Laut mehreren Medienberichten verstarb der Musiker kurze Zeit nach dem Zusammenbruch. Das Konzert der Jungen Philharmoniker, gespielt wurde die Alpensinfonie op. 64 von Richard Strauss, war Teil des Festivals «Szenenwechsel», das am Wochenende eröffnet wurde.

Yinon studierte Dirigieren, Musiktheorie und Komposition an der Rubin Academy of Music in Tel Aviv und an der Musikakademie in Jerusalem. Er leitete als Gastdirigent zahlreiche renommierte Orchester, darunter das BBC Symphony Orchestra, das Jerusalem Symphony Orchestra, das Royal Philharmonic London, die Royal Flemish Philharmonic Antwerpen, die NDR-Radiophilharmonie, die Wiener Symphoniker und das Deutsche Symphonie Orchester Berlin.

Ein durch die Verschärfung der Verwaltungspraxis des AWA erzwungener Wegzug der in Basel lebenden und freischaffend tätigen Musikerpersönlichkeiten wäre nicht nur ein herber Rückschlag für diese selbst, sondern käme auch einer kulturellen Verarmung der Schweiz gleich, schreibt der STV in einem offiziellen Brief.

Die Direktion des Schweizerischen Tonkünstlervereins plädiert in dem Brief «insbesondere für eine branchengerechte Anwendung des sogenannten Ausländergesetzes auf hochqualifizierte Schweizer Musikhochschulabsolventen aus Nicht-EU/EFTA-Staaten». Schlichtweg inakzeptabel wäre es, wenn die Musikerinnen und Musiker die Schweiz aufgrund einer branchenfernen und undifferenzierten Auffassung von «gesamtwirtschaftlichem Interesse» verlassen müssten.

Mehr Infos: www.asm-stv.ch

Hintergrund der Tagung war das HKB-Forschungsprojekt Growing Up – Die Emanzipation des Jazz in der Schweiz 1965–1980, das noch bis Anfang 2016 läuft. Wissenschaftler aus ganz Europa tauschten sich aus und brachten Beiträge zu regionalen jazzspezifischen Forschungsfragen. In einer durchaus produktiven und positiven Atmosphäre berichteten die alteingesessenen Jazzforscher von ihren Erfahrungen und dienten dem Forschungsnachwuchs, Doktoranden verschiedener Institute, die ihre Dissertationsvorhaben und Projekte vorstellten, wiederum als Vorbild. Es wurde auf Deutsch, Englisch und Französisch referiert, konstruktiv diskutiert, ausserdem wurden neue Anregungen gegeben, Forschungsfragen aufgeworfen und neue Ergebnisse erzielt.

An der Tagung waren Institute für Jazzforschung der Kunstuniversität Graz, der Universität Luzern, der Hochschule für Musik Bern, des Konservatoriums Amsterdam, der University Leeds und Salford sowie der Université de Paris, University of Stavanger, Siena, Dortmund und Budapest vertreten. Insgesamt gab es sieben Panels zu unterschiedlichen Themen, wobei das europäische Forschungsprojekt Rhythm Changes zwei komplette Panels eingereicht hatte. Dieses wurde von der University Salford ins Leben gerufen und kooperiert mit den Universitäten Graz, Birmingham City, Stavanger, Kopenhagen, Amsterdam und Lancaster. Forschungsmittelpunkt des Projektes sind die nationalen Konzepte des Jazz sowie deren Identitäten durch den internationalen Vergleich.

Die Tagung Growing up – Jazz in Europa 1960–1980 begann mit einem Vortrag des als Keynote Speaker geladenen deutschen Musikwissenschaftlers, Autors und Musikers Ekkehard Jost, der in seiner Präsentation fragte, ob es eine europäische Identität des Jazz überhaupt gibt. Als zweiter Keynote Speaker trat der Schweizer Musiker Bruno Spoerri auf, Autor des Buchs Jazz in der Schweiz, das bereits in einer Dokumentationsreihe des SRF aufgearbeitet wurde. Er berichtete von seinen Erfahrungen mit dem Jazz in der Schweiz und freute sich über die Durchführung dieser Tagung, die einen neuen Anstoss gebe für die Jazzforschung in der Schweiz.

