Il Quartetto Merel ha già esplorato con successo la musica di Felix Mendelssohn Bartholdy (e di sua sorella Fanny) per un album (Genuin 11204: Felix: Quartetto per archi in fa minore op. 80; Quattro pezzi per quartetto d'archi op. 81; Fanny: Quartetto per archi in mi bemolle maggiore). La formazione svizzera è stata ora affiancata dal giovane quartetto d'archi inglese Castalian String Quartet per la registrazione dell'Ottetto op. 20.

Nel primo quartetto per archi in mi bemolle maggiore op. 12, tuttavia, il Quartetto Merel è ancora tra sé. I quattro eseguono la veloce sezione centrale della Canzonetta come una danza degli elfi, l'Andante espressivo ha un grande respiro. E nel finale, Mary Ellen Woodside (violino 1), Edouard Mätzener (violino 2), Alessandro D'Amico (viola) e Rafael Rosenfeld (violoncello) combinano la leggerezza con un effetto drammatico che crea una vera e propria attrazione. Solo nel movimento d'apertura il quartetto si prende troppe libertà agogiche, cosicché la pulsazione si perde un po' nei numerosi piccoli ritardi quando le figure di crome vengono suonate in modo eccessivo o le cesure introducono nuove sezioni.

Insieme a Sini Simonen (violino 1), Daniel Roberts (violino 2), Charlotte Bonneton (viola) e Christopher Graves (violoncello), l'ottetto crea un'interpretazione narrativa ed equilibrata dal punto di vista tonale, che spazia dalla fragile intimità alla potenza orchestrale. Il compositore voleva che l'ottetto suonasse "nello stile di un'orchestra sinfonica". La fusione dei due ensemble in un unico, flessibile corpo sonoro ha un successo impressionante. Il modo in cui la tensione nella sezione di sviluppo del primo movimento si riverbera e la ricapitolazione è annunciata dall'impeto dei semicrome che si rincorrono tra le voci - è fantastico! Un Andante molto emotivo e uno Scherzo arioso sono seguiti da un'introduzione del violoncello un po' rimbombante e da un velocissimo Presto finale che celebra il virtuosismo e lascia una forte impressione nonostante piccole imprecisioni ritmiche.

Pro Helvetia partecipa al fondo Impulse for New Music dal 2018. Esso sostiene progetti transfrontalieri di istituzioni con sede in Germania, Francia o Svizzera. Per transfrontaliero si intendono non solo i confini nazionali, ma anche quelli di genere e di formato. Secondo il bando, i progetti devono "dare espressione concreta all'idea di scambio tra culture".

Le domande possono essere presentate online utilizzando un modulo di candidatura che sarà pubblicato a breve. Le domande per i progetti che si svolgeranno non prima del 1° agosto possono essere presentate fino al 1° maggio 2020.
 

Troverete informazioni sulla gestione dei contributi ai progetti, su come comportarsi con le istituzioni con un finanziamento forfettario del programma o con le istituzioni con un contratto di prestazione, nonché informazioni sull'indennità di perdita di guadagno per i professionisti culturali freelance e autonomi, sull'indennità per lavoro ridotto e sul pacchetto di misure del governo federale.

Secondo il comunicato stampa della città, l'Ufficio economico sarà responsabile di fornire informazioni sulle misure di aiuto che il governo federale ha deciso per i lavoratori autonomi e per le persone con contratti di lavoro temporanei. Le persone che non hanno diritto all'assistenza federale possono rivolgersi ai servizi sociali.

Le informazioni vengono aggiornate costantemente. La Kultur Stadt Bern può essere contattata telefonicamente dal lunedì al venerdì, dalle 9 alle 11.30 e dalle 14 alle 16.

Sito web: www.bern.ch/themen/kultur/corona
 

Nel 2019 sono stati pubblicati due libri contrastanti in occasione del 300° anniversario della nascita di Leopold Mozart. Erich Broy ha studiato lo stile compositivo che si è allontanato dal basso continuo e si è orientato verso la sinfonia d'opera italiana. Ha utilizzato come materiale le opere per ragazzi di Wolfgang Amadeus e i primi movimenti delle sinfonie di Leopold Mozart. Leopold si ispirò agli scritti teorici di Joseph Riepel, che descrisse la composizione come una comporre (composizione di parti di battuta definite con precisione). La maestria con cui il padre ha insegnato al figlio è testimoniata dal rapido progresso delle opere da KV 1 a KV 7 e anche dalle numerose somiglianze tra le composizioni - il che crea confusione nell'attribuzione e depone a favore della qualità del lavoro di Leopold!

