Nemmeno per un solo bip di sintetizzatore sarebbe sorto il sospetto che all'inferno con l'eternità come tanti altri album degli ultimi mesi, è un'opera di chiusura telecomandata. Al contrario, i ritmi colpiscono le gambe come una freccia rossa e la voce laconica di lui stesso, il Re Pepe, non è meno laconica, malinconica e pigra di quella dei suoi lavori precedenti. L'album è stato registrato quasi interamente a distanza. "Quindi registrare le tracce e mandarle l'uno all'altro e rimandarle indietro, ecc.", scrive Simon Hari, la manifestazione carnale dell'eccentrica musa King Pepe, via e-mail. "In seguito, sarebbe stato possibile andare in studio insieme, ma abbiamo pensato che le registrazioni a distanza fossero fantastiche e abbiamo detto: Dai, finiamola così!". In precedenza, i processi avrebbero richiesto più tempo. "Di solito in studio dicevo: "Ehi, proviamo di nuovo questo ritornello in un modo diverso, così smielato, così liscio o altro". Qui il feedback veniva dato per e-mail o per telefono, e ci volevano altri dieci giorni prima di avere una nuova versione".

Ironia della sorte, Hari ha realizzato il suo ultimo album Karma OK L'album è stato assemblato interamente al computer e poi faticosamente "portato alla vita" con il co-produttore Rico Baumann. Questa volta, oltre a Baumann (batteria, tastiere), erano presenti anche Sibill Urweider (tastiere, voce), Jeremias Keller (basso, voce), Giulin Stäubli (batteria) e l'ingegnere del suono Sander Wartmann, sebbene nelle loro "rispettive case" (come recita la copertina disegnata dal figlio di nove anni di Hari). Hari stesso ha contribuito con chitarra, pianoforte, tromba e ottavino ai suoi testi spesso succinti in tedesco-bernese, costellati di ogni tipo di doppi e tripli sensi. "Ho trovato impressionante", racconta, "la facilità con cui la vita entra in gioco con la musica suonata in modo genuino. Si ottiene la vita completa gratuitamente. Attraverso tutti i Veler, le cose divertenti! È bellissimo! Anche se non è stato registrato nella stessa stanza!".

All'inferno l'eternità inizia con una hit di successo, ovvero la title track. Il synth ribolle e ronza quasi come negli anni Ottanta, le percussioni e la batteria galoppano come cavalli. Nel frattempo, Re Pepe si lamenta del suo destino da Tannhäuser: circondato da angeli etericamente danzanti che sorridono sempre stupidamente, siede in paradiso e si annoia mortalmente. La luce al neon abbaglia all'infinito e la musica angelica è esclusivamente in do maggiore. Con il suo groove psichedelico e variegato alla Giorgio Moroder, il sardonico Geit scho e che letteralmente grida per un maxi singolo di undici minuti "Extended Disco Mix". Ehi luna è un'ode nostalgica al corpo celeste malato: "Mier geits mängisch äänlich, nimm's bitte nid nid so schwär". Fingiguet è un inno minimalista al "sentirsi bene" in generale e al Stoubsuger una canzone d'amore cantata in modo sognante con un climax brillante. Giocoso, versatile, ironico, un po' eccentrico, ma anche profondamente serio - magnifico.

king pepe & the queens, to hell with eternity, Big Money Records

È raro poter visitare due festival in uno. Ma questa primavera non solo ha visto la 36esima edizione del Festival di musica antica di Zurigo Il motivo di questa strana numerazione è semplice. Due anni fa, il bellissimo programma "Tageszeiten - Jahreszeiten" si è perso nell'onda della prima corona. E poiché la musica antica non tende a prosperare sull'attualità del giorno, un programma del genere poteva facilmente essere rimandato a un secondo momento. Tuttavia, sarebbe stato anche un peccato lasciare semplicemente scomparire nell'oblio i passaggi musicali sapientemente messi insieme nel corso dell'anno e del giorno, soprattutto perché dietro c'era un grande lavoro concettuale.

