Mai come oggi tradurre è stato così facile: i programmi basati sull’intelligenza artificiale forniscono in pochi secondi risultati per qualsiasi lingua e sembrano così rendere possibile una comunicazione universale. Già Paul Ricoeur, tuttavia, sottolinea che la traduzione perfetta è un’illusione e invoca un’ospitalità linguistica tra la propria lingua e quella straniera. Si tratta di un’idea particolarmente interessante proprio per la musica e la sua didattica, dove si aggiungono forme di conoscenza incorporate e non verbali. Questo concetto ha dato il tono al convegno di ricerca sulla pedagogia musicale, tenutosi l’8 e il 9 maggio a Muttenz. Due contributi illustrano, a titolo esemplificativo, come la ricerca possa mettere in luce i servizi di traduzione e fornirli direttamente.

Convinzioni collettive

In che modo la ricerca può rendere consapevoli le conoscenze implicite e renderle così disponibili per la riflessione? Nell’ambito di un progetto finanziato dal Fondo Nazionale Svizzero sull’insegnamento della musica nelle scuole superiori, è stato adottato un approccio di ricerca basato su discussioni di gruppo, analizzate con l’ausilio del Metodo Documentario sviluppato da Ralf Bohnsack. In questo modo, David Lichtsteiner è riuscito a individuare nella sua analisi orientamenti condivisi da parte dei docenti che guidano la loro azione. Tra questi figuravano l’importanza centrale delle esperienze collettive come percorso e obiettivo, le esibizioni come fulcro dell’insegnamento, l’effetto positivo dell’insegnamento della musica, dato per scontato senza riserve, nonché il rammarico per la mancanza di preparazione nella scuola primaria. A complemento di ciò, Christoph Marty ha seguito un approccio etnografico. Attraverso l’osservazione partecipante alle lezioni, ha indagato in che modo la pratica musicale scolastica nei licei venga costruita congiuntamente da tutti i soggetti coinvolti e quali modalità di soggettivazione ciò comporti. Ha delineato un campo di tensione tra la norma pedagogica dell’individualizzazione e la pratica musicale collettiva, evidenziando come i relativi soggetti vengano generati attraverso un’interazione reciproca.

Le traduzioni nella costruzione dell'identità

Nel loro simposio, Anne Günster e Sabine Mommartz hanno approfondito la questione di come le esperienze biografiche degli studenti di pedagogia musicale possano assumere rilevanza per la loro futura attività didattica. Sulla base dei dati raccolti, le due relatrici hanno illustrato come, nelle interviste biografiche, le prese di posizione si concretizzino come forme di problematizzazione di determinati argomenti, dando così origine a significati specifici. Ciò è stato illustrato, tra l’altro, sulla base di un esempio empirico in cui una studentessa intervistata ha assunto diverse posizioni riguardo al tema della «pratica». Partendo dalla propria esperienza biografica, si è inizialmente calata nei panni di lei studentessa era e ha raccontato di essersi esercitata poco. Successivamente ha assunto il punto di vista della futura insegnante di strumenti musicali e ha descritto la pratica come elemento essenziale dello sviluppo musicale e strumentale. L’esempio illustra come la riflessione e la trasposizione delle proprie esperienze biografiche nel futuro ruolo di insegnante di musica possano diventare una componente fondamentale della formazione dell’identità professionale.

Un lavoro minuzioso che richiede pazienza

La comprensione, sia essa di natura collettiva o biografica, non avviene semplicemente premendo un pulsante, ma, come dimostrano gli esempi, deve essere ricostruita continuamente attraverso un paziente lavoro minuzioso negoziato . Questo approccio ha costituito il filo conduttore del convegno, nel corso del quale il tema della traduzione si è rivelato applicabile a diversi ambiti della pedagogia musicale, a diverse prospettive di ricerca e a diversi fondamenti teorici, favorendo una cultura del dibattito aperta.

«Sulla traduzione – la didattica musicale nel discorso e nella pratica»: convegno di ricerca sulla pedagogia musicale e convegno conclusivo del progetto FNS «L’insegnamento della musica nelle scuole superiori come specchio di una didattica basata sulla pratica», l’8 e il 9 maggio 2026.

• • • • Organizzazione: Sarah Allenspach (Università delle Arti di Zurigo), Olivier Blanchard (Università di Scienze della Formazione di Lucerna), Andrea Ferretti (Università delle Arti di Berna), Jürg Huber (Università di Lucerna – Musica), Sabine Mommartz (Università di Scienze della Formazione FHNW)
      • Campus FHNW di Muttenz, 8 e 9 maggio 2026
      • Convegno: https://www.fhnw.ch/de/ph/aktuelles/veranstaltungen/alle/3-musikpaedagogische-forschungstagung
        Progetto SNF: https://data.snf.ch/grants/grant/215658

La stragrande maggioranza degli allievi delle scuole di musica svizzere è in età di scuola primaria. I bambini scelgono uno strumento durante le giornate di assaggio o negli eventi informativi in collaborazione con la scuola elementare, e per diversi anni frequentano le lezioni individuali. Molti suonano poi anche in ensemble, partecipano a un coro, a un’orchestra o a una banda e salgono insieme sul palco. Qual è il momento ottimale per iniziare a frequentare la scuola di musica?

"Fondamentalmente, non c'è un'età specifica, perché l'udito si forma già nell'embrione", afferma Philippe Régana, direttore del Conservatoire populaire di Ginevra, dove i futuri genitori possono frequentare corsi di canto prenatale. Per quanto riguarda l'inizio delle lezioni di musica, sta notando un forte cambiamento. "Sempre più bambini tra i 5 e i 6 anni vogliono imparare uno strumento – questo è reso possibile anche grazie a strumenti appositamente adattati", continua. Molte scuole di musica e docenti di musica specializzati permettono ai bambini della scuola dell’infanzia di frequentare le lezioni del loro strumento preferito in modo giocoso.

Il clarinetto Tiger facilita l'approccio iniziale (Foto: Daniela Engel)

DIl clarinetto Tiger come strumento per principianti

Lo conferma anche Daniela Engel, che ha introdotto le lezioni sul cosiddetto clarinetto tigre alla Scuola di musica di Uster. "Le distanze tra i tasti del Clarinetto sono ancora troppo grandi per un bambino di cinque anni," dice, "ma il problema si risolve con il clarinetto tigre, dotato di un bocchino per clarinetto ma con soli tre tasti." Le lezioni si svolgono in piccoli gruppi accompagnati dai genitori. "Si tratta di accogliere presto i bambini e di accompagnarli musicalmente," dice Daniela Engel, "Le lezioni seguono uno stile più olistico, che si concentra sulla musica e non solo sullo strumento."

Lezioni di Suzuki: imparare a suonare il violino fin da piccoli

L’insegnamento precoce del violino secondo il metodo Suzuki è noto già da tempo.

Doris Estermann le offre nelle scuole di musica di Stans e Alpnach. All'inizio gli allievi ricevono un violino di cartone con cui possono abituarsi allo strumento ed esercitarsi con l'arco senza che i genitori debbano preoccuparsi che possano rompere uno strumento prezioso. Il passaggio a un violino "vero" è quindi un evento ancora più bello e una conferma per il bambino di quanto abbia già imparato.

Come si tiene un violino? Esercitarsi con il violino di cartone (Foto: Doris Estermann)

Lezioni di gruppo come comunità

L'idea di base del metodo Suzuki è quella di favorire la pratica musicale in gruppo sin dalla tenera età: i bambini seguono ogni settimana una lezione individuale e una di gruppo e possono entrare a far parte dell'orchestra dei principianti già da piccoli. Questo approccio viene portato avanti alla Scuola di musica di Stans per tutto il percorso scolastico, in modo che gli allievi si conoscano bene tra loro, si creino amicizie e si possa mantenere uno stretto contatto anche con i genitori. Questo aspetto è tanto più importante quanto più piccoli sono i bambini: proprio nei corsi per i più piccoli è gradita la presenza dei genitori. „Dico sempre: i genitori sono i miei assistenti»", afferma Doris Estermann. Senza il sostegno dei genitori non si può fare. È importante creare un ambiente favorevole, integrare lo strumento nella routine quotidiana e valorizzare il fatto che il bambino suoni.

