultura del feedback adeguata.

La ricerca genera continuamente nuove conoscenze

Nelle università musicali svizzere si è registrato un incoraggiante sviluppo della ricerca e dell'insegnamento sulla salute mentale. Questo ruolo attivo si riflette anche nel "Position Paper on Health Education in Tertiary Music Institutions" avviato dalla Johns Hopkins University. Oltre ai progressi nello sviluppo dei programmi di studio, agli studi epidemiologici e ai progetti di ricerca su questioni strumentali e vocali e sull'udito, vanno citati i contributi alla ricerca sulla paura da palcoscenico che, in collaborazione con le università, danno sempre nuovi impulsi alla promozione della salute mentale. Di conseguenza, la formazione orientata alle risorse e gli approcci di autogestione possono essere combinati con successo con i requisiti altamente specifici della formazione in conservatorio.

Esempio di rete di promozione della salute sotto l'egida della KMHS:
Centro universitario svizzero di fisiologia musicale, www.shzm.ch

 

Esempio di programma di promozione della salute inserito nel curriculum:
www.zhdk.ch/departemente/dmu/musikphysiologie

 

Nota sulla formazione continua:
Training mentale per la vita professionale quotidiana nella musica, Università della Musica di Basilea,
17.01.2026 con il Prof. Horst Hildebrandt e Judith Buchmann

Adatti al palcoscenico

Al 21° Simposio Swissmedmusica, che si terrà il 22 novembre a Bienne, i visitatori potranno dare uno sguardo al futuro del training mentale per i musicisti.

È ormai una pratica standard nel mondo dello sport e sta lentamente iniziando a prendere piede anche nella musica: il mental coaching. Una pioniera è la percussionista e mental coach di Strasburgo Sylvie Reynaert. L'autrice ritiene che il palcoscenico musicale, come l'arena sportiva, sia un ambiente competitivo che richiede prestazioni. Lo stress deve essere gestito sul palco. Le strategie necessarie sono simili a quelle utilizzate nel mondo dello sport.

Reynaert basa il suo lavoro sul Metodo Target, una guida riconosciuta per la preparazione mentale, e sull'applicazione delle neuroscienze. Con un approccio sistemico e il trasferimento di queste conoscenze al campo artistico, offre un "action coaching" che trae origine dallo sport di alto livello. Presenza scenica, strategia ben definita e lavoro mentale sono al centro del suo lavoro. Il suo coaching si basa su "buona volontà, ascolto, disponibilità e soluzioni pratiche".

Il Simposio Swissmedmusica del 22 novembre 2025 a Bienne offre l'opportunità di conoscere di persona Reynaert e il suo modo di lavorare. La sua presentazione sarà integrata dagli interventi della violoncellista e psicologa Chiara Samatanga, che lavora a Berna, della psicologa musicale britannica Sara Ascenso e della pianista e musicologa tedesca Pauline Gropp. Un'occasione unica per familiarizzare con il training mentale per musicisti.

Robert Oboussier per l'ascolto e la lettura

Come l'idea di far rivivere un'opera d'arte ha dato origine a registrazioni musicali professionali e a una variegata pubblicazione di libri. Saranno presentati in autunno.

Nel marzo 2021 mi sono imbattuto nella storia di Robert Oboussier e mi sono incuriosito. Il famoso compositore svizzero fu assassinato nel 1957. Quando le circostanze dell'omicidio, il suo orientamento omosessuale e l'ambiente maschile di Zurigo divennero noti, l'opinione pubblica rimase inorridita e da allora non solo la sua persona ma anche il suo lavoro furono praticamente taciuti. Come suonava la sua musica? Ho trovato solo poche registrazioni, tra cui 5 Abbreviationen per pianoforte. Ho scoperto gli spartiti dell'opera completa - 25 abbreviazioni - nella Biblioteca Centrale di Zurigo e ho chiesto a Christian Wernicke di arrangiarne un estratto per l'Orchestra Mandolinistica di Zurigo (MOZ).

65 anni dopo che l'opera di Oboussier è stata quasi completamente messa a tacere, il MOZ ha eseguito le Abbreviationen il 2 aprile 2022 in occasione di un festival organizzato dall'Associazione svizzera di musica a pizzico. Anche Ramon Bischoff, compositore e ingegnere del suono svizzero (www.nomar.ch), ha partecipato a questo festival, poiché il suo brano "Schwärme" è stato eseguito in anteprima dall'orchestra zupf.helvetica dell'associazione. Ramon è venuto a conoscenza della storia e ne è rimasto molto colpito, quindi ha iniziato a fare delle ricerche.

Nell'intervista, Ramon ha dichiarato che le numerose lacune riscontrate erano ciò che lo preoccupava all'inizio del progetto: non ci sono quasi foto, quasi nulla di personale della sua vita, un patrimonio incompleto, poche registrazioni sonore e solo pochi scritti pubblici sulle opere. Ramon ha trovato estremamente insolita la discrepanza tra l'aspetto storico delle composizioni, spesso eseguite in prima assoluta con grande successo in sedi prestigiose, e la loro attuale assenza dai repertori di musicisti e sale da concerto. L'idea di rendere finalmente udibile la musica di Oboussier in occasione del 125° anniversario della sua nascita cominciò a crescere.