Le analisi scientificamente precise e basate su numerosi esempi musicali presenti nel testo e in un volume aggiuntivo di spartiti richiedono conoscenze professionali; i lettori possono familiarizzare con il testo con l'aiuto di musikanalyse.net/tutorial siate intelligenti per questo. È preziosa la tabella alle pagine 307-309, che elenca tutte le sinfonie conosciute di Leopold Mozart con i dettagli della fonte e la sua datazione, l'autenticità, la classificazione stilistica e la data presunta di composizione. In questo contesto cito il libro di Christian Broy, fratello di Eric, sulla trasmissione delle fonti e sulla strategia di distribuzione di Leopold Mozart (Sulla trasmissione delle grandi opere musicali di Leopold Mozart, Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, vol. 5, Wissner Musikbuch, Augsburg 2012).

Silke Leopold ci permette di partecipare con entusiasmo alla vita sacrificale di Leopold Mozart. Anche la tabella cronologica a due colonne in appendice rende chiaro il significato europeo della sua opera: oltre ai dati familiari e alle attività di Leopold, la seconda colonna mostra gli eventi politici e culturali più importanti di cui è stato testimone - un'interessante lezione di storia!

La sezione principale, illustrata a colori, racconta in sette capitoli (ognuno dei quali è chiaramente suddiviso con titoli rossi) come il padre, che era un rilegatore di libri ad Augusta, diede a Leopoldo un'educazione gesuita privilegiata, come Leopoldo si stabilì abilmente a Salisburgo tra gli arcivescovi capricciosi o generosi, si sposò e commercializzò le sue opere. Come un nobile, viaggiò molto con i suoi figli, allacciando contatti utili e facendo affari in tutta Europa, e allo stesso tempo spianando la strada del successo ai suoi figli. Le numerose lettere citate mostrano una grande quantità di intelletto, autorità, sentimento e umorismo. Ad esempio, i suoi giudizi sulle varie confessioni in Europa - compresa la sua - diventano sempre più critici man mano che si allontana da Salisburgo. L'autore dimostra il genio di Leopold per la pittura tonale con analisi vivaci di alcune delle sue composizioni. L'importanza della sua scuola di violino è inserita nel contesto delle altre scuole strumentali dell'epoca. L'indurimento del rapporto con il figlio "irragionevole" e dissoluto è tragico, mentre la preoccupazione del nonno per Leopoldli, figlio di Nannerl, è commovente. L'autore di spicco brilla per erudizione e forza narrativa.

Eric Broy: Leopold Mozart - Comporre in un'epoca di cambiamenti stilistici, Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, Vol. 6.1 e 6.2 (volume di spartiti), insieme 506 p., € 59,80, Wissner Musikbuch, Augsburg 2019, ISBN 978-3-95786-162-7

Silke Leopold: Leopold Mozart - "Un uomo di grande ingegno e saggezza", una biografia, 280 p., € 29,99, Bärenreiter/J.B. Metzler, Kassel/Stoccarda 2019, ISBN 978-3-7618-2086-5

Catalogo ragionato delle opere di Leopold Mozart:
Cliff Eisen: Leopold-Mozart-Werkverzeichnis (LMV), Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, Vol. 4 (ed. Internationale Leopold Mozart Gesellschaft), 272 p., € 39,80, Wissner Musikbuch, Augsburg 2010, ISBN 978-3-89639-757-7

Ancora oggi comprendiamo a malapena come la musica e le emozioni siano collegate. La comunità scientifica non è nemmeno d'accordo su cosa siano effettivamente le emozioni e su come classificare le loro varie manifestazioni. Ciò significa che i singoli studi sull'effetto emotivo della musica rimangono frammentari. Questo brancolare preliminare nella nebbia lascia spazio a suggerimenti originali e sorprendenti su come spiegare l'espressività della musica.

