Da trent'anni cerco un libro di storia della musica "europea" per gli studenti. Nonostante la ricchezza di riflessioni e idee stimolanti ("immaginazione critica", p. 8), il libro di Gernot Gruber Storia culturale della musica europea inadatto al mio scopo. Nonostante le idee plausibili, questa non è una storia della musica, ma una ruminazione su di essa. Il fatto che le diverse epoche siano trattate da prospettive diverse è pragmatico e vantaggioso. Tuttavia, la gamma che va dal semplice riferimento a ciò che è stato studiato (la musica del primo millennio), alle complicate considerazioni storico-musicali (il XVIII secolo) e alla semplice citazione di nomi (ancora e ancora) è un po' troppo ampia.

L'ultima delle sette illustrazioni è a p. 77; non c'è un solo esempio musicale. Come intende l'autore soddisfare la triade "conoscere, vedere e sentire" (p. 1)? Non sono i risultati dei compositori e le bellezze della musica a brillare qui, ma l'erudizione dello storico. Troppo spesso, infatti, è necessaria una notevole competenza per supporre cosa l'autore stia cercando di sottintendere con i commenti a margine. La lingua tedesca gli tende trappole insormontabili con terminazioni astratte come -ung e -ation, invece di permettere alle performance musicali di svolgersi concretamente e semplicemente davanti all'occhio e all'orecchio del lettore. Che cosa si intende per "strutturazione flessibile" e "condensazione" per un compositore (J. S. Bach) di cui non viene usata una sola composizione come esempio di spiegazione? È particolarmente fastidioso nominare i compositori (e al massimo i titoli delle opere) senza un solo commento sulla loro musica.

Se la musica svizzera dal 1968 al 1991 viene delineata con tre nomi (Klaus Huber, Rudolf Kelterborn e Heinz Holliger), ciò è unilaterale. Se di quest'ultimo rimane solo "Heinz Holliger (*1939), famoso in tutto il mondo come oboista, è stato professore all'Accademia di Musica di Friburgo dal 1975 ed è ancora oggi molto influente come direttore d'orchestra e compositore in Svizzera e per la Svizzera", allora questo è privo di senso, solo parzialmente corretto e quindi inadatto all'interno di una "[...] storia della [...] musica".

Il mio punto di partenza era una domanda specifica; la risposta è negativa. Come recensore, sono interessato all'orientamento, al concetto e alla sua realizzazione. Questo non significa che il libro non possa essere letto con profitto come fonte di informazioni. L'autore sa come rendere chiari i riferimenti nuovi e sconosciuti e utilizzare la sua ricchezza di conoscenze per provocare un nuovo modo di pensare alla storia della musica.

Gernot Gruber: Storia culturale della musica europea. Dalle origini ai giorni nostri, 832 p., € 49,99, Bärenreiter/Metzler, Kassel/Stoccarda 2020, ISBN 978-3-7618-2508-2

All'insegna del motto "bestiale!", quattro musei di Basilea uniscono le forze per un'ampia esplorazione del mondo animale in molte culture. Oltre al Museo di Antichità di Basilea e alla Collezione Ludwig (Animali e creature ibride nell'antichità), il Museo della Farmacia dell'Università di Basilea (Dall'animale al principio attivo) e il Museum der Kulturen Basel (Non c'è cultura senza animali), anche il Museo della Musica del Museo Storico di Basilea partecipa a questo grande progetto. La sua mostra, allestita nelle sale dell'ex centro di detenzione di Lohnhof, porta il titolo ambiguo di Il suono degli animali. Si applica alla musica prodotta dagli animali stessi e a quella prodotta dall'uomo con materiali animali.

Mentre la prima parte riunisce tutti i tipi di uccelli canori per fare musica, la seconda dimostra in modo altrettanto impressionante quanta sostanza animale ci sia negli strumenti musicali.

Le 16 stazioni multimediali non solo raccontano molto del canto delle balene, degli animali nella musica classica e del suono dei corni naturali, ma anche di cose bizzarre. Ad esempio, viene commentato lo storico organo per uccelli "Serinette", il cui nome deriva dal lucherino (in francese: serin) (N.d.T., vedi articolo Il serinage degli oiseaux di Laurent Mettraux in SMZ 1/2019, pag. 16). Veniva utilizzato per insegnare alcune melodie a un uccello canoro intrappolato in una gabbia. Un registratore chiamato flageolet veniva utilizzato per incoraggiare gli uccelli a cantare in generale. Naturalmente, nella stanza dei bambini non mancano gli animali che fanno musica o ballano, dato che numerose esposizioni sono state concepite appositamente per i bambini. Gli animali preferiti nelle canzoni dei bambini si trovano in piccole grotte.