Conoscere il bambino durante il colloquio iniziale

In alcune scuole di musica, è consuetudine che i futuri allievi e i loro genitori vengano invitati a un colloquio introduttivo, come succede al Conservatorio di Berna. Una pratica che permette di conoscere il bambino, di capire dove si colloca e di sostenerlo nel suo percorso musicale. "Ogni bambino è diverso," dice Saara Vainio, membro della direzione scolastica, "Nel colloquio introduttivo scopriamo se è già il momento di lezioni individuali oppure se c’è ancora bisogno di un po' di tempo – e possiamo assegnare il bambino a un insegnante in grado di occuparsene in maniera adeguata." Non è l’età ad essere determinante ma piuttosto la situazione individuale e anche i desideri del bambino.

Vantaggi e svantaggi

Se gli allievi di musica iniziano a suonare lo strumento prima, significa forse che smetteranno prima? Su questo punto le opinioni divergono. Philippe Régana, di Ginevra, vede un possibile rischio nel fatto che i bambini, dopo quattro o cinque anni, mettano da parte lo strumento per dedicarsi a un altro hobby. Doris Estermann la vede al contrario: „Chi inizia presto smette meno rapidamente, perché lo strumento diventa fin da subito parte della quotidianità e fa parte della vita“. Entrambi concordano sul fatto che la pubertà sia una fase critica, in cui molti allievi di musica interrompono le lezioni. Philippe Régana sottolinea quanto sia importante alleviare la pressione a questa età. „Gli insegnanti devono accettare che gli allievi per qualche anno non facciano granché con lo strumento e assicurarsi che il contatto e il piacere di suonarlo rimangano.“ Anche Saara Vainio sottolinea quanto sia fondamentale il rapporto in questa fase. „È importante che l’insegnante dica: capisco la tua situazione, ti accompagno in questo percorso.»", ha detto Saara. „Spesso è semplicemente lo stress a impedirle di esercitarsi, e non certo la mancanza di interesse.»."

Il piacere della musica

Alla fine, Philippe Régana sottolinea che l'età è comunque secondaria: "Non importa se fai musica - ma come. Un corso severo non adattato al bambino non funziona, sia che abbia quattro, cinque, sei o sette anni." Oppure, come dice Doris Estermann di Sarnen: "Se ami la musica e riesci a far scoccare la scintilla, l’effetto può essere davvero grande.""

I 3 strumenti più popolari: il violino (Foto: Gabi Pavanello)

Da molti anni il violino è uno degli strumenti più apprezzati nelle scuole di musica. Perché? Cosa ne pensi?

Penso che uno dei motivi sia la possibilità di suonare in un ensemble o in un’orchestra. Non ci si limita a suonare nella propria stanzetta, ma si può stare insieme ad amici e amiche, diventare parte di una grande orchestra e magari anche esibirsi in una grande sala.

Quanto tempo ci vuole prima che un bambino possa suonare in un'orchestra?

Al Conservatorio abbiamo sviluppato, parallelamente alle lezioni individuali, un progetto orchestrale affinché i bambini possano iniziare fin da piccoli. Questi corsi orchestrali sono gratuiti, ovvero sono offerti dalla scuola e non comportano alcun costo aggiuntivo per le famiglie, il che naturalmente ne facilita la frequenza. Offriamo anche lezioni di gruppo, in cui i bambini si cimentano nel suonare insieme, inizialmente all’unisono, poi a due voci e così via.

Come mai hai deciso di dedicarti al violino?

Non me lo ricordo più con esattezza. Il suono mi piaceva molto. Non è stato proprio facile, perché i miei genitori provengono da una famiglia di avvocati da generazioni e davano per scontato che la loro figlia avrebbe intrapreso un percorso di studi serio – suonare il violino non era una cosa così seria (ride).

La cosa divertente è che, qualche anno dopo aver iniziato a dare lezioni, mio zio mi ha chiamato dicendomi che aveva trovato un violino nell’armadio di casa di mia nonna e mi ha chiesto se lo volessi. Uno strumento fantastico. Ho studiato a Milano e poi ho iniziato a insegnare a Lugano, cosa che mi è piaciuta molto. Era un ambiente che mi permetteva di continuare a imparare oltre al lavoro.

Secondo te, qual è l'età ideale per iniziare a suonare il violino?

A mio parere non esiste un’età ideale. Quando si lavora con bambini molto piccoli, il sostegno dei genitori è fondamentale: devono ricordare al bambino di esercitarsi e accompagnarlo in questo percorso. In linea di massima, un bambino può iniziare già a tre o quattro anni; l’ho sperimentato io stessa. Quando inizio a lavorare con un bambino di otto anni, le lezioni e l’approccio cambiano completamente. Il sostegno della famiglia è ancora importante, ma è fondamentale lasciare che il bambino acquisisca gradualmente autonomia. I genitori possono assicurarsi che abbia un buon angolino per esercitarsi, dove il violino sia sempre a portata di mano.

Anche con gli adulti le lezioni sono diverse. Uno dei miei primi allievi aveva già sessant’anni, aveva lavorato con le mani per tutta la vita e non riusciva nemmeno più a piegare l’indice. Da allora ha suonato il violino con grande passione per vent’anni. Di tanto in tanto sento ripetere il luogo comune secondo cui il violino sarebbe molto difficile da suonare. Ma sono convinto che non sia vero.

Giuseppe, perché la chitarra è così popolare?

È uno strumento molto accessibile. Basta prenderla in mano e, con la mano destra, produrre le note sulle corde. Se il pianoforte è ancora più popolare, forse è perché lì si possono suonare due o tre note contemporaneamente, formando così un accordo – cosa che con la chitarra risulta più difficile. Inoltre, le chitarre non sono costose; si trovano ottimi strumenti già a quaranta o cinquanta franchi.

Perché hai scelto la chitarra?

Sono cresciuto in un piccolo paese in Italia, dove c’erano pochissime possibilità di prendere lezioni di musica. Non c’erano musicisti professionisti. Un operaio della Fiat suonava la chitarra e, dato che ne avevamo una a casa, ho iniziato a suonarla anch’io. Mio padre suonava il basso, ma non aveva molto tempo, dato che gestiva un piccolo supermercato. Dato che la musica mi è piaciuta subito molto, in seguito mi recavo nel paese vicino, dove potevo prendere lezioni.

Cosa ti ha spinto a scegliere una carriera professionale?

A 12, 13 anni ha cominciato a crescere la mia passione per la musica e ho avuto la fortuna di imparare fin da piccolo da musicisti famosi che vivevano nei dintorni. Anche i miei compagni facevano musica e nella regione c’erano molte band. Sono stato davvero fortunato.

Oggi ti dedichi soprattutto alla musica contemporanea.

Esatto. Suono da anni in diverse formazioni e di recente ho assunto la direzione artistica del Nouvel Ensemble Contemporain (NEC) a La Chaux-de-Fonds.

Oltre all’insegnamento, ti rimane ancora molto tempo da dedicare alla musica e all’attività artistica?

Ho deciso di insegnare al massimo 50 %, altrimenti, con tutti gli altri impegni, diventa troppo. Cerco di dedicare almeno un’ora e mezza al giorno alla pratica. Quando si suona molta musica contemporanea, bisogna stare attenti a non perdere il suono classico; al momento mi sto dedicando molto a questo aspetto. Ad esempio, mi piace suonare brani del compositore catalano Miguel Llobet. A ciò si aggiungono molti compiti amministrativi e il lavoro al computer.

Che consiglio daresti agli studenti interessati alla chitarra elettrica? È meglio iniziare con la chitarra classica?

Sulla chitarra acustica le distanze tra le corde sono maggiori e anche l’uso della mano destra è completamente diverso. Si può certamente iniziare con la chitarra elettrica, ma è comunque consigliabile imparare a leggere la musica: è di grande aiuto. Se qualcuno è interessato a uno strumento specifico, va bene lo stesso: è un po’ come la batteria rispetto alle percussioni classiche.

In base alla tua esperienza, per quanto tempo gli studenti rimangono in classe?

Non saprei dirlo con certezza, dato che insegno solo da un paio d’anni. Ma ho preso in carico allievi che frequentano la scuola di musica già da sei o sette anni. L’aspetto geografico è molto interessante. In alcune regioni, l’offerta ricreativa nei villaggi è limitata: magari c’è uno sport e due o tre strumenti alla scuola di musica, che cambiano a seconda del giorno della settimana. Chi ha tempo solo in un unico giorno, impara lo strumento che è disponibile quel giorno.