Per avere un'idea della varietà del programma, bastano alcune parole chiave. Ad esempio, mentre la Fondazione Bach di San Gallo ci ha fatto ripercorrere l'anno ecclesiastico di Bach con estratti da varie cantate, Els Biesemans ha presentato il magnifico ciclo pianistico di Fanny Hensel sul fortepiano. L'anno. O i cicli di Christopher Simpson Le Monthes e Le quattro stagioni - eseguiti dal Cellini Consort e dai Sirius Viols - combinati con estratti dai diari di Samuel Pepy, rispettivamente del 1660-1664 e del 1665-1669, pronunciati da Aaron Hitz. È stato perfino coraggioso rispondere al successo di Vivaldi Quattro Stagioni nell'originale e utilizzare invece l'opzione Le Saisons amusantes L'adattamento di Nicolas Chédeville citato sopra. Sono dettagli come questi che dimostrano il valore di questo festival. Due anni fa, il 400° compleanno della compositrice e monaca Isabella Leonarda è stato sfruttato come occasione per sottolineare l'importante ruolo delle donne compositrici nella musica italiana del XVII secolo. Anche se questa ricorrenza è ormai caduta in prescrizione, l'interesse rimane giustificato e, soprattutto, vale ancora la pena di conoscere la musica di Isabella Leonarda.

Per un altro concerto, il rinvio si è rivelato un "colpo di fortuna". Per l'originale 32ª edizione, l'ancora giovane ensemble vocale di Basilea Voces Suaves il programma "Tempi del giorno e stagioni a Mantova". Ora, due anni dopo, il concerto coincide inaspettatamente con il decimo anniversario dell'ensemble. Due anni, si badi bene, in cui la carriera di Voces Suaves è davvero decollata nonostante la pandemia, come ci spiega al telefono il fondatore, il baritono Tobias Wicky. Anche il festival ha beneficiato di questa maggiore reputazione, come ha dimostrato il concerto tutto esaurito del 19 marzo all'Helferei di Zurigo. Ma ha anche mostrato da dove viene il successo.

A cominciare dal programma, che fa luce su un aspetto curioso della storia della musica. Due principati italiani politicamente insignificanti, la Mantova dei Gonzaga e la Ferrara dei d'Este, divennero centri musicali nel XVI secolo. Piccoli mondi che si irradiavano nel mondo più vasto. I membri dell'ensemble responsabili dei programmi, Dan Dunkelblum e Davide Benetti, hanno combinato madrigali dell'incomparabile Monteverdi con quelli dei suoi predecessori a Mantova: Giovanni Giacomo Gastoldi, Salomone Rossi e Giaches de Wert. L'alta considerazione dell'ensemble per la musica del fiammingo de Wert è particolarmente evidente e viene spiegata da Tobias Wicky, tra l'altro, con il fatto che è stato uno dei primi compositori di madrigali su cui Voces Suaves si è concentrata. Un motivo in più per dedicargli un intero CD, che uscirà in autunno.

L'ensemble è quindi caratterizzato da una certa lealtà che si dimostra anche musicalmente. La familiarità che si è sviluppata tra gli otto cantanti nei dieci anni di lavoro insieme era palpabile e udibile durante il concerto; le voci si sono amalgamate perfettamente, anche se due membri hanno dovuto essere sostituiti per malattia. L'ensemble si preoccupa di creare continuità anche con i sostituti e si affida a volti noti, soprattutto nel genere intimo del madrigale. Questa familiarità è la ragione di un'altra particolarità: le Voces Suaves lavorano senza un direttore musicale e sviluppano le loro interpretazioni su base quasi democratica. Un processo a volte snervante, ma che secondo Wicky ne vale la pena.

E funziona, anche perché la collaborazione con altri ensemble fornisce costantemente impulsi dall'esterno. La collaborazione con il Capricornus Consort Basel, ad esempio, ha dimostrato il suo valore. Anch'esso pesantemente rimaneggiato a causa di una malattia, sotto la guida di Peter Barczi ha fornito un accompagnamento congeniale ai vari madrigali e ha dimostrato l'energia della musica di questo periodo nelle sonate puramente strumentali. Tuttavia, Tobias Wicky definisce estremamente importante la collaborazione con i festival, senza la quale sarebbe impossibile per un ensemble come il suo realizzare progetti più ampi. Egli cita l'esempio dell'opera di Monteverdi Vespri marianiche sarà eseguito dalle Voces Suaves al 37° Festival Alte Musik Zürich il prossimo autunno.