I materiali animali presenti nell'ambiente musicale sono presentati nei minimi dettagli. È difficile credere a quanto sia stato necessario per produrre un disco in gommalacca: 12.600 pidocchi asiatici della lacca, minuscole creature di appena un millimetro, hanno fornito le loro secrezioni per produrre il 15% della gommalacca utilizzata in questo storico supporto sonoro. Meno schifosi, ma comunque di dimensioni allarmanti, sono i sacrifici compiuti dagli animali nella produzione delle corde. Dodici sottili corde di violino in mi richiedono 29 metri di intestino animale, mentre una spessa corda di contrabbasso richiede l'intestino di otto pecore.

Si sa poco del mestiere del pergamenatore; si possono vedere cose insolite, come intestini di animali conservati in un barattolo, un telaio di tensione per la produzione di corde, madreperla su un'armonica, tartaruga su vari strumenti e tutti i tipi di pelli animali. Un tamburo vegano di Basilea, costruito appositamente per la mostra con materiali artificiali, fa sperare in una riduzione delle materie prime animali, attesa da tempo. Con questo oggetto, la mostra incoraggia i visitatori a riflettere sui diritti degli animali e su una nuova consapevolezza dei materiali.

Il reperto più antico è un flauto romano realizzato con ossa di cane ad Augusta Raurica tra il 70 e il 110 d.C.. Non si sa se un altro costruito con ossa di gru producesse un suono più cantabile, ma la quantità di capelli di coda di cavallo necessari per infilare un archetto - circa 170 - è un numero considerevole.

Dopo le deprimenti informazioni sul commercio dell'avorio a favore dei tasti del pianoforte e su altre sofferenze animali, l'ultima cella della prigione sembra un allegro colpo di liberazione. Appositamente progettata per i bambini, questa stanza colorata è l'ultimo punto di forza della mostra dal punto di vista estetico. Le pareti sono tappezzate di ingrandimenti di libri di musica i cui frontespizi sono stati disegnati da artisti e grafici famosi come Pierre Bonnard, Clérisse Frères, Fritz Erler e Willy Herzig. Il suono degli animali nei pezzi per pianoforte, nelle canzoni, nei balli alla moda e nelle canzoni pop degli anni Venti si svolge in modo sommesso ma artisticamente polifonico. Tra i compositori spiccano Reger e Tchaikovsky, Bartók e Benatzky, Jacques Ibert e Richard Strauss. I frontespizi della collezione privata dell'artista grafico basilese Jacques Hauser per composizioni su un'ampia varietà di specie animali chiedono di essere realizzati in suono. Gli eventi collaterali sono incentrati ciascuno su un "animale del mese". Si spera che le conferenze previste fino all'estate 2022 siano seguite da concerti corrispondenti. (www.hmb.ch).

Isabel Münzner e Anne Hasselmann hanno curato questa mostra estremamente istruttiva, con una forte attenzione ai prestiti di Basilea e una spiccata sensibilità ambientale, in collaborazione con l'altrettanto fantasiosa designer Manuela Frey.

Per le scuole sono previste visite guidate e laboratori. Un fascicolo per gli insegnanti contiene anche un'introduzione ai temi e alle domande a cui rispondere durante la mostra. Sono inclusi anche l'uso degli animali e i loro diritti. La pubblicazione di accompagnamento, pubblicata congiuntamente dai quattro musei, contiene un articolo di Isabel Münzner, che si concentra in particolare sulla controversa musicalità degli animali e sul canto delle balene.

Il Dialogo culturale nazionale rileva che le misure di sostegno Covid in vigore da marzo 2020 hanno dimostrato la loro validità nel settore culturale. Finora sono state approvate oltre 23.000 domande e sono stati erogati 420 milioni di franchi. L'obiettivo è preservare la diversità culturale della Svizzera, scrive la Confederazione nel suo comunicato stampa.

L'attuale base giuridica delle misure culturali della Covid-19 scade alla fine del 2021. Nella prossima sessione invernale, il Parlamento federale deciderà in merito a una proroga delle misure culturali della legge Covid-19. Cantoni, città e comuni sostengono la proposta del Consiglio federale di prorogare le disposizioni culturali della legge Covid-19 fino alla fine del 2022. I membri del dialogo culturale invitano inoltre l'elettorato a votare a favore della modifica della legge Covid-19 il 28 novembre 2021.

Il Dialogo culturale nazionale ha affrontato anche sfide che esistevano già prima della pandemia ma che sono diventate ancora più importanti negli ultimi mesi, come l'adeguata retribuzione dei professionisti della cultura.