Das erste Panel beschäftigte sich mit neuen Stilen und der Musikästhetik im Jazz von 1960 bis 1980, darauf folgte eines zu den damaligen Ausbildungsmöglichkeiten auf professioneller Basis. In weiteren Panels wurde von nationalen Identitäten und Schweizer Perspektiven sowie vom Jazz im Kalten Krieg und über Jazz aus der Sicht der Genderforschung berichtet. Den Abschluss bildete das Panel Changing Identities am letzten Konferenztag.

Besonders erwähnenswert sind die Konzerte im Rahmen der Tagung. So gab es zwei Lecture concerts, das erste mit Pierre Favre am Schlagzeug und das zweite mit Thomas Mejer, der über die Musik von Mani Planzer berichtete und musikalisch von drei Studierenden begleitet wurde. Die Abende verbrachte man in der Jazzkantine Luzern, wo Konzerte mit Studierenden der drei Musikhochschulen Luzern, Bern und Lausanne stattfanden und am letzten Abend die Schweizer Jazzpianistin Irène Schweizer mit dem Schweizer Schlagzeuger Pierre Favre auftrat.

Zusammenfassend ist zu sagen, dass in den drei Tagen ein sehr produktiver Austausch zwischen Jazz-, Musikwissenschaftlern und Musikern aus ganz Europa stattgefunden hat, der nicht nur aus Theorie bestand, sondern durch die Konzerte auch in die Praxis umgesetzt wurde. Die Entwicklungen des Jazz in seinen zwei ereignisreichsten Jahrzehnten wurden beleuchtet und in der Schweizer Jazzforschung hat die Konferenz – endlich mal wieder seit Bruno Spoerris Buch – einen Stein ins Rollen gebracht.
 

Die Teilnehmer können sich über zwei Vorausscheidungen für den Final qualifizieren, dort erhalten sie im Rahmen des Openair Altendorf die Möglichkeit sich den Titel «Beste Nachwuchsband 2015» zu erspielen. Die Siegerband wird ein Jahr durch das Migros Kulturprozent gefördert. Sie kann in einem professionellen Studio eigene Songs aufnehmen und erhält diverse Konzertunterstützungen sowie professionelle Tipps für die Bandkarriere.

Die Vorausscheidungen finden statt in Freienbach und Brunnen, das Finale am Openair Altendorf am Samstag, 22. August 2015. An den Vorausscheidungen wird ein mündliches Feedback gegeben. Die Bands werden schriftlich benachrichtigt, wenn sie sich für den Final qualifiziert haben.

Mehr Infos: www.bandXsz.ch

Der Vertrag macht es für die Musikschulen im VdM möglich, Notenkopien (und Kopien von Liedtexten) in bestimmtem Umfang herzustellen und diese im Unterricht und bei Aufführungen zu verwenden. Die Administration hinsichtlich der Lizenzierung wird dabei von der GEMA übernommen. 

Laut Ulrich Rademacher, dem Bundesvorsitzenden des VdM, wird durch den Vertrag die Bemessungsgrundlage klar festgelegt, aus der sich die Vergütungshöhe ergibt. Dabei muss keinen umfangreichen Dokumentationspflichten nachgekommen werden. Administration und Lehrkräfte von Musikschulen werden damit nicht zusätzlich belastet.

Der VdM Verband deutscher Musikschulen zählt 16 Landesverbände und ist der Zusammenschluss der rund 950 öffentlichen Musikschulen in Deutschland, in denen an 4000 Standorten bundesweit insgesamt über 1 Million Kinder, Jugendliche und Erwachsene von 38’000 Fachlehrkräften im praktischen Musizieren unterrichtet werden.
 

Damit wird die Zusammenarbeit von Konzert Theater Bern und dem Dirigenten intensiviert. Edusei habe als Erster Gastdirigent in den vergangenen Spielzeiten mit seiner musikalischen Leitung unter anderem von Mozarts «Die Entführung aus dem Serail», Strauss` «Ariadne auf Naxos» und Brittens «Peter Grimes» überzeugt. Vergangenen Samstag feierte Strauss` «Salome» unter seiner musikalischen Leitung erfolgreich Premiere.

