Der tschechische Komponist Leopold Koželuch, geboren 1747, entstammte einer Musikerfamilie. Seine Ausbildung vervollständigte er ab 1768 in Prag und begab sich 1778 nach Wien. Dort betätigte er sich als kaum auftretender Klavierpädagoge mit Schülerinnen und Schülern auch in höchsten Adelskreisen des Kaiserreichs sowie als fruchtbarer Komponist. Er war auch Inhaber einer Musikalienhandlung und eines Musikverlages mit europaweiten Verbindungen zu andern Verlagen. Diesen bot Koželuch erfolgreich seine Werke an.

Sie umfassen nicht nur Klaviermusik, sondern auch Kammermusik, Orchestermusik, ja alle Sparten bis zu Opern, Balletten und Pantomimen. Allerdings sind die meisten Bühnenwerke leider verloren gegangen. Von 1781 an galt er als schärfster Konkurrent von Mozart. Ihm gelang es, ab 1792 im Auftrag des Kaiserhauses alljährlich eine Oper oder ein Ballett zu schreiben, was Mozart lebenslang versagt geblieben war. Von 1802 bis zu seinem Tod 1818 kränkelte er, seine Produktivität liess stark nach. Den jungen Schubert, um nur diesen zu nennen, beeinflusste er stark, besonders was unvermutete harmonische Wendungen in entfernte Tonarten betrifft. Nach seinem Tod geriet er total in Vergessenheit.

Bis vor Kurzem waren nur sieben Klaviersonaten in Neuausgaben zugänglich. Und nun liegen sie alle in einer mustergültigen Ausgabe vor, betreut von keinem Geringeren als dem englischen Cembalisten und weltbekannten Dirigenten Christopher Hogwood; er verstarb 2014, es war neben der Herausgabe von Werken Händels, Purcells und Geminianis vielleicht seine letzte Arbeit. Die ersten zwei Bände wurden hier bereits 2011 besprochen (SMZ 9_2011, S. 32 f.). Gut Ding will Weile haben.

Da in frühen Werken der Schwierigkeitsgrad noch bedeutend geringer ist, konnten sie 2011 für den Klavierunterricht ab Stufe Sonatinen, teilweise sogar für das Blattspiel empfohlen werden. Die späteren sind anspruchsvoller. Gleich geblieben ist jedoch ein geschickter, handgerechter Klavierstil: Alle klingen viel virtuoser, als sie zu spielen sind. Gleich geblieben ist auch der musikalische Stil, den man gewiss mit «Munterkeit und Grazie» umschreiben kann, der aber darüber hinaus emotionale Tiefe bietet, nicht nur in Moll-Sätzen, sowie – im Rahmen klassischer Sonatengestaltung – erfindungsreiche Überraschungen harmonischer und formaler Art. Deshalb ist zu wünschen, dass die vier Bände bei den Klavierpädagogen zum eisernen Bestand ihrer Notenbibliothek gehören werden. Dass Fingersätze fehlen, ist als pädagogischer Vorteil zu werten.

Leopold Koželuch: Sämtliche Sonaten für Clavier,
Urtext hg. von Christopher Hogwood;
Bd. III: Sonaten 25–37, BA 9513, € 44,95;
Bd. IV: Sonaten 38–50, BA 9514, € 41.95;
Sammelband Sonaten 1–50, BA 9515, € 140.00;
Bärenreiter, Prag 2012 / 2015

In unserem Dossier erläutert Bernhard Billeter an zwei Beispielen Eigenart, Stil und Bedeutung der koželuchschen Sonaten.

