Fornisce accesso a oltre 10.000 istituzioni musicali, dati statistici, mappe interattive, articoli e analisi approfondite della vita musicale. Dal punto di vista tematico, il miz copre tutte le aree chiave, dall'educazione e formazione musicale alla musica amatoriale, alla musica professionale e all'industria musicale.

Tutorial sulla ricerca musicale e sul diritto d'autore supportano i cercatori di informazioni con domande specifiche sulla pratica musicale. Calendari di corsi di formazione, conferenze e offerte di misure di supporto pubblicizzate in tutta la Germania.

Il progetto è stato sostenuto da un finanziamento speciale del Commissario del Governo Federale per la Cultura e i Media (BKM) e della Gesellschaft zur Verwertung von Leistungsschutzrechten (GVL), nonché dall'editore musicale Hal Leonard Europe.

Link: www.miz.org

Anette Weber è a capo della divisione opera del Teatro dell'Opera di Zurigo dall'inizio della stagione in corso. In precedenza è stata direttrice del casting presso l'Opera di Stato di Amburgo e la Semperoper di Dresda.

La stagione 22/23 segna una svolta artistica al Ballett Zürich: il direttore del balletto Christian Spuck entra nella sua ultima stagione. Il suo successore Cathy Marston sta già presentando la sua prima nuova produzione. Un totale di 14 coreografie - tra cui cinque prime mondiali - saranno presentate nelle quattro prime assolute e nei quattro revival.

Schulz si trasferisce a Zurigo dall'Opera di Stato di Berlino Unter den Linden. In precedenza ha lavorato al Festival di Salisburgo e come direttore artistico e commerciale della Fondazione Mozarteum di Salisburgo. Nel 2015 è stato nominato direttore artistico designato dell'Opera di Stato di Berlino. Nel 2025 succederà al direttore artistico Homoki del Teatro dell'Opera di Zurigo, che lascerà l'incarico su sua richiesta.

Antoine Gilliéron - La guerra in corso in Ucraina dalla fine di febbraio ha toccato i cuori degli HEM del nostro Paese e ha messo in discussione la cultura e gli spazi formativi delle loro vocazioni universalistiche, ma anche talvolta politiche. Come possiamo contribuire alla pace oggi, forse ancor più che in tempi normali, come istituti di formazione musicale terziaria?

Gli otto licei musicali che compongono il CHEMS hanno preso una posizione ferma contro la guerra in Ucraina (cfr. Ulteriori informazioni) e, pur distinguendo chiaramente gli individui dal regime politico, aderiscono a misure volte a tagliare i legami con gli artisti che rappresentano l'attuale potere politico russo, nonché a mettere in discussione o addirittura interrompere la cooperazione in vigore con le università e i conservatori russi che hanno manifestato pubblicamente il loro sostegno alla guerra all'inizio di marzo, profondamente incompatibile con i valori difesi dalla conferenza. Molto legato al pacifismo, al riavvicinamento tra i popoli attraverso la musica e ai principi di non discriminazione, solidarietà e tolleranza, il CHEMS afferma il suo desiderio di accogliere gli artisti ucraini in fuga dal loro Paese ma anche i musicisti. russi e bielorussi nel corpo docente e studentesco, anche quando queste persone non possono manifestare pubblicamente la loro disapprovazione dell'invasione militare. È quindi fondamentale che la conferenza sottolinei la necessità di distinguere tra individui e regimi, di evidenziare la libertà dell'arte e della ricerca, nonché l'importanza di mantenere le possibilità di viaggio e di visto per tutte le persone con una nazionalità colpita in un modo o nell'altro da questa guerra. La conferenza guarda anche con preoccupazione ai tentativi di cancellare la cultura e respinge con tutte le sue forze i tentativi di sopprimere dai programmi i capolavori della musica russa che fanno parte del nostro ricchissimo patrimonio musicale.

Così, dalla storia della musica alla storia delle scuole strumentali russe, passando per i partenariati e le relazioni storiche che le nostre scuole hanno con la Russia, la Bielorussia e l'Ucraina, la riflessione ci permetterà di avere una visione più ampia delle relazioni culturali che uniscono questi Paesi al nostro. Oltre a questa prospettiva, si stanno prendendo iniziative concrete per migliorare la situazione nelle nostre scuole e, in misura maggiore, a livello internazionale. Che si tratti di concerti per la pace, di raccolte di fondi per opere di beneficenza o aiuti, dell'uso del soft power che la cultura rappresenta, ad esempio mostrando il proprio sostegno all'Ucraina attraverso vari canali di comunicazione, o della mobilitazione per aiutare gli studenti.delle nostre istituzioni (a livello finanziario e psicologico) ma anche per accogliere gli studenti ucraini.nenti che hanno lasciato la guerra per offrire loro una continuità negli studi (compresi i programmi Erasmus, Horizon Academic e Scholars at Risk), le scuole di musica svizzere - oltre a lanciare un messaggio di solidarietà alla comunità colpita da questa guerra e di unità verso tutte e tutti - stanno dando un importante contributo per evidenziare la necessità dell'arte per contribuire alla costruzione collettiva come precisa pace.