Ramon ha selezionato sette composizioni musicalmente significative del periodo 1921-1948 e ha trovato musicisti professionisti che volessero riportare in vita questa musica insieme a lui. Le registrazioni sono state effettuate in 6 mesi con un'ampia varietà di strumentazioni, dal pianoforte solo all'orchestra d'archi. E come bonus, anche gli estratti delle sigle sono stati registrati con il MOZ. La maggior parte delle opere selezionate sono prime registrazioni mondiali - in altre parole, sono state registrate per la prima volta. Parallelamente al lavoro in studio di registrazione, è stato necessario chiarire i diritti, motivare gli sponsor, scrivere le domande di fondazione e, con NAXOS, trovare un'etichetta rinomata per pubblicare la produzione musicale.

Inizialmente Ramon aveva previsto un ampio libretto per il CD, al fine di rendere giustizia al significato socio-culturale e storico dell'opera e del suo occultamento. Questa idea si è trasformata in un libro, che ha portato con sé dimensioni inaspettate e nuove sfide in termini di contenuti. I contributi dei sette autori hanno prospettive molto diverse, provenienti dai campi della teoria musicale, dei media, della storia e della sociologia. Il racconto di un testimone contemporaneo completa il quadro in modo molto personale. La pubblicazione bilingue (DE/FR) contiene anche il primo catalogo ragionato completo.

Il mio obiettivo era far rivivere un'opera con il desiderio che l'idea venisse portata avanti e la musica riscoperta. Le mie speranze sono state più che superate.

Ramon scrive: "La musica di Robert Oboussier è espressione delle sue convinzioni politiche, sociali e umanistiche. Per me è importante che le sue opere continuino a trasmettere i valori per i quali si è battuto artisticamente. [...] In occasione del 125° anniversario della nascita di Robert Oboussier, spero che la sua musica torni a essere suonata ed eseguita più spesso e che possa avere un nuovo impatto come simbolo di uguaglianza sociale".

In autunno si terrà una serie di concerti, podi e letture (vedi volantino) e il MOZ si esibirà anche nei primi due concerti.

Sono così tante le persone meravigliose e creative coinvolte in questo progetto che, per rendere giustizia a tutti loro, mi limito a rimandare alla homepage (www.oboussier.ch), dove si possono trovare tutte le persone e ulteriori informazioni in tedesco, francese e inglese.

 

Informazioni su

progetto e lo streaming musicale: www.oboussier.ch

CD musicale: "Robert Oboussier. World Premiere Recordings"; etichetta NAXOS nella serie Musiques Suisses (www.naxos.com)

Pubblicazione del libro: "Robert Oboussier. Beiträge zu einem verschwiegenen Opus"; Ramon Bischoff (a cura di); Verlag edition clandestin (www.edition-clandestin.ch)

Orchestra mandolinistica di Zurigo: www.mo-zuerich.ch

Promuovere i giovani talenti ad Arosa

Da molti anni l'Associazione culturale Arosa si impegna a sostenere bambini e giovani di talento nel loro sviluppo musicale. Questo impegno si manifesta in vari modi, in particolare attraverso le Settimane del Corso di Musica di Arosa.

Le Settimane dei corsi di musica di Arosa si svolgono tra giugno e ottobre con circa 1450 partecipanti provenienti dalla Svizzera e dall'estero. Diversi corsi sono specificamente dedicati alla promozione di giovani talenti:

Corso di corno francese - da oltre 30 anni sotto la direzione di Stefan Ruf e Heiner Krause. Quasi 40 bambini e ragazzi della zona di Basilea si recano ogni anno ad Arosa.

Corso di violino - Da 25 anni sotto la direzione di Jens Lohmann con 20-30 giovani partecipanti ogni anno.

Settimana delle orchestre infantili e giovanili - Quest'anno si è svolta per la ventesima volta sotto la direzione di Verena Zeller. Therese Hauser assumerà la direzione artistica a partire dal 2026.

Settimana della musica da camera giovanile - In ottobre sotto la direzione di Katharina Stibal, Noëmi Rueff e Jonas Kreienbühl. Specialità: stretta collaborazione con il Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW). Ogni anno partecipano gratuitamente fino a dieci concorrenti del SJMW.

I bambini e i giovani sono i benvenuti anche in molte altre delle 132 settimane di corso di musica. Essi beneficiano di uno sconto di 100 franchi sul prezzo del corso regolare; i corsi speciali per bambini sono ancora più economici. Grazie al sostegno di varie fondazioni, possono essere assegnate anche generose borse di studio.

"accademia musicale di arosa"

L'"Accademia musicale di Arosa", nell'ambito delle settimane del corso di musica di Arosa, prevede due speciali masterclass di altissimo livello. La prima settimana sotto la direzione del Prof. Lars Mlekusch è offerta per fisarmonica e sassofono e la seconda settimana sotto la direzione di Markus Fleck per violino, viola e violoncello. Oltre alle lezioni individuali quotidiane con i docenti universitari, sono previste lezioni intensive di musica da camera.

Premio Hans Schaeuble

La Fondazione Hans Schaeuble di Zurigo sostiene da molti anni l'Associazione culturale di Arosa e attribuisce grande importanza alla promozione di giovani musicisti e gruppi di musica da camera. Il premio e i premi di riconoscimento vengono consegnati ai partecipanti più meritevoli delle due settimane dell'"Accademia musicale di Arosa".

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