Bernd e Daniela Willimek stanno facendo un tentativo con una "teoria della tendenza allo sforzo", che si basa sulle idee degli psicologi musicali Ernst Kurth e Deryck Cooke, tra gli altri. Le "emozioni trasmesse ed evocate dalla musica" sarebbero spiegate dall'"identificazione con contenuti volitivi astratti". Citando Schopenhauer e Nietzsche, gli autori creano una teoria intuitivamente difficile da comprendere e piuttosto asistematica, piena di metafore (una tonica maggiore rappresenta una "persona in piedi"). D'altra parte, i due non dicono una parola sugli approcci teorici gestaltici storicamente influenti, che dovrebbero spiegare le energie direzionali dei toni in modo molto più plausibile e naturale del loro approccio. Le numerose analisi musicali individuali che si possono trovare nel loro libro Musica ed emozioni - Studi sulla teoria dell'aspirazione sono originali e stimolanti, ma senza chiarire o sostenere realmente la loro teoria. Lo stesso vale per la serie di esperimenti che i due coniugi hanno condotto in ginnasi e scuole tedesche all'estero. Ovviamente, hanno lavorato con un gruppo abbastanza omogeneo di soggetti che sono stati socializzati nello stesso modo musicale, il che di per sé non giustifica in alcun modo la pretesa universale della teoria.

Non si può escludere che la teoria della tendenza allo sforzo possa dare contributi interessanti per spiegare l'espressività della musica. Tuttavia, ciò richiederebbe un disegno molto più chiaro e sistematico - agganciato ai concetti teorici e ai risultati esistenti della psicologia musicale, con interfacce metodologicamente valide per la verifica sperimentale.

Bernd e Daniela Willimek: Musica ed emozioni. Studien zur Strebetendenz-Theorie, 125 p., € 20,00, Deutscher Wissenschafts-Verlag, Baden-Baden 2019, ISBN 978-3-86888-145-5

Johann Jacob Froberger (1616-1667) - "il Franz Liszt del XVII secolo" - è noto come clavicembalista, compositore di toccate, canzonette, ricercari e suite. Le sue opere più famose sono probabilmente i "Lamenti" e i "Tombeaus" o le due meditazioni ..faict à Madrid sur la Mort future risp. ...faist svr ma Mort fvtvre. Istruzioni verbali come "avec/à discrétion" hanno da tempo indicato che l'esecuzione di Froberger era molto più di quello che i testi musicali sopravvissuti contengono. La sua fama leggendaria si basa non solo su due ampie raccolte di autografi e innumerevoli copie, nonché su tre edizioni complete, ma anche sul fatto che un ulteriore autografo è emerso brevemente nel 2006, ma da allora non è più stato accessibile ai ricercatori o alle edizioni. Motivi sufficienti per un simposio che si è svolto nell'ottobre 2016 a Stoccarda, città natale di Froberger, in occasione del suo 400° compleanno, e per la successiva pubblicazione delle relazioni presentate in quell'occasione.

"Avec discrétion" Ripensare Froberger porta alla luce scoperte attuali che vanno ben oltre lo stesso Froberger. Sebbene le nuove fonti forniscano chiarimenti significativi sui dettagli della biografia e dell'ambiente di Froberger, più sorprendente è l'evidenza di quanto Froberger fosse impegnato nella tradizione liutistica francese (Dirksen e Ledbetter) e di come (anche) la sua composizione fosse basata su modelli di movimento esistenti (Gavito), vale a dire che non ci sono quasi differenze fondamentali tra la composizione originale e l'improvvisazione modulare. Particolarmente interessanti sono anche i testi sulla prassi esecutiva di Froberger: i commenti di Karin Paulsmeier sulle peculiarità della notazione, le indagini di Francesco Cera sulla punteggiatura dei fermi e le note di Florian Bassani sull'arricchimento performativo basato sui trattati francesi di tastiera e vocalità. Inoltre, Martin Kirnbauer e Eugène Michelangeli si interrogano sugli strumenti previsti: rispettivamente clavicembalo e clavicordo polifonico.

La relazione del simposio contiene anche una storia del concetto di "discrezione", approfondimenti sui modi di viaggiare dell'epoca e un esame della Roma musicale del XVII secolo, dove Froberger, allievo di Frescobaldi, soggiornò più volte. Infine, a Ripensare Froberger Ci si può anche chiedere perché non abbia dedicato più tempo alla musica vocale.

Nel complesso, il vantaggio di questo volume completo (che comprende documenti, illustrazioni, un elenco di fonti ed edizioni e un'accurata bibliografia) risiede non solo nella varietà degli approcci, ma anche nella ricchezza di dettagli che vale la pena conoscere sulla storia e sulla prassi esecutiva della musica del XVII secolo. Chiunque desideri studiare la musica per tastiera da una prospettiva più ampia deve prendere in mano questo libro.

