Dal 1974 il Percento culturale Migros aiuta i giovani ensemble svizzeri di musica da camera a lanciare la loro carriera. Quest'anno la finale si è svolta per la seconda volta in pubblico. Tre ensemble di musica da camera si sono qualificati per la finale del 7 marzo 2013 alla Tonhalle di Zurigo grazie a un'audizione svoltasi il 19 febbraio 2013: il Quartetto Belenus (quartetto d'archi) di Zurigo, il Daimones Piano Trio (trio di pianoforti) di Basilea e il Trio Rafale (trio pianistico) di Zurigo. I tre ensemble hanno dimostrato le loro capacità con un'esibizione di mezz'ora ai massimi livelli. Una giuria internazionale di alto livello ha selezionato il Trio Rafale come ensemble vincitore del premio 2013, che ha ricevuto anche il premio del pubblico.

Il Trio Rafalecomposto da Maki Wiederkehr (pianoforte) e Flurin Cuonz (violoncello) - entrambi vincitori del Premio di studio del Percento culturale Migros nel 2009 e nel 2010 - e da Daniel Meller (violino), ha impressionato la giuria e il pubblico con l'esecuzione del Trio in la minore di Ravel. L'Ensemble del Percento culturale Migros 2013 riceverà un premio in denaro di 10.000 franchi svizzeri e un sostegno completo che consentirà all'ensemble di acquisire esperienza concertistica e di raggiungere la notorietà nazionale. Tutti e tre gli ensemble finalisti saranno inseriti nel programma di concerti del Percento culturale Migros, che contribuisce finanziariamente all'impegno degli ensemble. In questo modo, gli organizzatori di concerti sono in grado di offrire concerti di alta qualità con talenti musicali svizzeri a condizioni vantaggiose.

La giuria della finale del 7 marzo 2013 era composta da:

• Reinhold Friedrich, tromba, attività concertistica internazionale come solista e musicista da camera
• Ulrich Koella, professore di pianoforte e musica da camera all'Università delle Arti di Zurigo, attività concertistica internazionale come musicista da camera e accompagnatore
• Patricia Kopatchinskaja, violino, attività concertistica internazionale come solista e musicista da camera
• Patrick Peikert, direttore di Claves Records e del Concours Clara Haskil, fondatrice dell'agenzia di concerti Applausus
• Christian Poltéra, violoncello, attività concertistica internazionale come solista e camerista

 

Il Percento culturale Migros sostiene i giovani artisti svizzeri dal 1969 attraverso concorsi di talento organizzati a livello nazionale e premi di studio e di sponsorizzazione. I premi di studio consentono ai giovani talenti di finanziare la propria formazione in Svizzera e all'estero. I premi di studio sono dotati di 14.400 franchi svizzeri ciascuno. I vincitori di premi di studio di eccezionale talento ricevono premi di sponsorizzazione. Questi includono misure di sostegno a lungo termine e personalizzate, come opportunità di rendimento, coaching e promozione. I concorsi si tengono ogni anno nelle seguenti categorie: Teatro di movimento, canto, musica strumentale, musica da camera (biennale), teatro e danza.

Ad oggi, circa 2.800 talenti promettenti sono stati sostenuti con un totale di 37 milioni di franchi svizzeri e accompagnati nel loro percorso dalla formazione alla carriera con misure di sostegno complete. Sulla sua piattaforma di talenti online, il Percento culturale Migros presenta i talenti eccellenti con le loro biografie e con esempi visivi e audio. Gli organizzatori culturali, i creativi e le agenzie artistiche possono così scoprire in modo facile e semplice i talenti emergenti.

Concorsi per talenti: www.migros-kulturprozent.ch/talentwettbewerbe
Piattaforma di talenti online: www.migros-kulturprozent.ch/talente
 

"Pensare da soli è criminale" è il loro motto, il dilettantismo professionale è il loro concetto artistico e il femminismo è un punto d'onore: il gruppo femminile Les Reines Prochaines, noto per le sue stravaganti performance multimediali, lavora come collettivo dal 1987, anche se i membri sono cambiati di volta in volta. Solo Muda Mathis è presente fin dall'inizio. Le quattro leggendarie artiste Muda Mathis, Michèle Fuchs, Sus Zwick e Fränzi Madörin hanno diversi buoni motivi per partecipare al loro tour svizzero: L'album Blut, appena battezzato (SMZ 2/2013, pag. 22), il nuovo programma live Syrup of Life e un film documentario sul loro cambio di marcia (regia di Claudia Willke).