Come motivi i tuoi studenti?

Quando mi accorgo che la motivazione sta calando, chiedo loro cosa gli piacerebbe fare e quale musica amano ascoltare, e poi preparo per loro piccoli arrangiamenti, ad esempio di brani pop o rock. Sono sempre felici quando si rendono conto di poter suonare con la loro chitarra la musica che amano. Come insegnante, è importante essere flessibili.

Suoni anche musica contemporanea durante le lezioni?

Certamente. Ci sono studenti che ne sono molto interessati; in generale, i bambini e gli adolescenti sono come spugne, assorbono tutto. A volte, però, i genitori vorrebbero anche sapere perché il loro figlio non suona più i Beatles (ride). Ci vuole molta sensibilità per capire cosa possa entusiasmare gli allievi e per stimolarli di conseguenza.

Il mio strumento preferito è il pianoforte

Sara Mendes è una pianista e insegnante di pianoforte; ha studiato a San Pietroburgo e in Svizzera e, dopo aver lavorato a Wollerau, Sydney e Willisau, da quattro anni insegna presso la scuola di musica della città di Lucerna. Insegna a bambini e adulti e, a partire dal semestre autunnale del 2026, introdurrà, insieme a tre colleghi, la nuova materia „Pianoforte per principianti“.

Da anni il pianoforte è lo strumento più studiato in assoluto. Secondo te, perché?

Forse perché si adatta a molti stili musicali. Il pianoforte va sempre bene. È uno strumento molto visivo; su YouTube ci sono tantissimi tutorial fantastici in cui si vedono i tasti dall’alto e si possono imparare brani piuttosto facilmente. Molti bambini e ragazzi lo fanno in questo modo, e spesso per noi insegnanti sono scoperte interessanti. E poi il pianoforte è molto accessibile. A casa nostra c’è un pianoforte a coda nell’ingresso, che non viene mai chiuso. Chiunque venga a trovarci, anche i bambini piccoli, prova lo strumento. È una cosa molto spontanea, veloce e senza complicazioni. Eppure ci sono tantissimi altri strumenti fantastici (ride).

Come hai iniziato a suonare il pianoforte?

Nel mio caso è stato un po’ un caso. Da bambina frequentavo una scuola di danza classica dove si tenevano anche lezioni di musica, e l’insegnante di danza mi dava lezioni di pianoforte. Aveva una classe piccola, ma era molto attiva e ci mandava anche in Italia a partecipare a concorsi. Quando avevo circa 12 o 13 anni, mi sono resa conto che volevo approfondire le mie conoscenze e continuare gli studi. Che desideravo farne la mia professione.

Ti è mai capitato di attraversare una sorta di crisi e di aver desiderato di suonare un altro strumento?

Durante l’adolescenza non ho vissuto tanto una crisi legata allo strumento quanto piuttosto una crisi legata al tempo: mi chiedevo se volessi continuare a dedicare così tanto tempo alla musica. I miei amici facevano tante altre cose nel tempo libero, mentre io mi esercitavo molto ogni giorno. La mia insegnante era molto severa. Il resto è venuto dopo. Spesso penso che avrei fatto meglio a scegliere il violoncello. Ho la sensazione che uno strumento melodico mi si addica ancora di più. Il violoncello è il mio strumento preferito, dopo il pianoforte, o forse entrambi sono al primo posto.

Allora imparerai anche a suonare il violoncello?

No. Ci ho già provato: mio figlio suona il violoncello e mi sono subito resa conto di quanto sia difficile. Ci vuole molto tempo per raggiungere un certo livello, e al momento non ne ho a disposizione. Quindi credo che rimarrà solo un sogno. Con il violoncello e con molti altri strumenti il contatto è così stretto che puoi quasi abbracciarlo. Con il pianoforte non è così. Il rapporto con lo strumento, questa vicinanza fisica, deve passare attraverso l’immaginazione. Per questo sono un po’ invidiosa dei violoncellisti (ride).

C'è qualcosa che fai con tutti i tuoi allievi durante la primissima lezione di pianoforte?

Attribuisco grande importanza a una buona orientazione sui tasti. Con gli allievi provo di tutto: tutte le ottave, compresi i pedali. Facciamo improvvisazioni ispirate agli animali, suoniamo note alte e basse. I bambini inventano suoni, suonano solo sui tasti neri, fanno ogni tipo di esperimento. In questo modo acquisiscono fin dall’inizio una percezione delle dimensioni dello strumento.

A che età iniziano, più o meno, gli studenti?

C’è ancora l’idea che si debba iniziare a suonare il pianoforte solo a partire dalla terza elementare – non so da dove derivi. Trovo molto bello iniziare già con i bambini di cinque anni. Adoro questo lavoro. Certo, il ritmo è diverso, non si possono avere le stesse aspettative, ma con un po’ di pazienza si possono ottenere tanti risultati in modo ludico, stimolando la fantasia dell’allievo e entrando in sintonia con il bambino. A Lucerna stiamo avviando corsi di pianoforte per bambini dai cinque ai sette anni in gruppi. Mi piace molto questa forma di insegnamento, crea una dinamica diversa. Come insegnante di pianoforte, di solito passo molto tempo seduta al pianoforte, ma in gruppo c’è molta varietà: ci si alza, si balla, è tutto molto ludico. L’idea è che i bambini vivano un approccio positivo alla musica e possano suonare insieme agli altri.

Quanti dei tuoi allievi hanno un vero pianoforte a casa?

Circa la metà. Consiglio sempre gli strumenti acustici, ma capisco anche che ciò non sia possibile per tutte le famiglie. Tuttavia, è importante sapere che un pianoforte non deve necessariamente essere costoso. Su Ricardo si trovano tantissimi ottimi strumenti che vengono praticamente regalati. E basta accordare il pianoforte una volta all’anno. Ma alla fine, naturalmente, spetta alla famiglia decidere cosa è fattibile.

Qual è la tua esperienza: per quanti anni, in media, i bambini frequentano le lezioni? C’è una fase critica?

Spesso, durante l’adolescenza, si rendono conto di avere anche altri interessi e di voler uscire con gli amici. Quando iniziano il liceo o l’apprendistato, tendono spesso a partecipare meno. Durante la scuola elementare, invece, capita piuttosto raramente che si disiscrivano.

Per quanto tempo, all'incirca, dovrebbero esercitarsi gli allievi di pianoforte?

Dico sempre: suonare cinque volte alla settimana, compresa la lezione di pianoforte, il che significa quattro volte a casa. Faccio così anche con i miei figli, che stanno imparando entrambi a suonare uno strumento. Gran parte del lavoro spetta a noi genitori: dobbiamo creare la struttura necessaria. I bambini hanno bisogno di aiuto per organizzarsi, almeno durante la scuola elementare. Dopotutto, gli si ricorda anche di lavarsi i denti e di fare la doccia. Alla scuola di musica della città di Lucerna teniamo ogni anno dei colloqui con i genitori: quest’anno ho posto al centro del discorso il tema dello studio. I genitori ripetono sempre che i bambini si dimenticano di esercitarsi, e io rispondo loro che possono tranquillamente ricordarglielo, perché in seguito ve ne saranno grati. Ma so bene com’è: come madre, mi costa un’enorme quantità di energia assumere questo ruolo dopo una lunga giornata di lavoro e esercitarmi con i bambini. Ma poi si siedono allo strumento ed è meraviglioso.

Per quanto tempo dovrebbero esercitarsi?

Non ritengo opportuno assegnare loro un tempo preciso, perché ciò potrebbe indurli semplicemente a trascinare il tempo. Fornisco ai bambini un programma concreto. Spesso durante la lezione tiriamo i dadi per stabilire quante volte devono ripetere un esercizio, cosa che a loro piace molto. Assegno sempre tre compiti a casa: un piccolo esercizio per iniziare, un brano su cui lavorare e poi o un po’ di teoria, o un esercizio ritmico, oppure la «scatola del tesoro». È una sorta di cura del repertorio: suonare un brano che piace particolarmente.

Insegni anche agli adulti. Chi frequenta le lezioni di pianoforte in età adulta?

