Antoine Gilliéron - Oltre alla ricerca artistica e ai prestigiosi progetti attualmente in corso nelle Haute Écoles de Musique Suisses (HME), l'appartenenza delle HME alla galassia delle HME crea un ambiente favorevole alle sinergie con altri campi del sapere, al fine di creare un valore aggiunto per la società nel suo complesso.

In uno dei suoi documenti di posizione sulla ricerca, il KMHS definisce lo stato delle cose come segue: "Le attività di ricerca dei conservatori si sviluppano lungo le scienze tradizionali e la ricerca tecnica applicata, nonché in direzione di una metodologia di ricerca parzialmente o completamente ancorata all'arte. Progetti storici, pedagogici, tecnologici, archivistici e interpretativi e lavori di sviluppo nella costruzione di strumenti, insieme a questioni artisticamente motivate e artisticamente documentate, costituiscono le principali aree tematiche della ricerca dei conservatori sulla base di una ricerca di base orientata all'applicazione.

Questo beneficia del grande serbatoio di pratica musicale e di conoscenze interpretative dell'istituzione - allo stesso tempo, il trasferimento dalla ricerca all'insegnamento e alla pratica avviene direttamente.

La promozione delle competenze di ricerca all'interno della facoltà e lo sviluppo di giovani talenti sotto forma di un'adeguata facoltà di medio livello sono obiettivi strategici delle università musicali. Ciò include anche l'istituzione di posizioni di dottorato con lo status di assistente, la creazione di posti di ricerca e la creazione di una base di finanziamento sostenibile. " - Eidenbenz (2013), pp. 1-2

La ricerca artistica è al centro delle attività di ricerca delle accademie musicali svizzere. Secondo Henk Borgdorff, teorico musicale, filosofo e professore di ricerca nelle arti presso il Conservatorio Reale dell'Università delle Arti dell'Aia, i criteri per la ricerca artistica sono i seguenti:

"La pratica artistica è considerata ricerca quando ha lo scopo di ampliare la nostra conoscenza e comprensione attraverso una ricerca originale. Parte da domande rilevanti per il contesto della ricerca e per il mondo dell'arte e utilizza metodi adeguati allo studio. Il processo di ricerca e i risultati sono documentati di conseguenza e diffusi tra i ricercatori e il pubblico. " - Borgdorff (2012), p. 34

Tuttavia, in questo articolo si darà risalto a due progetti di ricerca che vanno oltre l'ambito della ricerca artistica e hanno un impatto sulla società.

Il primo esempio viene dalla Hochschule für Musik di Basilea, dove un progetto di ricerca si concentra sui legami tra biotecnologia e musica. L'idea del progetto Il Serpentino è quello di ispirare sviluppi innovativi nei campi della biotecnologia e dell'ingegneria dei fluidi per ricreare uno strumento storico.

Il serpentino (la cui prima datazione risale al XV secolo) è uno strumento musicale scomparso nel corso dei secoli, ma con un repertorio che probabilmente fino ad oggi è stato suonato da altri strumenti, al posto della cornetta. Nell'ambito di questo progetto e sulla base dello studio delle fonti (soprattutto iconografiche), lo strumento storico verrà ricostruito, ma con l'ausilio degli ausili tecnici del nostro tempo.

I ricercatori dell'EMPA (Laboratorio federale per la prova dei materiali e la ricerca) sono riusciti per la prima volta a ottenere grandi quantità di pigmenti di mélanine da colture solide. Questo processo biotecnologico è considerato estremamente utile per il progetto di ricerca in questione, perché l'efficacia della mélanine sotto forma di prodotto di pre-conservazione del legno permette di proteggere il degrado dei trucioli costruiti.

A livello artistico, questi strumenti aprono nuove prospettive nella pratica dell'interpretazione storicamente informata, così come nella musica contemporanea, nel jazz e nell'educazione musicale in senso lato.

Questo progetto di bâlois illustra in modo mirabile il contributo delle scienze esterne alla musica. La prossima ricerca presentata in questo articolo avvia un movimento inverso: quello del contributo della musica alla società.

La musica al servizio della psichiatria

Il secondo esempio proviene dalla Haute École de Musique Vaud, nel Vallese, a Friburgo. L'obiettivo è costruire un ponte tra musica e assistenza psichiatrica. Il nome del progetto è Amenhotep

Secondo il sito web del progetto, molte cliniche psichiatriche dispongono di una o più stanze chiuse a chiave. I pazienti possono essere tenuti in queste cosiddette "stanze di terapia intensiva" (ITS) per alcune ore o addirittura per alcuni giorni per motivi terapeutici o di sicurezza. L'idea alla base è che la conseguente riduzione della stimolazione sensoriale permetta loro di riacquistare il controllo sul proprio stato mentale e sul proprio comportamento.

Tuttavia, l'uso dell'ITS è molto controverso. Da un lato, solleva questioni etiche perché mina la libertà di movimento e l'autonomia dei pazienti; dall'altro, la funzione terapeutica della misura non è stata chiaramente chiarita. Infine, l'isolamento rende difficile stabilire una relazione di cura basata sul dialogo.

Questi risultati ci invitano a ripensare l'assistenza fornita nell'ITS. L'uso della musica è un approccio promettente, soprattutto se i pazienti possono controllare il proprio ascolto musicale e quindi riacquistare un certo grado di autonomia.

La ricerca-azione "Amenhotep" (2012-2016) ha permesso a un'équipe interdisciplinare di sviluppare un dispositivo per l'ascolto della musica che rispetta esattamente le norme di sicurezza molto severe dei servizi psichiatrici e di costituire una selezione di brani musicali classificati in base al loro contenuto emotivo.

Il team di ricerca sta attualmente proseguendo il suo lavoro e sta studiando l'influenza dello strumento musicale sull'esperienza soggettiva dei pazienti e degli assistenti e sulle relazioni e interazioni che si stabiliscono tra loro intorno alla musica.

Il dispositivo comprende: un'interfaccia tattile che consente al paziente di controllare il dispositivo (selezione del brano, regolazione del volume); una selezione di venti brani musicali di stili diversi (classica, jazz, film, folk) classificati in base al loro contenuto emotivo (attivazione allegra, nostalgia, calma, tensione); un semplice sistema di controllo che consente all'équipe medica di attivare o disattivare il dispositivo, impostare il volume massimo, modificare la selezione musicale ed estrarre i dati registrati automaticamente dal sistema.

I due esempi di Basilea e Losanna dimostrano che le università musicali svizzere si stanno aprendo sempre di più al mondo e stanno creando legami fruttuosi con altre aree del sapere, a beneficio proprio e della società nel suo complesso.

Borgdorff, H. (2012): "Die Debatte über Forschung in der Kunst", in: Tröndle, M. & Warmers, J. (2012): La ricerca artistica come scienza estetica. Transcript Verlag.

Eidenbenz, M. (2013): Position paper sulla ricerca e sul 3° ciclo nei conservatori. kmhs.ch/wp-content/uploads/2019/05/position-paper-research-kmhs-1.pdf

Negli ultimi anni, CHEMS è diventato sempre più visibile al pubblico. Ora, con la creazione di una segreteria generale, è stato compiuto un ulteriore passo avanti verso la sensibilizzazione del pubblico e la professionalizzazione.

Quali sono state le considerazioni al momento della creazione del Segretariato Generale?

NR: L'aspetto più importante è la capacità del CHEMS di sviluppare e creare collegamenti, sinergie e cooperazione tra le varie scuole di musica che lo compongono. Questa nuova struttura contribuisce a
Anche senza l'ombra di un dubbio da avvertire in questo senso.

VG : In questa cooperazione intensificata, la nuova struttura dovrebbe anche consentire di concentrarsi ancora meglio sulle questioni strategiche e di coordinarle con i partner istituzionali e politici.

Antoine Gilliéron, lei è il nuovo Segretario Generale di CHEMS dal 1° marzo: quali sono le sfide che sta affrontando e come intende affrontarle?

AG: È soprattutto un immenso piacere e un grande onore per me assumere una serie di funzioni in questa prestigiosa assemblea. Tra le altre cose, ha contribuito con successo ad armonizzare l'istruzione superiore di musica con l'impulso di
Bolognesi e di rispondere in modo estremamente efficace e intelligente alle preoccupazioni comuni dal punto di vista sociale, amministrativo e politico. Mi sto muovendo di conseguenza, con la nuova Presidenza e con la
membri di CHEMS, per rendere fruttuoso questo impegno e coordinare al meglio le magnifiche forze presenti per proiettare l'associazione verso nuovi orizzonti.

Che impressione aveva delle Hautes Écoles de Musique suisses da studente e cosa è cambiato nella sua mente?

AG: È vero che ho studiato nel programma pre-professionale a Ginevra, seguito da un Bachelor (interpretazione) e da un Master (insegnamento) a Losanna e da un secondo Master (musica contemporanea) a Lucerna. Questo perché ho imparato a conoscere le istituzioni
suisses d'enseignement supérieur de la musique, unitamente al fatto che sono stato impegnato in diverse missioni di accreditamento e di gestione della qualità per l'Association Européenne des Conservatoires. In questo modo, ho potuto misurare l'immensa opportunità che abbiamo di beneficiare di una mobilità territoriale altrettanto raffinata e qualitativa in termini di formazione musicale terziaria. La mia visione è quindi molto positiva, anche nell'ordine delle cose, ed è solo in questo senso che va favorita e misurata.
de mes pérégrinations. Un principio di reciprocità mi ha sempre guidato: una volta che si è ricevuto molto, probabilmente è meglio dare almeno altrettanto in cambio - questa energia entusiasta non è mai troppa per le sfide
à relever se trouvent être aussi stimulants qu'exigeants !

Lei è una persona estremamente versatile: musicista, manager musicale, saggista - perché non ci racconta qualcosa di lei e della sua carriera professionale?

AG: Il mio percorso, personale e professionale, è caratterizzato dall'apertura al mondo e alle conoscenze che voglio trasmettere al meglio, considerandomi soprattutto un passeur. Attualmente divido il mio tempo tra l'insegnamento, la direzione
di istituzioni e progetti, nonché di creazione, sia essa musicale o poetica. Parallelamente ai miei studi musicali, ho conseguito una licenza in Lingue Moderne (Filosofia, Linguistica, Francese e Letterature Comparate) e un CAS in Gestione di Progetti Culturali e Musicali, nonché un Master in Pubblica Amministrazione.
Ho avuto anche l'onore di diventare direttore dell'Académie Musicale de Morges per 25 anni, dove ho sviluppato pragmaticamente un nuovo umanesimo adattato alla musica,
Un'aspirazione grandiosa che forse costituisce al tempo stesso la continuità e la gemma della mia vita fino ad oggi.

Negli ultimi anni CHEMS ha pubblicato una serie di articoli sulla Revue Musicale Suisse. Questa serie continuerà e quale sarà l'argomento di questi articoli in futuro?

AG : Sì, continuerà. Sono incaricato di curare questa serie di articoli e di proporre una collana editoriale a un comitato interno al CHIMS. L'idea è di fare
sviluppare questa vetrina delle scuole superiori di musica svizzere valorizzando i progetti di ricerca innovativi che vengono portati avanti e gli elementi che vengono raccolti, contribuendo al dibattito pubblico attraverso il tema della risoluzione dei problemi comuni.

Valentin Gloor, in una delle nostre ultime conversazioni lei ha affermato che le Conferenze specializzate devono ridefinire il loro ruolo a causa dei processi legislativi, compresa la SMHS. In che modo la Segreteria Generale può contribuire a questa definizione del ruolo?

VG: Il Segretariato generale sosterrà la KMHS nel raggruppare e far progredire il lavoro della KMHS, sia che si tratti di questioni politiche, sia che si tratti di questioni comuni relative ai contenuti o di sviluppo di nuovi programmi.
progetti o argomenti dell'area amministrativa e finanziaria. Un posizionamento più proattivo della KMHS può aiutarla a posizionarsi ancora meglio.
nei processi a lungo termine della politica culturale ed educativa.

In Svizzera, le regioni linguistiche svolgono un ruolo importante, così come le relazioni con i Paesi vicini. Secondo il CHEMS, ci sono stati degli sforzi o una richiesta di un
médiation dans le pays?

NR : La ricchezza culturale della Svizzera è probabilmente dovuta in gran parte alla diversità delle sue regioni linguistiche. Come organizzazione nazionale, il CHEMS
si sforza di essere al centro dell'attenzione. Anche i nostri legami con la comunità internazionale sono molto stretti, soprattutto per la vena diplomatica di apertura al mondo che la caratterizza e per la capacità di rinnovare un dialogo costruttivo con i Paesi esteri, e non solo.