Lucas Bennett - Brigitt Leibundgut è nata il 28 aprile 1936. Ha frequentato la scuola elementare e il ginnasio a Berna e si è diplomata con un diploma di tipo B nel 1955. Contemporaneamente ha preso lezioni di pianoforte con Ellen Brenner a Berna. Studia pianoforte con Rosmarie Stucki, teoria con Sándor Veress e pedagogia con Suzanne Egli al Conservatorio di Berna. Ha ottenuto il diploma di insegnante nel 1960. Ha proseguito gli studi con Louis Hiltbrand a Ginevra, Hubert Harry a Lucerna e John Buttrick a Zurigo. Nel 1973 ha conseguito anche il diploma in educazione musicale precoce e i corsi di base presso il Conservatorio di Zurigo.

Brigitt Leibundgut è stata una poliedrica insegnante di musica; fino al 1973 ha impartito lezioni di pianoforte per bambini e adulti nell'ambito del programma di lezioni private della SMPV; ha poi lavorato presso la scuola di musica di Küsnacht, di cui è stata l'iniziatrice e la cofondatrice, come direttrice dal 1973 al 1989 e ha fondato i corsi di educazione musicale precoce e di scuola primaria nel 1973. Ha lavorato anche come insegnante di pianoforte presso la scuola cantonale di Hottingen.

Brigitt Leibundgut si è esibita in concerti soprattutto come accompagnatrice e in formazioni di musica da camera, ad esempio in duo con la violinista Brigitte Barandun.

Nel 1978 Brigitt Leibundgut, che era stata membro attivo della SMPV fin dal conseguimento del diploma professionale nel 1960, fu eletta nel consiglio della sezione di Zurigo della SMPV, di cui fu presidente dal 1990 al 1999.

Brigitt Leibundgut ha continuato il suo forte impegno per la SMPV nel Consiglio centrale, dal 2004 come vicepresidente e dal 2013 al 2014 come presidente centrale. Durante il suo anno di presidenza, uno dei suoi compiti principali è stato quello di avviare la discussione sulla direzione dell'organizzazione, che è stata ampiamente discussa in tutta l'associazione ed è giunta a una (prima) conclusione in occasione del DM 2016. Chi scrive, allora vicepresidente della SMPV, ricorda con gratitudine il modo sempre prudente e, nel senso migliore del termine, armonioso con cui Brigitt presiedeva le riunioni del Consiglio centrale. In qualità di rappresentante della SMPV, ha svolto anche importanti funzioni in associazioni e organizzazioni partner; è stata membro del comitato del Concorso svizzero di musica per la gioventù, del Consiglio svizzero della musica e di Gioventù & Musica, dove si è occupata soprattutto della preparazione dell'iniziativa "Gioventù e musica" (la cosiddetta iniziativa musicale). Come membro del consiglio di amministrazione dell'ex associazione Schweizer Musikzeitung, dove ha ricoperto il ruolo di attuario per 13 anni, ha supervisionato la difficile transizione verso un nuovo modello di sponsorizzazione per la SMZ.

Per molti anni, la SMPV ha potuto contare anche sull'impegno di Brigitt Leibundgut per l'istruzione musicale professionale, che stava passando dai programmi tradizionali della SMPV ai programmi professionali compatibili con Bologna della SAMP/Kalaidos. È stata coinvolta nel consiglio di amministrazione del Förderkreis der privaten musikalischen Berufsausbildung in der Schweiz, che si è battuto per la conservazione degli studi musicali privati in Svizzera e ha fornito alla SAMP un prezioso sostegno. Brigitt Leib-undgut si è dimessa dal Consiglio di amministrazione in occasione dell'Assemblea dei delegati 2014 ed è stata nominata Presidente onorario dall'Assemblea. È rimasta attiva nel Consiglio di fondazione dell'Accademia svizzera di musica e di educazione musicale (SAMP), di cui è stata presidente dal 2013 al 2019.