Alcuni rimpiangono i tempi della giovinezza e vorrebbero tornare a giocare di più. Ci sono quelli che già da bambini avevano raggiunto un livello molto avanzato, ai quali posso proporre sempre nuove sfide. Poi ci sono anche coloro che desiderano ricominciare da zero. Spesso hanno grandi aspettative nei confronti di se stessi e la mente capisce sempre molto in fretta, ma la trasposizione pratica, che nei bambini è così intuitiva, risulta molto più difficile. Anche la coordinazione è difficile. Me ne sono reso conto anch’io quando ho provato a imparare a suonare il violoncello.

Usi anche tu strumenti digitali durante le lezioni o a casa?

Ho una piattaforma online in cui ogni studente ha una propria cartella. Lì salviamo, ad esempio, le registrazioni dei brani che suonano, in modo che, al momento di lasciare il corso, possano scaricare un portfolio con i loro brani migliori. Lì salvo anche registrazioni o esercizi che potrebbero aiutarli a casa, sia video che audio. Lo trovo fantastico. Tramite un codice QR possono accedervi in qualsiasi momento.

Maggiori informazioni sul Rapporto statistico scoprire

Vorremmo precisare fin da subito che l’Associazione delle scuole di musica svizzere deve moltissimo a Hector Herzig. Ha contribuito a lanciare un’iniziativa popolare per una maggiore equità di opportunità nell’educazione musicale, ha dato vita al Forum per l’Educazione Musicale, ha avviato, in collaborazione con l’Accademia delle Arti di Berna, un corso di formazione per direttori di scuole di musica e ha sostenuto l’Associazione nel suo percorso di professionalizzazione. Guardiamo con gratitudine agli anni trascorsi insieme e porgiamo alla famiglia di Hector le nostre più sentite condoglianze.

Dopo aver studiato tromba all’Accademia delle Arti di Zurigo, dal 1991 al 2007 ha diretto la scuola di musica di Liestal, contribuendo al suo sviluppo con una chiara attenzione alla qualità. Dal 2006 al 2012 ha presieduto l’Associazione delle scuole di musica svizzere (VMS) ed è stato uno dei promotori dell’iniziativa popolare «jugend+musik». Insieme ai suoi compagni di viaggio ha redatto il testo dell’iniziativa e si è impegnato politicamente fino a quando, il 23 settembre 2012, il popolo svizzero ha approvato con uno storico 72,7% di voti favorevoli il nuovo articolo costituzionale sull’educazione musicale. Una pietra miliare per gli allievi delle scuole di musica di tutta la Svizzera.

Hector amava guardare al futuro. Elaborava visioni che ispiravano gli altri e davano il via a nuovi progetti. Chi lavorava con lui percepiva la sua fiducia: lasciava spazio all’iniziativa e creava libertà d’azione, invece di imporre decisioni. Si considerava un facilitatore. «Trial and error», diceva spesso, e aggiungeva: il successo si compone di tre lettere – T, U e N. Agire. Agire insieme. Raggiungere qualcosa insieme.

Come sarebbe stata la scuola di musica „in mezzo al verde“, si chiedeva. Era particolarmente animato dal desiderio di avvicinare la scuola di musica, in quanto istituzione educativa, alla scuola elementare. Desiderava che la musica avesse lo stesso valore delle altre materie scolastiche ed era convinto che ogni giovane potesse trarre beneficio da una solida formazione musicale, indipendentemente dal fatto che intraprendesse o meno una carriera professionale. Per lui era chiaro che la società ha bisogno di cultura e, in particolare, di musica.

Anche il Forum per l’Educazione Musicale (FMB), di cui è stato cofondatore nel 2002, rientrava nelle sue visioni. Da allora, ogni due anni, direttori e direttrici di scuole di musica, insegnanti di musica e altre persone interessate all’educazione musicale si riuniscono per due giorni a Baden (AG) per scambiarsi idee, creare reti di contatti e sviluppare insieme nuove idee. Ha inoltre contribuito in modo determinante allo sviluppo del sistema di gestione della qualità «quarte Open Label» per le scuole di musica e alla qualificazione dei dirigenti delle scuole di musica.

La sua posizione chiara, incurante delle voci di fondo, poteva certamente polarizzare l’opinione pubblica; talvolta, in seno al comitato direttivo, si arrivava anche a discussioni accese. Lo infastidiva la lentezza con cui a volte macinavano i mulini della politica. Ciononostante, è rimasto attivo in politica anche dopo la sua esperienza presso la VMS: come sindaco di Langenbruck e, dal 2011 al 2019, come presidente del GLP di Basilea Campagna.

Hector Herzig era una persona che pensava in grande, pur rimanendo sempre alla mano. Un amante della musica e una figura che ha aperto nuove opportunità a molte persone e istituzioni. Gli diciamo addio con grande gratitudine e rispetto. Lo ricorderemo come una persona che ci ha sempre incoraggiato a pensare in grande, ma a rimanere con i piedi per terra.

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Il 25 luglio 2026 la famiglia di Hector Herzig invita a partecipare a una cerimonia commemorativa aperta al pubblico.

25.7.2026
Chiesa riformata
Erikaweg 1
4438 Langenbruck

„La carenza di personale qualificato è un tema di rilevanza nazionale e internazionale“, ha affermato il presidente della VMS Philippe Krüttli all’inizio dell’evento, organizzato congiuntamente dall’Associazione delle scuole di musica svizzere e dalla Conferenza delle accademie di musica svizzere, „Vorremmo creare uno spazio di scambio per elaborare insieme scenari su come affrontare la grave crisi che si profila all’orizzonte.“

Rico Gubler, direttore del Dipartimento di Musica dell’Accademia delle Arti di Berna, ha fornito una panoramica delle attività del gruppo di lavoro istituito dalle due organizzazioni. Il lavoro congiunto si concentra su tre ambiti di intervento:

• Formazione continua degli insegnanti delle scuole di musica
• Aggiornamento professionale per laureati in musica privi di un master in pedagogia
• Tirocini/Programmi di osservazione

Inoltre, i responsabili del corso di laurea magistrale in Pedagogia musicale avrebbero già stabilito un livello minimo comune di B2 per quanto riguarda i requisiti linguistici. Maggiori informazioni sul gruppo di lavoro congiunto sono disponibili nel Relazione annuale 2025 della VMS.

Dopo una discussione in piccoli gruppi, Mathias Lang, amministratore delegato del Vorarlberger Musikschulwerk, ha presentato due studi recenti. Il „Musica del Mikado“Uno studio tedesco del 2025 evidenzia una grave carenza di nuove leve. A causa dei pensionamenti e del calo del numero di studenti, già tra dieci anni mancheranno circa 11’000 insegnanti di musica. Tra le raccomandazioni d’intervento a tutti i livelli figurano, ad esempio, una retribuzione e condizioni di lavoro migliori, la promozione della salute mentale, nonché il sostegno e la flessibilità nell’attività artistica degli studenti di musica e dei docenti di musica.

In Austria la situazione di partenza sembra essere nettamente migliore rispetto alla Germania, come dimostrano i primi risultati di uno studio Studio della Conferenza delle associazioni austriache delle scuole di musica come emerge da uno studio che sarà pubblicato alla fine del 2026. Il fabbisogno di docenti dovrebbe rimanere pressoché invariato: a circa 3600 docenti corrisponderebbero circa 3000 laureati. Tuttavia, la difficile disponibilità dei dati complica questa valutazione.

Successivamente, Peter Röbke, pedagogo musicale, professore emerito di musica e autore, ha ampliato gli orizzonti. Di fronte alla carenza di insegnanti nelle scuole di musica, ci si deve chiedere se si tratti di tagli o di ridimensionamenti – o se non sia invece il caso di pensare a una trasformazione. „Vogliamo tutti lottare per le scuole di musica“, afferma, „possiamo vedere le crisi come un’opportunità“.“

Ha incoraggiato a concepire la scuola di musica come una „scuola diversa“, flessibile, in grado di aprire nuovi orizzonti di apprendimento e di pratica musicale anche al di fuori delle lezioni vere e proprie. Lo studio Mikado sulla musica evidenzia chiaramente il conflitto tra pratica artistica e pratica pedagogica. Il 70% dei partecipanti allo studio si è detto d’accordo con l’affermazione secondo cui lo sviluppo artistico sarebbe più facilmente realizzabile in altre professioni. Come esempio di „scuola diversa“ ha citato Musica a Dortmund!, una scuola di musica con sette sezioni, tra cui „Live on Stage“, „Digital“ e „House of Pop“.