Come avviene lo scambio con altre associazioni musicali in Svizzera?

VG : Questo scambio è già molto coltivato a tre livelli: A livello di ogni singolo conservatorio nella sua rete regionale e nazionale, a livello della KMHS nello scambio diretto e per progetti con le associazioni per affrontare problemi molto specifici e nel Consiglio svizzero della musica, di cui la KMHS è membro.

A novembre parlava ancora della sua visione per KMHS, come si presenta concretamente ora?

NR: Negli ultimi nove mesi mi sono reso conto che la mia visione e la mia motivazione per CHEMS rimangono intatte, o addirittura rafforzate, dalle avversità che la crisi sanitaria ci ha portato.
traverser: Sono ancora fermamente convinto che dobbiamo continuare a lavorare insieme per difendere gli interessi non solo delle nostre scuole, ma anche dei musicisti di domani. La necessità di valorizzare le nostre missioni di insegnamento e diffusione della musica in un mondo in evoluzione dove le arti devono essere parte essenziale del dibattito e delle priorità sociali. Ciò è reso ancora più critico dalle difficoltà che le arti hanno dovuto affrontare in questi lunghi mesi di quasi-privazione.
di concerti: l'arte computazionale, lamusica è essenziale. Le nostre scuole devono fungere da incubatore per lo sviluppo di forme concertistiche e approcci pedagogici innovativi, affinché la musica possa ritrovare il suo vigore!

La crisi del COVID continua a dominare la nostra vita quotidiana, comprese le accademie di musica
è stata colpita da questa paralisi, anche se gli studenti hanno visto opportunità creative. Il KMHS può trarre una lezione da questa crisi o valutare come aiutare le università musicali a superarla?

AG: Oltre alla necessità di porre l'umanità forse ancora di più al centro di tutte le nostre attività, la lezione più grande che CHEMS può trarre da questa crisi sanitaria è la mutualizzazione delle sue forze e il movimento di diversi assi d'azione, il più possibile concertati, dalla
la flessibilizzazione dei corsi per l'articolazione tra i cicli di studio (precollege, BA/MA, dottorato, formazione continua), passando per la promozione della musica all'interno della scuola
politica e lo sviluppo di una forma di digitalizzazione tanto etica quanto ecologica, fondamentalmente al servizio dell'arte. Questi pochi esempi, tra i tanti, contribuiranno alla piena realizzazione delle nostre due scuole di musica.
suisses dans le 21e siècle qui a véritablement démarré avec cette crise historique - à instar de ce qu'avté été le début du 20e et le surgissement de la Première Guerre
globale - una riflessione che mi sembra una delle pietre miliari del nostro lavoro. C'è inevitabilmente un prima e un dopo COVID che dobbiamo trasformare strategicamente.

NR: Durante questa crisi, abbiamo sentito una certa mancanza di solidarietà e la necessità di riunirci in uno spazio comune di riflessione. Evitare il tempo per riflettere sul futuro e affrontarlo positivamente in una forma di intelligenza collettiva è un altro valore della nostra associazione, che spero continui a dare contributi di qualità all'alta formazione musicale e a tutto ciò che può offrire.
alla società.

Elena Alessandri, Antonio Baldassarre - Scrivere di musica ha una lunga tradizione nella cultura occidentale. Già più di duemila anni fa, Platone rifletteva sulle dimensioni etiche della musica e sulle sue conseguenze politiche. Nel corso della lunga storia della scrittura sulla musica, oltre alla riflessione filosofica o teologica si è sviluppata una professionalizzazione dell'esame critico degli artefatti musicali, che a partire dal XVIII secolo si è affermata come forma indipendente di discorso sulla musica e, a partire dal XIX secolo, anche come forma efficace di discorso riflessivo sulla musica. Se inizialmente la critica musicale si svolgeva in riviste musicali specializzate, come la "Allgemeine musikalische Zeitung" fondata da Friedrich Rochlitz e Gottfried Christoph Härtel a Lipsia nel 1798, nel corso del XIX secolo si spostò sempre più sulle pagine dei quotidiani, come dimostra la carriera di Eduard Hanslick, considerato ancora oggi l'emblema della critica musicale professionalizzata: A partire dal 1864, le sue recensioni apparvero addirittura in gran parte sulla prima pagina della "Neue Freie Presse" viennese; una chiara indicazione del potere della critica musicale nel XIX secolo.

A causa della riproducibilità dell'arte - a cui Walter Benjamin dedicò notoriamente un saggio epocale nel suo saggio "L'opera d'arte nell'epoca della riproducibilità" (1936) - la critica musicale del XX secolo si è rivolta alle registrazioni sonore in aggiunta alla critica originale di opere e spettacoli. Negli ultimi 100 anni, ciò ha dato origine a una tradizione di riflessione indipendente, la cui attenzione principale è rivolta all'esperienza sonora vera e propria, staccata dai contesti esecutivi convenzionali. Questo corpus unico di fonti fornisce informazioni inedite su come gli ascoltatori esperti percepiscono, concettualizzano, descrivono e infine valutano la musica. Ciò porta in primo piano le questioni relative all'organizzazione delle recensioni di registrazioni sonore in termini di contenuto e linguaggio, come ad esempio: Cosa viene effettivamente riportato? Quali criteri di valutazione vengono citati? Come si giustifica il fatto che una registrazione sia migliore di un'altra? E che ruolo ha la critica musicale nel contesto dell'attuale mercato digitale della musica classica? Il Centro di competenza Music Performance Research della Scuola di Musica di Lucerna (HSLU M) ha lavorato intensamente su queste e altre domande negli ultimi 10 anni. In collaborazione con il Conservatorio della Svizzera italiana, dal 2010 al 2012 il centro ha inizialmente portato avanti il progetto finanziato dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica (FNS) Recensioni recensite realizzato. I risultati hanno costituito la base per la tesi di laurea "Evaluating Recorded Performance" (Elena Alessandri, 2014), anch'essa redatta all'HSLU M e accettata dal Royal College of Music di Londra. A questo è seguito un secondo progetto finanziato dal FNS Recensione Impatto (2016-2020), in cui i risultati della tesi sono stati analizzati nel contesto del mercato musicale.

Il nucleo dei progetti prevedeva l'analisi del contenuto di un corpus di oltre 900 recensioni di registrazioni sonore di musica per pianoforte del repertorio classico pubblicate in Svizzera, Germania e Inghilterra tra il 1923 e il 2018. L'analisi delle oltre 450.000 parole di fonti testuali mostra quanto sia varia e ricca di sfumature la critica musicale delle registrazioni sonore.

Data la natura dell'argomento, l'esecuzione ha il peso maggiore in termini di contenuto. Tuttavia, vengono discussi anche molti altri aspetti, come gli esecutori, l'opera registrata, lo strumento o le condizioni di registrazione, produzione e commercializzazione. A livello descrittivo, si può notare che oltre ai parametri musicali tecnici come il ritmo, l'agogica, la dinamica o il fraseggio, per i quali sembra esistere una terminologia consolidata, i critici tendono a usare metafore e paragoni quando scrivono di aspetti musicali più generali come lo stile, il carattere e la struttura. In totale sono stati identificati 42 temi per la descrizione delle registrazioni sonore. Alcuni di questi temi acquistano o perdono peso nel corso del tempo, ad esempio gli aspetti relativi alla descrizione dei processi tecnici di registrazione e produzione hanno raggiunto un picco tra gli anni '50 e '70, mentre hanno perso importanza dagli anni '90 in poi.

In contrasto con la grande diversità degli argomenti, come viene descritta la registrazione, c'è una certa stabilità per quanto riguarda i criteri di valutazione. Nell'arco di quasi 100 anni di testi, sette criteri di valutazione si dimostrano estremamente duraturi: tre criteri di valutazione estetica (intensità, coerenza, complessità), tre criteri di valutazione della prestazione dell'interprete (sicurezza, comprensione, sforzo) e un criterio che tiene conto della dipendenza della registrazione dal contesto. Ciò che colpisce in questo contesto, tuttavia, è che quando si descrive o si valuta un'interpretazione, i parametri puramente tecnico-musicali sono spesso incorporati in affermazioni sulla persona che sta dietro all'esecuzione o vengono ampliati per includere questa dimensione. In altre parole, l'affermazione tecnica "il tempo è aumentato" viene trasformata in "il pianista corre un rischio aumentando il tempo, ma lo gestisce con sicurezza". In questo modo, l'esecuzione viene descritta o giudicata sulla base di ipotesi su ciò che il pianista ha pensato, inteso o osato fare, e i tre criteri focalizzati sull'esecuzione menzionati in precedenza, ossia sicurezza, comprensione e sforzo, vengono integrati nel giudizio di valore estetico come pilastri portanti. Con questo atteggiamento, i critici riconoscono il particolare significato che la performance umana ha per la percezione e il riconoscimento dell'esecuzione. Questo sembra almeno ridimensionare il timore diffuso tra i musicisti che l'esecuzione musicale venga un giorno sostituita da macchine e algoritmi di apprendimento.

L'analisi del testo documenta inoltre che i sette criteri di valutazione non sono trattati dai critici come una lista di controllo. Non ci si aspetta che una performance soddisfi tutti i criteri e i critici non valutano le performance secondo il principio "più sono, meglio è". Piuttosto, riconoscono il fatto che una performance è il prodotto di una combinazione di caratteristiche diverse. Come per un pasto delizioso, la ponderazione, il dosaggio e l'equilibrio tra i singoli ingredienti, come la complessità e la coerenza, la sicurezza e la comprensione, si rivelano importanti per una registrazione musicalmente valida. Questa intuizione è rilevante anche per il contesto universitario, poiché spesso in situazioni d'esame si tende a lavorare attraverso un determinato catalogo di criteri presumibilmente neutri individualmente e separatamente da cima a fondo, invece di ponderare di conseguenza le relazioni e le dipendenze dei criteri dell'interpretazione corrente.

I risultati ottenuti dall'analisi del testo sono stati integrati e confermati anche da interviste con critici professionisti provenienti da Svizzera, Germania e Regno Unito. In queste interviste sono stati discussi anche il ruolo della critica musicale delle registrazioni di musica classica, la sua funzione e il suo significato. In termini di profilo, i critici continuano a vedersi come mediatori responsabili e impegnati tra produttori, artisti e consumatori, nonostante le condizioni di lavoro sempre più precarie: Principi come l'integrità, il rispetto e la chiarezza giocano un ruolo importante nel loro lavoro. In un mercato musicale quasi interamente digitale e caratterizzato da giudizi profani, gli esperti non vedono il loro ruolo come quello di dare consigli su cosa acquistare, ma piuttosto come quello di fornire una guida e un orientamento all'ascolto. In questo contesto, si sottolinea che un giudizio chiaro e comprensibile è una priorità assoluta. Tuttavia, le condizioni del mercato musicale odierno fanno sì che i critici nutrano seri dubbi sull'importanza del loro lavoro: Questa preoccupazione si riflette nella domanda, spesso sollevata nelle interviste, se la critica musicale professionale sia ancora rilevante oggi.

Sulla base di questo dubbio, è stato lanciato un sondaggio online tra gli ascoltatori di musica classica. Al sondaggio hanno partecipato 1.200 persone provenienti da 62 Paesi. È interessante notare che, contrariamente all'aspettativa stereotipata alimentata dai dubbi dei critici, circa due terzi dei partecipanti hanno dichiarato di leggere o ascoltare le recensioni musicali delle registrazioni. L'80% dei partecipanti si aspetta che le critiche musicali siano costruttive, rispettose e obiettive. In linea con i critici, anche gli ascoltatori di musica si aspettano un giudizio di valore differenziato e fondato che possa servire da guida per il loro ascolto. Tuttavia, il profilo dell'autore (professionista o dilettante) è considerato di secondaria importanza: i consumatori si concentrano soprattutto sulla qualità del testo e non sul fatto che gli autori abbiano o meno una formazione professionale.

Tuttavia, questa valutazione del sondaggio non è stata confermata da un esperimento online. Gli intervistati di due gruppi sono stati messi di fronte alla stessa recensione musicale professionale anonima: Al gruppo 1 è stato detto che il testo era stato scritto da un autore professionista, mentre al gruppo 2 è stato detto che il testo era stato scritto da un dilettante con conoscenze musicali. È interessante notare che il gruppo 1 ha giudicato il testo leggermente più utile e affidabile. Tuttavia, sapere se il testo è stato scritto da un esperto o da un dilettante non ha influenzato il comportamento d'acquisto o la volontà dei soggetti del test di acquistare la registrazione audio recensita, poiché ciò dipendeva solo dal giudizio positivo della recensione.