«Durch ein grünes Wäldchen folgte ich der Spur eines freundlichen Jagdhündchens. Mit beinahe menschlicher Stimme bellend schien es zu sagen: Folge mir!» Mit dieser höchst stilisierten Jagdszene fängt eine Ballata von Bartolino da Padova an. Davon leitet sich der Titel der zweiten CD ab, die das Ensemble Perlaro unter der Leitung von Lorenza Donadini eingespielt hat: Con voce quasi humana – Vokalmusik des Trecento. In der Tat, waren auf der Debut-CD des Ensembles, aufgenommen 2010, auch Instrumente zu hören (Sotto l’imperio del possente prince, Pan Classics PC 10221), steht hier die Stimme im Zentrum. Wie Mikhail Lopatin im Booklet-Text unterstreicht, wird auf dieser Aufnahme der Begriff «Stimme» gleichsam mehrfach ausgelegt: in seiner Bedeutung als Gesangsstimme (in der reinen Vokalbesetzung), als menschliche und tierische Stimme (in den gesungenen Texten) und als Bezeichnung für unterschiedliche Stile und Gattungen (auf der Ebene der musikalischen Komposition).

Die Interpretationen des Ensembles Perlaro zeichnen sich aus durch die Klarheit der Stimmen und die subtile Art, die Texte der meist anonymen Zeitgenossen Dantes und Petrarcas im musikalischen Vortrag zu spiegeln. Unvergesslich ist die kontrapunktische Imitation der Stimmen in Lorenzo da Firenzes dreistimmiger Caccia A poste messe veltri e gran mastini. Die realistische Nachahmung der Jagdrufe und Trommelgeräusche («Ciof, ciof», «tatim, tatim») verbinden wir heutzutage nicht sogleich mit der Musik des italienischen Mittelalters. Ebenso realistisch, auf emotionaler Ebene, ist der Ausdruck der konsonantischen Lautverbindungen in den Worten «or sono in biscia orribil tramutata» («Jetzt habe ich mich in eine schreckliche Schlange verwandelt») aus dem Madrigal Donna già fu leggiadr’annamorata, von Giovanni da Firenze, auch Giovanni da Cascia genannt.

Die sechs Mitglieder des Ensembles verfügen über klanglich individuell ausgeprägte Stimmen (Lorenza Donadini und Giovanni Cantarini kommen in den zwei einstimmigen Ballate auch einzeln zum Zug). In den mehrstimmigen Stücken verschmelzen sie dennoch zu einer vollkommenen Einheit, was im zauberhaften Einklang mancher Schlusstöne gipfelt. Die Tontechnik unterstreicht die Transparenz der Stimmen und lässt nur einen ganz diskreten Nachhall zu.

Zu Lebzeiten schon ist mancher Komponist in Vergessenheit geraten, wenn er es sich in seinem Stil zu bequem machte. Von Armin Schibler (1920–1986) liesse sich gerade das nicht sagen: Er blieb unbequem, suchte die Auseinandersetzung mit der Gegenwart, liess sich von den Jungen inspirieren, erweiterte seinen Stil – und doch ist seine Musik in den Hintergrund gerückt. Heute wird sie nur noch gelegentlich gespielt. Vielleicht war sie zu zeitverhaftet. Solche Fragen tauchen auf, wenn man den Dokumentarfilm Wenn das Tönende die Spur der Wahrheit ist … von Arthur Spirk betrachtet. Er folgt nicht nur dem Lebensweg Schiblers, vielmehr zeichnet seine Frau Tatjana ein «Lebensbild». Seine Kinder Gina und Christian kommen ebenfalls zu Wort. Entsprechend persönlich geprägt und bewegt ist der Film. Die Gattin erzählt aus dem Leben, ihrer Zweisamkeit mit Schibler, liest aus ihren Notizen vor. Das künstlerische Credo Schiblers wird deutlich, die Verletzlichkeit und Zerrissenheit eines Komponisten, der seine Musik in diese verwundete Welt setzte: «Mir ist, ich hätte Blumen und Kristalle gezüchtet am Rande eines Waldes, dessen anderer Saum bereits in Brand geraten ist.» Beharrlich sucht er: «Ist es unbescheiden, sich zum Höchsten verpflichtet zu fühlen? Ich bin gewaltig verpflichtet – doch bringt das Ausharren auf dieser Linie das einzig wahre Glück, das dem Menschen beschieden sein kann.» Es ist ein Streben nach Wahrheit, das manchem Hörer damals moralisierend vorkam. Schibler jedenfalls bezog Stellung und wollte auch seine Schüler am Literargymnasium Rämibühl zur Nonkonformität erziehen – die Impulse dieses frühen Vermittlers sind in Zürich immer noch spürbar. Seine umfassende Tätigkeit, das humanistische Engagement, die Musik mit ihren Stärken und Schwächen: All dies wird in diesem Film wieder lebendig.