Infine, ha esortato a tenere conto della situazione particolare della Generazione Z. Il concetto di «futuro» è diventato per loro discutibile: mai prima d’ora si era verificata una tale concentrazione di crisi globali. Se la scuola di musica si aprisse alle novità, potrebbe così diventare un luogo di lavoro più attraente anche per i giovani lavoratori.

„Sono molto ispirato dall’intenso scambio di idee e dalle prospettive per il futuro“, ha affermato Valentin Gloor, presidente della Conferenza delle scuole superiori di musica svizzere, in conclusione, invitando tutti a continuare a riflettere insieme. Anche Philippe Krüttli ha ringraziato per il dialogo e ha congedato i partecipanti, augurando loro un soleggiato fine settimana.

Sono quasi le nove del mattino a Belp, nella Scuola di musica Regione Gürbetal nel Cantone di Berna. La porta della sala si apre, una bambina di due anni entra tenendo per mano la mamma, un'altra salta su e gli porta un sonaglio, raggiante di gioia. Poco dopo, la responsabile del corso Anja Martin intona una canzone di benvenuto: „Chi c'è oggi?“. Ogni bambino e genitore viene salutato personalmente. Nei successivi cinquanta minuti circa, vengono utilizzati campanellini e tamburelli, oltre al pianoforte, che fa da accompagnamento musicale a una danza - e a tante canzoni.

Fare musica insieme

„I bambini assorbono letteralmente la musica“, dice Anja Martin, „I genitori continuano a dirci che ora cantano a casa. È un'ottima introduzione alla musica“. La violinista, che suona tra l'altro nell'Orchestra da Camera di Berna e nella Sinfonietta di Basilea, da cinque anni insegna musica per genitori e figli in diverse scuole di musica. Si esibisce anche in concerti per bambini e invita i giovani allievi e i loro genitori alle prove principali di un concerto in cui lei stessa suona. „Fare musica fin da piccoli è particolarmente utile, come dimostrano molti studi“, afferma Dorothee Schmid, direttrice della Scuola di musica della regione di Gürbetal, „e per noi è anche importante che bambini e genitori entrino in contatto con la scuola di musica fin da piccoli“. Il tema della musica per genitori e figli viene proposto da trent'anni: l'unico inconveniente è la mancanza di sovvenzioni, che iniziano solo in età scolare. Grazie a una fondazione, i prezzi possono comunque essere mantenuti bassi. In collaborazione con una parrocchia, verrà presto lanciato un nuovo programma che combina corsi di tedesco per immigrati e musica per genitori e figli.

Un'esperienza per i bambini e per i genitori

L'educazione musicale in età prescolare è una pietra miliare del programma anche nella Svizzera francese. „I bambini piccoli hanno una sensibilità musicale naturale“, afferma Marie Reymond, responsabile dell'Istituto per la formazione musicale. Scuola di musica di Losanna. Mentre nella Svizzera tedesca i corsi per bambini e genitori iniziano spesso solo intorno ai due anni, qui ci sono tre livelli di „Eveil musical“: per i bambini più piccoli, per quelli di 2-3 anni e per quelli di 3-4 anni, in ogni caso insieme ai loro genitori. Circa la metà di loro frequenta poi il programma triennale „Initiation musicale“, che si basa su questo, e quindi è già ben equipaggiata per le lezioni di strumento all'età di sette anni. „È molto gratificante accompagnare i bambini per diversi anni“, riferisce Wolfgang Leresche, che insegna a tutte le fasce d'età, „I bambini più piccoli si avvicinano alla musica in modo così giocoso e felice. Vedo anche che i corsi creano spazio per momenti piacevoli tra i bambini e i loro genitori. Questo mi piace molto“.“

Formazione specialistica: anche per asili nido e gruppi di gioco

Gli insegnanti di musica possono qualificarsi per insegnare la musica ai bambini più piccoli con corsi CAS specializzati offerti da diverse università della Svizzera tedesca e francese. La scuola di musica „Spazio musicale“ e il Associazione genitori-bambini-cantanti formare le persone interessate. Tutti i corsi di formazione forniscono una panoramica della psicologia dello sviluppo musicale e generale, della metodologia/didattica, dei repertori di canzoni e giochi adatti all'età, nonché della pianificazione e dell'attuazione dei propri programmi nella scuola di musica, ma anche nell'asilo nido e nel gruppo di gioco.

Campo di apprendimento musicale e sociale

Un programma rituale è particolarmente importante nella pianificazione delle lezioni. „È fondamentale per i bambini, perché le lezioni sono molto impegnative“, spiega Andrea Strohbach dell'Associazione Scuola di musica di Lucerna. Se il processo è sempre simile, dopo la seconda o terza volta i bambini sanno come funziona e diventano sempre più sicuri. Con l'aiuto di canzoni, storie ed esperimenti sonori - ad esempio suonare il tamburo a voce alta e bassa, imitare i rumori, riconoscere i toni alti e bassi - i bambini fanno le prime esperienze musicali. Ma anche i genitori ne traggono beneficio. „È un bene per i genitori lasciarsi andare e fare musica senza pressioni“, dice Martina Felber, co-presidente dell'Associazione di canto genitori-bambini, composta da numerosi insegnanti di scuole di musica,  comprende anche Anja Martin e Andrea Strohbach. Osserva inoltre che le famiglie con bambini piccoli a volte mancano di contatti con i loro coetanei: „Le amicizie si formano nei corsi“.“

Continuare a cantare a casa

Lo confermano anche i partecipanti a Belp, dove la lezione si è conclusa con la canzone d'addio. Dopo una visita al mondo dei nani, esperimenti con rumori e suoni e una sfrenata danza di arresto, i piccoli sono visibilmente esausti. Una mamma ha riferito che cercava un'attività che permettesse a lei e a sua figlia di socializzare durante la settimana, e un'altra aggiunge che questo è tanto più importante perché lei non va all'asilo nido. I bambini sono ancora troppo piccoli per la ginnastica genitori-figli. Ma non sono troppo piccoli per cantare le canzoni del programma „El-Ki-Singen“ a casa o per cantarle ai nonni.

L'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS) è l'organizzazione ombrello delle scuole di musica svizzere locali e regionali e delle loro associazioni cantonali e intercantonali. Rappresenta le circa 360 scuole di musica che fanno parte delle associazioni cantonali. Le sette scuole di musica riconosciute in Svizzera si sono unite nella VMS.

Nel 2026, la nuova sezione si concentrerà sulle diverse fasce d'età che beneficiano dell'educazione musicale in Svizzera, dai bambini agli anziani. Il numero attuale si concentra sui più piccoli. Come si sviluppano i primi incontri professionali con la musica nei bambini in età prescolare? Che ruolo hanno i genitori? In quali istituti gli insegnanti di musica possono qualificarsi per questo importante settore professionale? La redattrice Anicia Kohler ha parlato con esperti e genitori, mentre la dottoressa Mary Brice ha illustrato il contenuto pedagogico della formazione presso la Haute école de musique de Genève (HEM).

„Lo sviluppo dei giovani è un problema per tutti“, dice Fabian Gaberthüel, „Non si può semplicemente andare in paese, insegnare e poi tornare a casa“. L'insegnante di percussioni in diverse scuole di musica in Argovia, che suona anche nell'associazione musicale Rothrist, lo dice per esperienza pluriennale. Le bande di ottoni hanno bisogno di nuova linfa, i giovani traggono beneficio dal suonare insieme in una banda - e le scuole di musica forniscono la loro formazione. Poiché nella regione c'erano cinque bande di ottoni ma solo una banda giovanile, due anni fa ha deciso di attivarsi. „Nei cinque comuni della zona abbiamo 4.400 studenti, di cui circa uno su cinque suona uno strumento“, calcola, „circa 80 suonano uno strumento a fiato e circa 90 suonano le percussioni. Questo ci offre un enorme potenziale"." Ha sviluppato un concetto di musica giovanile regionale, ha organizzato incontri introduttivi con scuole di musica e club musicali e ha presentato l'idea a tutti gli insegnanti di musica di persona. „Volevamo coinvolgere tutti“, dice, „c'è bisogno di tutti: i club, le scuole di musica e gli insegnanti“. La prima prova con quindici giovani ha avuto luogo nel febbraio 2026 e i primi concerti sono già in programma.