Riassumendo: Gli studi condotti negli ultimi 10 anni presso il CC Music Performance Research dell'HSLU M dimostrano che la critica musicale fornisce importanti indicazioni su come la musica viene percepita, descritta e valutata al di là dello scopo della critica. Questa forma di scrittura è estremamente complessa e ricca di sfumature ed è fortemente caratterizzata da dispositivi retorici. La funzione e il significato della critica musicale professionale sono sempre più spesso considerati problematici dalle arti dello spettacolo. Tuttavia, i risultati mostrano che la critica musicale svolge un ruolo importante di mediazione tra le parti interessate e di orientamento e guida all'ascolto della musica.

In un mercato musicale competitivo, che sempre più spesso giudica la musica con valori puramente quantitativi ed è guidato da decisioni rapide (classifiche, quote di vendita, like, stelle, voti, ecc.), i critici musicali ci invitano a confrontarci con le caratteristiche qualitative della musica e della sua realizzazione. Ed è proprio per questo che i critici musicali hanno un ruolo responsabile da svolgere anche nel mercato della musica digitale. I loro giudizi di valore sono ancora richiesti e benvenuti, perché ci ricordano che ascoltare ed esaminare criticamente la musica non è solo un viaggio divertente, ma anche un'avventura arricchente.

Dott.ssa Elena Alessandri

... è responsabile del Centro di competenza Music Performance Research presso la Scuola di musica di Lucerna.

Prof Dr Antonio Baldassarre .

... è vicedirettore e responsabile del settore Ricerca e Sviluppo della Scuola di Musica di Lucerna.

> www.hslu.ch/reviewimpact

Thomas Dobler - Per avere una spiegazione dell'insegnamento del jazz, è essenziale cercare di definire e decifrare questa musica che ci appassiona. Negli ultimi decenni sono stati fatti molti tentativi in questa direzione. Per alcuni, il jazz è "la" musica del XX secolo. Per altri, il jazz è considerato la musica degli afroamericani. Altri ancora dicono che il jazz è "musica improvvisata". Per alcuni, il jazz significa ribellione, resistenza o addirittura lotta per la libertà. Per altri è una musica che consiste principalmente nel "groove". Si potrebbe stilare un lungo elenco di cliché, a volte quasi caricaturali. Alla fine del disco, ci si ritrova in ogni caso in una vera e propria giungla di stili.

Heureusement, le jazz se démontre malin. Non si lascia catalogare. Si è evoluto e continua a evolversi. Non è mai stato possibile classificarlo in categorie dogmatiche e inflessibili. Anche le dispute tra tradizionalisti e modernisti negli anni '50 e '60 si sono perse nell'ombra. Tuttavia, la domanda "qu'est-ce que le jazz? " continua a essere oggetto di discussione, soprattutto tra i musicisti e all'interno delle istituzioni professionali. La sfida per queste ultime è davvero enorme.

Il jazz è sempre stato caratterizzato da una miscela di influenze e stili. In un certo senso, è il frutto artistico degli scambi culturali e, di conseguenza, l'espressione della libertà. Il jazz si nutre della tradizione afroamericana, ma anche delle ultime tendenze, tra cui la musica elettronica. Si nutre anche di tutti i tipi di musica classica, compresa la musica barocca, impressionistica ed espressiva. Inoltre, il jazz è fortemente ispirato dalla musica afrocubana, dalla musica brasiliana, dalla musica dell'Africa orientale, dall'India e dalla musica di tutto il mondo. Lo scambio è fondamentale. Sembra quindi ovvio che il musicista jazz debba dimostrare una grande apertura di spirito. Deve avere allo stesso tempo una grande consapevolezza della tradizione e allo stesso tempo rivolgersi sempre verso l'ignoto.

Miles Davis diceva che il jazz non è solo musica. C'est un état d'esprit! Probabilmente aveva ragione. Ma come posizionarsi in quanto Haute École de Musique (HEM)? Non si può insegnare uno stato d'animo. Ma possiamo insegnare la musica in tutta la sua diversità. Questo perché gli studenti possano sviluppare la loro personalità e il loro carattere attraverso esperienze ricche.

Fino agli anni Sessanta, i musicisti che volevano imparare a suonare il jazz in Svizzera lo facevano in modo autodidatta. I pochi programmi di formazione creati durante l'inter-deux-guerres presso la Musikakademie de Zurich (1935), il Conservatorio di Bâle (1940) e il Lycée musical de Genève (1941) non si affermarono in modo duraturo. I libri sul jazz erano rari e i dischi costosi. Si imparava quindi suonando con colleghi esperti, ascoltando e copiando le poche registrazioni disponibili. In questo contesto, molti musicisti dilettanti cercavano consigli e indicazioni professionali. In risposta a questa domanda, tra il 1958 e il 1961 furono organizzati corsi di jazz a Zurigo, Bâle e Berna. Nel 1967, la Swiss Jazz School aprì i battenti a Berna e offrì una formazione basata sul programma del Berklee College of Music di Boston. In termini di insegnamento, gli Stati Uniti si stavano facendo strada in quel periodo, nonostante la grande popolarità del jazz in tutte le regioni d'Europa. Nella Svizzera francese, tra il 1979 e il 1982, tre conservatori classici, il Conservatoire de Musique de Fribourg, il Conservatoire Populaire de Musique (CPM, Ginevra) e il Conservatoire de Montreux aprirono sezioni di jazz. Gli anni successivi videro la creazione dell'École de Jazz et de Musique Actuelle (EJMA) in tre città francofone: Martigny nel 1983, Losanna nel 1984 e Sion nel 1986.

Il settore del jazz in Svizzera ha raggiunto un vero e proprio apice negli anni 2000, quando le scuole di musica di Losanna, Berna, Lucerna e Zurigo hanno integrato i dipartimenti di jazz nell'ambito della riforma del sistema educativo federale. Qualche anno dopo, anche le HEM di Zurigo e Losanna hanno aperto dipartimenti di musica contemporanea. Nel frattempo, in tutta la Svizzera sono state create delle sezioni pre-professionali. La DKSJ (Conferenza dei Direttori delle Scuole di Jazz Svizzere) riunisce i cinque dipartimenti di jazz degli HEM svizzeri e la maggior parte dei "pre-college" e delle altre scuole di jazz ai quattro angoli del Paese. Questa istituzione è un luogo particolarmente privilegiato per gli scambi e realizza regolarmente progetti comuni. A livello globale, si può dire che la reputazione nazionale e internazionale si sta sviluppando e sta diventando sempre più importante. Così, nell'arco di un quarto di secolo, la Svizzera è passata da un apprendistato amatoriale e informale a una formazione professionale a livello terziario, cioè a programmi di studio strutturati basati su Bachelor e Master riconosciuti a livello federale.

Allo stesso tempo, il campo del jazz si è evoluto enormemente. Da un punto di vista artistico, ma anche musicale. La rivoluzione digitale ha cambiato radicalmente la nostra professione e il mercato del lavoro. Tutti i dipartimenti di jazz di HEM Suisse seguono questa evoluzione, in particolare nel campo dell'informatica musicale e nel campo dello studio e della registrazione. Le competenze previste e richieste per il "musicista di oggi" tendono a moltiplicarsi molto rapidamente. Bisogna essere sia generalisti che specialisti. In questo contesto, non è sempre facile mettere in atto un piano di studi coerente che risponda a tutte le esigenze. Tanto più che gli HEM devono anticipare alcuni cambiamenti. È per questo motivo che la maggior parte delle scuole ha implementato la possibilità di individualizzare il corso per consentire un massimo di profili diversificati. Tuttavia, con questa moltitudine di alternative, non è sempre ovvio per un giovane musicista trovare la propria identità artistica. Il sostegno degli insegnanti è molto importante, ma non può mai sostituire l'esperienza pratica. La concorrenza a volte feroce nell'intero settore musicale a livello internazionale non facilita questo sforzo.

È essenziale avere uno spirito imprenditoriale e uno spiccato senso dell'innovazione. L'energia molto dinamica che si respira attualmente nei reparti jazz di HEM Suisse favorisce lo sviluppo di questo "nuovo" modello di musicista. Tutta questa energia positiva merita di essere riconosciuta. In questo senso, ci auguriamo una rapida fine della pandemia e un brillante ritorno alla cultura!

Thomas Dobler

... è adjoint de direction département jazz, responsabile della filiera Bachelor jazz e responsabile della filiera Masteren Interprétation option Performer-Composer presso l'HEMU (Haute École de Musique Vaud Valais Fribourg).

Matthias von Orelli - L'Archivio svizzero del jazz ripercorre una storia entusiasmante. Fondato nel 1989 come associazione Pro Jazz Schweiz, il suo obiettivo era quello di archiviare il materiale visivo e audio esistente e di raccogliere informazioni sul passato e sul presente della scena jazzistica svizzera. Nel 1996, l'archivio è stato inizialmente consegnato alla Scuola di Jazz di Basilea, prima di trasferirsi a Uster nel 2000. Nello stesso anno, l'archivio è stato ribattezzato swissJazzorama. Negli anni successivi, il patrimonio archivistico ha continuato a crescere e allo stesso tempo la collezione ha acquisito maggiore importanza, in quanto conserva importanti opere storico-culturali del panorama jazzistico svizzero, destinate sia agli studiosi che al pubblico. Questo sviluppo risponde allo scopo dell'associazione: la raccolta e l'elaborazione sistematica di informazioni e documenti rappresentativi della storia e del presente del jazz in generale e in Svizzera in particolare.

Nel prossimo futuro è prevista la fusione dell'archivio con la ZHdK, il che renderebbe swissJazzorama parte del dipartimento di jazz dell'Università della Musica di Zurigo. Questo passaggio avrebbe il vantaggio di far beneficiare l'archivio delle varie discipline della ZHdK, cioè non solo del Dipartimento di Musica, ma anche del Dipartimento di Design, ad esempio. Questo passo rafforzerebbe anche l'importante, significativa e contemporanea collaborazione tra il mondo accademico e l'archivio. Inoltre, questa collaborazione offrirebbe agli studenti l'opportunità di essere coinvolti come aiutanti.

A tutt'oggi, swissjazzorama è considerato l'archivio centrale e il centro di informazione sul jazz in Svizzera1. Il sito web consente di accedere all'enorme archivio online, che contiene supporti visivi e audio, libri, manifesti, fotografie, articoli di stampa e strumenti. Attualmente sono disponibili circa 3.500 libri sul jazz (biografie, opere di riferimento, discografie, opere tematiche e musicologiche), l'archivio fotografico contiene foto storiche e immagini di musicisti e personalità del jazz che hanno plasmato o continuano a plasmare la scena jazzistica svizzera, mentre l'archivio degli spartiti contiene schizzi a mano e composizioni originali di musicisti della scena jazzistica svizzera, oltre a spartiti di "standard" con note marginali su arrangiamenti o modulazioni armoniche. Circa 4.200 manifesti illustrano graficamente la scena jazzistica svizzera dall'inizio del XX secolo a oggi.

L'istituzione si pone quindi come un importante punto di contatto per studenti, docenti, musicologi e giornalisti, nonché per gli appassionati di jazz di tutti gli stili.

Grado

1 Significativo è anche l'archivio di Niklaus Troxler, gestito dalla Scuola di Musica di Lucerna:

> www.willisaujazzarchive.ch

Martin Huber - Già nel 2005, George Caird (Segretario Generale dell'Association Européen des Conservatoires (2005-2010)) aveva notato in un articolo della Neue Musikzeitung (numero 6/2005, 54° anno) un forte aumento delle cosiddette carriere di portafoglio nel mondo anglosassone. Con questo termine si intende che i musicisti non generano più il loro reddito esclusivamente da un'unica attività, ma si assicurano il loro sostentamento da diversi ambiti lavorativi; oltre al lavoro sul palco e all'insegnamento, anche nell'amministrazione culturale, nel giornalismo, nella mediazione, ecc. Nelle università internazionali, la preparazione al multiforme mondo del lavoro è organizzata sotto il termine "sviluppo della carriera" o "sviluppo professionale". Non si tratta solo di occupabilità e, in senso lato, di indipendenza imprenditoriale. Nel nostro contesto, ciò significa meno imprenditorialità classica e più sviluppo delle autocompetenze del "musicista come imprenditore individuale".