Come esaminatrice esperta di formazione professionale, Brigitt era tenuta in grande considerazione da tutti. La sua curiosità e il suo genuino interesse per lo sviluppo degli studenti, il suo modo calmo e ponderato di esprimere critiche durante gli esami e la sua generale grande benevolenza nei confronti dei candidati saranno ricordati con affetto.

Brigitt Leibundgut si è spenta dopo una lunga malattia poco prima del suo 86° compleanno, circondata dalla sua famiglia.

SMM - L'Istituto offre valutazioni dei rischi e raccomandazioni regolarmente aggiornate. Le valutazioni politiche della situazione in Germania e Svizzera sono diverse. Tuttavia, l'analisi del team di Friburgo guidato da Claudia Spahn e Bernhard Richter è utile anche in questo Paese. Nell'ultimo aggiornamento di metà marzo, sottolinea che la vaccinazione rimane un punto importante e centrale nella lotta contro il coronavirus, poiché i tassi di infezione rimangono elevati. Continua inoltre a raccomandare i metodi di analisi consolidati per la coltura. Essi riducono significativamente il rischio di infezione nei campioni se tutti i partecipanti (indipendentemente dalla data dell'ultima vaccinazione o della guarigione) vengono testati quotidianamente.

In una dichiarazione rilasciata l'11 gennaio, l'Organizzazione Mondiale della Sanità (OMS) ha sottolineato l'importanza della regola 3G Plus e delle regole AHA. 3G-Plus significa che l'accesso è consentito solo a persone completamente vaccinate o guarite o con un test PCR negativo. Un test rapido dell'antigene negativo non è sufficiente. La regola tedesca AHA ricorda alle persone di mantenere le distanze, adottare misure igieniche e indossare maschere facciali. Se queste regole vengono rispettate, lo stato attuale delle conoscenze suggerisce che cantare e fare musica in modo attivo è ancora possibile nonostante la variante Omikron sia più contagiosa. Per ridurre il rischio, l'Istituto di Friburgo raccomanda un test giornaliero per tutti i partecipanti a una prova o a un concerto, oltre alla regola delle 3 G fino a nuovo ordine, ossia suggerisce misure significativamente più restrittive rispetto alla Svizzera.

Dalla fine di febbraio, i cori amatoriali in Germania possono nuovamente esibirsi senza maschera. Tuttavia, l'Istituto raccomanda a tutti i partecipanti di sottoporsi al test prima dell'inizio della prova/manifestazione, anche quando cantano insieme (soprattutto se si può fare a meno della maschera), fino a nuovo avviso.

Il team scrive che molte persone hanno difficoltà a ricollegarsi alla vita prima del coronavirus, anche se numerose attività sono di nuovo consentite alle persone vaccinate nonostante gli alti tassi di infezione. Il canto, in particolare, è stato etichettato come pericoloso. Questa barriera deve essere prima superata. Il fatto che cantare e fare musica siano estremamente positivi e importanti per la salute mentale deve essere ristabilito man mano che il rischio di coronavirus diminuisce. Incoraggiare i bambini e i giovani a cantare e fare musica è un compito particolarmente importante e una responsabilità etica.

Secondo l'istituto, la trasmissione principale dei virus che causano infezioni respiratorie avviene generalmente attraverso gli aerosol che si producono quando si tossisce e si starnutisce e che vengono inalati dall'altra persona attraverso le mucose del naso, della bocca e delle vie respiratorie profonde ed eventualmente attraverso la congiuntiva dell'occhio. Secondo le simulazioni, se una persona infetta tossisce i virus, si può presumere che i virus siano ancora rilevabili nell'aria dopo diversi minuti e forse ore, anche se la persona infetta si è già allontanata. È quindi ancora importante osservare la regola della distanza sociale quando si fa musica per proteggersi dall'infezione da goccioline.

Tuttavia, la trasmissione per contatto continua a svolgere un ruolo importante: I virus possono essere trasmessi dalle superfici se raggiungono le mani toccando queste superfici contaminate e le mani toccano poi il viso senza essere pulite - a condizione che i virus abbiano mantenuto le loro proprietà infettive fino a questo punto.

I musicisti di tutti i generi musicali dovrebbero "evitare rigorosamente qualsiasi contatto con gli altri in caso di sintomi aspecifici come febbre e sintomi respiratori (tosse secca, catarro) o sintomi più tipici come la perdita acuta delle funzioni olfattive e gustative fino a quando l'infezione non sia stata esclusa dal test SARS-CoV-2 PCR su un tampone". La nuova variante omicron può manifestarsi con sintomi più lievi, ma è più contagiosa della variante delta, precedentemente diffusa.