Nel vostro album c'è una splendida canzone intitolata "Oh what would I like to do". Cosa ti piacerebbe fare in questo momento?
Muda Mathis: Ora vorrei stare al mare, al sole, sotto le palme.
Michèle Fuchs: Anch'io sarei lì e poi ci incontreremmo per caso e mangeremmo pesce.
Sus Zwick: E tra una cosa e l'altra facevamo anche un concerto.
Fuchs: ... sarebbe stato il nostro tour nei mari del sud.

Se volessi diventare un membro dei Reines Prochaines, a maggior ragione grazie a questo allettante tour nei mari del Sud: Come sarebbe il vostro processo di candidatura?
Mathis: Di certo non faremmo alcun casting, anzi: dovreste portare i vostri talenti specifici, rappresentarli con veemenza e poi crescere gradualmente nelle nostre vite.
Fuchs: Ma si può anche venire con un'idea specifica, che deve avere una spinta ed essere allo stesso tempo esotica e modesta. In sostanza, siamo molto curiosi di sapere cosa non abbiamo ancora.

Lei parla di criteri tipici di un'idea. C'è un impegno nei confronti della lunga storia di Pure Prochaine?
Fuchs: In realtà non c'è limite ai temi e alle idee, ma c'è un limite alle nostre capacità. In questo contesto ci siamo appropriati di alcuni media. Poiché sviluppiamo molto insieme, nel tempo abbiamo imparato un linguaggio comune. Io guardo sempre a Muda, perché è la nostra grande pensatrice.
Mathis: Molto bene!

Les Reines Prochaines è stato creato nello spirito turbolento degli anni Ottanta. All'epoca c'era un approccio all'arte e alla musica che oggi le manca?
Mathis: Vedo piuttosto delle analogie tra gli anni Ottanta e oggi. La collaborazione viene nuovamente enfatizzata, così come l'azione politica. Gli anni Ottanta sono stati ideologici, abbiamo alimentato le speranze con il mestolo e sperimentato altri modi di vivere. Solo ora che ne vediamo di nuovo i segni mi rendo conto di cosa mi sono perso nel frattempo. Ma forse è semplicemente dovuto alle fasi della vita. A 20 anni si è ribelli e a 40 si diventa domestici.

Come si manifesta la domesticità in Les Reines Prochaines?
Mathis: Sicuramente si manifesta in una sorta di continuità e professionalità. Non cambiamo continuamente il nome della band. Non continuiamo a distruggere il prodotto. Non ci ritiriamo, continuiamo a farlo. Gli anni Novanta sono stati davvero schifosi e noiosi. Negli anni Novanta siamo state in qualche modo registrate come donne strane e abbiamo fatto parte dell'arredamento. Il bonus bebè non c'era più.
Zwick: ... e ora abbiamo il bonus età e tutto è di nuovo a posto.

L'invecchiamento è politico?
Zwick: È sicuramente un'affermazione stare sul palco quando si invecchia.
Mathis: Il corpo femminile è quasi incapace di sfuggire alla politicizzazione. E poi siamo anche dilettanti. E poi non siamo nemmeno conformi agli standard di bellezza. E così via...
Fuchs: Ma oltre all'invecchiamento esterno, si tratta anche di un processo di maturazione interna. Ora che siete in grado di sostenere le cose con l'esperienza, siete invitati a parlare chiaramente. E la cosa bella è che si viene interrogati molto meno.

La chiara denominazione attraversa anche il vostro nuovo album "Blut" e non mi riferisco solo alla canzone sulla menopausa che parla dell'ultimo periodo mestruale. State tornando a fare dichiarazioni politiche. A cosa vi state ribellando?
Fuchs: Sì, le accuse crude sono molto divertenti! Abbiamo riferimenti alle Pussy Riot e una canzone anti-consumo. Dice: "Non essere un consumatore e non essere un ospite. Non essere un cliente, sii una ferita nel grande sistema capitalista". La cantiamo in concerto, abbiamo la coscienza pulita e siamo felici dei CD che vendiamo (ride). È così che funziona.

Musicalmente, rimanete fedeli a voi stessi e continuate a far collidere trash pop e cabaret, folk minimalista e tango poliglotta. In che misura la Svizzera è presente nella vostra musica?
Fuchs: Bella domanda... Siamo sicuramente influenzati dalla Svizzera in qualche modo, perché non potremmo fare musica balcanica così facilmente. Gli strumenti che scegliamo sono sicuramente svizzeri. Non vogliamo rinnegare le nostre origini, ma non abbiamo nemmeno un legame stretto con la musica tradizionale.
Mathis: Da bambino facevo parte della banda del paese, ma non è stata la musica a influenzarmi, quanto piuttosto l'esperienza di suonare insieme.

Su cosa si basa la creazione di una canzone?
Fuchs: A volte prendiamo come ispirazione canzoni esistenti. Mentre suoniamo e improvvisiamo, la canzone si sviluppa in modo tale che l'originale non è più riconoscibile. È il nostro modo di essere creativi.