Wenn das Tönende die Spur der Wahrheit ist … Ein Dokumentarfilm über Armin Schibler. Konzeption und Realisation Arthur Spirk. Zu sehen und zu beziehen auf:

www.arminschibler.ch/

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Wenn es eines Beweises bedurft hätte, dass in der Schweiz, genauer gesagt in Zürich, in den letzten zweihundert Jahren zumindest handwerklich untadelige, aber auch inspirierte und sogar begeisternde Musik geschrieben wurde – hier ist er! 2005 nahm die 1917 gegründete Zentralbibliothek die alte Zürcher Tradition der Neujahrsblätter leicht abgewandelt wieder auf: mit einer CD mit Klaviermusik von Johann Carl Eschmann. Die diesjährige Doppel-CD Zürich klingt erinnert an das hundertjährige Bestehen der Bibliothek mit einem Querschnitt durch die reichen Bestände der Musiksammlung. In dieser Abteilung findet man nicht nur die Musikalien der Bibliotheken der Allgemeinen Musikgesellschaft Zürich, des Opernhauses, der Tonhalle und des Konservatoriums, sondern auch rund 200 Musikernachlässe.

Aufgenommen wurden Lieder und Kammermusik, verdienstvollerweise nicht nur von Othmar Schoeck, dem berühmtesten in Zürich lebenden Komponisten, sondern auch von heute unbekannten Musikern wie Friedrich Niggli, Emil Frey oder Hans Jelmoli. Nicht fehlen durften natürlich Werke von Xaver Schnyder von Wartensee und Hans Georg Nägeli, den Grössen der Schweizer Musik des 19. Jahrhunderts und von Johann Carl Eschmann, dessen Musik immer grosses Hörvergnügen bereitet. Die Welt hat vielleicht nicht gerade auf ein Klaviertrio-Arrangement von Smetanas Moldau gewartet, aber der gebürtige Berliner Boris Mersson hat es auf jeden Fall mit Können und Geschmack geschrieben. Das ausgezeichnete Trio Fontane spielt es klangschön und mit Verve. Seine Pianistin Andrea Wiesli zeichnet nicht nur für die Programmauswahl verantwortlich, sondern begleitet auch die Sopranistin Muriel Schwarz und den Bariton Ruben Drole in überaus lebendigen Interpretationen der Lieder. Ausserdem stellt sie mit Volkmar Andreaes Drei Intermezzi für Klavier ein unbekanntes Werk des berühmten Dirigenten vor. Last but not least rundet das hervorragende Klaviertrio «über ein Zürichsee-Lied» von Carl Rütti, eine Auftragskomposition der Zentralbibliothek, mit neuen Klängen zwei CDs ab, denen man viele Hörer wünscht.

Eingeladen ist die 1997 in Zürich geborene Sumina Studer. Sie begann ihre Studien bei Simone Zgraggen am Konservatorium Zürich an und wechselte nach zehn Jahren in die Klasse von Philip Draganov. Momentan studiert sie an der Hochschule für Musik «Hanns Eisler» in Berlin bei Antje Weithaas. Sie ist unter anderem dreifache Erstpreisträgerin beim Schweizerischen Jugendmusikwettbewerb.

Der Wettbewerb geht zwischen 28. Januar und 8. Februar 2018 in der Yong Siew Toh Conservatory Concert Hall, der Victoria Concert Hall und zuletzt mit dem Singapore Symphony Orchestra inder Esplanade Concert Hall über die Bühne. Die Jury besteht aus Qian Zhou (Vprsitz), Mauricio Fuks, Kam Ning, Kim Nam Yun, Boris Kuschnir, Silvia Marcovici, Paul Roczek, David Takeno und Victor Tretiakov.