Stretta collaborazione con le scuole di musica

Grazie alla struttura in tre parti, la musica giovanile regionale è strettamente integrata nei programmi esistenti. Il livello „Mini“ è organizzato presso le scuole di musica, dove i bambini e i giovani possono fare le prime esperienze in ensemble di fiati. Il livello „Midi“ corrisponde alla neonata Musica Giovanile Regionale, mentre al livello „Maxi“ i giovani entrano a far parte dell'associazione di bande di fiati. „La musica giovanile regionale è destinata a essere il serbatoio da cui i club musicali possono finanziarsi“, spiega Fabian Gaberthüel. Il fatto che ora abbia funzionato con la nuova musica giovanile dopo un intenso lavoro di sviluppo e mediazione è per lui la più grande ricompensa.

Struttura regionale anche nell'Oberland Bernese

Marco Aebersold riferisce qualcosa di simile. L'attuale responsabile del Scuola di musica di Aarberg Insieme al suo collega Jörg Burkhalter, entrambi direttori di bande di ottoni, ha fondato l'Orchestra Giovanile di Fiati della Bassa Simmental - in breve JBUS - in piedi. „Il lavoro di preparazione è stato molto intenso“, dice, „si trattava di sensibilizzare l'opinione pubblica e di contrastare le paure“. Grazie a un comitato organizzativo interclub, l'orchestra giovanile di fiati è riuscita a garantire che la prossima generazione di musicisti si unisse ai singoli club. È importante prendersi cura in modo intensivo della nuova generazione, costruire ponti e creare un collegamento con i club degli adulti.

Una situazione vantaggiosa per entrambe le parti

Già allora il JBUS cercava di collaborare con le scuole di musica: entrambi i fondatori insegnavano nella scuola di musica locale. Come direttore di una scuola di musica, Marco Aebersold vede questo vantaggio ancora oggi: „Quando gli insegnanti di musica sono coinvolti anche nei club di ottoni, è una situazione assolutamente vantaggiosa per entrambe le parti“. Le bande di ottoni sono partner molto importanti per le scuole di musica. Poiché sono molto attive musicalmente nel bacino d'utenza della scuola di musica di Aarberg, è ancora più importante che i bambini e i giovani siano preparati e supportati dalla scuola di musica. „Le bande di ottoni sono fondamentali per la coesione sociale“, dice, „mettono insieme gruppi di età diverse e persone diverse. Non si può mai onorare abbastanza l'esistenza della musica per ottoni: è un hobby che unisce“.“

La Festa federale della musica 2026

È una persona di club", afferma Nadja Günthör, Presidente OC del Festa federale della musica 2026 a Biel: „La vita di club si sta riducendo, ed è un vero peccato“. Per questo motivo, nell'organizzare il primo festival federale dopo dieci anni, si è cercato di fare in modo che ci fosse molto spazio per i giovani e che le generazioni fossero riunite. „Noi esseri umani viviamo di emozioni e passioni: la musica serve a questo“, afferma. I club di ottoni, le scuole di musica, le associazioni cantonali e nazionali vanno tutti nella stessa direzione, ed è per questo che vale la pena comunicare tra di loro, essere coraggiosi e darsi da fare.

Anche le scuole di musica sono salite sul palco dell'EMF

La vice direttrice della scuola di musica, Isabelle Lehmann, è lieta che la scuola di musica di Bienne, come tutte le scuole di musica della regione, sia stata invitata a partecipare all'EMF. Sul palco sono salite diverse formazioni, alcune delle quali fondate appositamente per l'evento. A Bienne, il numero di studenti di strumenti a fiato è stabile: circa un quinto di tutti gli studenti prende lezioni individuali di uno strumento a fiato, oltre a venti studenti di percussioni classiche. Un terzo di tutti gli studenti di strumenti a fiato è anche membro del JUBIS, l'ensemble giovanile della Stadtmusik Biel. „I club di musica per fiati coprono qualcosa che noi non possiamo fare“, dice Isabelle Lehmann, „fare musica insieme in un grande ensemble, il feeling del club e le escursioni o i fine settimana. Possiamo arricchirci a vicenda“.“

„Noi esseri umani viviamo di emozioni e passioni: la musica serve a questo. Ecco perché la collaborazione è importante. C'è bisogno di tutti: club di ottoni, scuole di musica, associazioni cantonali e sezioni“.“

Nadja Günthör, Presidente OC CEM 2026

Secondo la pedagogista Margrit Stamm, un talento rappresenta un potenziale straordinario. Un potenziale quindi che non si sviluppa da solo, ma che deve essere scoperto, promosso con attenzione e sviluppato. Fattori importanti in questo caso sono un ambiente che sostiene e accompagna, ma anche una motivazione individuale e capacità relazionali del bambino. Altrettanto fondamentale è la collaborazione tra insegnanti di musica e genitori – come pure tra le varie istituzioni formative, specialmente quando si tratta di scoprire bambini e giovani di talento – come indicano le linee guida dell’ASSM per la promozione dei bambini talentuosi. Linee guida per la promozione degli studenti dotati del VMS.

Giovani talenti della musica

Nell'ambito di „Giovani talenti della musica“.“ Nell’ambito di "Giovani Talenti Musica", la Confederazione sostiene i cantoni nello sviluppo e nell'attuazione di programmi per la promozione dei talenti. I contributi vengono assegnati a talenti di età tra i 4 e i 25 anni. In totale esistono quattro livelli di sostegno: Base, Introduzione I, Introduzione II (amatoriale) e Pre-College. Un talento viene ammesso al programma di sostegno dopo aver superato con successo l'esame di ammissione. Fino alla primavera 2026, quasi tutti i cantoni hanno già presentato al Governo federale un proprio concetto per la promozione dei talenti. In termini concreti, ciò significa che i bambini talentuosi che superano con successo l'esame di ammissione al programma di promozione dei talenti riceveranno ora un sostegno finanziario tra 1000 e 2500 franchi all'anno, a seconda del livello di promozione. I programmi cantonali includono non solo lo strumento come materia principale, ma spesso anche uno strumento secondario, oltre a laboratori, lezioni di teoria, vari ensemble e opportunità di esibirsi.

Pre-College Days 2026

Per la terza volta, si sono svolti alla fine di gennaio 2026 i Pre-College Days per allieve e allievi di talento con il livello di promozione più alto. Quest'anno sono stati ospitati dalla Musik-Akademie di Basilea. Circa 100 partecipanti provenienti da tutta la Svizzera sono rimasti a Basilea per un fine settimana, partecipando a seminari di vario genere e suonando concerti insieme. "I giovani musicisti erano molto disponibili e curiosi, ed hanno apprezzato questa possibilità di scambio" riporta Martin Neher, vicedirettore della Scuola di musica di Basilea. Anche i docenti dei vari settori quali classico, musica antica, jazz, musica e movimento, come pure i responsabili delle altre sedi di pre-college in Svizzera, hanno approfittato di questo scambio a livello nazionale. Scuola di musica di Basilea. Anche i docenti dei settori della musica classica, della musica antica, del jazz e della musica e movimento hanno beneficiato di questo scambio a livello nazionale, così come i direttori di sede di altri pre-college in Svizzera.

"È importante avere strutture che possano riconoscere i talenti," continua Neher, "Dove possiamo trovare affinità, curiosità, piacere per questa materia?" Per questo sono necessari strumenti istituzionalizzati e insegnanti competenti: "Ci sono così tanti talenti nascosti. Poter sviluppare ed esprimere il proprio talento individuale è un diritto dell’educazione a cui tutti dovrebbero poter accedere." Ciò significa che senza un ampio sostegno non è possibile promuovere i talenti, sottolinea Neher. "La promozione di massa è la base. È l'unico modo per scoprire i talenti, l'unico modo per garantire le pari opportunità."

Persone chiave nella promozione di massa

Gli educatori musicali sono ambasciatori dell'educazione musicale e si impegnano per le pari opportunità, conferma la Profilo professionale ‚Insegnante di musica‘ Gli insegnanti di musica sono gli ambasciatori dell'educazione musicale e si impegnano per le pari opportunità, come viene confermato nel quadro professionale di ‘insegnante di musica’ dell’ASSM. Da un lato, svolgono un ruolo chiave nella scoperta dei talenti musicali – dall'altro risvegliano la gioia per la musica, promuovono la fiducia in sé stessi e fissano obiettivi adatti all’età e agli interessi di allieve e allievi. Ensemble, campus o progetti concertistici svolgono un ruolo particolarmente importante nella promozione di massa, non solo con obiettivi strettamente musicali, ma anche relazionali e sociali. Tali attività – offerte sia da scuole di musica che da associazioni musicali – sono sostenute dall'Ufficio Federale della Cultura con il programma "Gioventù+Musica".Gioventù+Musica“ supportato.