L'album porta il caratteristico titolo continuarein altre parole, l'opposto di stare fermi, e questa è una buona cosa. La musica di Keller si è sviluppata continuamente nel corso degli anni. Gli otto brani mostrano diverse sfaccettature. In Affrettatevi ad aspettare Ad esempio, il virtuoso violinista (Egidius Streiff), supportato dal live electronics del compositore, entra in un processo di stop-and-go. Le energie si muovono in avanti e si fermano di nuovo. Forse questa è un'immagine appropriata (e sonoramente molto particolare) per la nostra epoca. Un altro lavoro centrale, un punto culminante di questo CD, ha un fascino simile: il sestetto stare fermi, salire, improvvisareche si sviluppa in modo sorprendente e logico e contiene forme di improvvisazione. Qui incontriamo nuovamente alcuni aspetti essenziali della musica di Keller, tra cui l'improvvisazione libera, rappresentata da un breve estratto di un concerto del WiM con il trombonista Günter Heinz. Max E. Keller è stato uno dei primi musicisti svizzeri di free jazz negli anni Sessanta e lo si poteva ascoltare, ad esempio, al Festival Jazz di Zurigo nel 1968.

Il CD contiene musica da camera, dal flauto solo al settetto. La compilation è completata da "schizzi autobiografici" in cui Keller racconta le fasi della sua vita. Questo rivela anche il Keller che manca nel nuovo CD: il compositore offensivamente politico. Nelle sue opere si è più volte esposto su temi sociali. Nel frattempo si è ritirato da questo? O non c'è forse una posizione critica nella scompostezza di certi momenti che rifiutano il bel suono? Ne è un esempio il duo Dialogo - Unità - Contrasto per flauto e chitarra, che tenta di creare un'interazione quasi musicale da pezzi fissi, ma ne esce ripetutamente. La musica di Keller nasce spesso da questi contrasti. Ha bisogno della controparte.

Max E. Keller: continua. Egidius Streiff, violino; Evgeniya Spalinger, flauto; Marisa Minder, chitarra, Ensemble via nova; Ensemble Horizonte, Ensemble Aventure a.o. Streiffzug SC2101

Se avesse una macchina del tempo, Dela Hüttner tornerebbe indietro agli anni Trenta e Quaranta. Innanzitutto per vivere dal vivo il periodo d'oro dello swing, come ha rivelato la cantante in un'intervista. Questa passione per il genere si riflette anche nel nome della sua band: SwingThing. Nel suo album rami il quintetto di Baden e Zurigo si concentra non da ultimo sul dialogo tra la voce elastica di Hüttner, il clarinetto sfaccettato di Adrian Mira e il pianoforte di Thomas Goralski.

Sebbene lo swing sia il punto di riferimento e di partenza del gruppo, essi sono fin troppo felici di spaziare in altre varianti del jazz, nel klezmer o persino nel folk, e lo fanno con brio. Gli SwingThing preferiscono muoversi come api: a volte assaporano la chanson, a volte il jazz balladico. E nel mezzo, assaporano persino le influenze di grandi della letteratura come Emily Dickinson o Paul Verlaine.

La canzone del repertorio di Josephine Baker Mayari inizia con un suono lascivo da cabaret, ma presto passa a voci francesi con un accento spesso applicato e poco dopo spruzza un assolo di chitarra blues. Nel frattempo Non sono nessuno al Duke Ellington Trascinamento delle cinque serve, Dela Hüttner Amore tranquillo inizialmente come canzone della buonanotte, per poi trasformarsi sempre più in una malinconica serenata.

I dieci brani in totale sono come uno sguardo continuo in un caleidoscopio: una leggera rotazione e il risultato è un cambiamento. Gli SwingThing non solo riescono a portare la loro musica in un flusso naturale, ma anche a portarla avanti e a svilupparla ulteriormente. Il risultato è un disco visibilmente accattivante. Rami convince meno con mezzi offensivi e invece con arrangiamenti sofisticati, groove sottili e una musicalità che è intrisa di potenza e calore allo stesso tempo.