Marie liebt eigentlich Robert, heiratet aber den reichen Theophil. Letzterer besitzt das Haus, in dem Frau Schödler, Roberts Mutter, wohnt. Er will ihr den Zins erhöhen. Marie stiehlt ihrem Mann Geld, um Frau Schödler die Mehrkosten auszugleichen. Theophil entdeckt Marie und Robert beim Schäferstündchen. Im Streit schlägt Robert Theophil. Der fällt unglücklich hin und stirbt. Die Dutzendgeschichte um Liebe und Verrat könnte überall stattgefunden haben. Der Aargauer Dialektdichter Paul Haller (1882–1920) hat sie 1917 im Schweizer Mittelland angesiedelt.

Hallers Schauspiel bildet die Vorlage zu Jost Meiers Oper «Marie und Robert»; Hansjörg Schneider hat das hochdeutsche Libretto verfasst. Im Stadttheater Biel ist sie nun uraufgeführt worden. Vorweggenommen ist im Originaltext in Roberts Brandreden der Landesstreik von 1918. Den haben Meier und Schneider im ihrem Werk für Chorszenen zu einem eigenständigen Motiv aufgewertet, ohne dass eine innere Verbindung zwischen der Dynamik der Dreiecksverbindung und der damaligen Politik ersichtlich wäre. Damit nicht genug, die ohnehin schon überladene Geschichte wird in der Inszenierung mit noch mehr Bedeutung aufgeladen: Die Aare soll überdies als Metapher für das Seelenleben Maries und Roberts dienen.

Zu mehr als einem Heimatgroschenroman dient die Geschichte schon darum nicht, weil ihr Auslöser, Maries berechnende Heirat aus eher banal-egoistischen Gründen, keine Grösse des Scheiterns zulässt. Es fehlen der zwingende Konflikt, die Fallhöhe, es fehlt die Übergrösse des Schicksals. Die putzige Aare ist kein Nil, ein Dorfkönig (Boris Petronje als Theophil) kein Kaiser, die eher kleinbürgerlichen Marie (Leila Pfister) und Robert (Geani Brad) sind nicht Tristan und Isolde. Aber selbst zu einer solchen Alltagsgeschichte, die vor allem zum Dorfklatsch taugt, könnte man glaubwürdige psychologische Tiefen zeichnen. Meiers expressive, farbige Musik, in die er manches an Klangsymbolik hineingeheimnisst hat, könnte das Material dazu zu bieten. Für den kleinen Raum des Bieler Stadttheaters scheint sie allerdings zu gross. Die Klangmixturen eines Orchesters, in dem die Harfe im Parterre des Zuschauerraums und das Schlagwerk in einem Nebenkämmerchen positioniert sind, fallen (zumindest am Parterreplatz des Rezensenten) auseinander. In der Bieler Uraufführung kämpft das solide Ensemble zudem mit einer nicht wirklich verinnerlichten Regie (Reto Nickler), die manchmal hart an der Grenze zur unfreiwilligen Komik laboriert, etwa wenn Robert mitten in der Erregung (als Übersprungshandlung?) plötzlich Kartoffeln zu schälen beginnt, Marie verzweifelt vor einem Fenster herumhopst oder Frau Schödler (Franziska Hirzel) unvermittelt vom Rollstuhl fällt. Auch die geschwärzten Gesichter des Chors und ein transparenter Vorhang, der die Bühne teilt und – warum auch immer – von den Protagonisten wechselweise auf- und zugezogen wird, erschliessen sich in ihrer dramaturgischen Logik nicht wirklich.

Da zeigt sich, dass das konsequent durchgezogene Mittel der Groteske aus der Handlung möglicherweise hintergründigere Deutungen herausgeholt hätte. Oder eine Reduktion auf ein feinziseliertes Kammerspiel glaubwürdigere Psychogramme erlaubt hätte. So aber bleibt fast alles in der Produktion unentschieden: Die überladene Handlung, die Musik, das Regiekonzept und damit auch die Fragen, was uns damit wirklich gesagt werden soll und worin die Aktualität der Geschichte denn nun besteht. Dem Sinfonieorchester Biel-Solothurn und seinem Dirigenten Kaspar Zehnder, dem Chor und seinem Leiter Valentin Vassilev kann man dies nicht wirklich vorhalten. Sie entledigen sich wie alle andern Akteurinnen und Akteure ihrer Sache mit Anstand. Möglicherweise ist der Faden zur Ästhetik, die in Musik, Handlung und Symbolismen letztlich auf Motive des frühen 20. Jahrhunderts zurückgreift, heute doch gerissen.
 