"Avec discrétion" Ripensare Froberger, a cura di Andreas Vejvar e Markus Grassl, (Wiener Veröffentlichungen zur Musikgeschichte, Vol. 14), 544 p., € 53,00, Böhlau, Vienna et al. 2018, ISBN 978-3-205-20740-5

I confini tra musica seria e popolare nelle lezioni di musica e nei concerti stanno diventando sempre più permeabili e l'influenza reciproca dei diversi stili musicali è un arricchimento. Le composizioni per due violoncelli discusse di seguito tengono conto di questo sviluppo.

Il compositore americano George A. Speckert è nato nel 1951 nel Missouri (USA), centro della cultura jazzistica americana. Il libretto Le radici del jazz comprende arrangiamenti di noti brani orecchiabili di Scott Joplin (L'intrattenitore), Arthur Harrington Gibbs (Correre in modo selvaggio) e Nick La Rocca (Straccio di tigre) e spiritose composizioni originali dello stesso Speckert. Entrambe le parti per violoncello hanno lo stesso livello di difficoltà e non vanno oltre la quarta posizione. La raccolta darà piacere ad allievi e insegnanti e non mancherà di avere un effetto sul pubblico.

La sonata heavy metal Cantus di David Floer è tecnicamente impegnativo e combina ritmi e armonie heavy metal nella forma di una sonata classica in tre movimenti. Il brano è rivolto a violoncellisti di livello avanzato e combina cantilene estese con diteggiature rock simili a quelle della chitarra. Se si desidera esaltare ancora di più il suono heavy metal, è possibile utilizzare dispositivi di effetti come il wah-wah o la distorsione del suono per ottenere l'effetto desiderato.
Si può avere un'idea del pezzo su Youtube fornire.

George A. Speckert: The Roots of Jazz per due violoncelli, Ready to Play, BA 10649, € 14,95, Bärenreiter, Kassel 2019

David Floer: Cantus, Heavy Metal Sonata per due violoncelli, Floer Music Verlag, Colonia 2017, ISMN 979-0-700351-13-7

Qui Dieter Ammann, là Jannik Giger: qui il riconosciuto compositore svizzero Ammann, ora professore di composizione all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, là il suo ex allievo Giger, esordiente svizzero e affermato multitalento della composizione e del multimedia. Nel CD dal titolo semplice Ammann Giger i due sono musicalmente uniti. Pezzi d'insieme, duetti o composizioni per violoncello e pianoforte solo sono eseguiti in bella alternanza, a volte da uno, a volte dall'altro.

Ci sono Alban Berg e Joseph Tal. Ma qui non si può parlare di differenze di rango. Le opere di Jannik Giger sono piene di vitalità. A volte sembrano ritmicamente giocosi, poi ci sono dialoghi chiari e accuratamente imitativi tra gli strumenti. Nella musica di Giger ci sono spesso allusioni alla tradizione musicale classico-romantica. In alcuni punti traspare Beethoven, e a volte l'ascoltatore si immerge anche nelle sfere sonore di Schumann o Stravinsky. In nessun momento le allusioni sembrano civettuole o cleptomani. Giger mantiene sempre il proprio tono. Ancora più importante del valore di riconoscimento: Giger sa comporre, padroneggia la forma e l'economia.

Le opere di Ammann hanno anche un effetto molto diretto e potente, "saltano addosso", come si dice nel gergo della nuova musica. Le tre composizioni del CD sono state scritte tra il 1994 e il 2011. Nel brano d'insieme Après le Silence In alcuni momenti suona danzante e umoristico, in altri più denso e serio. Ammann intreccia le sue parti formali in modo così abile che ci si chiede come abbia fatto ad arrivare da A a B. In Pezzo per violoncello (Immaginazione contro numeri) utilizza l'intera gamma delle possibilità del violoncello. Karolina Öhman sa come realizzare le sottili sfumature dinamiche. L'ensemble Mondrian si mostra anche in Après le Silence come una formazione eccezionale che rende più che bene l'idea dei numerosi "sbalzi d'umore" dell'opera di Amman.