I vostri programmi sono di solito unità autonome. Qual è il vostro rapporto con le canzoni precedenti, devono finire in un cassetto dopo un tour?
Zwick: Quando ascolto le canzoni del passato, di solito penso che siano fantastiche.
Fuchs: In realtà, abbiamo sempre voluto un repertorio. Ma non è così facile: innanzitutto, a volte non riusciamo a riprodurre una canzone. È stato tutto suonato in modo così casuale al momento della registrazione che non è mai possibile riprodurlo. In secondo luogo, ci sono sempre stati altri membri della band coinvolti e non possiamo prendere il loro posto nella formazione attuale.

Tra il suo pubblico ci sono molte giovani donne. Si sente un modello da seguire?
Fuchs: Beh, siamo più a metà strada tra le figure di identificazione e le superfici di proiezione.
Mathis: Il modello, se mai, è il progetto spirituale dei Reines Prochaines e non noi come persone con la nostra biografia concreta. Quando le persone ci conoscono, l'immagine si demistifica molto rapidamente. Ma poiché abbiamo un forte elemento narrativo nei nostri testi, la superficie di proiezione è molto ampia. Ci sono le idee più fantastiche che vengono interpretate nei nostri testi.

Per esempio?
Mathis: ... che noi quattro dormiamo in un unico letto.

Concerti
27 aprile: Berna, Reitschule, sala delle donne
1 giugno: Zurigo, Rote Fabrik, nell'ambito del festival Okkupation

www.reinesprochaines.ch
 

Formatasi in danza contemporanea e studi di danza presso il Laban Centre for Movement and Dance di Londra e la London City University, si è poi formata come manager culturale con un Executive Master of Arts Management presso la ZHAW.

Nel 2012 ha conseguito un diploma di leadership con un focus sulla gestione sistemica delle reti presso il St. Gallen Management Institute SGM.

Eva Richterich è membro del Consiglio di fondazione della Fondazione Emil e Rosa Richterich Beck e dell'Archivio svizzero della danza, nonché membro del Consiglio di amministrazione di Ricola Holding AG. Ha una figlia e vive a Zurigo con il suo compagno e la figlia.

Per saperne di più: www.kultur-vermittlung.ch

Ci sono progetti edilizi per i quali gli architetti si leccano le dita. La progettazione di una sala da concerto è certamente uno di questi. Nonostante i complicati aspetti acustici, nonostante i vincoli spaziali e nonostante alcuni desideri particolari del committente, l'architetto è in grado di sviluppare le sue idee speciali: si veda l'altrettanto costosa e affascinante Elbphilharmonie di Herzog & de Meuron, l'imponente Zénith de Saint-Étienne Métropole di Norman Foster o la Filarmonica di Berlino di Hans Scharoun, inaugurata nel 1963.

Non solo gli edifici di Foster e Scharoun sono inclusi nel libro fotografico. Sale da concerto da vedere. In totale, il curatore Michel Maugé presenta 104 case europee in gran parte note. Il fotografo Manfred Hamm ha scattato delle bellissime immagini, sia degli interni che degli esterni degli edifici del XVIII, XIX e XX secolo. La raccolta si basa su una "prospettiva principalmente estetica", scrivono Michael Astroh e Manfred Hamm nella prefazione. In definitiva, però, si potrebbe anche parlare di estetismo portato all'estremo quando si osservano le vedute interne deserte delle grandi sale, che spesso ospitano fino a 2.200 persone. Le immagini "suonano" nella testa anche senza musicisti sul palco. Tuttavia, il fatto che l'architettura sia in definitiva fatta "per le persone" si perde di vista in una forma di presentazione troppo sterile e asettica.

Anche Michael Astroh, autore del testo introduttivo "Spaces of Music", deve sopportare l'accusa di una presentazione meno "fondata" e poco realistica. Scrive troppo poco su problemi specifici, che si tratti di questioni acustiche o dei particolari requisiti architettonici delle opere del XX e XXI secolo. Il filosofo Astroh oscilla invece tra generalizzazioni e osservazioni stranamente ridondanti su qualcosa come costellazioni metafisiche. Dopo episodi elaborati come il seguente, si preferisce passare alle numerose fotografie a colori e in bianco e nero: "In una cultura tecnologicamente orientata, l'arte e l'intrattenimento sono in evidente contrasto tra loro. I loro obiettivi diversi, da un lato l'interiorizzazione condivisa di un'espressione autonoma, dall'altro l'esperienza intensa, qui e ora, di una percezione e di un movimento condivisi, richiedono strategie estetiche diverse. Tuttavia, le alternative convergono nell'apoteosi di una soggettività comunitaria che si basa sui suoi beni culturali." (p. 23) Ebbene, sì.