Der Anerkennungspreis geht an Martin Leuthold, Creative Director der Jakob Schlaepfer AG. Geehrt wird er für sein weit ausstrahlendes kreatives Schaffen und seine prägende Wirkung auf das schweizerische Textildesign sowie für sein Engagement für das St.Galler Kulturleben. Die städtischen Förderungspreise 2017 gehen an den Theater- und Filmschaffenden Michael Finger, die Tanzschaffende Alena Kundela, den Musiker Bernhard Ruchti und die Autorin Claudia Vamvas.

Einen Werkbeitrag erhalten die Bildenden Künstler Peter Dew, Jiří Makovec und Herbert Weber, das Tanzensemble House of Pain mit Jasmin Hauck, Cecilia Wretemark und David Schwindling, in der Sparte Literatur die Autorin Laura Vogt und Nathalie Maerten für ihr musikalisches Schaffen. Nathalie Maerten gestaltet auch das musikalische Programm der Preisfeier, zusammen mit dem Pianisten und Soundtüftler Urs Baumgartner alias Kafi-d.

Die Verleihung findet im Rahmen einer öffentlichen Feier am Montag, 13. November 2017, um 18 Uhr im Palace statt. Im Anschluss an die Verleihung offeriert die Stadt einen Apéro riche. Die Veranstaltung ist öffentlich, der Eintritt frei.
 

Seit 2014 leitet die Pianistin Simone Keller zusammen mit dem Regisseur und Komponisten Philip Bartels das Künstler-Kollektiv «ox&öl». Gemeinsam realisieren sie Musiktheaterprojekte und entwickeln dabei neue Vermittlungsformen für Kinder und Erwachsene. Dreh- und Angelpunkt ist dabei die Zusammenarbeit mit Kindern mit Migrationshintergrund, wie zum Beispel das Projekt «Piccolo Concerto Grosso» oder der Kompositionskurs in einer Integrationsklasse.

«ox&öl» wird vom Kanton ausgezeichnet. Die beiden anderen ausgezeichneten Projekte sind die rollende Theaterwerkstatt Fahr.werk.ö! und das interkulturelle Maxim-Theater. Ziel der Förderungen ist es, möglichst vielen Menschen – unabhängig von ihrer nationalen oder sozialen Herkunft – den Zugang zur Kultur zu ermöglichen.

Mehr Infos:
https://www.zh.ch/internet/de/aktuell/news/medienmitteilungen/2017/medienmitteilung-anerkennungsbeitraege-kulturelle-teilhabe.html

Viele Kantonsschulen in der Schweiz wagen mit ihren 12- bis 18-jährigen Schülerinnen und Schülern ambitiöse Musikprojekte. Manch begeisterndes Resultat kann man dann im Konzert geniessen. Oft sind Chöre involviert, und man erlebt beliebte Werke wie Carmina Burana oder Mozarts Requiem, gesungen von jungen Menschen voll enthusiastischem Elan, begleitet vom Schulorchester.

Es gibt aber auch anderes, erinnert sei etwa an das Projekt des Kammerorchesters Basel in der Elisabethenkirche Basel, bei dem Chöre aus Muttenz involviert waren. Die szenische Aufführung galt Honeggers komplexem Oratorium La Danse des Morts, gekoppelt mit Purcells Funeral Music for Queen Mary. Mit Purcell wollte Chorleiter Christoph Huldi den Jugendlichen auch noch einfachere Chormusik bieten, um sie «bei der Stange zu halten». (Anm. d. Red.: siehe Bericht in der Ausgabe 7/8 online)