Link al documento citato:

> www.mh-freiburg.de/service/covid-19/risikoeinschaetzung

Dominik Sackmann, Lukas Näf - Arnold Schönberg, la cui biografia si snoda da Vienna a Los Angeles, cioè da Est a Ovest, era famoso come insegnante di composizione. I suoi più famosi (e primi) allievi privati furono Alban Berg e Anton Webern a Vienna. A partire dal 1925, si formò intorno a lui un'ampia cerchia di studenti presso l'Accademia Prussiana delle Arti di Berlino. Dopo l'emigrazione, Schönberg dipendeva finanziariamente dalle opportunità di insegnamento a New York e soprattutto a Los Angeles. Per questo motivo fece da mentore a giovani compositori con background e obiettivi di vita diversi fino alla sua morte, avvenuta nel 1951. Schönberg stesso scrisse nella sua Harmonielehre (1911) di aver "imparato dai suoi allievi". Tuttavia, si sa ancora troppo poco sui dettagli del suo insegnamento: come si svolgeva, come comunicavano tra loro insegnante e allievo, che ruolo aveva l'artigianato di base, cosa sottolineava Schönberg, quanto era grande l'influenza della sua estetica sui suoi allievi? Schönberg trattava tutti i suoi studenti allo stesso modo? Come vivevano gli studenti Schönberg come insegnante e come elaboravano in seguito ciò che avevano imparato? Le risposte a queste domande possono essere fornite solo dalla ricerca sui singoli compositori e sulle loro memorie e opere musicali.

Iris Eggenschwiler (Zurigo) fornirà una panoramica di quanto è stato studiato finora sulla cerchia di studenti di Schönberg e sulla pratica didattica del "maestro". Compositori completamente contrastanti che hanno vissuto l'insegnamento di Schönberg in periodi diversi a Vienna o a Berlino sono al centro di quattro ritratti: Lukas Näf (Zurigo) sul compositore svizzero Erich Schmid (1907-2000), Christian Lemmerich (Würzburg) sul compositore tedesco Winfried Zillig (1905-1963), Ludwig Holtmeier (Freiburg i. Br.) sul compositore transilvano Winfried Zillig (1905-1963). Br.) sul compositore transilvano Norbert von Hannenheim (1898-1945) e Nina-Maria Wanek (Vienna) sul greco Nikos Skalkottas (1904-1949).

Schönberg entrò indubbiamente in contatto con la musica della regione egea attraverso Nikos Skalkottas. Tuttavia, soprattutto il suo primo allievo viennese Egon Wellesz (1885-1974) gli permise di guardare oltre i confini dell'Europa. A partire dal 1920, Wellesz fondò infatti il ramo di ricerca degli studi musicali bizantini con prime decifrazioni epocali. In questo senso, la cerchia di Schönberg coltivò relazioni da Occidente a Oriente.

All'inizio, Nina-Maria Wanek (Vienna) introdurrà le particolarità e la storia del canto bizantino. La Choralschola della ZHdK, diretta da Stephan Klarer, renderà poi udibili dal vivo i mondi sonori contrastanti del canto liturgico bizantino e gregoriano. La seconda parte della serata è dedicata all'esame teorico e pratico della "Missa Graeca", una compilazione medievale di canti gregoriani con testo greco.

Zurigo, venerdì 6 maggio 2022, ore 18:00-21:30, Università delle Arti di Zurigo (Toni-Areal), Pfingstweidstrasse 96, Sala 7.K06, Sala Concerti 2 (Sala dell'Organo), Livello 7

Canti bizantini - "Missa Graeca": conferenze di Nina-Maria Wanek (Vienna) e presentazione di canti occidentali e orientali con la Choralschola della ZHdK (cond.: Stephan Klarer)

Zurigo, sabato 7 maggio 2022, ore 9.30-16.00, Università delle Arti di Zurigo (Toni-Areal), Pfingstweidstrasse 96, Sala 3.K01, Livello 3

Arnold Schönberg come insegnante: presentazioni di Iris Eggenschwiler (introduzione) 9.30, Lukas Näf (Erich Schmid) 10.15, Ludwig Holtmeier (Norbert von Hannenheim) 11.15, Nina-Maria Wanek (Egon Wellesz e Nikos Skalkottas) 14.00, Christian Lemmerich (Winfried Zillig) 15.00.

Ulteriori informazioni sono disponibili sul sito:

> www.zhdk.ch/forschung/imr

Annette Kappeler e Xavier Pfarrer - Se gli si chiede quale sia la sua musica preferita, menziona Da oggi di Marc-Antoine Charpentier (interpretazione di Montserrat Caballé) e Il tempo non aspetta nessuno di Freddy Mercury. Si descrive come un appassionato "power napper", fan del Feldenkrais e ama ballare nei club.