Sale da concerto, fotografie di Manfred Hamm, a cura di Michel Maugé, 192 p., € 98,00, m:con Edition, Mannheim 2012, ISBN 978-3-9814220-0-9

Dopo mezzo secolo di sole opere di Willi Apel La notazione della musica polifonica (inglese 1942, tedesco 1962) ha introdotto la lettura degli spartiti originali, ora sono stati pubblicati due nuovi libri di testo sulla notazione musicale antica. Tuttavia, sebbene entrambi si intitolino "Studi di notazione", non potrebbero essere più diversi; un confronto sarebbe come paragonare mele e pere. Il libro di Schmid, professore emerito di musicologia di Tubinga, è in gran parte simile a quello di Apel, mentre Paulsmeier, che ha insegnato la materia per 30 anni all'Accademia di Musica Antica di Basilea, presenta qualcosa di completamente indipendente.

L'obiettivo di Schmid è quello di presentare lo sviluppo della notazione musicale dal Medioevo al 1900, con scorci di antichi predecessori, neumi, intavolature, ecc. Uno dei suoi obiettivi principali è quello di "risvegliare la comprensione delle funzioni della notazione e del suo ruolo attivo nel processo della storia della composizione". I capitoli, organizzati in modo molto chiaro, sono regolarmente accompagnati da compiti in cui, ad esempio, la notazione originale mostrata in facsimile deve essere tradotta in notazione moderna o si deve rispondere a domande di conoscenza. Ciò dimostra l'origine del libro nell'insegnamento universitario, dove gli studenti di musicologia dovevano padroneggiare questo materiale in un solo (!) semestre. I compiti sono pubblicizzati come "corso digitale", ma si tratta semplicemente di compiti testuali in formato pdf, anche se in questo caso sarebbe stato possibile fare qualcosa di completamente diverso. È anche strano che il libro utilizzi una goffa trascrizione con notazione musicale pseudo-storica della cosiddetta Scuola di Monaco, che si spera non si diffonda grazie alla conoscenza della notazione di Schmid.

La pubblicazione di Paulsmeier è il primo di un totale di tre volumi dedicati esclusivamente alla notazione dei secoli XVII e XVIII - un periodo che Schmid tratta in poche pagine, poiché qui c'è poco di sistematico da segnalare e la musica è apparentemente facile da decifrare, a parte le proporzioni che sono importanti nella pratica. Gli altri due volumi tratteranno poi la fine del XII-XIV secolo e il XV e XVI secolo. Il punto di partenza della Paulsmeier è anche la musica originale, ma vuole espressamente rimanervi: si astiene dal tradurla in notazione moderna, ma utilizza invece numerosi facsimili come guida alla lettura e alla riproduzione autonoma della musica registrata. L'autrice incoraggia inoltre il lettore a cantare o suonare gli esempi - dopo tutto, si tratta di musica (allo stesso tempo, questo si riferisce alle origini del libro nell'insegnamento presso la Schola Cantorum Basiliensis). L'abbondanza di esempi non serve a esemplificare un sistema, ma piuttosto a mostrare le numerose deviazioni pragmatiche da un sistema di notazione di base, così come sono sempre state praticate da compositori e musicisti.

Come ho detto, mele o pere: se volete avere una visione dello sviluppo della nostra notazione musicale con uno sforzo gestibile, dovreste leggere il libro di Schmid. Se invece volete acquisire una conoscenza più dettagliata della musica registrata nella notazione originale, vi consigliamo il corso di Paulsmeier.

Manfred Hermann Schmid, Notationskunde. Schrift und Komposition 900-1900, Kassel ecc: Bärenreiter 2012 (Bärenreiter Studienbücher Musik 18)

Karin Paulsmeier, Notationskunde 17. und 18. Jahrhundert, Basel: Schwabe 2012 (Schola Cantorum Basiliensis Scripta 2)

 

Per celebrare l'Anno Liszt 2011, la casa editrice Doblinger ha invitato compositori di vari stili a scrivere una dichiarazione sul compositore sotto forma di un breve brano per pianoforte. Il risultato è una raccolta di dieci composizioni che non potrebbero essere più diverse tra loro e che, naturalmente, di solito ci parlano più dei compositori stessi che di Liszt...

C'è il testo poetico-patetico di Johannes Berauer ma gli uccelli cantano ancora o il parodistico (o già sarcastico?) di Rainer Bischof Sognato: A Liebestraum n. 3che si trasforma in un incubo. Radicale poi il Lavoro in ritardo di Bernd Richard Deutsch per pianoforte preparato. Arguto e grato di suonare Tristan Schulzes Per Franz, il Lisztiancosì come il Fugato di Wolfram Wagner, alimentato dal tema principale del primo concerto per pianoforte di Liszt. Johanna Doderer, l'unica compositrice di questo gruppo, scrive una breve danza della morte che stuzzica l'appetito. Poi, un po' malamente Dédicace tardive di Peter Planyavsky. Un notturno soft-pop nello stile di Richard Clayderman, che non tradisce il livello di questo musicista altrimenti così originale.