Kevin John Edusei absolvierte seine Studien in Dirigieren, Tonmeister und Klassischem Schlagzeug in Berlin und Den Haag. Von 2004 bis 2011 war er Erster Kapellmeister und
stellvertretender GMD an den Theatern Bielefeld und Augsburg, 2008 gewann er den ersten Preis beim Dimitris Mitropoulos Dirigentenwettbewerb. Zudem wurde er vom Deutschen Musikrat im Rahmen des Dirigentenforums gefördert und in die Künstlerliste ‹Maestros von morgen› aufgenommen.

Die ständerätliche Kulturkommission hat Anhörungen zur Botschaft durchgeführt. Hearingsteilnehmende waren Mitglieder der Schweizerischen Konferenz der kantonalen Erziehungsdirektoren (EDK), des Schweizerischen Städte- und Gemeindeverbands, Vertreterinnen und Vertreter des Dachverbandes Suisseculture, der Filmbranche, des Komitees «jugend + musik», des Schweizer Heimatschutzes, des Verbandes der Museen sowie des Vereins Cultura.

Die Botschaft wurde nicht nur als Finanzierungsvorlage, sondern insbesondere auch für ihre strategische Ausrichtung in der Kulturpolitik von der Kommission gelobt. Von den Kommissionsmitgliedern wurde die Formulierung der drei Handlungsachsen «kulturelle Teilhabe», «gesellschaftlicher Zusammenhalt» sowie «Kreation und Innovation» positiv hervorgehoben. Ausserdem wurde die Koordinationsfunktion des Bundes begrüsst, die zu einer ausgewogenen «Nationalen Kulturpolitik» führen soll.

Die Kommission hält fest, dass die Förderung der Kultur zum gesellschaftlichen Zusammenhalt des Landes beiträgt und auch einen grossen Wert für die Wirtschaft hat.
Die Kommission hat aus all diesen Gründen den einstimmigen Beschluss gefasst, auf die zwei Gesetzesänderungen und die 8 Bundesbeschlüsse einzutreten. Die Kommission hat auch begonnen, das Bundesgesetz über die Kulturförderung zu beraten. Dabei hat sie dem Vorschlag zugestimmt, das Schweizerschulengesetz in die Kulturförderung einzufügen. Die abschliessende Beratung zum Kulturförderungsgesetz und zu den Bundesbeschlüssen wird an der nächsten Sitzung fortgeführt.

Die fast 300 Seiten umfassende Doktorarbeit informiert übersichtlich, wie Streicherunterricht mit grossen Gruppen von 10 bis 24 Kindern oder Jugendlichen entstanden ist, wie er sich um 2000 zu einem Boom an öffentlichen Schulen, besonders in Deutschland entwickelt hat und was an dieser Unterrichtsform entwicklungsfähig wäre.

Die ersten dieser nur mit Geigen (homogen) oder mit allen Streichinstrumenten gemeinsam (heterogen) geführten Streicherklassen entstanden 1911 in den USA zur Förderung von Schulorchestern. In mehreren Gruppenlektionen pro Woche sollten die Kinder das Instrument beherrschen lernen. Jedes technische Problem – in eine musikalische Botschaft gekleidet – wandelt das Lernen zu einem gemeinsamen Erleben in fliessendem Rhythmus. Als wichtigster Beitrag zum hindernisfreien Fortschreiten wird das Werk von Paul Rolland ausführlich vorgestellt. Sein «Approach», hier Rolland-Methode genannt, hatte ab 1974 eine Ausstrahlung auf alle englisch- und deutschsprachigen Länder. Sein Ansatz, eine in kleinen Schritten mit natürlichen, alltäglichen Bewegungen rhythmisch vermittelte Unterrichtsweise, ist wunderbar zusammengefasst in den 14 Filmen zum seinem Lehrbuch The Teaching of Action in String Playing und den für das Zusammenspiel der ganzen Streichinstrumentenfamilie konzipierten New Tunes for Strings von Stanley Fletcher.