Il Dialogo culturale nazionale è stato istituito nel 2011 e riunisce i rappresentanti delle autorità politiche e culturali dei Cantoni, delle città, dei Comuni e del Governo federale. Il suo lavoro si basa su un accordo del 2011 e su un programma di lavoro pluriennale. Le autorità politiche formano l'organo di indirizzo strategico del Dialogo culturale nazionale con il capo del Dipartimento federale dell'interno (DFI), i rappresentanti della Conferenza svizzera dei direttori cantonali della pubblica istruzione (CDPE), l'Associazione svizzera delle città (SSV) e l'Associazione svizzera dei comuni (SGV).

Nata a Costanza nel 1961, Rapp ha studiato strumenti storici a tastiera, musicologia, filosofia e storia dell'arte a Berlino. Dal 1990 al 1998 è stata vicedirettrice della Schola Cantorum Basiliensis, dove è tornata come rettore dal 2005 al 2012. Nel frattempo, ha lavorato come capo drammaturgo presso la Staatsoper Unter den Linden di Berlino. Dal 2012 è rettore dell'Università della Musica di Stoccarda.

La Barenboim-Said Akademie di Berlino, riconosciuta dallo Stato, offre un corso di laurea in musica per giovani di talento, provenienti soprattutto dal Medio Oriente e dal Nord Africa. Il programma di laurea intensivo si concentra anche su materie umanistiche e musicologiche. Oltre al Bachelor, è possibile ottenere un Artist Diploma in tutte le materie strumentali orchestrali, nonché in pianoforte, composizione e direzione d'orchestra. Il Diploma d'artista prepara i futuri musicisti a una carriera professionale.

Il primo mandato di Hodel, fino al 2008, è stato caratterizzato dall'introduzione dei programmi di laurea e di master, la cosiddetta riforma di Bologna. Il mandato comprendeva anche una profonda riorganizzazione dell'università, in cui le cinque sotto-scuole autonome di Ingegneria e Architettura, Economia, Lavoro Sociale, Design e Arte e Musica sono state riunite sotto l'ombrello della "Lucerne University of Applied Sciences and Arts" e i servizi sono stati centralizzati.

Il suo ritorno all'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna nel 2012 è avvenuto in un momento difficile, in cui il settore pubblico ha dovuto risparmiare e Markus Hodel ha dovuto lottare per ottenere contributi di finanziamento dai sei cantoni della Svizzera centrale. Ha inoltre portato avanti gradualmente l'integrazione organizzativa e spaziale dell'università con il coinvolgimento dell'intera dirigenza universitaria.

Per la nomina del successore di Markus Hodel sarà costituito un comitato di ricerca presieduto dal Consiglio dell'Università di Scienze Applicate e composto da rappresentanti del Consiglio del Concordato, del personale, degli studenti e della direzione dell'università. La posizione sarà pubblicizzata pubblicamente.

Articolo originale:
https://www.hslu.ch/de-ch/hochschule-luzern/ueber-uns/medien/medienmitteilungen/2021/11/16/markus-hodel-gibt-die-leitung-der-hochschule-luzern-ende-2022-ab/

"Presto", esulta il visitatore quando scorge la Alte Reithalle di Aarau. "Presto" è la promessa di beatitudine orchestrale in questo nuovo spazio multidisciplinare per musica, teatro, danza e circo moderno. È qui che la Filarmonica Argovia si trasferirà come orchestra residente, 58 anni dopo la sua fondazione, e condividerà i 2.000 metri quadrati di spazio flessibile con il palcoscenico di Aarau. Questo luogo vive del suo passato di sala di equitazione per il reggimento dei dragoni della guarnigione militare di Aarau, a cui gli architetti Barão-Hutter alludono lasciando le pareti disadorne e le travi del tetto così come sono. La visitatrice ha già sentito parlare molto bene dell'acustica progettata da Martin Lachmann, quindi attende con impazienza il concerto di apertura: il primo programma promette "Nuovi percorsi" e propone il 1° Concerto per pianoforte e orchestra di Ludwig van Beethoven con il pianista argoviese Oliver Schnyder, la 1° Sinfonia di Johannes Brahms e l'opera di Daniel Schnyder. Argovia. Sinfonia n. 5 "Pastorale"una composizione commissionata dall'orchestra, che sarà eseguita in prima assoluta nella Alte Reithalle.

Con tutto questo in mente, il visitatore si dirige verso l'ufficio del Filarmonica di Argovia su. Qui ha sede il nuovo direttore artistico Simon Müller che, dopo una stagione 2020/21 ricca di eventi, sta pianificando il futuro artistico dell'orchestra insieme al direttore principale. Rune Bergmann progettato. Il norvegese ha fatto il suo debutto nel bel mezzo della pandemia, nell'autunno del 2020. Dopodiché, per un po' di tempo non ha funzionato più nulla.