Il pezzo forte della collezione è probabilmente Un parere personale sul 4° movimento della Sinfonia Dante di Liszt di Mathias Rüegg. In sole sei pagine, il compositore ci fa attraversare una montagna russa di emozioni e stili con fuoco e umorismo. Probabilmente il maestro stesso avrebbe approvato!

Liszt a: Hommage to Franz Liszt, brani di Johannes Berauer, Rainer Bischof, Bern Richard Deutsch, Johanna Doderer, Peter Planyavsky, Mathias Rüegg, Helmut Schmidinger, Tristan Schulze, Erich Urbanner, Wolfram Wagner, D 01684, € 20,65, Doblinger, Vienna 2011

 

Le canzoni politiche di Eisler

Prima ancora degli omaggi a Verdi e Wagner, la casa editrice Breitkopf & Härtel ha colto l'occasione per pubblicare un bel volume di 20 canzoni in occasione del 50° anniversario della morte di Hanns Eisler (6 settembre 2012). Finora non è stato così facile reperire questi spartiti, mentre le registrazioni, anche le prime storiche con il cantante Ernst Busch, sono disponibili da tempo. Oltre a brani noti e da tempo fuori catalogo (come l'omonimo Stempellied), il libretto contiene edizioni migliorate (ad es. Canzone della cupola da Brecht Le teste rotonde e le teste appuntite) e sette prime edizioni.

Con le sue canzoni politiche sulla disoccupazione, la fame e la guerra, Eisler colpì molto negli anni Venti e Trenta; tradusse ingegnosamente i testi di Brecht, Tucholsky e altri in musica ispirata. Non c'è da stupirsi che sia dovuto emigrare dalla Germania come ebreo comunista. Ma non c'è nemmeno da stupirsi che, nonostante il grande successo nel mondo del cinema americano, sia tornato nella Germania (dell'Est) subito dopo la fine della guerra, tornando alla sua

Mark Brandenburg, tu sei un sabbiatore,
ma havelwellenbrandige
prati ricchi di patate!
Tu, donna dal legno verde
e sempre appartenenti a me
una natura che è un po' un fallimento!

(Testo di Robert Gilbert su Saluti al Mark Brandenburgcomposto in esilio e anch'esso incluso in questa raccolta).

Canzoni e ballate è un'edizione assolutamente piacevole. Una dettagliata prefazione in tedesco e in inglese dei curatori Peter Deeg e Oliver Dahin fornisce informazioni sulla vita e l'opera del compositore, e le note di ogni canzone non si limitano ai riferimenti, ma sono esse stesse piccole storie sui parolieri, sulla genesi delle canzoni, sugli interpreti, sui luoghi di esecuzione ecc. Quando i ricci la sera.

Hanns Eisler, Keenen Sechser in der Tasche, canzoni e ballate per voce e pianoforte, a cura di Oliver Dahin, Peter Deeg, DV 9073, € 20,00, Breitkopf und Härtel, Wiesbaden 2012

Le orecchiabili melodie di Bernstein

Il volume Canzoni di Broadway di Bernstein unisce dodici titoli di Leonard Bernstein da West Side Story, 1600 Pennsylvania Avenue, Candide e Città meravigliosa. Le cinque canzoni dell'album West Side Story sono arrangiati da Carol Klose, gli altri da Rachel Chapin, come facili arrangiamenti per pianoforte. Questi forniscono un basso leggero a sinistra, la voce cantata nel sistema della mano destra o leggere aggiunte melodiche negli intermezzi. Al di sopra di tutto ci sono le designazioni armoniche in lettere, non immediatamente decifrabili per occhi di formazione classica.

Si tratta di una ristampa dell'edizione del 1957, chiaramente leggibile con spartiti di grandi dimensioni. È bello che queste composizioni di Bernstein, molto divertenti e adatte alla voce, come le orecchiabili melodie, siano state realizzate da Bernstein. America o Maria -può essere ricomprato. Purtroppo, a parte l'elenco dei titoli, l'edizione non fornisce alcuna informazione, nessuna prefazione e nessun dettaglio sui singoli musical, come invece si può trovare nelle edizioni Schirmer e Hal Leonard più vecchie.