Gioventù+Musica

Ne è un esempio il Società degli accordionisti „L'Eco delle rocce“ nel cantone di Friburgo, guidato dall'insegnante di musica Julien Tudisco. Insegna fisarmonica nelle lezioni individuali e dirige le prove d'insieme per le varie fasce d'età. „Per i bambini e i giovani non si tratta solo di fare musica“, dice. „Oltre alla scuola e alla casa, è un altro luogo in cui possono trovare il loro posto ed esprimersi“. Il club ha un'età mista, il che significa che i bambini più grandi possono sostenere i più piccoli dal punto di vista musicale, ma anche sociale. I giovani possono anche aiutare nell'organizzazione e fare esperienza fin da piccoli. „Penso che questo sia molto importante“, dice. „Certo, io sono un musicista e voglio far conoscere loro la fisarmonica, ma quando vedo che negli anni si sviluppano relazioni che li sostengono anche nei momenti difficili, sono davvero felice“. Il fattore sociale, in particolare, porta i bambini a interessarsi alla fisarmonica perché vogliono suonare nel club, il che è ottimo per uno strumento a cui bambini e genitori non pensano prima. Non bisogna inoltre sottovalutare il fatto che i giovani che partecipano al club sono attivi,  sarebbero meno propensi a mettere giù il loro strumento durante il passaggio, altrimenti critico, alla scuola superiore o all'inizio di un apprendistato. „Io conduco L'Eco des Roches da 15 anni a questa parte“, dice Julien Tudisco, „Nell'ensemble degli adulti ci sono molti che hanno iniziato con noi da bambini. Vanno alla scuola reclute e poi tornano all'associazione, vanno all'università e poi tornano di nuovo. È molto bello“.“

„Oggigiorno, è praticamente impossibile fare a meno dei computer nella produzione musicale", afferma Mauro Fiero, insegnante di musica al Centro Studi Musicali (CSM) di Lugano. Un fatto che si riflette sempre più sulla gamma di attività offerte dalle scuole di musica dell’ASSM. Mentre alcuni organizzano regolarmente corsi introduttivi di una giornata su Ableton o altri DAW (Digital Audio Workstation), altri offrono lezioni di gruppo o individuali.

Introduzione alla sintesi

All'Institut Dalcroze di Ginevra Istituto Dalcroze di Ginevra ad esempio, Margaret Harmer insegna già da dieci anni  la materia "Musica Elettronica Attuale" (musiques électroniques actuelles) in lezioni di gruppo settimanali per giovani. "La musica elettronica esiste da cinquant'anni," dice l'artista di elettronica e percussioni, "quindi è molto importante insegnarla." Organizza progetti di sampling con i giovani, diffonde la storia dell'hip hop e della techno (tra le altre cose) e li introduce alla sintesi. Lavorano con GarageBand, Logic, Ableton o Maschine, a seconda delle conoscenze o dei loro desideri. Alla fine dell'anno scolastico, ragazze e ragazzi dai 12 ai 17 anni producono i propri progetti, a volte interi album. Ciò che è particolarmente importante per Margaret Harmer: "Spero che i giovani sviluppino un proprio gusto musicale."

Il mondo musicale di allieve e allievi

"È un campo enorme – il computer è uno strumento a sé stante", afferma Marc Scheidegger, capo dipartimento della Scuola di musica della regione di Sursee.. Anche lui insegna da tempo produzione a allieve e allievi dei livelli avanzati, oltre alla chitarra elettrica. L'offerta alla scuola di musica è nata perché continuava a uscire nella sua classe l’argomento della console di missaggio– Come posso registrare? Quali effetti ci sono? Si è quindi rivolto alla direzione della scuola con l'idea di insegnare separatamente la materia produzione, ha sviluppato con un collega una descrizione della materia e poi ha preparato delle scatole con il materiale per le lezioni. Ognuna di esse contiene un computer portatile, un tablet, un registratore Zoom e microfoni, e ora possono essere utilizzate anche da altri insegnanti di musica a livello elementare - e anche nelle classi scolastiche o come attività per le vacanze. "Allieve e allievi sono molto interessati alla produzione," dice, "è il loro mondo musicale. Per me era chiaro che dovevamo offrire quest’attività". Usando esempi pratici, affronta argomenti come armonia o ritmo. In futuro, è prevista anche una specializzazione nel missaggio dal vivo.

Corsi con lista d'attesa

Allieve e allievi studiano a casa? È come qualsiasi altro strumento, dice Marvin Trummer, tastierista, produttore e insegnante alla Scuola di musica del Conservatorio di Zurigo – alcuni fanno molto a casa, altri no. Da cinque semestri tiene un corso di gruppo con due livelli, gratuito per allieve e allievi iscritti a lezioni individuali di uno strumento alla MKZ. Il corso suscita grande interesse, c'è una lista d'attesa.  "Vedo queste lezioni come un apriporte" dice, "mi sarebbe piaciuto molto ma ai miei tempi c’era solo Chopin...". Ad esempio, durante la lezione in classe ricrea il ritmo della batteria di una canzone, dalla registrazione all’elaborazione, per allenare l'orecchio, oppure porta un sintetizzatore analogico o un mangianastri per la gioia di allieve e allievi.

Produzione al Pre-College

Già a partire dagli anni ’90 la produzione viene offerta alla Scuola di musica della città di Basilea, ma non diversi nomi che sono andati cambiando nel tempo. Tomek Kolczynski insegna ai giovani in lezioni individuali. Circa tre quarti di loro lavorano con Ableton, altri con Logic o Fruity Loops. Allieve e allievi hanno anche l'opportunità di prepararsi al PreCollege per il corso di audio design. Nell’ambito di questa preparazione, Kolczynski trasmette loro le conoscenze di base di sintesi, sampling ed elettronica dal vivo. Ritiene inoltre importante mostrare ad allieve e allievi alcuni artisti influenti della storia della musica elettronica pop e dance.

Apprendere competenza

L'intelligenza artificiale non lo preoccupa: "Non è ancora davvero utilizzabile a livello musicale", dice. "E quando arriverà il momento, sarò felice di poter far uso di questo nuovo strumento." Anche Marvin Trummer vede l'IA come uno strumento interessante, ma potrebbe anche diventare un "killer creativo". Ecco perché attualmente in classe non entra in discussione.

Mauro Fiero sottolinea che un uso competente degli strumenti disponibili ottimizza il processo di produzione musicale: "Così ci si può concentrare totalmente sulla parte artistica e creativa della musica."

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Infobox Produzione nelle scuole di musica

• Corsi, lezioni individuali o di gruppo
• Equipaggiamento: computer portatile, tastiere midi, DAW
• Prerequisito: a volte parallelamente lezioni di solfeggio, o lezioni di uno strumento (ad esempio pianoforte, chitarra, batteria), ma non obbligatoriamente
• Età: di solito a partire dai 12 anni circa

C'era già un po' di neve nella città vecchia di Bern nel tardo pomeriggio mentre stavano arrivando gli ospiti al Conservatorio di Berna. Per entrare nell'atmosfera, all’inizio hanno ascoltato una sintesi delle 100 ore di podcast prodotti nelle scuole di musica di 17 cantoni durante il tour dell’anniversario che ha avuto luogo a settembre. Poi è salita sul palco l’Orchestra sinfonica giovanile di Berna (JSO). Musiciste e musicisti di età compresa tra i 13 e i 23 anni, sotto la direzione di Droujelub Yanakiew, hanno aperto l'evento non con una canzone popolare energica, ma molto silenziosamente con accordi scintillanti degli archi e un delicato gioco domanda-risposta dei legni sulla balconata. Un'interpretazione di altissimo livello del brano "The Unanswered Question" di Charles Ives, per la quale la JSO ha ricevuto molti applausi - e forti complimenti.

Philippe Krüttli, presidente dell'Associazione dal 2022, ha accolto i presenti con un sentito ringraziamento, presentando una retrospettiva e una visione futura delle attività dell’ASSM. In particolare, ha sottolineato il grande impegno delle circa 370 scuole di musica affiliate all’ASSM tramite le associazioni cantonali.