Obschon Rolland das Prinzip allen Anfängerunterrichts zur Vollendung brachte, regten die vielen Gruppenvorführungen in den Filmen zum Unterrichten in Klassen und zu ersten Anfänger-Lehrwerken für heterogene Streicherklassen (Sheila Johnson) an. Über die Verbreitung dieser Bewegung in den USA, England und Deutschland durch Donald Miller, Sheila Nelson, Bernd Zingsem und vielen andern wird ausführlich berichtet. Sehr lehrreich und anregend werden die vielen Aspekte der Einrichtung der Gruppen, die verschiedenen Formen des Team-Teaching, der Zusammenarbeit der öffentlichen Schulen mit den existierenden Musikschulen und der Finanzierung beleuchtet. Fünf der deutschsprachigen Lehrwerke werden ausführlich mit einheitlichen Kriterien beschrieben und kritisch begutachtet.

Das 5. Kapitel, «Didaktische Prinzipien von Streicherklassenunterricht», ist das zentralste; wertvoll sind die aufgezählten Möglichkeiten der inneren Differenzierung, die den Frontalunterricht auflockern und innerhalb der Gruppe alle Beteiligten auf spezifische Weise aktiv hält. Die Autorin vergleicht Einzel- und Gruppenunterricht und gibt Anregungen für die integrierte Zukunft beider Unterrichtsformen. Mich erstaunt, dass die weltweit betriebene japanische Methode von Suzuki, in der das Gruppenmusizieren auch eine wesentliche Rolle spielt, kaum erwähnt wird. Ihre Grundsätze, nach Gehör spielen zu lernen, viel zu wiederholen und zu konzertieren, wären Ergänzungen, die man beherzigen sollte.

Katharina Bradler, Streicherklassenunterrich. Geschichte – Gegenwart – Perspektiven, Forum Musikpädagogik Band 127, 292 S., € 34.80, Wissner-Verlag, Augsburg 2014, ISBN 978-3-89639-963-2

Wenn 2014 jemand aus der Schweizer Jazzszene herausragte, dann war es Andreas Schaerer. Der aus dem Wallis stammende Berner Musiker beeindruckte gleich auf mehreren Produktionen und bewies dabei seinen grossen Stil- und Ausdruckshorizont. Nach den Alben mit Lucas Niggli (Arcanum) und der Band Hildegard lernt fliegen (The Fundamental Rhythm Of Unpolished Brains) veröffentlichte der 1976 geborene Musiker Ende Jahr noch ein Ergebnis seiner Zusammenarbeit mit dem 1995 gegründeten Arte Quartett, das ähnlich wie das Kronos Quartet die Grenzbereiche zwischen zeitgenössischer Klassik und Jazz auslotet, allerdings mit Saxofonen statt mit Streichinstrumenten.

Die Stücke für das Album Perpetual Delirium hat Andreas Schaerer im Auftrag des Arte Quartetts komponiert. Zusammen interpretieren sie das kontrastreiche Werk auf fulminante und stets präzise Weise. Beat Hofstetter, Sascha Armbruster, Andrea Formenti und Beat Kappeler verweben alle möglichen Arten von Saxofonklängen zu einem dichten und meist dynamisch wogenden Strom, der von Wolfgang Zwiauers warmem Bass geerdet wird. Im Zentrum steht Andreas Schaerers Vokalakrobatik – die Bezeichnung Gesang verbietet sich, denn er setzt von der Lautmalerei und dem Scat über Sprechgesang und Beatboxing bis zu Crooning und opernhafter Koloratur alle möglichen vokalen Ausdrucksmittel ein. Er drängt sich damit allerdings nie in den Vordergrund, sondern integriert seine Stimme so gut in den instrumentalen Teil, dass man nicht bei allen Klängen sagen kann, ob sie seiner Stimme oder Instrumenten entstammen.

Jazzmusik lebt zu einem guten Teil vom Live-Element, was die Rezeption ab Tonkonserve erschwert, zumal im eher experimentellen Bereich. Den Zugang zu diesem Album, das auch kontemplative Passagen hat, erleichtert eine der CD beigelegte DVD, die neben der gefilmten Live-Premiere auch ein Hintergrundvideo zum Projekt enthält. Noch viel mehr zum Genuss, ja zum Vergnügen, macht dieses Album der Humor, der aus den unangestrengten Stimmspielereien und einigen komischen Momenten der Kompositionen spricht.

Andreas Schaerer meets ARTE Quartett & Wolfgang Zwiauer: Perpetual Delirium. BMC Records (CD + DVD).  