Ciò che da tempo è una realtà nel mondo anglosassone è in qualche modo ritardato nei Paesi di lingua tedesca, ma è comunque chiaramente percepibile e difficile da negare: Parallelamente alla diversificazione della professione musicale, si è assistito a uno spostamento dal lavoro dipendente a quello freelance. Mentre il numero di studenti di musica è stabile, il numero di posizioni permanenti sta diminuendo. Ciò influisce sul mercato delle posizioni orchestrali e su quello delle scuole di musica. Naturalmente, questo fenomeno è più evidente nella musica classica, ma almeno nelle scuole di musica riguarda tutti i settori. Era prevedibile che questo sviluppo si verificasse con un certo ritardo e in misura minore in Svizzera; tuttavia, l'attuale crisi di Covid probabilmente accelererà enormemente il processo.

Nel migliore dei casi, il lavoro freelance significa anche lavoro autonomo professionale. Tuttavia, il lavoro autonomo professionale e il lavoro autonomo fasullo vengono spesso confusi, come dimostra chiaramente la situazione attuale. La sicurezza sociale di molti musicisti è in grave difficoltà e, soprattutto all'inizio di questa crisi, molti musicisti freelance non hanno potuto richiedere gli aiuti statali a causa della mancanza di un vero lavoro autonomo. Meno posti di lavoro fissi e mancanza di sicurezza sociale per i freelance: Nessuno può essere interessato a vedere un numero crescente di musiciste in una situazione precaria - o a mandarle lì. Le ragioni della mancanza di autocompetenza nell'affrontare il lavoro autonomo risiedono, tra l'altro, nella formazione.

Il percorso di laurea passa tradizionalmente attraverso l'insegnante della materia principale. La materia principale occupa anche la maggior parte del curriculum della maggior parte dei corsi di laurea in educazione artistica o musicale. Le competenze di trasferimento sono in genere rappresentate solo marginalmente, spesso nell'area elettiva come parte di pochi crediti. Questo è molto in linea con le esigenze degli studenti, che naturalmente vogliono dedicare il maggior tempo possibile alla loro materia principale e che non possono prevedere le complessità dell'ambiente professionale che li attende. L'atteggiamento prevalente sia tra gli studenti che tra i docenti - almeno fino a poco tempo fa - era: "Imparerai tutto più tardi". La critica mossa alle università di non essere state adeguatamente preparate alle reali esigenze della vita professionale viene di solito espressa solo dopo che sono passati alcuni anni (professionali).

Da cinque anni il Career Centre Music (CCM) della ZHdK offre una solida gamma di competenze di base trasferibili come "Musica e diritto", "Politica culturale", "Finanziamento della musica", "Sicurezza sociale", "Contabilità per musicisti" e "Social media e comunicazione digitale". Combinato nel modulo "business & administration", è sia una parte obbligatoria del curriculum nei principali corsi di laurea artistici, sia accessibile agli studenti esterni sotto forma di corsi di perfezionamento. Il modulo "produzione e presentazione" fa parte dell'area elettiva obbligatoria. Nel senso di aiutare gli studenti ad aiutarsi da soli, consente loro di acquisire competenze nell'autoproduzione (audio e video) e nella sua commercializzazione e integrazione nel proprio portfolio. Consulenza, coaching individuale e di gruppo completano l'offerta per gli studenti, i dipendenti e gli esterni. Sarà interessante vedere come le competenze di trasferimento e lo sviluppo della carriera saranno integrati nell'attuale riforma del programma major-minor.

La domanda dei servizi offerti dal Career Centre Music è aumentata costantemente negli ultimi anni, ma dopo la crisi di Covid ha subito un'impennata. Proprio nel momento in cui la digitalizzazione ha subito un salto di qualità, le università potrebbero cogliere l'opportunità di rendere sostenibile il modello del career center rafforzando i centri di carriera e i loro servizi, implementandoli a livello istituzionale e (cosa importante!) ancorandoli al curriculum. È auspicabile che la vicinanza alla materia venga mantenuta e considerata strutturalmente anche nei grandi istituti d'arte interdisciplinari come lo ZHdK. Solo così si potrà garantire che l'accettazione e la significatività per gli studenti siano date e continuino anche dopo questa crisi.

Martin Huber

... è responsabile del Career Centre Music, del modulo "Career Skills" e di "Orchestra Management" presso la ZHdK. È flautista, insegnante di strumento, arrangiatore e organizzatore di concerti.

Clemens Kuratle - Dopo aver conseguito una laurea in musica, che si tratti di esecuzione, pedagogia, musica scolastica o orchestra, solo pochissimi ex allievi trovano un impiego a tempo pieno. Le posizioni orchestrali sono rare, così come quelle nelle scuole di musica, la maggior parte delle quali sono pubblicizzate solo a tempo parziale, per non parlare dell'instabile e precario lavoro da freelance nei settori pop, indipendente e jazz. È una professione guidata dall'idealismo quella scelta dagli studenti. La realtà professionale dei musicisti freelance richiede un'ampia gamma di competenze in settori come l'amministrazione, il networking, il marketing, i social media, ecc. e un'incredibile disciplina per non perdere di vista l'aspetto principale: fare musica attiva, comporre e produrre, accanto a tutti questi campi di attività! Tutto ciò è necessario per poter rimanere a lungo in questo ambiente altamente competitivo.

Alla Scuola di Musica di Lucerna, le cosiddette "competenze commerciali" vengono insegnate da tempo in un modulo obbligatorio per gli studenti di Bachelor e Master ("Musica e carriera"). Costruiti e ampliati gradualmente nel corso degli anni da Michael Zollinger, vari corsi di mezza giornata sono utilizzati per impartire un know-how lontano dalla musica e tuttavia immensamente importante.

Tutti i docenti non insegnano a tempo pieno, ma lavorano nei settori in cui insegnano presso la HSLU. Questo per garantire che l'ambiente in rapida evoluzione dei musicisti e degli insegnanti di musica sia sempre ben riflesso nei corsi. L'obiettivo è quello di garantire che gli studenti siano preparati al meglio per affrontare la difficile realtà della professione - non si può parlare di una vita quotidiana chiara.

Grazie alla rete complessiva dell'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna, che oltre al Dipartimento di Musica comprende anche i Dipartimenti di Design e Arte, Ingegneria e Architettura, Business e Information Technology, gli studenti beneficiano di un programma accessibile a tutti gli studenti dell'università. Oltre alla piattaforma di collocamento, il Careers Service offre agli studenti Musica per il vostro evento Hanno anche l'opportunità di far valutare il proprio curriculum da un direttore di scuola di musica o da un membro della giuria dell'orchestra.

Con Smart-Up l'università dispone anche di una piattaforma che supporta studenti e docenti nelle sessioni di coaching. Grazie al collegamento con gli altri dipartimenti, gli studenti e i docenti possono usufruire di un coaching personalizzato da parte di un ampio pool di specialisti per progetti più ampi, come la fondazione di un'orchestra, un concetto di educazione musicale o simili.

Una delle principali sfide dell'insegnamento nel nostro campo è la capacità di soddisfare i diversi livelli e le diverse esigenze degli studenti. In tutti i corsi di laurea si va da musicisti autonomi e indipendenti, a insegnanti di musica in attività, a studenti appena usciti dalla scuola secondaria con poca esperienza pratica al di fuori di un istituto scolastico. Per rendere giustizia a questa gamma, il nostro programma sarà adattato anche per il nuovo anno accademico. In futuro, gli studenti potranno scegliere tra un'ampia gamma di corsi durante i primi quattro semestri della laurea triennale e i primi due semestri della laurea magistrale, per completare un programma su misura per loro. Il programma inizierà con un corso di mezza giornata in cui verrà valutato il livello di conoscenza e il campo di attività dello studente. Sulla base di questa valutazione vengono poi stabiliti i corsi da frequentare per l'anno accademico. L'offerta di corsi è integrata da un'ora di consulenza, che ha lo scopo di sostenere gli studenti nei loro progetti, in particolare nel progetto finale, ma anche in progetti al di fuori del loro corso di laurea. Se gli studenti hanno problemi più complessi, possono anche essere indirizzati al programma di coaching più completo offerto da Smart-Up.

Cooperazione con le reti locali

La nostra visione è che, oltre all'ampliamento dell'offerta di corsi, panel e spazi di co-working con servizi di coaching integrati - anche in collaborazione con reti locali quali Altra musica Lucerna o Saluta! - dovrebbero far parte del nostro programma di moduli. L'obiettivo è quello di garantire che la vita accademica e quella professionale degli studenti siano il più possibile vantaggiose per entrambi e non siano in competizione tra loro. Riteniamo che tali collaborazioni consentano ai nostri studenti di uscire dai nostri corsi di laurea più preparati e con un'esperienza pratica ancora maggiore. Ma non è tutto. Questa cooperazione libera risorse e impulsi a tutti i livelli, che, ne siamo convinti, arricchiranno a lungo termine anche il panorama culturale di Lucerna.

Clemens Kuratle

... è musicista freelance, compositore, fondatore dell'etichetta antidrò-records e docente presso l'Istituto di Nuova Musica, Composizione e Teoria della HSLU - Musica e responsabile del modulo "Musica e Professione".

Grado

Titolo tratto da: E. Bishop, Un'analisi curricolare dei programmi di studio artistico-strumentali. Rivista di gestione culturale 1/2020

Ulteriori link:

> www.zhdk.ch/careercentermusik

> www.hslu.ch/de-ch/careers/

Eva-Maria Neidhart - Il PreCollege dell'Università delle Arti di Berna è un programma di preparazione che esiste in forma simile anche in altre accademie musicali svizzere. È stato fondato ben cinque anni fa in considerazione della crescente concorrenza internazionale nell'assegnazione dei posti di studio e del mercato musicale altamente globalizzato. Funge principalmente da tappa finale prima dello studio della musica e sostiene in particolare i talenti svizzeri. Il PreCollege Bern HKB insegna e promuove le competenze musicali, ma si propone anche come luogo di incontro e di scambio di idee tra persone che la pensano allo stesso modo; qui si incontrano giovani con gli stessi obiettivi di studio e le stesse motivazioni: Quelli che un tempo erano il pezzo forte della serata ai concerti della scuola di musica, che partecipavano con successo ai concorsi e che preferivano trascorrere le vacanze estive in un campo musicale piuttosto che in un campo scout, ora si ritrovano all'università per esercitarsi o suonare musica da camera, si incontrano nelle lezioni di teoria del sabato e in altri moduli variegati, si ascoltano e si commentano a vicenda durante le lezioni in classe e migliorano le loro capacità esecutive in numerosi concerti. Circa 90% di questi giovani studenti frequentano anche la loro materia principale presso la BUA e fanno quindi parte delle classi strumentali, vocali o di composizione tramite i loro insegnanti. Il contatto diretto con i docenti e gli studenti di Bachelor e Master di tutto il mondo è un'esperienza arricchente e una fonte di ispirazione per il loro sviluppo personale. In questo modo, sviluppano la consapevolezza delle proprie capacità e del proprio potenziale artistico e si preparano alle sfide che li attendono come studenti professionisti. Si esercitano a riflettere su se stessi attraverso lo specchio di un ambiente vibrante che rivela realtà e allo stesso tempo crea prospettive.

Nella nostra accademia d'arte transdisciplinare, gli studenti del PreCollege si sensibilizzano anche ad altre estetiche e attitudini artistiche. Affrontano temi di ricerca o sperimentano progetti in corso nel nostro dipartimento, ad esempio nel campo del musical teatrale, dell'educazione musicale o della nuova musica. Per tenere conto delle diverse esigenze, delle risorse di tempo (PreCollege parallelo alla scuola secondaria o nell'anno intermedio?) e del rispettivo livello di istruzione, componiamo il programma individualmente a seconda degli interessi e delle possibilità. Per alcuni giovani studenti, il periodo da uno a due anni di PreCollege è una fase di orientamento, di ricerca delle proprie aspirazioni di studio o prospettive musicali. Quando entrano nel PreCollege, non è raro che gli studenti non sappiano se il loro cuore batte più per la musica, se possono e vogliono presentarla o se, alla fine, un altro campo di studi sarebbe più adatto a loro.