La Consigliera federale Elisabeth Baume-Schneider ha iniziato il suo discorso con una citazione di Albert Einstein, il quale disse che probabilmente sarebbe diventato musicista se non fosse diventato un fisico, che pensava in musica, che viveva i suoi sogni ad occhi aperti in musica, che vedeva la sua vita come espressione della musica. La Consigliera ha sottolineato che la musica e il suonare o cantare insieme in coro e orchestra favorisce le competenze, e le ha descritte come competenze importanti per il futuro. Ha anche affermato che l’ASSM è un partner fondamentale per la Confederazione e che insieme hanno sviluppato i due programmi nazionali: Giovani Talenti Musica e Gioventù+Musica. «La musica non è un lusso e non deve diventarlo» (La musique n'est pas un luxe et ne doit pas le devenir). Infine, ha anche ringraziato le scuole di musica e gli insegnanti di musica. Il loro lavoro richiede competenza e passione – sicuramente i presenti ricordano tutti l’insegnante di musica che ha aperto loro la porta verso il mondo della musica (Nous sommes nombreux à nous souvenir des enseignant-e-s qui nous ont ouvert le monde de la musique). Anche lei è stata molto applaudita per il suo discorso e le domande spontanee ai musicisti della JSO.

Yvonne Glur, vicepresidente del Consiglio svizzero della musica, ha affermato nel suo discorso: «L'esistenza delle scuole di musica è un valore inestimabile per la società nel suo complesso. 600.000 dilettanti e professionisti sono riuniti nel Consiglio svizzero della musica, che senza l’ASSM, senza le scuole di musica, sarebbe solo una piccolissima parte». Anche Andreas Wegelin, presidente del Concorso svizzero di musica per la gioventù e direttore della SUISA, ha ringraziato l’ASSM. Favorire giovani talenti musicali è un impegno significativo che l’ASSM e il Concorso svizzero di musica per la gioventù hanno in comune. Ha anche evidenziato i pericoli che minacciano la creazione musicale e culturale svizzera: l'intelligenza artificiale, per la quale sono necessarie regole affidabili a livello mondiale affinché la creatività non venga razionalizzata, e l'iniziativa «200 franchi bastano».

Con tre brani, il quattordicenne Yann Hostettler ha mostrato cosa è musicalmente possibile fare con il dulcimer a martelli. Ha suonato un pezzo dei Beatles, degli Appenzeller Bläss e di Yann Tiersen. David Barta di Losanna, appassionato di musica elettronica, ha suonato un brano drum'n'bass e poi ha dato un'occhiata alla sua sessione Ableton, presentando il suo sintetizzatore preferito e spiegando gli effetti applicati alle singole tracce. Anche l'esibizione di un ensemble jazz della Swiss Jazz School Bern è stata accolta con entusiasmo: i musicisti hanno suonato due brani modali pieni di energia proprio alla fine.

Infine, Eva Crastan, membro del Consiglio direttivo, ha ringraziato le scuole di musica che avevano partecipato al tour dell’anniversario – erano presenti direttori e direttrici delle scuole di musica di quasi tutti i cantoni partecipanti.

La serata si è conclusa con un ricco aperitivo che ha offerto l’opportunità di ritrovarsi insieme. Gli ospiti provenienti da tutta la Svizzera e dai paesi vicini si sono scambiati idee e hanno brindato insieme. Ai prossimi 50 anni, si è detto più volte – lo speriamo davvero.

Il documento è inteso come quadro d'azione strategico per le scuole di musica, le associazioni cantonali e la stessa VMS e contiene informazioni di base e raccomandazioni per la trasformazione digitale dell'educazione musicale. La domanda chiave è la seguente: Come sfruttare in modo efficace e sensato le opportunità della digitalizzazione per l'educazione musicale e l'organizzazione delle scuole di musica svizzere? Il concetto è concepito come un sito web. Fornisce alle scuole di musica principi e raccomandazioni di base, diventando così uno strumento per sviluppare le proprie strategie di digitalizzazione.

L'intelligenza artificiale nelle scuole di musica?

Richard-Emmanuel Eastes ha conseguito un dottorato in educazione e filosofia e lavora come comunicatore scientifico, consulente, docente e responsabile del Dipartimento di sviluppo e innovazione educativa presso l'HES-SO. È anche membro del gruppo direttivo dell'AI. È stato consulente del VMS per lo sviluppo di un concetto di digitalizzazione per le scuole di musica svizzere.

Richard-Emmanuel Eastes, come può l'IA giovare a una scuola di musica?

È importante distinguere tra strumenti e implementazione. Per il VMS, l'implementazione è importante. Quando abbiamo sviluppato il concetto di digitalizzazione, abbiamo definito quattro categorie: amministrazione, insegnamento, creazione musicale e comunicazione. I chatbot come ChatGPT sono molto utili per aiutarci a svolgere compiti che richiedono molto tempo: Scrivere lettere, verbalizzare e creare brevi relazioni. L'intelligenza artificiale può, ad esempio, convertire gli appunti scritti a mano e aiutarci a strutturare documenti, panoramiche dei corsi e orari. Esistono anche strumenti che generano immagini vivide o addirittura video. Esistono poi diversi strumenti specializzati, come Metronaute (vedi articolo nella pagina Focus, ndr), che possono essere utili in classe. Un'altra possibile applicazione sono gli strumenti che forniscono un supporto nella ricerca di idee o suoni. L'intelligenza artificiale può anche avere un effetto di supporto nell'area dell'inclusione.

Continuare direttamente a Concetto di digitalizzazione

Felix Bamert, ex membro del consiglio direttivo dell'associazione, è stato uno dei primi diplomati di questo programma di formazione continua. Quando ha assunto la direzione del Master in Pedagogia musicale dell'Università delle Arti di Berna, ha sviluppato il MAS in Music Management, un programma di formazione continua modulare che consente ai diplomati di ottenere anche il diploma di "Music School Director VMS". Il programma di formazione continua ha celebrato il suo 20° anniversario nel novembre 2025 con un ampio simposio.

VMS: Felix, quando guardi indietro agli ultimi vent'anni di MAS Music Management, come ti senti?

Felix Bamert: È una sensazione estremamente meravigliosa, appagante e arricchente. È un enorme piacere che questo sia stato possibile, con tutte le persone; la collaborazione con il VMS, i docenti e soprattutto con gli studenti e i laureati. E c'è anche un certo senso di stupore. Abbiamo potuto accompagnare così tante persone nel loro viaggio.

Ci sono stati cambiamenti importanti nella formazione continua negli ultimi anni?

Sì, siamo in costante sviluppo e sempre in movimento, per così dire. Offriamo un CAS a semestre e cerchiamo di cogliere e implementare tempestivamente nuove idee. Anche tra gli studenti ci sono diversi sviluppi e cambiamenti: Gli studenti si basano su diversi background e carriere, sono ancora più attivamente coinvolti e sono diventati più eterogenei. Mi fa piacere che molti siano interessati ad assumersi responsabilità e a diventare leader.

A proposito, è sempre bello rivedere gli ex studenti e sentire dove e come stanno viaggiando. Abbiamo laureati che dirigono scuole di musica o altre istituzioni, così come quelli che sono entrati in politica. Penso che sia fantastico: musicisti e manager dell'istruzione che contribuiscono a plasmare e modellare la società.

Da dove nasce la sua motivazione personale a impegnarsi nel campo dell'istruzione e della musica?

Ho studiato musica, ma in precedenza avevo sperimentato vari altri settori professionali e i loro aspetti. L'educazione musicale e la gestione della musica mi hanno davvero conquistato. Vedo un ampio margine di manovra e molte opportunità di sviluppo e organizzazione. Sono convinta che possiamo avere un vero impatto sociale in questo campo e attraverso di esso! Voglio trasmetterlo.

A chi è rivolto il programma MAS Music Management? Chi dovrebbe iscriversi?

In linea di principio, chiunque abbia un background musicale o educativo, sia aperto e curioso e non veda l'ora di imparare da noi e dai nostri compagni di corso. Siamo riusciti a costruire un'ampia comunità, soprattutto dopo il diploma, e vogliamo coltivarla consapevolmente. Gli insegnanti di musica e i responsabili della musica hanno molta libertà in termini di opportunità di coinvolgimento e di impatto. Tuttavia, questo comporta anche il rischio di sentirsi talvolta un po' soli. Ecco perché i contatti e il dialogo regolare sono ancora più importanti.