Konzerte, ein Song, den man linken darf, und mehrere Videos zum neuen Album

Zurzeit Generalmusikdirektor in Bremen und Hauptgastdirigent des Deutschen Kammerorchesters Berlin, wird der deutsche Dirigent seine künstlerische Zusammenarbeit mit dem OSI anlässlich der Einweihung des prestigeträchtigen Konzert- und Theatersaals LAC (Lugano Arte e Cultura) im neuen Kulturzentrum der Stadt Lugano beginnen.

Der erste gemeinsame Programmschwerpunkt wird den Symphonien von Johannes Brahms gewidmet sein, von denen Markus Poschner und das OSI eine neue, kammermusikalische Interpretation geben werden, entsprechend den Besonderheiten des Orchesters, das schweizerische Genauigkeit mit italienischer Brillanz verbindet. «Besonders bei diesem Repertoire verspricht unser eigener ‹OSI-Blickwinkel› ganz neue und ungehörte Facetten freizulegen, die schon ganz in der kammermusikalischen Vorstellungswelt des Komponisten lagen und trotzdem viel zu oft unbeachtet blieben.»

In den dreissiger Jahren innerhalb des entstehenden Radios der italienischsprachigen Schweiz (RSI) gegründet, kann das Orchestra della Svizzera italiana auf eine lange Geschichte an der Seite von berühmten Musikpersönlichkeiten wie Ansermet, Stravinsky, Stokowski, Celibidache oder Scherchen sowie von Komponisten wie Mascagni, R. Strauss, Honegger, Milhaud, Martin, Hindemith und in jüngerer Zeit Berio, Henze und Penderecki zurückblicken. Als Protagonist der Konzertsaisons der RSI beteiligt sich das OSI seit Anbeginn an den Settimane Musicali von Ascona, am Lugano Festival sowie am Progetto Martha Argerich.

Informationen: www.orchestradellasvizzeraitaliana.ch

Laszlo Gyimesi, Pianist mit grosser Konzerterfahrung und langjähriger Professor unter anderem an der Basler Hochschule der Künste, hat in seinem Onlinekurs Der Weg zum freien Klavierspiel die grundlegenden Elemente der Klaviertechnik analysiert und visuell dargestellt. Er stützt sich dabei auf die romantische Klaviertradition: von Verkrampfungen befreites Klavierspiel durch künstlerische Inhalts- und Klangvorstellung, singender Klavierton und Erziehung zum bewussten Einsatz und Gebrauch des Körpers.

Es werden – in Anlehnung an Heinrich Neuhaus, Alfred Cortot, Leopold Godowsky – Beispiele aus der Klavierliteratur gezeigt und zu den technischen Problemen Übungen und Lösungsvorschläge angeboten. Die Übungen sind so konzipiert, dass man die Ausführung der Notenbeispiele gleichzeitig mit den Videoaufnahmen kontrolliert durchführen kann. Aus der romantischen Tradition ist auch das Standardwerk von Heinrich Neuhaus, das Buch Die Kunst des Klavierspiels hervorgegangen, das als grundlegende Quelle für den Videokurs dient.

«Laszlo Gyimesi verhilft mit seinen Lektionen dazu, eine große romantische Tradition des Klavierspiels am Leben zu erhalten. Diese Tradition ist im Grunde auf Liszt, und damit letztlich auf Beethoven zurückzuführen. Technik, was ist Technik? Technik dient dem Ausdruck. Nein, Technik ist Ausdruck! Eine lockere Klaviertechnik ohne falsche Spannungen verhilft uns dazu, die Gedanken und Gefühle nahezu direkt umsetzen zu können. Jeder Pianist kann diesem Ideal näher kommen. Laszlo Gyimesis Lektionen sind dazu eine ungemein wertvolle Hilfe, die großes Potential in jedem Klavierspieler freisetzen können.» – Martin Stadtfeld

Die zehn Lektionen sind auf YouTube veröffentlicht: 

https://www.youtube.com/channel/UCIrwXk76dM3EM4_gG4Ywimg

Mit ihrer Bearbeitung des Rondos in D-Dur KV 382 (original für Klavier und Orchester, komponiert 1782) erweitert die Organistin Monika Henking den Fundus an «Orgelmusik» Wolfgang Amadeus Mozarts auf willkommene Weise. Ihre Übertragung des charmanten Werks (kein Rondo im eigentlichen Sinn, sondern eine Variationsfolge mit der Tempo-Disposition Allegretto grazioso – Adagio – Allegro) verrät die erfahrene Praktikerin. So dienen beispielsweise «Stimmkreuzungen» durch vierfüssige Registrierungen in linker Hand einer leichteren Ausführbarkeit gewisser Triller und komplizierterer Passagen. Wechselnde Pedalregistrierungen in 16-, 8- oder 4-Fuss-Lage erlauben es, klangliche Besonderheiten – «Pedaltöne» der Hörner zum Beispiel – des Originals zu bewahren.