Nicht so der Schulmusiker und Dirigent Cristoforo Spagnuolo, der seinen Schülerinnen und Schülern der Kantonsschule Wettingen alles abverlangt. In diesem Jahr war es Monteverdis Marienvesper, die zum 450. Geburtstag des Komponisten aufgeführt wurde. Neben dem Jubiläum begründete Spagnuolo seine Wahl auch damit, er würde dieses Werk auf die berühmte «einsame Insel» mitnehmen, da es in sinnlicher wie geistiger Hinsicht ein enorm breites Spektrum an Bedürfnissen abdecke, die man an Musik haben könne. Es aufs Programm zu setzen, bleibt eine ziemlich verwegene Idee, denn bei diesem Monument der frühen Chorliteratur, diesem rhythmisch wie intonatorisch schwierigen Werk, ist nicht nur das «Zusammenklingen» delikat, sondern auch noch die historische Aufführungspraxis extrem wichtig und für viele neu. Cristoforo Spagnuolo ist aber bekannt dafür, dass ihm kein Werk zu schwierig erscheint, um es zu «erobern». Trotz des sehr hohen Anspruchs an die Ausführenden, die durch das Profiorchester Le Fiamme und Berufssolisten ergänzt waren, konnten sich die Konzerte diesen Mai mehr als nur hören lassen.
 

Meistens erlebt man als Publikum lediglich das Resultat monatelanger Probenarbeit, welche die Jugendlichen gleichermassen fordert wie das leitende Lehrpersonal. Hier aber begleitete der auf dokumentarische Filme spezialisierte Regisseur und Filmer Arthur Spirk die Erarbeitung der «Wettinger Marienvesper» und stellte dem Projekt die Frage voran: «Was ist nachhaltiger: eine hochkarätige Aufführung von Monteverdis Marienvesper am Lucerne Festival … oder die Aufführung dieses Meisterwerks durch einen Kantonsschulchor, im Zusammenspiel mit professionellen Solisten und Instrumental-Spezialisten?»

Angesichts des ambitiösen Werks war man umso gespannter, was Arthur Spirk in seinem rund 70-minütigen Dokumentarfilm über die Erarbeitung zusammengetragen hat. Was interessiert den Filmer am Blick hinter die Kulissen, und welche Schwerpunkte setzt er? Besonders brisant zu erfahren ist, ob es gelingt, die Ohrstöpsel-tragende Smartphone-Generation – so das gängige Klischee – für eine über 400 Jahre alte Musik zu begeistern, welche sie überhaupt nicht kennen.

Gerade hier gibt der Film überraschende Aufschlüsse. In den dreizehn Kapiteln sind immer wieder Probesequenzen zu sehen, die im Übrigen nicht einfach wunderschön «rein» klingen, sondern auch mal sehr quer und falsch daherkommen. Darin eingestreut finden sich etliche Porträts beteiligter Schülerinnen und Schüler, die beeindruckende Einsichten ermöglichen.

Da ist etwa ein in Papua Neuguinea aufgewachsener junger Mann, der in seiner Freizeit zur Lautenbegleitung mit Inbrunst Lieder singt. Oder die junge Frau, bei der Eltern wie Geschwister ein Instrument spielen, und für die Musik einfach zum Alltag gehört. Noch überraschender der junge Jazzer am Schlagzeug, der mit Monteverdi das Singen entdeckt hat und deshalb nach der Matura Gesang studieren möchte. Es ist eine musikalische Kanti-Elite, die Spagnuolo für die Marienvesper begeisterte. Das Werk ist viel zu schwierig, als dass alle hätten mitmachen können, wie er selber zugibt.

Spirk hat einen abwechslungs- und aufschlussreichen Dokumentarfilm geschaffen, der starke Momente zu Proben und Befindlichkeiten eingefangen hat. Überraschend etwa, dass der Beizug von Profis nicht nur geschätzt wurde. Die zentrale Sequenz, die Chorwoche im Aarbergerhaus Ligerz, bei der bis zu zehnstündige Proben angesetzt waren, kommt allerdings zu brav daher. «Vor Ligerz war mein Verzweiflungsgrad sehr hoch», kommentiert Spagnuolo im Nachhinein seine damalige Seelenlage. Spirk hat das drohende Scheitern nicht live dokumentiert.