Swing Thing: Branches. Dela Hüttner, voce; Adrian Mira, clarinetto; Mischa Frey, contrabbasso; Samir Böhringer, batteria; Thomas Goralski, hammond/piano; Mario Mauz, chitarra. Nave dei folli NAR 2020152

Il Festival delle Arti, che si tiene ogni anno dal 1923, è un evento di grande importanza. Società internazionale di musica contemporaneache Giornate mondiali della nuova musica ISCMsi svolgeranno ad Auckland e Christchurch (Nuova Zelanda) dal 23 al 30 agosto 2022. Sono stati rinviati dal 2020 al 2022 a causa della pandemia di Covid. Il Giornate mondiali della nuova musica ISCM 2022 Si sovrapporrà al festival ACL dell'Asian Composers League, che si terrà dal 28 agosto al 2 settembre. Gli organizzatori locali del doppio festival, la Composers Association of New Zealand (CANZ) e l'ACL, terranno il festival del 2022 nelle stesse sedi, mantenendo in gran parte il programma del 2020. La Svizzera parteciperà con l'opera Guarda i lumi sarà rappresentato da Esther Flückiger alle Giornate Mondiali della Nuova Musica dell'ISCM.

Il Giornate mondiali della nuova musica ISCM a Shanghai e Nanning, rinviati dal 2021 al marzo 2022 a causa della corona, sono stati nuovamente cancellati a causa della pandemia di Covid - la città di Shanghai è attualmente in lockdown - o rinviati a nuovo avviso. Secondo l'ISCM, i dettagli sulla data di rinvio saranno annunciati in seguito. In occasione delle Giornate Mondiali della Nuova Musica dell'ISCM a Shanghai e Nanning, la composizione elettroacustica Corpo in vetro programmato da Karin Wetzel.
 

Il ISCM sfida la pandemia di corona. A causa della mancanza di opportunità di esibizione in concerto, ha lanciato la Serie di collaborazioni virtuali ISCMdove due volte alla settimana vengono presentate online opere di compositori di tutte le sezioni dell'ISCM.

L'obiettivo del progetto è quello di promuovere la presenza e la copertura online della musica contemporanea attraverso i social media, creando ponti tra i diversi tipi di musica contemporanea che vengono composti ed eseguiti in diverse regioni del mondo. Le opere saranno documentate con registrazioni e biografie dettagliate e promosse sulle pagine e sui canali social media dell'ISCM e delle sue sezioni nazionali e locali.

A causa della situazione attuale, queste settimane si concentreranno su opere di compositori ucraini, tra cui Oleksandr Kozarenko, la recentemente scomparsa Hanna Havrylets, Olexiy Voytenko, Alla Zagaykevych, Ivan Ostapovych e Julia Gomelskaya.

Dal lancio del programma sono state presentate 126 composizioni. Dalla selezione svizzera di oltre 40 opere proposte, la giuria dell'ISCM ha finora incluso 9 opere di compositori svizzeri nella selezione dell'ISCM Virtual Collaborative Series. Si tratta di (in ordine alfabetico):

Heidi Baader-Nobs – Evasione
Arturo Corrales – Flusso
Aglaia Graf – Nascita degli dei
Klaus Huber – Tenebrae
Sachie Kobayashi – I cieux roulent des yeux
Hanspeter Kyburz – Cellule
Ulrike Mayer-Spohn – fKFW
Abril Padilla – Grimja
Karin Wetzel – Corpo in vetro

L'intera selezione della serie di collaborazioni virtuali dell'ISCM è disponibile ai seguenti link:
https://iscm.org/iscm-activities/collaborative-events/iscm-virtual-collaborative-series-2020/
https://www.facebook.com/media/set?vanity=ISCMSwitzerlandOFFICIAL&set=a.2741059042811093
https://www.facebook.com/international.society.for.contemporary.music

La selezione di opere svizzere per la Virtual Collaborative Series dell'ISCM in occasione delle Giornate Mondiali della Musica è organizzata dalla Sezione svizzera dell'ISCM (Società Svizzera di Musica Contemporanea / ISCM Svizzera) responsabile. David Rossel, Antoine Fachard, Arturo Corrales e Javier Hagen (Presidente) fanno attualmente parte del Consiglio di amministrazione.
 

Immagine: ISCM

Attuale partecipazione svizzera alla selezione della serie virtuale collaborativa ISCM (da sinistra a destra e dall'alto in basso): Heidi Baader-Nobs, Aglaia Graf, Abril Padilla, Klaus Huber, Hanspeter Kyburz, Ulrike Mayer-Spohn, Arturo Corrales, Sachie Kobayashi, Karin Wetzel

Beat Fehlmann è nato ad Aarau nel 1974, vive in parte a Basilea e ha assunto la direzione della Staatsphilharmonie nel settembre 2018 dopo aver lavorato, tra l'altro, nei Grigioni e a Costanza.