Per me, in qualità di responsabile del PreCollege Bern HKB, si tratta di processi decisionali importanti e rivoluzionari nella vita di un giovane, che osservo con interesse e che seguo personalmente con interesse. A volte, nonostante una solida performance, diventa chiaro che la musica rimarrà un hobby in futuro. Questo ha senso anche come presa di coscienza: se la passione non è sufficientemente presente, se questo fuoco interiore per la musica non divampa e l'entusiasmo e la perseveranza mancano nonostante le potenzialità e le capacità tecniche esistenti... Chissà, forse una futura neurologa svilupperà un'empatia speciale per i pazienti o metodi di ricerca innovativi grazie alle competenze artistiche che sicuramente porterà con sé dal PreCollege.

Ogni anno 22 giovani studenti frequentano il nostro PreCollege. La metà di loro sono musicisti che mirano a conseguire un Bachelor in musica classica. Un quarto sono giovani uomini e donne che vogliono prepararsi per altri due programmi di Bachelor della HKB, Musica e Movimento (Ritmica) e Arti del Suono. Il profilo degli studenti di musica classica è per lo più omogeneo: In media, si tratta di giovani di 19 anni che stanno per concludere o hanno già concluso gli esami di maturità o, meno frequentemente, l'apprendistato. La musica è il loro hobby preferito. Quasi la metà dei candidati supera l'esame di ammissione al PreCollege. Tuttavia, molti non hanno un'idea precisa di come sia la vita di uno studente in un'università musicale. Cosa si prova quando la musica diventa la propria occupazione principale, quando l'affinamento della tecnica dell'arco o dell'embouchure non deve più essere bilanciato oltre la curva sinusoidale del liceo e il tamburo di latta. Alcuni sono sorpresi dalla densità energetica ed emotiva di una formazione puramente artistica. Il confronto con se stessi e con i colleghi che sono già più avanti negli studi è spesso una sfida. Sia che sognino una grande carriera come musicisti, sia che abbiano già un successo musicale o che non siano ancora sicuri di voler studiare all'università, dopo il periodo trascorso al PreCollege la scelta è chiara. Dalla fondazione del PreCollege Bern HKB nel 2016, quasi 100% di questi giovani studenti hanno fatto il salto verso un corso di laurea di primo livello presso la HKB o un'altra università svizzera.

Chiunque sia interessato alla musica e al movimento ha una buona conoscenza di base della musica e una solida formazione scolastica, è creativo o ha talento nell'improvvisazione, balla attraverso diversi stili o può immaginare di lavorare con i bambini come insegnante nella sua carriera futura. Chi è interessato alle arti del suono è affascinato da suoni elettronici di ogni tipo, scrive musica per le scene dei film, si diverte ad armeggiare con colonne sonore e registrazioni della vita quotidiana o proviene dalla scena dei DJ. L'ampio spettro di queste due aree spazia dagli apprendisti del circo musicale per bambini ai ballerini di flamenco, dagli arpisti che improvvisano con dispositivi di looping agli studenti delle scuole superiori con una predilezione per l'elettronica.

I giovani musicisti che desiderano prepararsi a un bachelor in jazz possono trovare una fabbrica di talenti specializzata nella preparazione universitaria nell'area di Berna sotto forma della Swiss Jazz School, con la quale come università manteniamo anche un'intensa collaborazione nell'ambito del programma di sviluppo dei talenti del ginnasio di Hofwil. Nel programma per talenti di Hofwil, i giovani ricevono lezioni dai nostri docenti universitari (materie di base, teoria e formazione auditiva, improvvisazione) in una classe di talenti specializzata parallelamente al ginnasio quinquennale e completano così parte del loro diploma di bachelor in musica classica o jazz mentre sono ancora a scuola. Questo approccio si basa su un sostegno precoce, finemente coordinato con l'orario scolastico e definito a livello istituzionale in un accordo di prestazione.

Se si sceglie questo, quello o un percorso completamente diverso con l'obiettivo di studiare per un Bachelor e si ha successo, può dipendere da vari fattori. Il periodo del PreCollege porta un cambiamento di scena e fornisce un'ultima rifinitura prima dell'esame attitudinale del Bachelor. I progressi musicali, tecnici e personali che si verificano in questa fase di avvicinamento agli studi professionali sono talvolta sorprendenti. Ciò è possibile solo quando insegnanti di strumento altamente qualificati hanno precedentemente incoraggiato e sfidato gli studenti di talento con instancabile dedizione fin dal primo minuto di lezione. Non solo insegnano le abilità strumentali di base, ma personalizzano anche l'equilibrio tra obiettivi a lungo termine e piccoli successi. Allo stesso tempo, gli insegnanti di musica mantengono viva la motivazione interiore di un intero gruppo di alunni di talento diverso, sono spesso un importante punto di contatto durante gli anni confusi della pubertà e creano un'atmosfera di fiducia in classe. Essi racchiudono la complessità delle abilità strumentali e della comprensione musicale in una lezione settimanale, subordinandosi allo stesso tempo all'orario a blocchi della scuola primaria.

Fortunatamente, in luoghi in cui in passato si dava poca importanza alla promozione dei talenti musicali, stanno nascendo nuovi programmi o si stanno formando associazioni cantonali per sviluppare una promozione strutturata dei talenti fin dalla prima infanzia, al di là dei confini regionali o istituzionali. Questo sviluppo mi sembra di grande importanza: dopo tutto, le esperienze acquisite sullo strumento nei primi dieci anni circa e le connessioni neurologiche ed emotive che si formano durante questo periodo sono formative per lo sviluppo musicale, per il successo degli studi musicali e per una possibile carriera futura come musicista.

Resta una sfida per tutti noi creare una linea continua di carriera musicale in un sistema educativo svizzero tradizionalmente orientato all'ampiezza e alla specializzazione tardiva. Questo obiettivo può essere raggiunto solo riconoscendo la diversità dei potenziali, delle risorse e delle possibilità degli individui e delle istituzioni. Come compito comune e con l'impegno costante di vedere al centro la prossima generazione di musicisti.

Eva-Maria Neidhart

... è responsabile del PreCollege dell'Università delle Arti di Berna e rappresenta la KMHS nella Commissione di Musica Classica del Concorso Svizzero di Musica per la Gioventù.

Manuel Bärtsch - Come scrisse Carl Philipp Emanuel Bach nel 1759: "Per quanti vantaggi possieda l'accademia musicale, essa è soggetta a tante difficoltà allo stesso tempo" (Carl Philipp Emanuel Bach: Un tentativo di insegnamento vero e proprio in un'accademia di musica. Zweyte Auflage, Erster Theil, Berlin 1759 (Prefazione, I. O non ci credete?).

I meriti sarebbero facilmente dimostrabili dal fatto che ambienti complessi producono testi accattivanti, e la Difficoltà nascono dalle aree di tensione che prevalgono in un'accademia musicale. Desidero illustrarle qui, dal mio punto di vista di musicista, mentore e docente di ricerca presso la HKB di Berna.

Come ovunque, gli aspetti problematici sono facili da individuare. Scrivere delle proprie attività musicali-performative non è necessariamente la prima priorità per gli studenti di musica, almeno all'inizio; gli sforzi per familiarizzare con le regole argomentative di base e gli obblighi di contenuto sono a volte intensi. Non va nemmeno sottovalutata la necessità di limitare i prestiti troppo creativi da altri testi, come si può vedere nell'incipit di questo testo; in ogni caso, i diversi contesti culturali, linguistici e sociali richiedono un costante sforzo di trasferimento intellettuale da parte di tutti i partecipanti. D'altra parte, questo punto di partenza allarga anche l'orizzonte: una discussione sul linguaggio appropriato al genere, come ho sperimentato di recente con studenti russi e cinesi, mi sembra molto più interessante di un commento sulle regole del tedesco, a causa dei prerequisiti linguistici radicalmente diversi delle loro lingue native. E a volte anche la nostra lingua trae vantaggio da questa internazionalità: non dimenticherò mai, ad esempio, come una studentessa giapponese abbia descritto un testo scientifico come "pieno di parole lunghe". Aveva ragione, ho adottato questo neologismo e da allora cerco di evitare le raccolte di parole lunghe.

Un'ulteriore area di tensione si apre tra i diversi tipi di testi che un conservatorio produce. Un genere importante è quello che non serve principalmente per acquisire conoscenze, ma per eseguire musica. In questo caso mi sembra importante incoraggiare gli studenti a utilizzare la scrittura di questa letteratura abilitante per riflettere sulle proprie azioni; scrivendo dei propri programmi, spesso scoprono quali posizioni estetiche rappresentano in realtà e cosa significano per loro questi brani conosciuti da tempo.

Questo mondo di scrittura, prevalentemente creativo e spontaneo, si contrappone ai formati accademici. Tra questi vi è la scrittura di teoria musicale, un compito centrale delle università musicali di lingua tedesca e un tipo di testo particolarmente impegnativo: è un'arte nel vero senso della parola scrivere analisi armoniche, contrappuntistiche o formali che catturino il lettore al di là di complicazioni ermetiche o semplificazioni inammissibili. Anche le pubblicazioni nei campi della ricerca interpretativa, della composizione e dell'organologia sono molto importanti alla HKB, con ex allievi, dottorandi e docenti che lavorano a stretto contatto. Anche a questo livello c'è un campo di tensione, poiché la maggior parte degli autori è anche sul palcoscenico; le loro domande, i loro metodi e le loro soluzioni sono spesso intensamente influenzati dall'accesso diretto all'aspetto performativo dell'oggetto; rimane una sfida metodologica e stilistica straordinariamente eccitante quella di far scoccare scintille intellettuali da questa doppia competenza.

Nel complesso, questo garantisce un panorama di scrittura variopinto e stimolante; la sfida è fare in modo che tutti traggano vantaggio da questa situazione, gli studenti dai ricercatori, i docenti dagli studenti, in modo trasversale e trasversale. Il Master specialistico in Music Performance con ricerca approfondita occupa un posto speciale a Berna. Qui gli esecutori di alto livello artistico portano avanti i loro progetti di ricerca; i docenti di materie fondamentali e di ricerca li aiutano a tradurre in suoni e parole i loro progetti pratici di esecuzione, organologici o di critica delle fonti; spesso imparano tanto quanto gli studenti in questo processo.

Le accademie musicali sono quindi un buon habitat per scrittori interessanti. Vale la pena sopportare le tensioni specifiche che vi si presentano, perché scrivere di musica le arricchisce di dimensioni importanti. Se ne trae vantaggio nella lettura, nella partecipazione ai concerti, nella ricerca, e si aprono nuovi campi professionali per gli studenti, come autori di programmi di concerti, come collaboratori radiofonici, come direttori artistici di ensemble, o come artisti sia ricercatori che esecutori, - "insomma: come musici*ae complete; non si è scoraggiati dalla difficoltà di scrivere di musica, poiché essa sostituisce completamente lo sforzo e il tempo speso per essa grazie ai suoi eccellenti benefici" (C. F. Bach ibidem.F. Bach ibidem, almeno quasi). Una volta terminato il lavoro, l'entusiasmo è solitamente grande tra tutte le persone coinvolte.

Manuel Bärtsch

... è pianista, professore e ricercatore presso la Bern University of the Arts.

Anja Wernicke - L'esperienza musicale non può essere espressa completamente a parole, eppure il linguaggio caratterizza il modo in cui percepiamo la musica. Una conferenza di Johannes Kreidler offre spunti di riflessione. Un nuovo corso di formazione presso l'Accademia di Musica della FHNW si occupa della verbalizzazione della musica come parte della pratica curatoriale.

Iniziamo con un piccolo esperimento: accendiamo un po' di musica e prestiamo attenzione al primo termine, alla prima parola che ci viene in mente. Ah. Forse avete pensato mentalmente al nome dello strumento che state ascoltando o al genere o alla struttura. Non possiamo mai spegnere completamente le nostre conoscenze sulla musica quando la ascoltiamo. Quando ascoltiamo la musica, associamo sempre ciò che sentiamo a dei concetti. Questa è la tesi del compositore Johannes Kreidler. In una conferenza tenuta il 10 marzo di quest'anno all'Accademia di Musica della FHNW di Basilea, il neo-professore di composizione ha sostenuto un approccio radicale all'interpretazione linguistica della musica con il titolo di "ascolto concettuale". "Quando si ascolta la musica, si potrebbe parlare di lettura del suono", ha detto Kreidler. Per giustificare questa affermazione ha fatto riferimento a numerose affermazioni filosofiche, come quelle di Martin Heidegger: "Stiamo sempre parlando; anche quando non pronunciamo una parola, ma ascoltiamo soltanto...".