Non volendo perdere il contatto con il pubblico, la Filarmonica di Argovia ha trasmesso per la prima volta tre concerti in streaming durante questo periodo - con successo. "Questa aggiunta alle normali operazioni orchestrali deve essere ben pianificata in futuro", afferma Simon Müller e accenna a ciò che si sta considerando: concerti in streaming in Asia. "Rune Bergmann ha una visione: vuole portare l'Argovia Philharmonic nel mondo perché vede un grande potenziale in questa orchestra. Il marketing avrà un ruolo importante in questo contesto. Ma naturalmente vogliamo soprattutto posizionarci in Svizzera in modo ancora più forte di prima", sottolinea il direttore artistico: "Recentemente siamo anche diventati membri dell'associazione delle orchestre, anche se siamo un'orchestra a progetto". Simon Müller dice in poche parole: "Per me la Filarmonica Argovia è l'orchestra che sta sul filo del rasoio"; in altre parole: "A differenza delle orchestre sinfoniche con contratti annuali, per la Filarmonica Argovia nemmeno la Quinta Sinfonia di Beethoven è una routine".

Con il trasferimento alla Alte Reithalle, l'orchestra dispone ora di una sede acusticamente eccellente, dove vengono programmati 40 giorni all'anno per cinque cicli di abbonamento, oltre a eventi speciali e concerti da camera. A differenza dei concerti sinfonici, con il loro auditorium rettangolare e la tribuna che si alza, in questi eventi intimi il pubblico siede ai lati di una piccola arena. "Ancora una volta, è l'esperienza complessiva che conta: l'immediata vicinanza al pubblico", dice Müller. L'orchestra cerca questa vicinanza anche nei suoi viaggi a Beinwil am See, Villmergen, Zofingen, Rheinfelden e Baden.

Baden è per così dire la seconda casa dell'orchestra. Per 20 anni, la Filarmonica Argovia ha suonato nella Trafo-Saal, nel quartiere dei grandi cinema. Ora si trasferirà al Kurtheater, che è diventato un gioiello grazie a una ristrutturazione e a un ampliamento tanto abili quanto sensibili. Sebbene lo spazio teatrale non sia una vera e propria sala da concerto, l'esperienza concertistica dovrebbe essere piacevole grazie al nuovo guscio acustico del palco. In ogni caso, i precedenti eventi di altre orchestre in questo grazioso teatro hanno dimostrato che si tratta di un luogo ideale: Da entrambi i lati della rampa, c'è quella tensione scoppiettante che appartiene a un concerto. La Filarmonica di Argovia ha grandi progetti per la stagione 2021/22, al termine della quale pubblicherà delle registrazioni su CD. Quali? "Le quattro sinfonie di Brahms che abbiamo già registrato nei nostri concerti", dice Simon Müller. Il concerto di apertura sarà trasmesso da Radio SRF2 il 9 dicembre.

È arrivato il momento: il visitatore si siede per la prima volta nella nuova sala concerti dell'Alte Reithalle. È separata dallo spazio teatrale da una parete grigio ardesia, ha molte file di platee e una tribuna che garantisce la migliore visuale. Ma come suona la sala? Meraviglioso! Le prime battute del corno e dell'orchestra di Daniel Schnyder mescolano in modo spiritoso molti stili musicali. Argovia-Il suono è caldo e ha una trasparenza che non ha nulla a che vedere con la nitidezza analitica di altre sale da concerto moderne. Naturalmente, il direttore principale Rune Bergmann e l'ensemble argoviese dovranno ancora fare qualche aggiustamento, ma l'apertura mostra cosa si intende per "orchestra sul filo del rasoio". La Filarmonica Argovia non dà nulla per scontato. Per questo motivo sfodera tutto ciò che ha sempre saputo fare, ma che ora può davvero brillare: splendore degli archi, eccellenti assoli dei fiati e un ascolto attento e unico. Non sorprende che Oliver Schnyder sia la ciliegina sulla torta dell'inaugurazione. La sua interpretazione del Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 di Beethoven su un Bösendorfer rimbalza letteralmente nei movimenti esterni, veloci e finemente equilibrati, e ha un'intimità nel Largo che si vorrebbe conservare. In breve: con il suo debutto all'Alte Reithalle di Aarau, la Filarmonica Argovia si è imposta con forza nel panorama orchestrale svizzero.