Secondo la giuria, Beat Fehlmann ha trasformato l'orchestra di Ludwigshafen in un centro di innovazione, puntando su una maggiore diversità, affrontando il tema "musica e salute", trasmettendo in diretta streaming con la tecnologia delle telecamere a 360 gradi e, soprattutto, attirando nuovo pubblico.

Dal 1979 il DOV assegna ogni tre anni il suo premio per la cultura a persone che hanno reso servizi eccezionali alle orchestre e ai complessi radiofonici. Tra i premiati figurano il Ministro della Cultura della NRW Isabel Pfeiffer-Poensgen, il direttore del Gewandhaus Kurt Masur e Lothar Späth, allora Ministro Presidente del Baden-Württemberg.

Nato nel 2002, Joël Geniet ha studiato con lode al Conservatoire Régional de Montpellier fino al 2017. Nel 2019 è stato ammesso al programma di bachelor nella classe di Antonio Meneses presso la Bern University of the Arts.

La Jeunesses Musicales Belgrade è stata fondata nel 1954 e dal 1962 è membro della Jeunesses Musicales International - JMI, con sede a Bruxelles. Dal 1974 è membro della World Federation of International Music Competitions - WFIMC, con sede a Ginevra. Organizzano un concorso annuale per diversi strumenti.

Il discorso elogiativo rende onore a Tina Turner per il "lavoro musicale e artistico unico della sua vita". La Turner si è affermata con successo come donna in un campo precedentemente dominato dagli uomini, superando con il suo lavoro artistico confini e stereotipi consolidati e toccando molte persone con la sua autenticità e il suo carisma artistico. Secondo il discorso elogiativo, la Turner ha mostrato con la sua arte una via d'uscita esemplare da molteplici circostanze discriminatorie ed è quindi un modello di riferimento per tutte le generazioni, le classi sociali e gli ambienti educativi.

Dal 1960 al 1976 Tina Turner ha fatto parte del duo Ike e Tina Turner, che ha avuto un impatto duraturo sulla storia del rock. Dall'inizio degli anni '80 ha intrapreso una carriera solista di successo internazionale come cantante e successivamente anche come attrice.

Si tratta di un aumento del 18,5% rispetto all'anno precedente, come ha annunciato a Londra la Federazione Internazionale dell'Industria Musicale IFPI, l'organizzazione ombrello dell'Associazione dell'Industria Musicale Tedesca (BVMI), in occasione della pubblicazione dell'annuale Global Music Report.

Le entrate derivanti dagli abbonamenti a pagamento per lo streaming, che sono aumentate del 21,9% fino a 12,3 miliardi di dollari, hanno svolto un ruolo significativo in questo sviluppo. Alla fine del 2021, gli abbonamenti a pagamento erano in totale 523 milioni. Lo streaming nel suo complesso, ovvero l'accesso a pagamento e quello finanziato dalla pubblicità, è cresciuto del 24,3%, raggiungendo i 16,9 miliardi di dollari, che corrispondono al 65% dei ricavi globali del settore.

Tuttavia, anche la crescita dei formati fisici (+16,1%) e dei diritti di esecuzione (+4%) ha contribuito a questo sviluppo. La Germania rimane al quarto posto nella classifica dei mercati musicali globali dopo Stati Uniti, Giappone e Regno Unito.

Oggi le scuole di musica sono frequentate principalmente da bambini (47%) e giovani (29%). Al contrario, gli insegnanti di musica autonomi insegnano principalmente a persone di età superiore ai 20 anni (63%). Gli adulti costituiscono il gruppo più numeroso anche nelle orchestre (di fiati) (71%) e nei cori (70%). In questi ultimi, colpisce l'alta percentuale di anziani (30%).

Secondo lo studio, i programmi di apprendimento musicale sono finanziati principalmente dalle quote di iscrizione ai corsi e dalle quote associative degli studenti (in media il 42%) e dai contributi annuali del settore pubblico (in media il 27%).