Il paradigma della musica assoluta, rappresentato tra gli altri dal musicologo Carl Dahlhaus, si oppone in particolare a tale visione. Nell'era del postmodernismo, tuttavia, Kreidler non ritiene più valida tale visione. Egli sostiene che noi "sentiamo" o piuttosto leggiamo sempre il significato di un brano musicale, che fondamentalmente tutto si basa su citazioni e riferimenti. Anche la Nona Sinfonia di Beethoven è sempre il nono con tutta la sua storia e l'aura che gli viene attribuita. Nel libro di John Cage 4'33 non solo si percepisce il silenzio, ma lo si dimostra. Viene incoraggiata la riflessione su cosa sia effettivamente il silenzio.

Ma l'intera esperienza musicale non può certo essere riassunta a parole. Il compositore Peter Ablinger si concentra sulla sensualità al di là della semantica. In una conferenza tenuta alla conferenza di primavera dell'Istituto per la nuova musica e l'educazione musicale di Darmstadt nel 2018, pubblicata nel numero di maggio della rivista Posizioni nel 2019, afferma: "(s)realtà interiore e conoscenza si escludono a vicenda". Per lui, le arti visive, sempre più basate sul concetto, soffrono in particolare del fatto che le giustificazioni e le attribuzioni di significato sono sempre al centro delle opere e l'esperienza sensuale in alcuni casi non si verifica più. "In linea di principio, tutto ciò che accade è 'detto' piuttosto che 'mostrato'", sostiene Ablinger, creando un'"arte della buona ragione". Come Johannes Kreidler, anche Peter Ablinger vuole sfruttare questo problema in modo produttivo. Per Ablinger, l'esclusione reciproca di arte e conoscenza è un interessante punto di rottura. Per lui, l'arte diventa davvero eccitante solo al di là del significato. Si potrebbe quindi dire che l'arte inizia solo al di là del linguaggio? È certamente un'affermazione troppo miope. Dopo tutto, lo stesso Peter Ablinger ha creato molte partiture testuali e non è certo contrario all'uso del linguaggio in relazione all'arte. Piuttosto, sia Kreidler che Ablinger sono interessati a un approccio creativo al linguaggio in relazione alla musica.

Johannes Kreidler si appella a coloro che scrivono di musica affinché lo facciano nel modo più creativo e forse anche artistico possibile. I critici musicali non dovrebbero tanto esprimere giudizi quanto interpretare creativamente ciò che ascoltano. Ma l'esperienza dell'ascolto non è caratterizzata solo da ciò che leggiamo in seguito sulla musica. Ne fa parte anche ciò che riceviamo prima attraverso i testi dei programmi, le conferenze introduttive, la pubblicità, ecc. Johannes Kreidler ha coniato il termine "ascolto preparato" e ha illuminato artisticamente il meccanismo di pre-influenza in opere come "Fremdarbeit".

La storia da raccontare e l'inquadramento degli eventi musicali fanno parte del lavoro curatoriale che viene affrontato nell'ambito di un nuovo programma di formazione presso l'Accademia di Musica della FHNW con un focus dedicato alla musica contemporanea. Il programma CAS dal titolo Curatela della musica contemporanea inizia a gennaio 2021 e si basa sul precedente corso di giornalismo musicale, che si è tenuto più volte tra il 2011 e il 2016, anche grazie al suo legame con il dipartimento di ricerca dell'università in termini di contenuti e personale. Oltre ai contenuti e al lavoro pratico applicato in collaborazione con il festival ZeitRäume Basel - Biennale für neue Musik und Architektur, ai partecipanti al nuovo corso sarà offerta anche una rete professionale. Oltre a Johannes Kreidler, i docenti includono rinomati curatori di musica contemporanea come Björn Gottstein, Christine Fischer e Daniel Ott. La scrittura creativa sui contenuti musicali, sia che si tratti di renderli concettualmente comprensibili sia che si tratti di affrontarne l'incomprensibilità e la fugacità nel linguaggio, avrà in ogni caso un ruolo centrale.

Anja Wernicke

... è assistente di ricerca presso la Scuola di musica della FHNW / Dipartimento di ricerca e sviluppo.

Link all'argomento

> www.hkb.bfh.ch/de/studium/master/specialized-music-performance-klassik/

> www.sonicspacebasel.ch

Qui potete trovare ulteriori informazioni sul programma di formazione continua dell'Accademia di Musica della FHNW e sulla conferenza online di Johannes Kreidler.

> www.hslu.ch/reviewimpact

Tra il 2016 e il 2019, la Scuola di Musica di Lucerna ha lanciato il progetto di ricerca Tra produttori e consumatori: il ruolo dei critici musicali nel mercato della musica classica realizzato. Fa parte di una serie di ricerche più ampie sul ruolo della critica musicale nel mercato della musica classica.

Matthias von Orelli - Noémie L. Robidas, direttrice dell'HEMU - Haute École de Musique et Conservatoire de Lausanne, è la nuova presidente del CHEMS. Insieme al nuovo vicepresidente Valentin Gloor, direttore del Dipartimento di Musica dell'Alta Scuola di Lucerna, illustrerà le idee del CHEMS.

Noémie L. Robidas (NR), il 31 ottobre 2020 lei ha assunto la presidenza di CHEMS. Cosa significa per lei questo incarico?

Una parola chiave per me in relazione a questo nuovo compito è "federare": federare i colleghi tra loro sul progetto CHEMS e federare CHEMS con la comunità musicale svizzera. Insieme al vicepresidente Valentin Gloor, discuterà anche di nuove questioni che rappresentano le sfide odierne per le nostre scuole. Certi.es vorrebbero immaginare che le scuole di musica svizzere siano in competizione tra loro (cosa che personalmente non ho riconosciuto fino ad ora), ma per me, viste le attuali problematiche sociali, è molto importante andare oltre questa posizione e mostrare solidarietà per poter affrontare le sfide che ci attendono. È importante presentare i licei musicali svizzeri come reciprocamente complementari e sottolineare la specificità delle missioni delle nostre scuole, che a volte vengono diluite nel labirinto dei licei specializzati svizzeri.

Valentin Gloor (VG), lei sarà Vicepresidente, quale vede come sfida per i prossimi anni?

I processi legislativi degli ultimi anni hanno fatto sì che le conferenze specializzate - compresa la SUP - abbiano dovuto ridefinire il proprio ruolo. In quello che Noémie descrive splendidamente come il "magma" delle scuole universitarie professionali, non è più chiaro quale voce abbia una conferenza come la KMHS, quando venga ascoltata e su cosa possa esprimersi. Dal nostro punto di vista, è chiaro che la KMHS deve essere ascoltata come voce di questo importante settore. Solo in questo modo le preoccupazioni dell'istruzione musicale terziaria possono essere portate avanti e rese fruttuose. E solo in questo modo le arti, in un contesto più ampio, potranno acquisire il peso necessario nel panorama delle SUP e contribuire all'ulteriore sviluppo dell'istruzione SUP e dei relativi campi professionali.

Signora Robidas, avete una visione comune per il vostro mandato di Presidente e Vicepresidente?

Non posso dire molto sulla nostra "visione" in questa fase, perché ci vuole un certo tempo prima che diventi realtà. In ogni caso, si tratta di una visione condivisa con Valentin Gloor e con i colleghi di CHEMS. Infatti, nella nostra organizzazione deve prevalere la cooperazione e le questioni devono essere ben distribuite in base alle forze presenti. Se alcune questioni relative alla riforma del Processo di Bologna sono state oggetto di grandi battaglie dal 2005 al 2015, ora ci attendono altre sfide. Il CHEMS, come le nostre università, deve riorientarsi ed essere percepito come una forza creativa, proattiva e incontournable, soprattutto agli occhi delle autorità di finanziamento.

VG : In realtà, dobbiamo dare a questa visione ancora più spazio per la discussione interna, in modo che diventi una visione condivisa dall'intera KMHS. La cooperazione tra i membri della KMHS, così come la cooperazione tra la KMHS e i suoi membri e gli altri stakeholder dell'istruzione superiore e della politica culturale, saranno fattori chiave di successo per il nostro lavoro nei prossimi anni. Lo sviluppo di una visione comune per la KMHS è un passo fondamentale in questa direzione.

Lei ha studiato in Canada e in Francia e ha lavorato a lungo in Francia. In che modo questi Paesi differiscono dalla Svizzera in termini di educazione musicale?

NR : È difficile paragonare questi tre Paesi in questo modo, soprattutto perché tra il Canada e l'Europa c'è ancora un oceano... In Canada, le scuole di musica sono generalmente integrate in un'unica università - tutti gli studi musicali sono insegnati nella stessa facoltà.

L'istruzione musicale superiore in Francia è diversa da quella di altri Paesi europei. Oltre ai due CNSMD di Parigi e Lione, che offrono ottime condizioni per il conseguimento dei diplomi di istruzione superiore, vi sono una dozzina di "Pôles Supérieurs" che completano l'offerta, tutti affiliati alle università in modo che i loro diplomi (Bachelor, Master) possano essere riconosciuti. Le condizioni di studio sono molto variabili e una cosa è certa: le infrastrutture e i budget stanziati sono tutt'altro che sufficienti. Ciò si spiega con il fatto che storicamente era l'insegnamento iniziale nei conservatori a fornire le risorse e che queste non sono state riorientate quando sono stati creati i centri di istruzione superiore. In Francia, quindi, l'insegnamento iniziale offre condizioni migliori per insegnanti e studenti rispetto a quelle offerte dall'istruzione superiore. D'altra parte (perché non tutto è negativo!), la promozione della musica in Francia fa parte della politica culturale del Paese, una politica che mira a sostenere e promuovere la creazione artistica a tutti i livelli e a rendere accessibili al maggior numero di persone le opere di questa attività creativa, soprattutto quelle di particolare importanza artistica (in particolare la creazione contemporanea). Per quanto riguarda la Svizzera, la diversità intercantonale è senza dubbio l'aspetto più ricco ma anche il più importante da tenere in considerazione! La presenza di mezzo centinaio di HEM sul territorio svizzero è un segno dell'incoraggiamento delle autorità alla cultura e alla musica in particolare. Non posso che rallegrarmene e lavorare, soprattutto nell'ambito delle mie nuove funzioni di Presidente del CHEMS, per sottolineare la ricchezza di queste scuole per il Paese. Attiriamo milioni di giovani talenti da tutto il mondo e questo è un grande onore per la Svizzera. Dobbiamo continuare a concentrarci sulla promozione e sul sostegno dei giovani talenti svizzeri, sviluppando la ricerca artistica e favorendo i legami con il mondo professionale: questi sono solo alcuni dei temi che devono essere presenti nella nostra agenda nazionale.

È impensabile parlare della crisi della COVID, che continua ad avere un forte impatto sulla nostra vita quotidiana. Secondo lei, come si sono preparate le scuole di musica svizzere a una situazione del genere e come hanno reagito?

NR : Riassumerò il tutto in poche parole: fondamentalmente, le scuole di musica non erano davvero ben preparate, a parte forse qualche eccezione. D'altra parte, sono rimasto sorpreso e commosso dalla rapidità con cui tutte queste misure sono state attuate e le scuole si sono adattate alle nuove circostanze. Ora è importante trarre le lezioni del periodo e coordinare e armonizzare meglio le nostre azioni a tutti i livelli. Il CHEMS può certamente offrire uno spazio comune di riflessione a questo proposito.

VG : Questo spazio di riflessione è di grande importanza per rendere le intuizioni acquisite fruttuose per l'ulteriore sviluppo dei nostri conservatori. Probabilmente esistono almeno tre diversi campi di lavoro: Il continuo adempimento della nostra missione, nonostante la difficile situazione iniziale, ha dato vita a nuove forme di insegnamento, collaborazione, esecuzione, produzione e ricerca musicale. Queste nuove forme ci danno una base entusiasmante per i prossimi passi e progetti futuri. Tuttavia, il superamento della crisi ha anche messo alla prova i nostri conservatori - così come tutte le istituzioni della nostra società - dal punto di vista strutturale. Sotto la lente d'ingrandimento è emerso chiaramente il funzionamento delle nostre organizzazioni, dove i processi, le responsabilità e i compiti possono essere chiariti e meglio distribuiti. Dovremmo riflettere insieme anche su questo aspetto. Infine, ma non per questo meno importante, è emerso chiaramente quanto siano resistenti i rapporti con il nostro ambiente, sia che si tratti delle nostre rispettive università di scienze applicate, sia che si tratti del dialogo con i decisori politici e ufficiali. Anche questo aspetto deve essere analizzato: un rafforzamento mirato in questo settore può fornire un sostegno fondamentale al lavoro dei conservatori.