Il CD pubblicato dall'etichetta basilese A Tree in a Field Records è un evento. Le registrazioni suonano incredibilmente dal vivo e rendono giustizia alla musica vivace. Per gli appassionati di audiofilia, l'etichetta offre anche la musica in vinile. L'acquisto vale sicuramente la pena.

Tutto è iniziato con una fine: dopo otto anni, il quartetto ginevrino Orioxy, il cui sound basato sul jazz era in grado di combinare anche i momenti più teneri con un'energia selvaggia, si è sciolto inaspettatamente nel 2016. "Quando tutto è crollato, ho ricevuto il colpo della mia vita", ricorda l'arpista Julie Campiche. Tuttavia, o forse proprio per questo, ha iniziato il suo nuovo progetto appena due settimane dopo. In realtà è successo troppo in fretta per lei, ammette, ma: "Bisogna approfittare delle sorprese che la vita ci riserva".

Sono passati tre anni e il Julie Campiche Quartet, che comprende il sassofonista Leo Fumagalli, il contrabbassista Manu Hagmann e il batterista Clemens Kuratle oltre alla leader del gruppo, ha pubblicato un nuovo album alla fine di gennaio. Onkalo ha pubblicato il suo album di debutto. Il lavoro comprende sei canzoni ed è curioso e sperimentale: il primo brano, Info Flashinizia con una melodia introspettiva dell'arpa, interrotta dopo un minuto da improvvise sequenze jazz - almeno temporaneamente.

L'offerta è sorprendentemente energica e presenta un'attitudine all'improvvisazione e a motivi minimalisti. Il jazz progressivo si dispiega nell'album, interessato soprattutto a paesaggi sonori che cambiano costantemente e in modo sorprendente. L'effetto è meditativo, ma a volte anche agitato e a volte perfino stimolante. Forse perché si percepisce che dietro le composizioni ci sono sempre delle storie. Onkalo - Il termine finlandese "cavità" è destinato a raccontare, ad esempio, di scorie radioattive sepolte. Nel CD, Julie Campiche e i suoi compagni riescono non solo a creare un vortice, ma anche una musica che accompagna l'ascoltatore in un viaggio sonoro affascinante e coraggioso.

Canzone creativa è un libro per le lezioni di musica nella scuola secondaria di primo grado fino alla quarta classe e mostra in modo semplice e comprensibile come lavorare con le canzoni. Il primo passo è l'apprendimento delle canzoni. Gli autori offrono una varietà di approcci metodici e orientati all'attività, in cui le caratteristiche musicali di ogni canzone costituiscono il nucleo dello sviluppo. Il secondo passo è l'arrangiamento del brano, ed è qui che la grande qualità di Canzone creativa. Perché le canzoni non sono solo cantate, ma anche danzate, messe in scena e accompagnate da strumenti Orff. Gli arrangiamenti sono facili da realizzare. E gli autori ne sono giustamente orgogliosi: Offrono deliberatamente suggerimenti per l'improvvisazione, in modo che i bambini possano contribuire con le loro idee. Tra l'altro, questo approccio è del tutto in linea con i "processi creativi" che sono postulati in modo prominente nel Curriculum 21.

Canzone creativa è diviso in tre parti, a partire dalla metodologia di insegnamento delle canzoni: sebbene i modelli didattici siano vari, il lavoro sulla canzone segue un concetto chiaro e strutturato. Si inizia con esercizi di respirazione e di allenamento della voce, seguiti dall'insegnamento del testo e della melodia. Le istruzioni sono precise e si percepisce l'esperienza e la competenza degli insegnanti di musica formati (EMP). Gli esercizi vocali sono inseriti in storie e immagini che sollecitano i sensi dei bambini e li coinvolgono, fedeli alla massima: "Lavorare su una canzone significa giocare con essa". Il capitolo "Un modo possibile per creare il proprio concetto di lezione" illustra come farlo in modo pianificato, con la seguente istruzione didattica particolarmente attraente: "L'insegnante dovrebbe guidare le attività nel modo più non verbale possibile". In effetti, le lezioni di musica spesso soffrono di troppe istruzioni e spiegazioni verbali invece di una guida diretta attraverso le azioni musicali. I partecipanti non si attivano parlando, ma facendo, muovendosi e cantando. In questo modo, si trovano in medias res fin dall'inizio, i sensi vengono affrontati simultaneamente e non c'è bisogno di tradurre dalla testa al corpo.