Leonard Bernstein, Broadway Songs, Easy Piano, a cura di Carol Klose, BHL 24648, € 14,99, Boosey & Hawkes/Hal Leonard, New York 2011

No, non è un "compendio", cioè una breve traccia, l'opera fondamentale sulla tecnica chitarristica del celebre chitarrista e didatta tedesco Hubert Käppel - anche se nel sottotitolo è etichettata come tale. La tecnica della chitarra da concerto moderna descrive in modo dettagliato ed esauriente le attuali tecniche di esecuzione e fornisce il relativo materiale per la pratica. Käppel fa riferimento alle opere standard di Pujol e Carlevaro, tra gli altri, ma finora non esisteva nulla di paragonabile in lingua (originale) tedesca.

La prima parte inizia con alcune riflessioni sulla pratica sistematica, seguite da una discussione dettagliata sulla postura e sulle sequenze di movimento per la mano destra e sinistra, con posizioni chiare sulle singole questioni e tuttavia non dogmatiche. Anche se non tutti i chitarristi possono essere d'accordo con ogni dettaglio, le istruzioni dettagliate sono molto istruttive. L'ampia seconda parte è dedicata agli esercizi di tecnica. All'inizio, tutti gli arpeggi possibili sono disposti su oltre 40 pagine. C'è anche molto spazio per le legature, mentre le tecniche del flamenco sono trattate solo marginalmente. La terza parte finale tratta le diteggiature e alcuni altri argomenti come il suonare a memoria e la paura del palcoscenico. È un po' sorprendente che l'accordatura della chitarra sia trattata qui e non nelle nozioni di base all'inizio. I piani di pratica, che si basano su tempi di allenamento della tecnica da tre quarti d'ora a tre ore, dimostrano che il libro si rivolge a studenti e professionisti, ma che difficilmente è adatto come libro di testo per le scuole di musica (cosa che viene suggerita anche nella prefazione).

Nonostante l'approccio sistematico, la decennale esperienza pratica di Käppel come chitarrista e insegnante traspare di volta in volta. Interessante è il "principio delle quattro cornici della mano", in cui tutti i movimenti della mano sinistra vengono ricondotti a quattro posizioni di base. Per quanto riguarda la diteggiatura della mano destra, Käppel non ha paura di propagare l'uso dello stesso dito più volte in successione. Nonostante lo sforzo di completezza, ci sono anche aspetti individuali che non vengono presi in considerazione. Ad esempio, manca la possibilità di utilizzare il pollice per gli armonici artificiali e non viene affrontata la gestione del rumore di fondo quando si cambia posizione sulle corde basse. Il libro di 250 pagine in formato A4 verrà probabilmente utilizzato più come opera di consultazione che come corso. Solo tra qualche anno potremo giudicare se diventerà un'opera standard per la chitarra del XXI secolo.

Hubert Käppel, Die Technik der modernen Konzertgitarre, compendio dettagliato sulle basi e le tecniche di esecuzione della chitarra nel XXI secolo con una sezione pratica completa e progressivamente strutturata, € 26,95, Art. N. 610425, AMA-Verlag, Brühl 2011

Due mani, dodici tasti, la gioia di suonare e l'ispirazione: è questo che serve per scrivere miniature, come fa il pianista e compositore Thierry Huillet (*1965) con Treize à la douzaine ha fatto. Questi tredici racconti, in realtà rime contate, per pianoforte (Comptines pour piano) sono ideali per introdurre gli alunni di livello intermedio inferiore alla musica più recente. I brani, molto brevi e con titoli come Più lombi, Pierrot, Arc-en-ciel o Larme sono scritti in un linguaggio tonale molto personale e, nonostante i mezzi scarsi, non mancano di poesia e fascino tonale. "A la douzaine" si riferisce alle 12 note dell'ottava, che spesso ricorrono tutte in un brano. Questa musica colorata è concepita interamente dal pianoforte e le sue strutture chiare aiutano a placare la paura di suoni sconosciuti e di molte accidentali. Eseguita a ciclo continuo, dura cinque minuti e mezzo. Anche gli esecutori più avanzati dovrebbero apprezzare questi brani e posso sicuramente raccomandarli come brevi pezzi da recital.

Thierry Huillet, Treize à la douzaine, comptines piano, AL 30 595, ca. € 12,50, Alphonse Leduc, Parigi 2011

Charles Ives: A Songbook; arrangiato per voci ed ensemble da camera da Sebastian Gottschick. Jeannine Hirzel, mezzosoprano; Omar Ebrahim, baritono; ensemble für neue musik zürich. Ha oraART 183

Anna Kaenzig spiega questa influenza dicendo che suo padre è cresciuto negli Stati Uniti e che la musica l'ha influenzata fin da bambina. Si è ispirata in particolare a cantanti come Emmylou Harris e Bonnie Raitt; in alcuni punti si sente anche Joni Mitchell. Le lezioni di jazz si riconoscono al meglio nella sua voce sfumata, che ricorda il fraseggio sognante di Norah Jones. Le canzoni, la maggior parte delle quali scritte dalla stessa Anna Kaenzig, sono essenzialmente alimentate da questa voce accattivante. I suoi testi sono cantati in modo accattivante e senza sforzo e, in linea con l'atmosfera musicale di base, sono per lo più fluttuanti e malinconici e hanno a che fare con la voglia di viaggiare, ma anche con la nostalgia di casa. Anna Kaenzig e i cinque musicisti che la accompagnano dimostrano un'eccellente maestria nella realizzazione delle delicate canzoni.