Okunew ha setacciato archivi privati e statali e ha condotto decine di interviste. Il risultato è uno studio storico-pop sulla nascita e lo sviluppo di una sottocultura giovanile che finora ha ricevuto poca attenzione: la scena heavy metal della DDR. Negli anni '80, la politica culturale dello Stato la esaminava in modo altrettanto critico dei punk. Dopo tutto, ci si aspettava che i giovani vestissero in modo "sofisticato", si impegnassero nella FDJ e cantassero canzoni che li rendessero felici e rafforzassero il loro amore per la patria socialista.

Tuttavia, molti giovani non si sentivano più attratti da questo tipo di cultura. Si rivolgono sempre più spesso e apertamente alla cultura pop occidentale. AC/DC, Motörhead, Metallica e Slayer ispirarono i giovani. Nella seconda metà degli anni '80, la scena metal crebbe fino a diventare la più grande sottocultura giovanile della DDR.

Per saperne di più:
https://zzf-potsdam.de/de/presse/kutte-statt-blauhemd-neue-studie-erforscht-die-heavy-metal-szene-hinter-dem-eisernen
 

Nato nel 1963, Daniel Waser è cresciuto a Berna e ha completato la sua formazione come avvocato bernese. Ha oltre 25 anni di esperienza nel settore culturale con una rete nazionale ed europea. In particolare, ha creato la Zurich Film Foundation dopo il successo del referendum del 2005. Ha guidato la fondazione per 14 anni come direttore generale e ha posizionato con successo il finanziamento cinematografico regionale come centro di eccellenza riconosciuto a livello internazionale.

Nella sua carriera professionale, ha lavorato come giornalista freelance per il quotidiano La Confederazione, fondatore e amministratore delegato di Cinématte AG e amministratore delegato di Quinnie Cinéma Films a Berna e segretario centrale di impressum, l'associazione svizzera dei giornalisti a Friburgo.

In realtà, questo avrebbe dovuto Archivio avrebbe dovuto essere inaugurato lo scorso aprile. La Fondation Hindemith aveva donato gli archivi del compositore e della moglie dalla loro villa di Blonay all'Istituto di Musicologia dell'Università di Zurigo (vedere SMZ 6/2020, pag. 24). La cerimonia ha dovuto essere rinviata più volte a causa della pandemia. Il 27 ottobre, nell'auditorium dell'Università di Zurigo, c'era grande gioia quando finalmente si è svolta. "Hindemith è tornato", ha detto in poche parole Katharina Michaelowa, preside della Facoltà di Lettere dell'Università di Zurigo. Coltivare la memoria di Paul Hindemith rende chiaramente percepibile la sua creatività e motiva le persone a provare cose nuove". Andreas Eckhardt, presidente della Fondation Hindemith di Blonay, ha sottolineato l'obiettivo di questa donazione: preservare la biblioteca di Hindemith nel suo complesso, nello spirito di un "ricordo appropriato", e metterla a disposizione del mondo accademico e del pubblico.

Alla celebrazione si è aggiunta la cosiddetta "Conferenza Hindemith 2021". Dal 2006, l'Istituto di Musicologia ricorda il primo titolare della cattedra con una conferenza ogni novembre. Christine Lubkoll, professoressa della Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg, ha parlato sul tema "L'eredità obbligatoria": Paul Hindemith e la tradizione culturale. Facendo riferimento al discorso che Hindemith aveva tenuto ad Amburgo il 12 settembre 1950 (Johann Sebastian Bach. Ein verpflichtendes Erbe), ha fatto luce sulla vita di Hindemith come esule e rimpatriato, sul suo rapporto con la tradizione e ha concluso: "L'eredità obbligatoria è sempre una partenza".

Nel suo discorso di benvenuto, Inga Mai Groote, direttrice dell'Istituto di Musicologia dell'Università di Zurigo e ospite dell'evento, ha sottolineato questo aspetto: L'Archivio Hindemith di Zurigo vuole conservare i tesori, ma anche farli risuonare. E così Tabea Zimmermann ha completato questa cerimonia di apertura nel modo più bello con la sua interpretazione di grande effetto della Sonata per viola sola op. 25/1 di Hindemith.
 

Nato nel 1957, Ulrich Konrad è titolare di una cattedra di musicologia presso la Julius-Maximilians-Universität Würzburg (JMU) dal 1996. Ha studiato musicologia, germanistica e storia medievale e moderna presso le università di Bonn e Vienna. Dopo aver conseguito il dottorato in filosofia, dal 1983 ha insegnato e svolto attività di ricerca presso il dipartimento di musicologia dell'Università di Göttingen. Si è laureato nel 1991.

Dopo aver ricoperto la cattedra di musicologia presso la Libera Università di Berlino e aver insegnato a Gottinga, dal 1993 al 1996 è stato professore C4 di musicologia presso l'Università Statale di Musica di Friburgo. Si è poi trasferito alla JMU come presidente e direttore dell'Istituto di Musicologia. Sotto la sua guida, l'istituto è stato riorganizzato e ampliato.