Fabio Dorizzi, cosa è cambiato nella sua vita durante la pandemia? Quali sono state le sfide più grandi?

La pandemia è stata un periodo turbolento. Improvvisamente c'è stata molta paura e tristezza. Molte persone hanno perso i propri cari, le relazioni si sono spezzate, i rapporti di lavoro sono cambiati... Ma anche termini come "solidarietà" e "rallentamento" sono diventati più forti. Mi è piaciuto. Inoltre, durante la pandemia si realizzò un sogno per me, quando mi fu permesso di cantare all'Opera di Zurigo.

Congratulazioni! Come è nato questo impegno?

Sono stato contattato da un agente. Poi ho fatto un'audizione a Zurigo e ho ottenuto il ruolo. Sono estremamente grata di aver potuto fare questa esperienza e ho assorbito tutto come una spugna, imparando molte cose nuove. Il mio prossimo obiettivo è quello di entrare in uno studio d'opera.

Il palcoscenico sembra affascinarti. Già al terzo anno hai cantato il ruolo principale in un musical scolastico. L'anno scorso, al Teatro dell'Opera di Zurigo... Cosa unisce questi due palcoscenici per te?

Sono due momenti importanti della mia vita. Mi sono sentita molto intensamente in entrambi e mi sono sentita incoraggiata nel mio percorso. Adoro stare sul palco! Se poi riesci anche a rendere felici le persone: Jackpot!

Riesce a finanziare i suoi studi e la sua vita con il suo lavoro artistico o lavora anche in altri settori?

Durante gli studi ho svolto lavori part-time e sono sostenuta da fondazioni e privati. Al momento non posso ancora guadagnarmi da vivere 100% con il canto. Continuerò a perseguire questo obiettivo e non rinuncerò ad accettare lavori part-time. Dopotutto, non si è meno artisti solo perché si generano entrate da altre fonti.

Su questo siamo d'accordo. Inoltre, lo studio alla Kalaidos non è sovvenzionato. Quali sono i vantaggi e gli svantaggi (a parte i costi delle tasse universitarie) di un'università come la Kalaidos, che pone l'accento sulla flessibilità e sull'indipendenza dello studente?

Apprezzo l'indipendenza di Kalaidos in termini di tempo e di luogo! Ma non c'è rosa senza spine: soprattutto all'inizio dei miei studi, ho trovato difficile strutturare la mia vita quotidiana. Oggi sono felice di averlo imparato durante gli studi.

Lei ha citato la strutturazione della vita quotidiana di studio come un punto chiave. Tuttavia, ci possono sempre essere fasi di stress. Lei ha scritto una tesi di maturità sulla mindfulness: queste tecniche hanno un ruolo nel suo lavoro artistico?

Assolutamente! Per me la mindfulness è un requisito fondamentale per ogni apprendimento! Ma durante i miei studi ho anche imparato che la mindfulness da sola non basta. Credo che non si debba passare la vita in "modalità osservatore", ma che ci si debba sempre permettere di perdersi nella vita e nei propri ruoli... La miscela ci rende svegli e vivi.

Una volta hai detto: "Oggi vivo già di musica. Il mio sogno è vivere di musica in futuro". Cosa significa per lei oggi vivere di musica?

Credo che non ci sia condizione umana che non possa essere catturata dalla musica. È altrettanto vero il contrario: se ci si lascia toccare dalla musica, si può sentire la propria strada in molte "scienze umane". C'è qualcosa di molto liberatorio in questo, non crede?

Heinrich Baumgartner - Cinque delle sette sedi hanno preso il via venerdì 4 marzo alle 9.30 ad Arbon, Liestal, Neuchâtel, Winterthur e Zugo. Ginevra si è aggiunta mezz'ora dopo e Lugano sabato 5 marzo. Le audizioni si sono svolte in parallelo in diverse sale di quasi tutte le sedi. In collaborazione con le scuole di musica locali, si sono tenute contemporaneamente fino a 19 audizioni. Il grande evento si è concluso con l'annuncio dei risultati e le sessioni di consulenza con i partecipanti, suddivisi per strumento. Questi colloqui si sono svolti per l'ultima volta domenica pomeriggio o in prima serata e sono stati condotti dalle giurie di esperti composte da quattro membri, giurie di esperti per fisarmonica, flauto dolce, violoncello, fagotto, arpa, corno, musica da camera, clarinetto, pianoforte a quattro mani, contrabbasso, musica prima del 1750, oboe, organo, flauto di pan, flauto traverso, sassofono, percussioni, violino, viola e musica contemporanea. (Il concorso viene organizzato ogni due anni per i vari strumenti).