Anna Kaenzig: Stagioni di presentazione. Distribuzione: annakaenzig.com

Il secondo album di Anna Kaenzig è curato nei minimi dettagli - e può quindi sembrare un po' stazionario. Almeno rispetto all'album di debutto di JJ & Palin, il progetto di Sarah Vieth e Hans-Jakob Mühlethaler. I due attingono a Nel frattempo a Kolin Attingono a tutti i tipi di elementi retrò, dal folk al blues e al gospel. Tuttavia, non lo fanno in modo nostalgico, ma in modo estremamente individuale e talvolta ammiccante. Utilizzando tutti i tipi di strumenti, creano un paesaggio sonoro rauco e sempre sorprendente che lascia sempre molto spazio alla voce di Sarah Vieth. E giustamente, perché la venticinquenne affascina con un'enorme gamma di espressioni.

JJ & Palin: Nel frattempo a Kolin. Distribuzione: irascibile.ch

La prassi esecutiva storicamente informata è arrivata nella vita concertistica. Quasi tutti i festival e gli organizzatori di concerti includono oggi nei loro programmi ensemble di musica antica. Tuttavia, l'improvvisazione è ancora estremamente rara. Sebbene sia stata praticata per secoli, il gioco libero con le copie stilistiche sembra oggi strano. Le Giornate di Studio sull'Improvvisazione della Schola Cantorum Basiliensis di quest'anno sono state dedicate a questo argomento sotto l'ambiguo tema generale di Concerto.

L'improvvisazione - e l'insegnamento dell'improvvisazione in particolare - è da tempo un tema importante per la Schola, ha detto Pedro Memelsdorff, che ha assunto l'incarico nel gennaio di quest'anno, nel suo discorso di benvenuto. Ha anche riconosciuto la leadership mondiale della Schola in questo settore. Ha anche fatto riferimento ai numerosi punti di contatto con altre discipline che lo studio del concetto di improvvisazione offre: Scrittura e memoria, testo e sottotesto, eventi fissi e fissabili, percezione del passato da parte degli ascoltatori.

Il docente della Schola Sven Schwannberger si è concentrato sul tema principale di quest'anno, il concerto. Poiché tutti gli usi odierni del termine - concerto strumentale, esecuzione rituale (dal vivo), titolo di un dipinto - non erano comuni nel XVI e XVII secolo, ha cercato nel contesto storico e ha trovato una varietà di significati per la parola: Etienne Mouliniés (1599-1676) Concerto dei diversi oiseaux descriveva il soprannaturale e l'effetto affettivo e confortante del canto come "concerto", Michael Praetorius intendeva il "con-certare" come una schermaglia tra due avversari, come "con-centus", e il termine si trova infine in numerosi frontespizi come canto congiunto. Le opere in cui si esibiscono più voci strumentali e vocali erano spesso indicate come "concerto"; a partire dal 1761, il termine fu usato anche per descrivere un'intera orchestra.

Uno sguardo al laboratorio ...
Come spesso accade, e questo è ciò che rende così vivi gli eventi accademici della Schola Cantorum Basiliensis, le spiegazioni etimologiche sono state seguite da uno sguardo al laboratorio. Schwannberger ha mostrato come tali scoperte possano essere utilizzate in classe. Ha improvvisato con i suoi studenti, un cantante e due violinisti, ad hoc sul palco: musicalmente nello stile di Frescobaldi, nella forma di un concerto di Monteverdi - e con un suono meravigliosamente fresco.

Anche Markus Schwenkreis (sui blocchi concertanti nei partimenti italiani), Rudolf Lutz (su ritornello ed episodio nei concerti per pianoforte e orchestra di Wolfgang Amadeus Mozart) e Dirk Börner, tra gli altri, hanno tenuto un workshop di questo tipo, in cui si sono sapientemente combinate esecuzione musicale e lezione accademica. Quest'ultimo ha cercato di leggere gli arrangiamenti di Johann Sebastian Bach dei concerti vivaldiani come istruzioni per l'improvvisazione. La sua analisi ha rivelato gli elementi costitutivi della composizione e la sua esecuzione li ha riassemblati in nuova musica attraverso l'improvvisazione: un'impressionante dimostrazione di ricerca musicale pratica.