Si trattava di un grande festival per l'anniversario, non una celebrazione, ma un'ampia vetrina della musica di oggi con uno sguardo al futuro. Tuttavia, ci sono stati due piccoli sguardi al passato: nella cerimonia di apertura, il Quartetto Diotima ha suonato il terzo quartetto per archi di Paul Hindemith, che è stato ascoltato per la prima volta nell'anno di fondazione, il 1921, il 1° agosto nel castello del principe von Fürstenberg a Donaueschingen. L'Orchestra Contemporanea del Festival di Lucerna, che si esibiva per la prima volta a Donaueschingen, ha eseguito due prime mondiali di Christian Mason e Milica Djordjević sotto la direzione di Baldur Brönnimann, oltre all'esecuzione dell'opera di Paul Hindemith. Polifonia X di Pierre Boulez, che nel 1951 a Donaueschingen aveva suscitato un grande clamore per poi scomparire definitivamente nell'oblio. L'esecuzione si è svolta senza problemi e ci si è chiesti cosa fosse sembrato un tempo così scandaloso in questo innocuo zombie. Forse la sterile meccanica seriale?

Per il resto, il programma del festival, prolungato di un giorno, era pieno di vita. 27 prime mondiali in 24 concerti: un'esagerazione acustica. Tuttavia, il programma poteva essere seguito à la carte anche sullo schermo di casa, poiché tutto era trasmesso in diretta alla radio e su Internet dalla SWR. In questo modo si è creato un pubblico che ha superato i noti circoli di addetti ai lavori, e anche i "recinti della nuova musica" sono stati eliminati per un breve periodo sul posto. Con la "composizione di paesaggi" dal fascino di massa Danubio/Rauschen Daniel Ott ed Enrico Stolzenburg hanno creato un evento Jekami per oltre un centinaio di partecipanti, dai fisarmonicisti alle bande di ottoni, guarnito da suoni e rumori provenienti da altoparlanti. L'ambientazione: il miglio commerciale di Donaueschingen, sabato pomeriggio.

Nei concerti per orchestra e per ensemble, il pubblico era ancora una volta tra di loro e, accanto a molti nomi nuovi, ha incontrato anche i soliti sospetti: la vincitrice del Premio Siemens Rebecca Saunders, l'instancabile Enno Poppe, la trendy Chaya Czernowin e Beat Furrer, che ha proposto un pezzo orchestrale compatto. Il programma si è concluso con l'oratorio, che si è riversato in ampie onde sonore. La morte rossa di Francesco Filidei su un testo di Edgar Allan Poe, impareggiabile maestro del disastro. È stato il giusto finale di un festival in cui lo scetticismo sul futuro e le fantasie di sventura sono da tempo un sottofondo della critica culturale, applaudito con piacere, e in cui l'inquietudine artistica si diffonde sempre di più in mezzo alla saturazione. Da questo punto di vista, anche nell'anno dell'anniversario, è tutto come al solito.

Un rapido sguardo ai vecchi programmi dimostra che non si è mai parlato di paralisi estetica. Una delle caratteristiche del Festival di Donaueschingen è che, spinto dalle contraddizioni del tempo, doveva costantemente reinventarsi e quindi inevitabilmente guardare al futuro. Anche la sua fondazione fu in realtà un equivoco produttivo. Il principe Max Egon II von Fürstenberg, un nobile di vecchio stampo fedele all'imperatore, ebbe la folle idea di creare un palcoscenico per giovani compositori nella Germania devastata dalla guerra, in un periodo di sconvolgimenti rivoluzionari. Per lui si trattava più che altro di un capriccio paternalistico; amava la caccia e le feste di prestigio. Ma per i compositori e gli esecutori che attirava, gli "Spettacoli di musica da camera di Donaueschingen per la promozione della musica contemporanea", come venivano chiamati all'epoca, erano una promessa di futuro.

Un comitato di programma composto dall'allievo di Reger Joseph Haas, dal pianista Eduard Erdmann e dal maestro di coro e archivista di Donaueschingen Heinrich Burkhard aveva messo a punto un programma per tre concerti tra le proposte di centotrentasette compositori per il primo anno; un comitato d'onore internazionale, che comprendeva Ferruccio Busoni, Richard Strauss, Franz Schreker e Arthur Nikisch, diede all'impresa la più alta consacrazione. Tra i compositori, fin dall'inizio, si annoverano Philipp Jarnach, Alois Hába, Alban Berg, Paul Hindemith ed Ernst Krenek, ai quali si aggiunsero in seguito Schoenberg e Webern. La luna di miele durò sei anni, dopodiché le spese del principe divennero troppo elevate.