È incredibile se si pensa a quello che serve per organizzare un evento come questo. Durante il fine settimana si vede solo la punta dell'iceberg. Il lungo lavoro di preparazione può essere solo intuito.

Tuttavia, questo vale non solo per l'organizzazione dell'evento, ma anche per gli esecutori. I frutti di ore, settimane, persino mesi di lavoro con lo strumento e con diverse opere sono presentati qui dal vivo senza rete o falso fondo. Non c'è un pulsante di correzione o di ripristino.

Le mie impressioni su questo evento si limitano ad alcuni estratti. Ho ascoltato esibizioni di arpa ad Arbon e di sassofono a Zug. In entrambi i luoghi ho percepito un'atmosfera meno competitiva. I pochi spettatori presenti - principalmente insegnanti di musica e genitori degli esecutori - sono stati accolti nelle luminose e spaziose sale della scuola di musica e il programma è stato annunciato. Gli artisti hanno avuto tempo sufficiente per prepararsi. Il regolamento prevede una durata ragionevole del programma per i singoli interpreti. La giuria è stata posizionata tra il pubblico in modo tale da non essere percepita come un "muro" per gli esecutori.

In ogni caso, non ho avuto l'impressione che nessuno degli esecutori stesse eseguendo una prova. Le parti in cui veniva creata la musica erano di gran lunga predominanti.

Lo standard era costantemente elevato. I programmi erano vari. Nei programmi classici è stato inserito anche un brano jazzistico, che di solito è stato eseguito con un impegno ancora maggiore rispetto ai brani classici.

È facile farsi male in un concorso musicale. Quando si fa musica si mostra sempre molto di sé e si è di conseguenza vulnerabili. Il direttore del Conservatorio di Winterthur, Christian Ledermann, riassume questo concetto nelle sue parole introduttive al programma Entrada 2022 di Winterthur: "Il nostro obiettivo è che tutti i musicisti possano presentare le proprie capacità in un'atmosfera positiva e in un ambiente tranquillo e competente".

Nelle audizioni a cui ho assistito, ciò ha avuto pieno successo. Mi ha stupito anche il fatto che molti partecipanti si siano seduti con i loro colleghi in platea, ma anche che molti insegnanti abbiano assistito alle presentazioni di altri studenti.

Il concorso Entrada, dalla cerimonia di benvenuto la mattina del 4 marzo alla chiusura delle scuole di musica la domenica sera, è per molti versi solo la punta dell'iceberg. Dal mio punto di vista di ascoltatore, tuttavia, è stato un iceberg particolarmente riuscito, che ha fornito ai partecipanti molte esperienze, incontri e impressioni preziose.

La categoria classica è di gran lunga la più numerosa del Concorso svizzero di musica per la gioventù, ma non è l'unica. Dal 28 aprile al 1° maggio 2022, alcuni eccellenti interpreti saranno nuovamente ascoltati alla finale di Zurigo. Il 9 aprile si terrà a Berna il Come Together del Concorso Jazz&Pop, mentre il 29 aprile si terranno le esibizioni dal vivo del Concorso di composizione e della categoria Spazio libero. I dettagli di questi eventi sono disponibili sulla homepage del concorso.

Il direttore d'orchestra Erich Schmid non ha probabilmente bisogno di presentazioni per le vecchie generazioni. Come direttore dell'Orchestra della Tonhalle di Zurigo e dell'Orchestra della Radio di Beromünster, ha occupato una posizione centrale nella vita musicale svizzera per molti anni dopo la Seconda Guerra Mondiale. Tra il 1968 e il 1978 è stato sempre più attivo anche come direttore ospite di varie orchestre inglesi.

Il fatto che Schmid sia stato anche un prolifico compositore, almeno negli anni Trenta, è probabilmente meno noto. Un cofanetto di CD pubblicato da ZHdK-Records nel 2013 offre una buona introduzione alla musica di questo impegnato compositore (ZHdK-Records 30/2013). Il pianista Christoph Keller ha recentemente pubblicato la musica per pianoforte di Erich Schmid in due volumi con Boosey & Hawkes/Bote & Bock.