... al concorso musicale …
Infine, Arthur Godel si è concentrato sulla concertazione nel senso latino del termine, il concorso musicale, nella sua conferenza con il supporto musicale di Rudolf Lutz. Godel ha ricordato controversie importanti nella storia della musica - come la controversia sui buffonisti in Francia, la disputa tra Wagner e Brahms - e si è chiesto quale sia il posto delle controversie musicali oggi. Nella composizione di oggi, ha detto, siamo arrivati al "tutto è permesso"; la competizione musicale si è spostata al livello degli esecutori e del culto delle star.

... e nel futuro
Tuttavia, la tavola rotonda finale con tutti i relatori ha individuato un'altra area di contesa: la competizione tra l'improvvisazione e le strutture consolidate dell'educazione musicale. In questo caso, l'esecutore e l'opera che interpreta sono ancora in primo piano; l'improvvisazione e la copia stilistica sono viste come secondarie. Ma come si possono rompere queste strutture, che rappresentano un anacronismo nella musica antica? L'opinione unanime è che occorrono insegnanti di materie importanti che abbiano sperimentato nella loro formazione quanto le lezioni di improvvisazione siano stimolanti per il loro stesso modo di suonare. E: l'improvvisazione deve essere offerta anche nelle scuole di musica generale. Perché solo chi la vive come un modo naturale di fare musica fin dalla più tenera età può avventurarsi senza paraocchi in questo terreno difficile.
 

Otto Nicolais Le allegre comari di Windsor è in realtà una grande opera per circa dieci solisti, coro e balletto. Qui è ridotta e abbreviata. Al posto dell'orchestra viene utilizzato il pianoforte. Rimangono i tre ruoli centrali dell'intrigo: Mrs Fluth, Mrs Reich e Sir John Falstaff. Tre studenti di Barbara Locher della Scuola di Musica di Lucerna hanno personalizzato questo pezzo per mettere alla prova le loro abilità canore e recitative.

Anche nella sua forma estremamente condensata, la storia del grasso e impoverito Sir John Falstaff, che osa scrivere la stessa lettera d'amore a due scaltre signore sposate, nasconde molte possibilità comiche.

Cast: Rebekka Bräm, soprano; Eva Herger, contralto; Alexandre Beuchat, basso; Stefka Rancheva, pianoforte; Andrew Dunscombe, regista

Le rappresentazioni avranno luogo il 25 aprile 2013 alla BLVD di Zurigo, il 27 aprile al Kächschür Oberdorf di Soletta e il 4 maggio all'Aula Reussbühl di Lucerna.

 

La mostra itinerante crescere - ancorare - brillaren accompagna l'Orchestra Sinfonica di Argovia per tutta la stagione del suo anniversario. Cinque torri triangolari illuminano la storia dell'orchestra e quindi anche la vita musicale del Cantone di Argovia.

Sibylle Ehrismann e Verena Naegele, curatrici della mostra itinerante, hanno raccolto molti aneddoti sorprendenti e dettagli interessanti sulla storia dell'orchestra. Ad esempio, la star del violino Nigel Kennedy ha suonato con l'Orchestra Sinfonica di Argovia come giovane talento.
Oltre a una panoramica dei vari periodi e dei rispettivi direttori principali, la mostra illustra lo sviluppo dell'ensemble da orchestra di insegnanti di musica a orchestra di rilevanza nazionale e "faro" culturale del Canton Argovia.

La mostra, in tournée dal settembre dello scorso anno, è ora visitabile dal 4 al 26 aprile nella sala degli sportelli della Aargauische Kantonalbank, presso la sede centrale di Aarau.

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Il musical è basato sul bestseller mondiale "Alice nel Paese delle Meraviglie" e sulla biografia dell'autore Lewis Carroll, la cui storia descrive un viaggio in mondi surreali che affascina ancora oggi. Spesso fraintese come personaggi per bambini, le figure del romanzo - il Bianconiglio, la Regina degli Scacchi e Humpty Dumpty - sono inquietanti abitanti di un assurdo mondo dei sogni attraverso il quale la protagonista vaga alla ricerca di un senso nel nonsenso.

Il compositore stesso definisce questo viaggio "Un'odissea nel sogno e nel nonsenso", per il quale ha inventato una miscela tipica di Waits di ballate jazz malinconiche e ritmi ruvidi. La prima svizzera è in programma il 28 marzo alle 19.30 al Teatro di Lucerna.

Ulteriori esecuzioni: 5.4., 14.4., 18.4., 20.4., 22.4., 26.4., 19.5., 6.6. e 16.6.2013