I pacchetti di idee, la seconda parte del sussidio didattico, offrono un colorato bouquet di suggerimenti sonori, danzanti e scenici per sviluppare e arrangiare le canzoni. La canzone di benvenuto Altalena vi invita a ballare con i bastoni da passeggio - entrate nel teatro di varietà degli anni Trenta! - per solisti, ballerini e pubblico. Anche il Canzone con suoni andalusi è inserito in un gioco scenico (Torero), mentre le percussioni vocali animano il ragtime. Gli strumenti Orff sono inclusi di serie nei pacchetti di idee. Ma non solo! Gli utensili da forno sono necessari nel Terra di latte e miele, nell'Africa Sì cherunene I panni conducono attraverso la danza degli specchi, i colori sonori fatti di carta sottolineano la Canzone d'autunno.

Mentre i pacchetti di idee presentano schemi di lezione non elaborati, la terza parte del volume contiene modelli di lezione completamente sviluppati. Per esempio Whyba: La canzone parlata con un testo umoristico può essere cantata a canone o accompagnata dalla body percussion. Un gioco scenico con una noce di cocco crea l'atmosfera per la canzone, attività da spiaggia come la raccolta di conchiglie scioglie il corpo, accompagnate da musica rumba. La parola "ko-kos-nuss" è usata per generare esercizi di respirazione e vocali che lavorano con le vocali e attivano il diaframma. Alcune parti della melodia sono inserite in azioni e storie ("la noce di cocco è stata sfortunatamente lasciata distesa su una palma") e preparano a salti intervallari impegnativi. L'intera canzone viene ripetuta più volte in variazioni: parlando il testo, facendo gesti muti, cantando e ri-cantando sezioni della canzone. Passi e battiti di mani accentuano i cambiamenti di enfasi nel testo, interrotti da "pose da spiaggia" improvvisate.

Dopo aver elaborato e praticato la canzone, la si esegue. I cantanti improvvisano a coppie la body percussion sul ritmo di "Coconut-Coconut-Rumba". Il gruppo sceglie un motivo improvvisato e lo imita. Ora una metà canta, l'altra accompagna con la body percussion e, se funziona, anche con il canone. La registrazione in playback e l'accompagnamento al pianoforte sui CD allegati forniscono un supporto.

Conclusione: idee ben pensate, realizzazione variabile. Ben fatto!

Verena Dotzler, Birgit Herwig: Lied kreativ. Cantare con bambini, giovani e adulti. Pacchetti di idee e modelli didattici per un insegnamento fantasioso del canto, libro con 2 CD, n. d'ordine 943, € 29,90, Fidula, Koblenz

Il nome di Josef Schelb è probabilmente familiare a pochissimi clarinettisti, anche se la sua vasta produzione compositiva (che comprende undici sinfonie, altre grandi opere orchestrali, balletti, diverse opere liriche e una grande quantità di musica da camera) comprende numerosi lavori per clarinetto. Oltre alla sonata per clarinetto del 1947, ora pubblicata per la prima volta a stampa come Urtext Breitkopf, esistono anche un concerto per clarinetto basso accompagnato da dieci strumenti solisti (1930/43), un quintetto per clarinetto, un quartetto per clarinetto e altre opere di musica da camera con clarinetto nate dalla sua penna.

Josef Schelb (1894-1977) è nato a Friburgo in Brisgovia, è stato allievo di Hans Huber a Basilea e ha studiato pianoforte a Ginevra. Oltre alla carriera di concertista, è stato professore di pianoforte e composizione all'Università di Musica di Karlsruhe per più di 30 anni. Il suo lavoro non può essere classificato come appartenente a una scuola particolare, ma è caratterizzato dalle varie influenze del suo tempo.

La sonata per clarinetto, scritta poco dopo la seconda guerra mondiale, non può essere chiaramente classificata dal punto di vista stilistico. Formalmente impostata in modo classico in quattro movimenti, senza una tonalità fissa, ma con riferimenti tonali e metricamente e ritmicamente piuttosto tradizionali, può essere confrontata al meglio con la sonata del contemporaneo di Schelb, Paul Hindemith.

Il primo movimento è caratterizzato da una linea melodica espressiva e ritmicamente appuntita e irradia un'inquietudine propulsiva. Nel secondo movimento, più calmo, il clarinetto e il pianoforte entrano in un dialogo espressivo. Il terzo movimento, scritto in tempo 6/8, è caratterizzato da veloci ghirlande tonali e ha un carattere divertente e vivace. Il movimento finale è ancora una volta caratterizzato da un'impronta ottimistica e orientata al futuro.