Oltre a questo tipo di finanziamento, il settore è caratterizzato dalla sua natura su piccola scala e da un'alta percentuale di lavori multipli a tempo parziale. Ad esempio, due quinti dei partecipanti all'indagine lavorano sia come insegnanti di musica presso una scuola di musica sia come liberi professionisti della musica. Il 72% delle scuole di musica dichiara di lavorare a stretto contatto con una scuola primaria.

Per saperne di più:
https://www.hslu.ch/de-ch/hochschule-luzern/ueber-uns/medien/medienmitteilungen/2022/03/18/studie-musiklernen-schweiz/

L'artista russo-francese Ivan Wyschnegradsky (1893-1979) è considerato un pioniere del microtono. Per due giorni alla Dampfzentrale di Berna, Susanne Huber e André Thomet contrapporranno le sue opere a composizioni in prima assoluta commissionate alle tre giovani compositrici Anda Kryeziu, Eleni Ralli ed Elnaz Seyedi, nonché a composizioni di Georg Friedrich Haas, Edu Haubensak, Bruce Mather e Pascale Criton. I quattro concerti saranno integrati da dibattiti in cui anche i testimoni contemporanei potranno dire la loro. Barbara Barthelmes e Roman Brotbeck interverranno e modereranno, mentre lo scrittore americano Paul Auster, che per primo riconobbe Wyschnegradsky in La stanza chiusa a chiave viene portato direttamente da New York per un notturno.

Il Giornate svizzere del jazz è un nuovo evento di networking e di scena che, secondo il programma, si concentra su temi attuali dell'industria musicale nazionale e internazionale. L'evento di due giorni, che si è svolto per la prima volta a Berna alla fine di febbraio, è servito anche a "sviluppare insieme idee e strategie per affrontare sfide comuni".

Gli Swiss Jazz Days sono stati avviati in particolare da Simon Petermann e Christoph Jenny. "Ho avuto il momento 'aha' nel 2015, quando alla fiera Jazzahead di Brema ho capito cosa mi mancava in Svizzera: la sensazione di essere parte di una scena", ricorda Petermann. Il direttore musicale dell'Orchestra Fischermanns e programmatore di Radio RaBe ha quindi deciso di sviluppare un evento "dalla scena jazz per la scena jazz" insieme al suo partner Christoph Jenny nel 2020. È apparso subito evidente che un evento del genere non solo avrebbe riscosso un vivo interesse, ma avrebbe anche potuto essere finanziato.

Il 1° Swiss Jazz Days non ha offerto solo workshop come "Social Media & Digital Communication" e "Media Promotion for Musicians", ma anche concerti e tavole rotonde, ad esempio sul tema dell'imprenditorialità nel jazz o sulle "Opportunità di una campagna ombrello nel jazz svizzero". Secondo la moderatrice Milena Krstic, il panel "Strategie di promozione sostenibile" si è concentrato sugli aspetti ecologici. Lea Heimann, responsabile delle prenotazioni, della raccolta fondi e della mediazione presso il jazz club bernese Bee-Flat, ha spiegato che in realtà tutti sono ancora in fase di apprendimento a questo proposito. Il responsabile di Popkredit Zurigo, Niklaus Riegg, ha invece sottolineato: "Ho un rapporto contrastante con il cosiddetto green booking". Sebbene sia assolutamente giusto che i festival si sforzino di diventare sempre più "verdi", la responsabilità di questo non dovrebbe essere delegata ai musicisti.

La presentatrice Krstic, lei stessa musicista, ha parlato dei suoi sforzi per viaggiare in aereo il meno possibile, sia a livello privato che professionale. Ha sottolineato: "Se si vuole davvero avere successo come musicista, è quasi impossibile evitare di viaggiare molto". Un'affermazione che Riegg ha completato con la constatazione che la scena jazz locale offre ai suoi protagonisti troppe poche opportunità di esibizione: "Come musicista jazz svizzero, sei più o meno costretto a fare tournée all'estero". Sebbene viaggiare in treno all'interno dell'Europa sia una buona alternativa all'aereo, le distanze da percorrere non devono essere sottovalutate, come dimostra un esempio citato da Lea Herrmann: al momento di prenotare un concerto, ha chiesto agli artisti di viaggiare in treno. Di conseguenza, i musicisti siciliani hanno viaggiato per 21 ore e sul palco erano esausti. Per motivi di recupero sarebbe stato opportuno un viaggio anticipato, con un ulteriore pernottamento, ma non c'era un budget per questo.