Anche i primi Piccola musica per pianoforte del 1926 rivela molto del potenziale compositivo di Schmid. Due dei tre pezzi brevi sono scritti con molto vigore e malizia giovanile, mentre il pezzo centrale (lento ed espressivo) rivela un sorprendente talento lirico. Con il Tre pezzi per pianoforte del 1929, Schmid si è poi cimentato nella libera atonalità.

"Così sto componendo... pezzi per pianoforte che non posso suonare", scriveva all'amico Erich Itor Kahn. In effetti, i tre schizzi sonori, assolutamente affascinanti, non sono facili da realizzare pianisticamente; le mani più piccole incontreranno grandi difficoltà.

Il seguente Sei pezzi per pianoforte op. 6 sono chiaramente influenzati dal famoso insegnante di composizione di Schmid, Arnold Schönberg. Da un lato, è ammirevole la sicurezza con cui l'allievo venticinquenne padroneggiava già la tecnica dodecafonica, ma dall'altro la maestria è molto in evidenza. Il compositore non sfugge ad alcuni stereotipi (come la sua preferenza per le frasi discendenti).

Il 1941 Splitter mostrano uno Schmid completamente diverso: una marcia, un valzer e un foxtrot contrastano con arrangiamenti di canzoni e un'incantevole berceuse. "Con la loro facilità di esecuzione, i brani sono adatti come introduzione a un'opera pianistica che in gran parte è ancora da scoprire", scrive il curatore Christoph Keller a proposito di queste opere. Splitter.

Chi vuole approfondire la conoscenza di Erich Schmid e del suo lavoro, troverà in questi due opuscoli un'ottima soluzione. Oltre a un dettagliato resoconto critico, a recensioni delle sue opere e a facsimili, contengono anche una biografia che vale la pena di leggere.

Erich Schmid: Piano Works 1 and 2, a cura di Christoph Keller, Works 1, BB 3545; Works 2, BB 3546; € 55,00 ciascuno; Boosey & Hawkes / Bote & Bock, Berlin (Schott, Mainz) 

I corali di Johann Sebastian Bach non sono solo oggetti di studio o pezzi didattici, ma rappresentano la combinazione unica di teologia e musica. La loro funzione è la preghiera, la riflessione, il commento o la confessione. Già durante la vita di Bach, i suoi corali cominciarono a prendere vita propria e furono raccolti. E quando la sua musica tacque dopo la sua morte, essi ne conservarono la memoria per i posteri.

Il musicologo Thomas Daniel, noto specialista di Bach, ha pubblicato un catalogo con la Breitkopf & Härtel Tutti i movimenti corali come edizione Urtext di tutti i corali a quattro voci di Johann Sebastian Bach. I corali sono stati divisi in due parti di dimensioni più o meno uguali: I corali delle cantate, dei mottetti e delle passioni, che sono sicuramente di Bach, si trovano nella prima parte, mentre la seconda parte contiene corali provenienti da fonti e stampe successive. Attingendo a nuove fonti, i corali autentici sono per la prima volta chiaramente separati dai corali di paternità talvolta dubbia. Oltre a una prefazione informativa e a un'introduzione separata all'edizione per entrambe le parti, l'edizione contiene per la prima volta anche note individuali su ogni corale, stampate direttamente nella sezione musicale. Inoltre, sono presenti utili indici che permettono di ricercare i movimenti per inizio testo, numero BWV, compositore della melodia e librettista.

Una nuova edizione altamente raccomandata di cui nessun armadio musicale dovrebbe fare a meno.

Johann Sebastian Bach: Sämtliche Choralsätze per coro misto a quattro voci, a cura di Thomas Daniel, partitura corale, ChB 5377, € 24,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Salome, Elektra, Zarathustra, Till Eulenspiegel ... Quando si pensa a Richard Strauss, probabilmente si associa il suo nome alle opere, ai poemi o alle sue canzoni. Ma una composizione originale con flauto dolce del 1883?

Le opere giovanili di Strauss sono ancora oggi in gran parte sconosciute. Nell'ultima pagina della partitura autografa di questa fantasia si trova un riferimento all'occasione della composizione: "O non lasciatemi sudare troppo a lungo, perché uno Strauss non è un piacere". La suddetta fantasia composta e scritta da Richard Strauss per fagotto e tromba incrociata è stata eseguita al Festival dell'Ordine del 1883 da Weschitz e [illeggibile]". L'ordine è quello conviviale di Monaco Harbni-Orden gegen den tierischen Ernst, per il quale Strauss aveva già scritto un lavoro occasionale l'anno precedente.