Questa bella edizione con introduzione e commento critico è una gradita aggiunta al repertorio per clarinetto della prima metà del XX secolo.

Josef Schelb: Sonata per clarinetto e pianoforte, a cura di Albert Schelb, prima edizione, EB 8991, € 24,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2019

La raccolta dell'etnomusicologa Hanny Christen, che viaggiò attraverso la Svizzera tra il 1940 e il 1960 per registrare o annotare melodie, contiene una colorata compilazione di varie danze popolari provenienti da diverse regioni. Nella prefazione all'edizione selezionata per due flauti e pianoforte, la curatrice Helene Schulthess sottolinea che la diversità della raccolta della Christen riflette la "natura culturale e regionale su piccola scala della Svizzera", ma è comunque caratterizzata anche dalle influenze di altri Paesi europei. La raccolta contiene un numero considerevole di brani etichettati come "scozzesi", che tuttavia sono musicalmente realizzati in modo diverso a seconda della regione.

Schulthess ha incluso nel suo libretto 26 danze, una per ogni cantone (tre non provengono dalla collezione Christen). Le melodie invariate possono essere eseguite con due flauti e un accompagnamento pianistico per lo più accordale, ma suonano molto bene anche come duetti di flauti puri con la seconda parte aggiunta dall'editore, che spesso è contrappuntistica. La prima danza Scozzese del cantone di Zurigo ha un effetto molto concertante grazie alla sua seconda voce animata. La parte melodica del Mazurka del cantone di Uri è accompagnata nella prima parte dalla seconda parte del flauto, per così dire "jodel". Il movimento melodioso del Ländler dal cantone di Nidvaldo ed è contrastata da sfacciate interiezioni con suggestioni nella seconda voce. La danza virtuosa del Tromba polka del cantone di Zugo ed è impegnativo da suonare per entrambe le voci a causa delle figure di semicrome combinate con le terzine. Anche il noto brano carnevalesco di Basilea Marcia araba ha trovato spazio nella variegata collezione. Alcuni pezzi, come il vivace Giove galoppa di San Gallo o il Galoppo di Venere del cantone di Vaud sembrano quasi musica da salotto, così come il vivace Valzer delle rose del cantone di Argovia. Questa raccolta interessante e di successo offre un'idea della varietà di melodie della musica popolare svizzera e può essere facilmente suonata da allievi di livello avanzato.

26 danze popolari svizzere di 26 cantoni, dalla collezione di Hanny Christen, arrangiate per 2 flauti e pianoforte da Helene Schulthess, Fr. 26.00 più spese di spedizione, www.helene-schulthess.ch/de/kompositionen-bearbeitungen

Sembra tutto così leggero, così giocoso, così stimolante! Il libro di Birgit Jeschonneck Sviluppo del linguaggio con la musica è destinato agli insegnanti di prima e seconda elementare, soprattutto a quelli che insegnano a bambini la cui prima lingua non è il tedesco. Il concetto è chiaro e di facile comprensione: i bambini visitano quattro terre da sogno, inventate dall'autore per bambini Paul Maar. C'è la terra colorata dei cerchi, la terra dei 1000 angoli, la terra dei toni rossi e, infine, la piccola terra del sottosopra. Jeschonneck stabilisce chiari obiettivi educativi per ognuno di questi Paesi: I bambini devono cercare oggetti rotondi o angolari in classe, come il termostato rotondo per il riscaldamento, l'orologio rotondo, il tavolo angolare o il quadrato impostato. Imparano così nuovi termini.

Ora ogni paese dei sogni ha la sua nota canzone popolare, nella quale vengono integrati oggetti trovati con la tecnica della parodia. Un esempio è "La credenza ha otto angoli, la credenza ha otto angoli". Oppure i bambini scrivono poesie sulle note di Verde, verde, verde sono tutti i miei vestiti nuove battute come: "... perché la mia cosa preferita è l'allarme antincendio". I bambini sviluppano in modo giocoso il senso della struttura della lingua tedesca, degli articoli e della sillabazione.