I relatori hanno concordato sulla necessità di un migliore coordinamento tra i club svizzeri che organizzano gli eventi. Questo potrebbe talvolta impedire alle formazioni di esibirsi oggi a Madrid, domani a Basilea e dopodomani a Barcellona, ad esempio. "Abbiamo bisogno di più collaborazione e meno competizione", ha detto Niklaus Riegg. Dal pubblico è intervenuta anche Carine Zuber, direttrice del jazz club Moods di Zurigo fino allo scorso autunno. Ha riferito dei colloqui con le FFS su un possibile pass Interrail per gli artisti. Sviluppi che indicano che l'argomento sta diventando sempre più rilevante per l'industria musicale.

E come riassume Simon Petermann il 1° Swiss Jazz Days? "È stato un inizio di successo e, grazie al feedback positivo che abbiamo ricevuto, ci sentiamo incoraggiati a organizzare l'evento ogni anno in futuro". Secondo Petermann, sarebbe auspicabile che in futuro l'evento attirasse un maggior numero di organizzatori e di rappresentanti della promozione culturale, delle fondazioni e delle etichette. Questa volta, i circa 130 partecipanti erano soprattutto musicisti. Il che significa che il primo obiettivo è già stato raggiunto: riunire i musicisti di jazz.

"Siamo molto aperti su come gli Swiss Jazz Days debbano continuare", afferma Petermann. Per sentire ancora meglio il polso della scena jazzistica in futuro, lui e Christoph Jenny si sono posti l'obiettivo fisso di non organizzare l'evento esclusivamente nella città federale. Questo passo dovrebbe contribuire a contrastare nel miglior modo possibile la frammentazione della scena jazz. Una cosa sta particolarmente a cuore a Petermann: "La collaborazione con altre scene è molto importante per noi; non ci chiudiamo al pop o al rock".

Karin Mairitsch succede a Thomas D. Meier, che ricopre la carica dal 2009 e si dimetterà alla fine di settembre. Ha studiato pittura all'Accademia di Belle Arti di Vienna. Ha conseguito il dottorato presso l'Università di Arte e Design di Linz sul tema dello sviluppo dei programmi di studio e degli obiettivi della politica educativa.

Dal 2003 al 2018 ha ricoperto diverse posizioni dirigenziali presso università, tra cui la Lucerne University of Applied Sciences and Arts, la Salzburg University of Applied Sciences e la Zurich University of Applied Sciences.

Lavora anche come artista, curatrice, docente e autrice freelance. Karin Mairitsch è attualmente a capo della società Kultur123 della città di Rüsselsheim, con i suoi dipartimenti Cultura e Teatro, Centro di Educazione per Adulti, Scuola di Musica e Biblioteca Pubblica. 

Con circa 2100 studenti di Bachelor e Master, l'Università delle Arti di Zurigo è una delle principali accademie d'arte in Europa. Il programma di studio e ricerca copre i campi dell'educazione artistica, del design, del cinema, delle belle arti, della musica, della danza, del teatro e della transdisciplinarità.

La ZHdK sta attualmente convertendo il suo programma di studi al modello major-minor. Dall'autunno 2023/24, la ZHdK sarà la prima accademia d'arte in Europa a consentire ai suoi studenti di combinare corsi di diverse discipline nei loro studi.

Il direttore del coro Roger Widmer ha lasciato sfumare le ultime note per un tempo quasi stuzzicante, abbassando solo lentamente le mani, una dopo l'altra, per imporre il silenzio. O meglio, ha impedito che i meritati applausi cancellassero immediatamente la profonda impressione che l'opera di Bohuslav Martinů ha suscitato. Fiera sul campo alla fine di un programma coraggioso e purtroppo incredibilmente attuale.

Il programma è stato coraggioso in più di un senso. I brani che il Coro maschile di Zurigo e la Stadtharmonie Oerlikon-Seebach hanno affrontato non erano facili. Sebbene non siano tra le composizioni tecnicamente più avanzate del trentennio musicalmente turbolento tra il 1914 e il 1943, il tempestoso sviluppo del linguaggio musicale dell'epoca è comunque palpabile in essi. Le frequenti dissonanze, in particolare, che possono certamente essere associate al dolore nel contesto del tema comune, hanno posto il coro di fronte a una serie di sfide. Ciò era chiaramente riconoscibile nel brano di Kurt Weill Requiem di Berlino del 1928 su testi di Bertolt Brecht. Tuttavia, nonostante alcune incertezze, il coro e l'ensemble sono riusciti a presentare l'atto d'accusa contro i guerrafondai, come potrebbe essere riassunto il lavoro, in modo potente.