La strumentazione nella partitura autografa è costituita da fagotto, flauto a bocca (nella parte singola: flauto a bocca) e chitarra. Secondo le ricerche di Franz Trenner e Peter Thalheimer, Nikolaj Tarasov ha infine confermato che Strauss intendeva uno strumento a flauto dolce per flauto a bocca. Per la pratica odierna si consiglia un flauto dolce soprano in do. Sebbene la partitura sia etichettata come "Guitarre", Strauss l'ha annotata come parte pianistica su due pentagrammi, ma l'ha anche arrangiata per chitarra per la presente edizione.

Il Fantasia del compositore diciannovenne si basa sul famoso tema "Nel cor più non mi sento" dall'opera La Molinara di Giovanni Paisiello e si aggiunge a una dozzina di altre composizioni sullo stesso tema, ad esempio di Beethoven, Sor, Hummel e Paganini. Dopo una breve introduzione e la suddivisione del tema tra i due strumenti melodici, seguono una variazione per flauto dolce e fagotto e un finale virtuoso. La malizia compositiva di Strauss traspare, e non solo nell'improvviso tono canoro della parte del flauto. Con questa fantasia di quattro minuti, la scarsa letteratura originale per flauto dolce del XIX secolo è stata ampliata con un'opera allegra per una strumentazione estremamente attraente.

Richard Strauss: Fantasia su un tema di Giovanni Paisiello, per flauto dolce soprano, fagotto e chitarra (pianoforte), a cura di Peter Thalheimer, prima edizione, EW 1129, € 14,80, Edition Walhall, Magdeburg

Nel 2015, Paolo Crivellaro, professore di organo presso l'Università delle Arti di Berlino, ha pubblicato il libro La scuola organistica della Germania settentrionale (Carus), che offre una raccolta completa di fonti commentate sulla prassi esecutiva e sulla strumentazione di questo panorama organistico. Ora è in corso di pubblicazione un'opera analoga, incentrata sull'Ecole classique francese.

Dopo una prima panoramica sul repertorio, le fonti e il contesto liturgico della musica dall'inizio del XVII alla metà del XVIII secolo, viene descritto in dettaglio lo strumento specifico prima che i mélanges caratteristici della scuola francese vengano discussi sulla base di note di registrazione e illustrati con numerose citazioni ed esempi musicali. I capitoli sulla difficile questione dell'inégalité, del tempo, dell'ornamentazione e della diteggiatura completano la ricchezza di informazioni con quegli aspetti della prassi esecutiva storicamente informata che sono centrali in questa musica estremamente "codificata", che richiede una grande conoscenza di base. Crivellaro riesce a far luce su questi argomenti con una presentazione chiara, utilizzando fonti annotate disponibili nella formulazione originale e nella traduzione tedesca, e a riassumere lo stato attuale della ricerca; l'ampia bibliografia fornisce informazioni e riferimenti per letture approfondite. Brevi ritratti dei 25 compositori più importanti (da Eustache du Caurroy a Claude-Bénigne Balbastre) e delle loro opere completano il libro.

Poiché Crivellaro si astiene in larga misura dal "valutare" le fonti o dal dare consigli interpretativi specifici sulle singole opere, il suo manuale non esime il lettore dal familiarizzare con la musica sullo strumento, dal provare e dal "sentire" letteralmente la strada verso questo linguaggio tonale, ma pone ottime basi per un approccio stilisticamente adeguato a questo repertorio, che certamente farà scuola e sarà di grande utilità soprattutto per i lettori non francofoni - il libro è disponibile anche in una traduzione in inglese e in una in italiano.

Paolo Crivellaro: Organo e interpretazione - l'Ecole classique francese, 358 p., € 45,95, Blockwerk Editiones, 2021, ISBN 978-3-9821872-0-4

Louis François Dauprat (1781-1868) lavorò come suonatore di corno d'orchestra e insegnante di corno a Parigi e fu uno dei più importanti suonatori di corno naturale del suo tempo. Compose anche numerose opere, soprattutto a scopo di studio per i suoi allievi, tra cui sei concerti per corno e musica da camera per corno e ensemble di corni. Il suo Sestetto op. 10, in cui ognuno dei sei suonatori di corno suona in accordature diverse, cioè ognuno con un arco di accordatura diverso, è probabilmente di interesse per la storia della musica. La ricca collezione di musica per corno e musica da camera per fiati dell'Edition Kunzelmann ha ricevuto una gradita aggiunta con l'edizione della Sonata per corno e arpa op. 3, amorevolmente supervisionata da Simon Scheiwiller.

Louis François Dauprat : Sonata pour cor et harpe op.3, a cura di Simon Scheiwiller, GM-1962, Fr. 23.00, Edition Kunzelmann, Adliswil