Non tutti gli insegnanti saranno in grado di leggere l'intero libro. Ma gli insegnanti di tedesco o di musica possono utilizzarne gran parte per lezioni stimolanti e inclusive che incoraggiano la creatività e combinano l'apprendimento con il divertimento. Il libro, di quasi 100 pagine, è altamente raccomandato anche per l'uso domestico. Oltre a molti esempi illuminanti, c'è un CD splendidamente prodotto e una stimolante sezione teorica per ulteriori riflessioni.

Birgit Jeschonneck: Sviluppo del linguaggio con la musica per "I viaggi di Paula". Idee didattiche e ludiche per il libro illustrato di Paul Maar per i gradi 1+2, 99 pagine, con CD, € 21,95, Friedrich-Verlag, Hannover 2019, ISBN 978-3-617-92026-8

Anne-Catherine Sutermeister ha conseguito un Master in Letteratura presso l'Università di Montpellier, un dottorato in Studi teatrali presso l'Università di Berna e un Master in Business Administration presso l'Università di Ginevra, con specializzazione in Gestione delle risorse umane. Attualmente è docente di management culturale presso le Università di Ginevra, Losanna e Basilea e di mediazione culturale presso la Scuola di Lavoro Sociale e Educazione di Losanna.

Anne-Catherine Sutermeister ha diretto in precedenza un laboratorio di ricerca e insegnamento presso la Scuola d'Arte e Design (HEAD) di Ginevra. I quattro anni di esperienza come responsabile della sezione francofona e assistente del capo del Dipartimento della Cultura del Cantone di Berna le hanno permesso di familiarizzare con il settore della pubblica amministrazione.

In qualità di ex direttrice del Teatro Jorat e di ex vicepresidente del Consiglio della Fondazione Pro Helvetia, è una figura ben nota sulla scena culturale nazionale. Come consulente indipendente, ha svolto diversi mandati di valutazione nel settore culturale.

Sì, esistono, le opere che sono cadute nel dimenticatoio della storia. Le ragioni sono molteplici: nel XX secolo sono state spesso le circostanze politiche a farle cadere nel dimenticatoio, prima di allora hanno giocato i fattori più disparati: uno scarso successo iniziale, una strumentazione insolita, un testo non riuscito... Quando queste partiture vengono inaspettatamente ritrovate o vengono eseguite di nuovo dopo decenni, si parla spesso di una composizione "ingiustamente dimenticata". Ma se poi entrerà nel repertorio o almeno sarà generalmente riconosciuta, è tutto da vedere. Sorge sempre una domanda eretica: Non esistono anche composizioni "ingiustamente dimenticate", come opere giovanili troppo precoci o addirittura musica occasionale?

In ogni caso, i meccanismi del repertorio non funzionano secondo regole fisse. Questo è anche il caso di Beethoven e della sua ricca opera, non tutta conosciuta allo stesso modo, anzi: c'è ancora molto da scoprire. Così anche il Cantata sulla morte dell'imperatore Giuseppe II. WoO 87 (1790), un'opera commissionata dalla Bonner Lese- und Erholungsgesellschaft (che, per inciso, esiste ancora oggi e dal 2019 ammette anche le donne come membri). I vecchi verbali del Comitato esecutivo contengono la proposta che "eseguire qualcosa di musicale prima o dopo il discorso". doveva essere eseguita. Tuttavia, la cantata non fu mai eseguita. Come è stato detto in seguito: "per diversi motivi"Forse Beethoven aveva progettato l'opera in modo troppo esteso (con un tempo di esecuzione di poco meno di tre quarti d'ora), forse fu completata troppo tardi (c'erano solo tre settimane tra la commissione e la cerimonia commemorativa del 19 marzo), e l'Elettore Massimiliano, fratello del defunto e Prorettore della Società, aveva chiesto un'ora di silenzio nel senso di un servizio funebre.

L'autografo di Beethoven andò perduto senza essere suonato. Una copia riapparve solo nel 1884 e la cantata fu eseguita per la prima volta in un concerto organizzato dalla Gesellschaft der Musikfreunde di Vienna su proposta di Eduard Hanslick. Da allora ha condotto un'esistenza oscura. - Giustamente? Certamente no, perché qui si può già ascoltare molto del Beethoven successivo. Non è un caso che il maestro abbia in seguito utilizzato il materiale musicale in altre sue opere (tra cui la Fidelio) viene riutilizzato.

Link alla homepage del progetto "52 x Beethoven"