Nel 1927 il festival si trasferì a Baden-Baden. A questo punto il direttore d'orchestra Hermann Scherchen prese le redini, e con Pezzo didattico Brecht/Hindemith (con la partecipazione del pubblico), la Il volo di Lindbergh di Brecht/Hindemith/Weill e la musica da film di Hanns Eisler, la "musica applicata" si è imposta al centro della scena. Ma anche questo non durò a lungo, perché la crisi economica del 1929 inflisse all'azienda un colpo mortale.

Così nel 1930 si trasferirono a Berlino e nel 1933, quando iniziò il disastro nazista, tornarono a casa a Donaueschingen. Nel frattempo, il principe errante si era unito alle SA e le neonate Giornate musicali di Donaueschingen presentavano ora cantate popolari e musica comunitaria con il Gruppo di canto femminile svevo. Nel 1938, l'opera di Othmar Schoeck Preludio per orchestra op. 48 del programma. Con lo scoppio della guerra nel 1939, lo spavento ebbe una fine temporanea.

Il secondo grande inizio avvenne nel 1946, inizialmente con nomi affermati come Prokofiev, Shostakovich e Hindemith. Nel 1950, la Südwestfunk Baden-Baden si unì al programma con il direttore musicale Heinrich Strobel e il direttore d'orchestra Hans Rosbaud, e nel giro di pochi anni Donaueschingen si trasformò in un punto di riferimento internazionale per la musica contemporanea. Tutto ciò che era di rilievo nell'ambito dell'avanguardia passava di qui: i capisaldi del serialismo come Stockhausen e Boulez, gli aleatori, i compositori sonori polacchi, Cage, Berio, Ligeti, Xenakis, Kagel e molti altri. Il principio di fornire sempre un forum per le nuove tendenze era valido anche durante la fase postmoderna ed è rimasto tale fino ad oggi. Ma probabilmente ora le cose stanno cambiando.

Fin dall'inizio, i Musiktage hanno gradualmente ampliato i loro orizzonti estetici. Nella prima fase, erano ancora in gran parte limitati all'area austro-tedesca. A partire dal 1946, il progetto si è esteso all'Europa, con alcune deviazioni verso regioni extraeuropee. D'ora in poi, l'obiettivo è quello di concentrarsi su altre culture. L'anno del giubileo lo ha ormai segnalato.

Il passo è giusto e necessario. La "nuova musica" non è più un fenomeno europeo. Ma più si diffonde nel mondo, più gli standard europei vengono messi in discussione. All'insegna del motto "Donaueschingen global", il programma comprendeva ensemble, compositori e interpreti provenienti, tra gli altri, da Colombia, Bolivia, Ghana, Thailandia e Uzbekistan. Mentre alcuni sudamericani lavorano ancora all'incrocio tra le culture indigene e le influenze europeo-americane, la maggior parte dei contributi asiatici e africani continua a sviluppare le proprie tradizioni; i loro mezzi preferiti sono l'elettronica e le forme di presentazione dei media attuali.

Il tradizionale frequentatore del festival di Donaueschingen si è trovato di fronte a esperienze di ascolto e visione completamente nuove. E con un bagaglio di domande: cosa c'è di "nuovo" in questi contributi? Sono nuovi nella sostanza o solo nuovi per noi uomini e donne bianchi? Qual è il rapporto tra il "nuovo" e il "vecchio" della regione d'origine? Dobbiamo saperlo per capirlo? Si tratta di comprensione interculturale o solo del buon vecchio esotismo esibito in nuovi abiti colorati e truccati dai media? In ogni caso, era chiaro che c'era una ventata di aria fresca nella Foresta Nera, e la selezione tematica ha garantito che anche le vele del dibattito anticolonialista potessero sventolare.

Donaueschingen global" era proprio di tendenza. Resta da vedere come proseguiranno le cose con la nuova direttrice Lydia Rilling, che ora subentra a Björn Gottstein. Tuttavia, due punti nevralgici sono già riconoscibili: uno riguarda il tempo limitato a disposizione per il festival del fine settimana. Con il nuovo cosmopolitismo, l'avanguardia bianca consolidata e il suo pubblico potrebbero trovarsi inaspettatamente sulla difensiva. L'altro riguarda la collaborazione con le organizzazioni governative di "Donaueschingen global". Se i Musiktage continueranno a fare affidamento sulla loro efficienza organizzativa e finanziaria, il divertimento multiculturale alla moda potrà continuare senza sosta. Ma così facendo, diventano anche dipendenti dalla politica estera, che subordina lo scambio culturale alle sue direttive e lo utilizza per coltivare la propria immagine. E allora anche la libertà artistica nella nuova musica finirà.