Per il settore culturale in particolare, questi eventi sono stati e sono tuttora catastrofici: quali sono le lezioni che state imparando?

NR : Purtroppo questa crisi non è finita. Devo dire che sono più preoccupato in questo momento che durante la chiusura. L'incertezza è grande, perché vogliamo organizzare di nuovo i concerti e gli eventi, e allo stesso tempo deve essere garantita la protezione di tutte le persone coinvolte. Dobbiamo anche capire cosa significa questa normalità a cui vogliamo tornare. A mio avviso, non bisogna essere nostalgici: dobbiamo accettare la situazione e adattarci il più possibile ad essa, essendo propositivi e inventando nuovi format.

VG : Naturalmente sono completamente d'accordo con il mio collega! E questo mi sembra un ruolo essenziale del conservatorio: non solo fungere da mediatore del noto e del collaudato, ma anche da laboratorio per ciò che è ancora in via di sviluppo, aperto a risultati inaspettati.

Tuttavia, mi sembra anche che un compito importante della KMHS sia quello di sostenere chiaramente tutti gli sforzi dei nostri partner culturali, educativi e di politica culturale per mantenere e rafforzare il settore culturale, soprattutto in questa situazione precaria.

Lei ha detto di voler rendere CHEMS più visibile anche a livello politico. Da dove vuole iniziare?

NR : Per me il sistema politico svizzero è a volte un po' misterioso, ma credo sia importante che il lavoro politico sia presente e visibile. In fin dei conti, è tutta una questione di lobbying. Come accennato poco più in alto, credo che si debba agire con pedagogia. Per far sì che i politici capiscano che i licei musicali sono diversi dagli altri HES/università di scienze applicate. Per questo ritengo che sia così importante operare in modo concertato. Va spiegato che la musica non può essere misurata in termini puramente economici con la vendita di biglietti o la prima esecuzione delle Quattro Stagioni di Vivaldi, o quantitativamente con il numero di pubblicazioni dei nostri insegnanti e ricercatori. Le Hautes Écoles de Musique sono anche laboratori e installazioni sperimentali che vanno sostenute e protette perché offrono qualcosa di diverso: una visione musicale, artistica e sensibile.

CHEMS simboleggia anche la cooperazione tra scuole di musica. Come funziona attualmente e quali potenzialità vede nel suo lavoro di presidente? Vale anche per il coordinamento con le università partner straniere?

NR : Storicamente, ci sono sempre stati stretti legami con le accademie di musica in Germania. Inoltre, tutte le regioni della Svizzera hanno naturalmente i loro partenariati con i Paesi vicini, che trovo affascinanti. Questi legami non vanno solo rafforzati, ma anche alimentati e, se necessario, convenzionati. L'Europa è così vasta che mi sembra necessario trovare partenariati di alta qualità basati su relazioni private piuttosto che cercare di moltiplicarli senza un obiettivo concreto; questo è certamente un tema che Valentin Gloor e io stiamo affrontando con CHEMS.

Martin Neukom - L'Istituto per la musica computerizzata e la tecnologia del suono ICST è uno dei due istituti di ricerca del Dipartimento di Musica della ZHdK. Impiega 15 persone, per lo più a tempo parziale, che lavorano su un'ampia varietà di progetti di ricerca. L'istituto dispone di sale di ricerca, studi e uffici nel Toni-Areal. Dalle varie specializzazioni del personale, come ingegneria, percezione, informatica, matematica, ingegneria del suono, arte generativa, media art, musicologia, teoria musicale, performance e composizione, vengono sviluppati progetti in cui si esamina il rapporto tra tecnologia e pratica musicale in un esame della tradizione della musica contemporanea ed elettroacustica utilizzando metodi di ricerca scientifici e artistici. Le attuali aree di ricerca dell'ICST sono Interfacce e strumenti aumentati, Sistemi di composizione e performance basati su reti, Movimento e musica interattiva, Notazione e rappresentazione musicale, Sonificazione/ecologia acustica e Ambienti immersivi e virtuali.

Così come sono diversi i progetti, sono diverse anche le risorse richieste e i metodi utilizzati. Di conseguenza, nello scorso semestre è stato possibile programmare applicazioni e scrivere testi senza problemi, ma le opportunità di utilizzare le infrastrutture, fare prove, condurre esperimenti o invitare scienziati e compositori esterni erano molto limitate. È emerso chiaramente che non solo lo scambio (digitale) tra ricercatori è importante, ma anche l'elaborazione e l'archiviazione dei risultati della ricerca. I seguenti esempi mostrano come i singoli gruppi di ricerca hanno risposto a queste particolari sfide.

"The Art of Diagram", il successore del progetto SNSF "Sound Colour Space - A Virtual Museum" (https://www.zhdk.ch/forschungsprojekt/sound-colour-space-426348), ha fatto grandi progressi. L'équipe internazionale di Daniel Muzzulini sta lavorando su diagrammi storici dall'antichità al Medioevo, fino ai tempi moderni, che esplorano e illustrano i concetti di suono, tono, altezza e timbro. Nel 2017 un'ampia collezione di diagrammi e testi scientifici di accompagnamento è stata pubblicata in un museo virtuale e resa accessibile per ulteriori ricerche. Lo scorso semestre, l'ICST ha deciso di pubblicare i risultati con il titolo "The Art of Diagram" nel formato Gold Open Access ePub (online e cartaceo). Allo stesso tempo, il contenuto del museo virtuale viene aggiornato e vengono sviluppate nuove forme di presentazione. Musicologi di vari Paesi europei e degli Stati Uniti sono molto interessati a partecipare a questo progetto di pubblicazione. Gli incontri ZOOM, ospitati e documentati da Susan F. Weiss (Baltimora), servono a scambiare i risultati delle ricerche. Per istituzionalizzare questa collaborazione, Daniel Muzzulini e Susan F. Weiss hanno chiesto che il gruppo di ricerca venga accettato come Study Group Musical Diagrams della International Musicological Society IMS.

Il progetto di ricerca del FNS "Performing Live Electronic Music" (2018-2022, diretto da Germán Toro Pérez) non ha avuto restrizioni significative, in quanto questo periodo di sei mesi è stato inteso come una fase di documentazione in cui il team ha scritto relazioni dettagliate sulle 12 composizioni realizzate fino ad oggi e ha completato la documentazione audio e video. Questo è stato fatto principalmente dall'ufficio di casa, il che ha funzionato bene. Alcune date di registrazione previste per il prossimo SACD hanno dovuto essere posticipate. I 12 articoli saranno pubblicati nel "Performance Practice Database" entro la fine di agosto.

Lucas Bennett e Tobias Gerber hanno lavorato con il Media and Information Centre MIZ per sviluppare un concetto di registrazione e archiviazione dei materiali delle residenze ICST e stanno registrando i set di dati nell'archivio multimediale MADEK. Il progetto SNSF "Haptic Technology and Evaluation for Digital Musical Interfaces" (HAPTEEV) si concentra sullo sviluppo e la valutazione di interfacce musicali digitali con feedback aptico. I temi di ricerca attuali sono la progettazione, la caratterizzazione delle vibrazioni e la valutazione sperimentale di interfacce commerciali nuove e ampliate. Il lavoro tecnico e le misurazioni potrebbero essere eseguite quando il laboratorio ICST potrebbe essere nuovamente utilizzato. Tuttavia, un esperimento pianificato con gli studenti della ZHdK come partecipanti ha dovuto essere rimandato. Programmatori e compositori lavorano allo sviluppo di strumenti per la produzione e la riproduzione del suono 3D sin dalla fondazione dell'ICST. L'anno scorso, Johannes Schütt e Christian Schweizer hanno sviluppato l'ICST Ambisonics Plugins versione 2.0 (https://ambisonics.postach.io/page/icst-ambisonics-plugins). La programmazione e il collaudo sono stati completati. I test pratici con studenti di composizione e compositori ospiti, che hanno le loro procedure e idee sonore, sono molto importanti per valutare l'usabilità di questi plugin e i flussi di lavoro documentati. Purtroppo, questi test hanno dovuto essere rimandati.

Martin Neukom

... è docente presso la DMU della ZHdK e ricercatore associato presso l'Istituto per la musica computerizzata e la tecnologia del suono.

Attualità e prospettive di ricerca presso l'HEM di Ginevra

Rémy Campos - Da diversi anni, la Haute école de musique de Genève sostiene progetti di ricerca in tutti i campi artistici coperti dai suoi programmi di insegnamento. Citiamo solo tre dei più recenti.

Il primo è un progetto internazionale che consiste nell'immaginare uno strumento informatico di aiuto all'orchestrazione. Intitolato ACTOR (Analysis, Creation and Teaching of Orchestration), è stato avviato da Stephen Mac Adams (McGill University) e coinvolge università, centri di ricerca e scuole d'arte in America del Nord e in Europa. A Ginevra, Éric Daubresse ha animato un'équipe di insegnanti e studenti di composizione (dopo la partenza del collega nell'ottobre 2018, è Gilbert Nouno ad aver assunto la responsabilità del progetto). L'originalità della logica è che permette di testare combinazioni di timbri utilizzando il computer come un'orchestra virtuale.

In un campo completamente diverso, William Dongois ha cercato di scoprire i segreti di un trattato di musica scritto da Silvestro Ganassi e pubblicato a Venezia nel 1535: La Fontegara. Prima opera dedicata esclusivamente all'arte della diminuzione, espone l'arte di organizzare le melodie che sono andate perdute nel corso dei secoli. Con l'aiuto di numerosi partner e riunendo artisti e ricercatori insieme a musicisti in formazione, il progetto ha variato gli approcci dalla concezione di una logica di analisi delle forme di diminuzione al dialogo con le tradizioni musicali dell'Italia rinascimentale (India, Balcani, ecc.).

Infine, il progetto realizzato da Jérôme Albert Schumacher si concentra sull'uso degli strumenti digitali in un contesto pedagogico. L'obiettivo dello studio è definire il posto e il ruolo che gli insegnanti di strumento e di canto attribuiscono ai nuovi strumenti didattici. Il presente studio è una rassegna dei diversi usi nelle scuole di musica delle risorse e degli strumenti disponibili, con particolare attenzione alle tecnologie digitali (applicazioni per smartphone e/o tablet).

Possiamo chiederci fino a che punto l'attuale crisi sanitaria possa disturbare il lavoro dei team impegnati. I progetti ambiziosi non si basano forse su un'intensa circolazione di idee e persone? Gli strumenti di lavoro a distanza che tutti abbiamo sperimentato negli ultimi mesi hanno già dimostrato che la liberalizzazione della mobilità non deve essere fine a se stessa per le grandi aziende collaborative. Inoltre, la ricerca artistica - come la pratica musicale su cui si concentra - richiede incontri regolari con il pubblico. Anche in questo campo, i limiti non vanno mai dimenticati.

C'è quindi molto da dire sul fatto che nei prossimi anni la ricerca artistica, di cui l'innovazione è dominio privato, entrerà in un periodo in cui le forme della professione del musicista dovranno essere reinventate.

Rémy Campos

... è coordinatore della ricerca presso l'HEM.

Notizie dall'Istituto di Interpretazione dell'Università delle Arti di Berna

Martin Skamletz - Nel 2019, l'Università di Scienze Applicate di Berna BFH ha creato un archivio per le pubblicazioni di ricerca, che sono sempre più disponibili in open access, e ha rinominato le precedenti specializzazioni di ricerca dell'Università delle Arti di Berna BUA come istituti. L'Istituto di Interpretazione che ne è derivato continua a concentrare le sue attività su progetti finanziati dall'esterno e fa tutto il possibile per rendere i suoi risultati fruttuosi a lungo termine all'interno dell'università e in collaborazione con partner esterni. Ad esempio, la serie di progetti "Geisterhand" sulle registrazioni interpretative su Welte e altri rotoli di carta come "Magic Piano" è entrata nella fase di attività di mediazione ad ampio raggio come parte di un progetto Agorà finanziato dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica (FNS) - sotto la guida di Thomas Gartmann, che è anche coinvolto in progetti relativi all'archivio dell'Associazione Svizzera dei Musicisti (STV) e a una collezione di registrazioni bootleg dagli anni '70 agli anni 2000 provenienti dai teatri d'opera di New York acquisiti dalla BUA. All'inizio di settembre si terrà una conferenza online su questo tema, mentre un evento internazionale di networking Welte in collaborazione con l'Università di Stanford - già programmato per lo scorso giugno ma rimandato per ovvi motivi - si spera possa svolgersi a Berna e al Museum für Musikautomaten Seewen nel 2021.