I due solisti Matthias Aeberhard e Robert Koller, subentrati con breve preavviso al posto di Marc Olivier Oetterli, hanno naturalmente fatto la loro parte. Il tenore Aeberhard, in particolare, ha conferito alla cinica ballata Marterl quella mellifluità vocale che, in combinazione con il laconico resoconto delle atrocità commesse, ha dato al brano il suo effetto repulsivo.

Il Requiem di Berlino è un'opera che usa la drasticità linguistica e musicale per scuotere le cose, per fare la differenza. Nonostante i mezzi compositivi forse diversi, non era sola in questo concerto, anzi. Tutte le opere hanno raccontato la devastazione causata dalla violenza e hanno quindi presentato al pubblico sfide da non sottovalutare. Non c'è stato il sole dopo la pioggia, non c'è stata la tempesta invernale che ha lasciato il posto a una luna allegra. Tuttavia, il programma, sapientemente messo insieme, non vi ha lasciato disperare nell'oscurità, ma vi ha concesso almeno qualche raggio di speranza.

Il brano di Gustav Holst cantato all'inizio del programma A Dirge for Two Veterans (Una nenia per due veterani) tra il lutto e lo sfarzo di una processione solenne. L'opera, composta nel 1914, riflette quindi con precisione il misto di ingenuo entusiasmo per la guerra e di giustificato timore che prevaleva all'inizio del primo conflitto mondiale. E la composizione di Benjamin Britten del 1943 Ballata del piccolo Musgrave e di Lady Barnard si conclude dopo l'omicidio della moglie e dell'amante da parte di Lord Barnard non con suoni di orrore, ma con i toni leggeri della presa di coscienza del lord, il cui battito rasserenante gli permette di rendersi conto di aver commesso un'ingiustizia. Solo Samuel Barber's A Stopwatch and an Ordnance Map, 1940) rimane in silenzio, in un dolore infinito per la perdita del compagno.

Anche la data del concerto, il 12 marzo alla Tonhalle di Zurigo, è stata coraggiosa. Soprattutto per i cori, programmare esibizioni è ancora un'attività rischiosa, nonostante l'allentamento delle misure contro il coronavirus. E quando è stata fissata la data, i segnali di apertura non erano ancora chiari. All'epoca era ancora più difficile immaginare quanto il tema bellico di questo programma sarebbe stato vicino a noi. Quello che forse era stato programmato come uno sguardo indietro a tempi difficili, come un'indicazione che ci sono cose peggiori delle misure contro il coronavirus, è diventato improvvisamente un commento sugli eventi del presente, a 1500 chilometri da Zurigo.

È una cosa maledetta: si spera sempre che un concerto sia qualcosa di più della semplice riproduzione di suoni. Che in qualche modo si crei un ponte tra la musica e la nostra vita. E quando succede, non si vuole essere felici. Almeno in questa serata, con questo argomento. Ma alla fine, fortunatamente, la musica ha avuto l'ultima parola.

Da un lato, perché Martin Fiera sul campo è un'opera che va ascoltata. Senza freni nella rabbia e forte anche quando guarda indietro con malinconia. Un furore che culmina nella domanda accusatoria "O Signore, stai dormendo?" e che tuttavia trova poi una confortante fiducia.

In secondo luogo, perché tutti i partecipanti erano al massimo della forma. Il coro irradiava quella sicurezza che a volte mancava nell'opera di Weill, l'ensemble sotto la guida tonale di Andreas Gohl-Alvera al pianoforte e di Mark Richli all'armonium ha commentato con attenzione e acutezza. Il baritono Robert Koller ha dimostrato non solo di saper cantare, ma anche di possedere uno spiccato talento recitativo. Il pubblico, visibilmente commosso, non avrebbe probabilmente avuto bisogno dell'abile ritardatore di applausi di Roger Widmer, ma avrebbe dovuto fare un respiro profondo prima di applaudire.