Milena Krstic si esibisce da sola come Milena Patagônia e in duo con Sarah Elena Müller come Cruise Ship Misery. Da quando è stata ingaggiata per un progetto di teatro balcanico, ha voluto andare a fondo delle radici della sua famiglia in Serbia. Il suo partner Markus Mezenen documenterà questa ricerca in un film. Secondo la Città di Berna, è la prima volta che una borsa di studio viene assegnata a un collettivo o a una famiglia in collaborazione con la Städtekonferenz Kultur (SKK).

La studiosa di teatro Silja Gruner trascorrerà la seconda metà del 2022 al Cairo. Da cinque anni lavora al festival teatrale auawirleben di Berna e vuole sfruttare questo periodo per approfondire la sua ricerca sulla pratica del teatro inclusivo e sul mondo teatrale arabo.

Insieme ad altri membri della Conferenza svizzera delle città della cultura (SKK), la Città di Berna offre ogni due o tre anni residenze per artisti di tutte le discipline a Belgrado (4 mesi), Buenos Aires (6 mesi), Genova (3 mesi) e Il Cairo (6 mesi). La borsa di studio copre i costi di un appartamento studio e un contributo per le spese di soggiorno. Gli spazi di lavoro e di vita a Belgrado sono riservati a un collettivo, a un duo o a una famiglia nell'ambito della borsa di studio bernese.

La musica popolare tradizionale e moderna non è solo molto popolare tra il pubblico. Negli ultimi anni, anche la domanda di insegnanti di musica è cresciuta notevolmente. La Scuola di Musica di Lucerna tiene sempre più conto di questo sviluppo: mentre in passato gli studenti potevano scegliere di dedicarsi alla musica popolare solo nell'ambito della laurea triennale o magistrale, a partire dall'autunno 2022 avranno la possibilità di concentrare i loro studi interamente sulla musica popolare, sia strumentale che vocale.

Gli studenti scelgono come strumento principale strumenti tipici della musica popolare come lo Schwyzerörgeli, il dulcimer, la fisarmonica e lo jodel o uno strumento legato alla musica popolare come il violino, il contrabbasso, il clarinetto o il pianoforte. Sono previste anche lezioni pratiche di improvvisazione, ovvero di esecuzione a orecchio.

Ulteriori informazioni sul programma di studio sono disponibili sul sito: hslu.ch/bachelor-folk-music

È iniziata alle tre del pomeriggio e si è conclusa a tarda sera: musica, performance e un'installazione sonora hanno occupato la cattedrale di Berna da cima a fondo. I fratelli Michel e André Décosterd, noti come Cod.Act, hanno allestito una delle loro installazioni sulla "Bsetzisteinen" della Münsterplatz: Un individuo impigliato con delle corde cercava di liberarsi, con le corde che emettevano suoni diversi a seconda della trazione e della direzione della trazione.

Otto musicisti dell'ensemble Proton Bern hanno suonato nella sala a volta, una sala da concerto ottagonale situata in alto nella cattedrale. Orecchie di terra: un rituale sonoro della compositrice americana Pauline Oliveros. Con Appello interstellare per corno solo dal brano Du Canyon aux étoiles di Olivier Messiaen, il Quartetto di corni Olivier Darbellay ha iniziato l'esecuzione di opere per uno o quattro corni, la maggior parte delle quali composte dal collettivo L'art pour l'Aar.

Franziska Baumann ha presentato in Propedeutica il nostro rapporto con le voci virtuali; Léa Legros Pontal si è avvicinata alla sonata per viola di Ligeti dal punto di vista dell'improvvisazione e Christoph Mahnig ha sedotto con Spazi per tromba sola per una precisa esplorazione acustica del suo strumento e della sala da concerto.

Franziska Baumann nella sala a volta della cattedrale

Werner Hasler si è ispirato ai rintocchi della cattedrale, ha "attaccato" il suo intervento ai suoni che ne provengono, li ha modificati in modo impercettibile e poi ha inviato la sua eco dopo di loro.

Per il finale del festival, i visitatori si sono spostati a meno di cento metri nella cripta della Chiesa di San Pietro e Paolo. Nel seminterrato basso, il Quartetto Kukuruz ha suonato su quattro pianoforti composizioni del compositore afroamericano Julius Eastman, che già negli anni Settanta aveva fatto del razzismo e dell'omofobia i temi deprimenti dei suoi pezzi.

Musica di Julius Eastman nella cripta della Chiesa di San Pietro e Paolo