Dies gilt auch für die Jugendlichen, die eigentlich immer in die Kamera lächeln und ganz zufrieden sind, auch wenn sie von den Probemühsalen sprechen. Schade, dass die Momente der Verzweiflung, die gerade bei solchen «Kamikaze-Projekten» auftreten (müssen), und die Knochenarbeit zu wenig gegenwärtig sind. Trotzdem, wenn am Schluss des Films einige Sequenzen der Aufführung in der pittoresken Klosterkirche Wettingen zu sehen und hören sind mit den strahlenden Gesichtern der Singenden, dann ist das ein berührender Moment.
 

Foto: Arthur Spirk

Screenshot aus dem Film

Schlusskonzert in der Klosterkirche Wettingen

Der 5. Internationale Franz Liszt Wettbewerb für Junge Pianisten mit Preisen im Gesamtwert von 15’000 Euro fand an der Hochschule für Musik Franz Liszt Weimar statt. Insgesamt 58 Musikerinnen und Musiker aus 23 verschiedenen Ländern von Australien bis Litauen waren für die drei Wertungsrunden nach Weimar gereist.

Den 1. Preis in der jüngeren Kategorie I (bis 13 Jahre) gewann die 13-Jährige Ariya Laothitipong aus Thailand. Ein 2. Preis wurde nicht vergeben, dafür der 3. Preis gleich dreifach: Ihn erspielten sich der 10-jährige Ryan Martin Bradshaw (Slowakei), der 13-jährige Kacper Kuklinski (Polen), der auch den Preis der Junior-Jury gewann, sowie der 11-jährige Ben Lepetit (Deutschland). Ben Lepetit gewann zusätzlich einen Sonderpreis für die beste Interpretation eines Barockwerkes.

In der älteren Kategorie II (14-17 Jahre) erspielte sich der 17-jährige Schweizer Simon Bürki den 1. Preis. Bürki gewann zusätzlich den Theodor Hlouschek-Sonderpreis der Neuen Liszt Stiftung für die beste Improvisation, den EMCY-Sonderpreis, den Preis der Junior-Jury sowie einen Sonderpreis für die beste Interpretation eines Barockwerkes.

Der Gossauer Bürki studiert in Kiew und hat unter anderem schon den Schweizerischen Jugendmusikwettbewerb in Zürich und die Horowitz Young Pianists Competition in Kiew gewonnen.

Den 2. Preis gewann die 14-jährige Barbare Tataradze aus Georgien, der 3. Preis ging an den in Deutschland lebenden 17-jährigen Südkoreaner Jeonghwan Kim. Kim erspielte sich auch zwei Sonderpreise für die beste Interpretation einer klassischen Sonate sowie eines Werkes von Béla Bartók.

Philippe Bischof, ehemaliger Leiter der Abteilung Kultur im Präsidialdepartement des Kantons Basel-Stadt, tritt heute das Amt als Direktor der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia an. Der Stiftungsrat hat ihn am 3. April 2017 zum neuen Direktor gewählt. Sabina Schwarzenbach, welche die die Stiftung seit dem 1. November 2016 interimistisch geführt hat, kehrt nun wie vorgesehen wieder in ihre bisherige Tätigkeit als Leiterin Kommunikation zurück.

Seit dem Inkrafttreten des Kulturförderungsgesetz und der ersten Kulturbotschaft 2012 hat sich das Tätigkeitsgebiet der Kulturstiftung etwas geändert. Als neue Aufgaben hat sie vom Bundesamt für Kultur unter anderem die Nachwuchsförderung, die Kunstvermittlung, die Kunstbiennalen und die Schweizer Auftritte an internationalen Buchmessen übernommen. Dafür hat sie sich aus der Unterstützung der Schweizer Filmpromotion und der Verlagsförderung zurückgezogen, die ans BAK übergegangen sind.

Für die Periode 2016 bis 2020 soll Pro Helvetia unter anderem das Schweizerische Kunstschaffen, die Kohäsion im Inland und die internationale Präsenz von Schweizer Kultur im Ausland stärken. Unter dem Titel «Kultur und Wirtschaft» soll zudem eine koordinierte Förderung von Design und interaktiven digitalen Medien erfolgen.