Die spieltechnischen Ansprüche des etwa zehnminütigen Werks sind relativ hoch, aber immer noch weit entfernt von jenen, welche die «originalen» – allerdings für mechanische Orgeln komponierten! – Werke Mozarts einem menschlichen Spieler abverlangen. Eine sehr empfehlenswerte Bearbeitung also, die Spieler und Hörer gleichermassen erfreuen dürfte.

Wolfgang Amadeus Mozart, Rondo in D KV 382, für Orgel bearb. von Monika Henking, D 02 469, € 12.95, Doblinger, Wien 2014

Das sind laut Gerald Mertens, dem Geschäftsführer der DOV, 94 Prozent mehr als vor zehn Jahren, im Vergleich zur letzten Erhebung 10,8 Prozent.

Das Gesamtangebot in der Saison 2013/14 war mit rund 12’300 Veranstaltungen um rund zwei Prozent leicht rückläufig im Vergleich zur Saison 2011/12. Die Zahl der Kammerkonzerte stieg hingegen von 1212 auf 1257. Insgesamt ist eine Verschiebung von Sinfoniekonzerten zu mehr Angeboten für Kinder und Jugendliche zu beobachten.

Die Meldungen der Konzerthäuser und Orchester über ihre Auslastung waren zuletzt positiv. In Deutschland existiert allerdings keine übergreifende Besucherstatistik. Deshalb werden Besucher vieler Klassik-Open-Airs, von Musikfestivals, Kirchenkonzerten und Klassik-Cross-Over-Konzerten kommerzieller Anbieter bislang nicht erfasst.
 

Busonis Klavierbearbeitung der bachschen Chaconne für Violine solo zählt wohl zu den berühmtesten und meist gespielten Transkriptionen überhaupt. Nachdem man in der Nachkriegszeit und im Zuge der Hinwendung zur barocken Aufführungspraxis über solch «stilfremde» Übertragungen eher die Nase gerümpft hatte, ist gerade bei den jüngeren Pianisten und Pianistinnen Busonis Version wieder hoch im Kurs.

Ausgerechnet der legendäre Klaviertitan Eugène d’Albert, dem Busoni dieses Werk widmete, war allerdings nicht sonderlich angetan und schrieb ihm, ein Werk für Violine solo eigne sich nicht für eine Transkription für Klavier zu zwei Händen: «Die einzige Lösung findet sich meines Erachtens im brahmsschen Arrangement für die linke Hand allein.» Busoni selber dachte sogar noch an eine Version für grosses Orchester, erkannte aber, «dass die Chaconne für einen grossen Apparat nicht ausreicht – sie verliert an Grösse.-Für Clavier klingt sie immer noch am homogensten.» Zeichensetzung? Im Grunde hört man aus dieser Klavierfassung aber nicht den Klang einer Violine, sondern eher die Pracht einer Orgel heraus.

Seine Chaconne hat Busoni mehrmals umgearbeitet und auch auf einer Klavierrolle eingespielt. Alle daraus resultierenden Einsichten hat der G. Henle-Verlag nun in einer mustergültigen Neuausgabe vereint, zusammen mit kongenialen Fingersätzen des kanadischen Virtuosen Marc-André Hamelin.

Kleiner Zusatztipp: Die letzten acht Takte klingen doch wohl am überzeugendsten in Busonis Aufnahmeversion: ganz ohne Arpeggien, mit schlichten, aber vollklingenden Akkorden.

Ferruccio Busoni, Chaconne aus der Partita Nr. 2 d-Moll von Johann Sebastian Bach, Bearbeitung für Klavier,
hg. von Norbert Müllemann, HN 557, € 12.00, G. Henle, München 2014