Un altro progetto Agorà basato su una serie di progetti sugli strumenti a fiato storici che risalgono agli inizi della ricerca HKB sarà presto completato. Si è sviluppata la mostra speciale "Fresh Wind" al Klingendes Museum di Berna, diretta da Adrian v. Steiger in collaborazione con il settore di ricerca HKB "Strumenti musicali". Le iniziative di successo che da tempo offrono agli studenti della HKB l'opportunità di suonare gli strumenti storici del museo sono attualmente in fase di realizzazione a lungo termine grazie a un finanziamento della fondazione.

I docenti di teoria musicale sono anche molto attivi nel trasferire i risultati della ricerca nell'insegnamento: insieme al musicologo Claudio Bacciagaluppi, sono coinvolti in progetti sullo sviluppo istituzionale dell'insegnamento della teoria nel XIX secolo nell'omonimo campo di ricerca.

Il campo di ricerca "Performance e interpretazione" è coordinato da Annette Kappeler, che sta conducendo una ricerca su un teatro italiano settentrionale del primo Ottocento finora poco conosciuto nell'ambito di un progetto del FNS. In collaborazione con il Conservatorio della Svizzera italiana, celebriamo l'Anno Beethoveniano con il simposio "Beethoven e il pianoforte", organizzato da Leonardo Miucci all'inizio di novembre a Lugano.

Negli ultimi anni sono aumentate le attività relative alle "interfacce della musica contemporanea". Tra queste, Leo Dick, che nel suo progetto Ambizione del FNS studia il "teatro musicale avanzato e la formazione dell'identità collettiva in Svizzera dal 1945", e il progetto Mikroton di Roman Brotbeck in collaborazione con la Hochschule für Musik di Basilea. Anche il progetto Mikroton di Roman Brotbeck, in collaborazione con la Hochschule für Musik di Basilea, e l'esame della politica culturale svizzera in Sudafrica durante l'apartheid di Chris Walton fanno parte di questo campo di ricerca. Quest'estate Andreas Schoenrock ha assunto il compito di sviluppare ulteriormente la ricerca sulla musica popolare avviata negli ultimi anni da Immanuel Brockhaus e, in qualità di responsabile del programma MAS Pop & Rock, garantirà anche la collaborazione con il programma di formazione continua della HKB. Il programma di dottorato "Studies in the Arts" in collaborazione con l'Università di Berna si sta svolgendo con successo; nell'anno accademico 2021/22, la BUA inizierà a partecipare anche al programma di dottorato artistico-scientifico dell'Università privata Anton Bruckner di Linz, e sono in corso di pianificazione ulteriori collaborazioni.

Martin Skamletz

... è responsabile dell'Istituto di interpretazione della HKB.

George Marti - "George & Jam", una serie di concerti settimanali, era appena iniziata bene quando il 16 marzo è stata dichiarata la grande chiusura: Tutte le jam erano state organizzate fino alla fine di maggio, i miei ultimi esami di pedagogia per il 1° aprile erano perfettamente preparati, altri concerti, eventi, progetti e vacanze erano stati pianificati. E poi la serrata! Tutto si è fermato. Tutto era pronto. Cancellato. Improvvisamente eravamo solo io e la mia musica. Una nuova avventura.

Non c'è voluto molto perché lo ZHdK iniziasse l'apprendimento a distanza. Ed è stato divertente! Avete mai sperimentato sessioni di batteria con infradito e scatole di legno? Sembrava fantastico. Tutte le risorse sono state utilizzate e valutate. Anche gli incontri online con la birra dopo il lavoro, organizzati dal Rettorato, sono stati una novità. Ci sono state grandi conversazioni, tutti si sono finalmente ritrovati e hanno potuto compensare un po' la mancanza di momenti di ispirazione nel Toni Areal. Sono stati i contatti quotidiani, il dialogo, le prove con i gruppi, tutte le persone che mi sono mancate. Ho sempre apprezzato la buona collaborazione con i docenti della ZHdK nelle lezioni individuali, di ensemble e di big band. Durante la collaborazione virtuale, ho sperimentato un'attenzione molto intensa e un senso di responsabilità reciproca. Questi momenti preziosi mi hanno dato molta fiducia e sicurezza. Improvvisamente mi sono ritrovata a passare il tempo sulla cyclette quasi ogni giorno o a fare passeggiate nella natura conformi al coronavirus. Per tanto tempo c'era stato troppo poco spazio per l'esercizio fisico nella vita quotidiana. Mi sentivo bene. Per caso, ai margini del bosco ho incontrato vecchi amici che non vedevo da molti anni. Sono stato sorpreso ancora e ancora. Dalla nuova vita quotidiana e da me.

Ho potuto decidere spontaneamente, lavorare intensamente o godermi consapevolmente una pausa al sole. In questo modo ho avuto il tempo di pianificare il mio secondo progetto di Master accanto ai miei studi o di continuare a lavorare alla post-produzione di "Playas". Infine, il pastore Andreas Maurer mi ha invitato a organizzare un servizio online per la Chiesa riformata di Zug. Ho improvvisato nel laboratorio della Zugerland Verkehrsbetriebe sui temi "Essere in viaggio", "Apprezzamento", "Resilienza" e "Addio". È stato un impegno speciale che ha significato molto per me personalmente. Allo stesso tempo, per me è stata la fine dell'isolamento. All'improvviso mi sono sentito rilassato, le misure avevano funzionato, la pausa, la perseveranza e l'ulteriore sviluppo avevano dato i loro frutti.

Sono in contatto regolare con i miei clienti e posso riprendere gli impegni. Non appena la situazione lo permette, inizio a ricostruire. Sono emersi nuovi approcci. I concerti e gli eventi culturali stanno tornando, con cautela e su scala ridotta. Ma bene e con forza. Torneremo a suonare dal vivo e tutti sentiranno una nuova, più profonda leggerezza e gioia.

George Marti

... studia educazione musicale jazz e pop alla ZHdK.

Jonas Inglin - Ripensandoci, mi sembra che sia successo tutto così in fretta. All'inizio, con le prime notizie da Wuhan, sono stato gradualmente sopraffatto dall'incertezza, a cui inizialmente ho prestato poca attenzione. Ma appena una settimana dopo, giorno dopo giorno, ho capito che questo coronavirus avrebbe sicuramente colpito anche me. All'inizio si parlava ancora delle precauzioni da prendere per organizzare i concerti e si progettavano già alcune misure concrete. Ma con la conferenza stampa del Consiglio federale del 16 marzo è apparso subito chiaro che nulla di tutto ciò era realistico, e la mia oscura premonizione è stata confermata: non avrei diretto una prova, suonato o diretto un concerto nel prossimo futuro, e per il momento non avrei nemmeno insegnato.

Da quel momento in poi, ho vissuto un'esperienza da montagne russe sotto molti punti di vista: il mio umore generale, la mia motivazione, il mio senso di sicurezza, ma anche la mia autostima - tutto oscillava. Sebbene mi trovi in una situazione molto confortevole (il mio reddito non è troppo compromesso grazie a vari lavori permanenti, la mia situazione abitativa è fantastica e ho la possibilità di esercitare per tutto il tempo che voglio), non è sempre stato facile. Alcuni progetti che non vedevo l'ora di realizzare sono stati cancellati o rimandati, compreso il tour con il duo Amstad Inglin, che mi stava particolarmente a cuore. Ho cominciato a chiedermi perché mai avrei dovuto esercitarmi se non avrei comunque suonato nel prossimo futuro, anzi, perché mai avrei dovuto fare qualcosa se tutto intorno a me era praticamente fermo.

Ho trovato diverse risposte a questo problema. Probabilmente la migliore è che si possono fare attività per il gusto di farle. Mi piace molto suonare il trombone, quindi non ho bisogno di un'altra ragione per farlo. Una constatazione banale, apparentemente ovvia, eppure nel frattempo l'avevo dimenticata: Mi piace essere un musicista perché mi piace suonare. Certo, è più bello suonare con altri musicisti, con un pubblico, con gli applausi, con la birra dopo il concerto. Ma anche da soli, senza pubblico e solo per se stessi, è qualcosa di meraviglioso, e spero che il maggior numero possibile di persone possa trarre da questa crisi una così bella consapevolezza.

Jonas Inglin

... ha studiato presso l'HSLU - Music Profile Classical, seguito da un Master of Arts in Music Education con un minore in Jazz Performance.

Fabian Ziegler - Al posto di concerti, lezioni e conferenze, incontri di Zoom, ambienti di pratica sconosciuti e solitudine dominano la vita quotidiana di noi studenti di musica. La crisi del coronavirus e le sue restrizioni stanno colpendo in modo particolare la scena creativa. Anche per noi, come Trio Colores, questo è un momento speciale con sfide particolari. Nonostante tutto, stiamo cercando di trarre il meglio dalle circostanze e siamo inaspettatamente produttivi, anche se a livelli completamente diversi. La distanza sociale ci colpisce come un tallone d'Achille come ensemble di musica da camera. Fino a poco tempo fa, non potevamo nemmeno pensare ai grandi concerti, alle produzioni e agli obiettivi che ci eravamo prefissati. Lo streaming attraverso i canali dei social media è una magra consolazione. Anche la motivazione a esercitarsi in modo produttivo si è esaurita rapidamente nelle prime settimane. Allo stesso tempo, però, si sono aperte rapidamente aree completamente nuove, lontane dallo strumento, che altrimenti ricevono troppo poca attenzione nella vita di tutti i giorni. Temi amministrativi come la creazione di un sito web, la presenza pubblica sui social media, la richiesta di offerte da parte di servizi di streaming, curriculum vitae aggiornati, buone foto... tutto sommato, una revisione generale della struttura dell'ensemble. Questo lungo periodo di pausa ci ha dato anche molto tempo per formulare nuovi obiettivi, discutere di questioni relative all'industria musicale e, soprattutto, condividere le nostre idee e opinioni. In breve, abbiamo fatto ancora grandi progressi e la strada da percorrere in futuro è chiaramente tracciata. Tuttavia, questo periodo, che ci pone di fronte a enormi sfide di ogni tipo, ci offre anche l'opportunità di liberarci dal ritmo frenetico della vita quotidiana per riprendere il cammino con calma e con rinnovata motivazione. Non vediamo l'ora di tornare a fare musica insieme e siamo anche impazienti di assistere ai prossimi concerti.

Fabian Ziegler

... studia strumenti a percussione (Master Music Pedagogy - pedagogia musicale strumentale/vocale - musica classica) presso la ZHdK.

Sandro Erni - Ho sentito parlare per la prima volta della COVID-19 a gennaio, ma naturalmente non avrei mai immaginato che avrebbe avuto un tale impatto sulla mia vita musicale. Quando a febbraio il numero di casi è improvvisamente aumentato in Italia e poi a marzo i concerti a cui volevo partecipare e quelli in cui avrei dovuto suonare sono stati rimandati o cancellati, ho capito che questo avrebbe avuto un impatto notevole sul mio lavoro musicale.

L'università ci ha tenuti regolarmente informati via e-mail. Siamo stati informati di molte misure anche attraverso le conferenze stampa del Consiglio federale, come il divieto di organizzare eventi e la chiusura delle scuole. Ricordo quando, dopo tre ore di lezione di composizione, ho ricevuto la notifica push che annunciava la chiusura delle scuole, l'ho letta e ho capito che probabilmente le settimane o i mesi successivi non sarebbero stati come al solito.

La mia vita musicale è cambiata molto in alcuni settori, ma è rimasta invariata in altri. Il cambiamento più drastico è che non posso avere lezioni frontali con il mio professore fino al 31 luglio. Poiché avevo già un buon microfono prima della pandemia, il mio professore può capire come suono ragionevolmente bene. Tuttavia, durante le lezioni online si perdono molti aspetti: ad esempio, le piccole sfumature che sono essenziali per la musica, sia nel suono che nella musica, che non possono essere trasmesse tramite un microfono. Ciò che più mi infastidisce delle lezioni online è che a volte ci sono piccoli problemi di connessione con Zoom, che il programma cerca di compensare, rendendo difficile per l'altra persona capire il ritmo a causa delle conseguenti fluttuazioni di tempo nella trasmissione. Sorprendentemente, non mi sono perso molte esibizioni durante questo periodo. Ho potuto suonare in vari servizi di adorazione telematica. Questo è stato un bene per non perdere la mia routine esecutiva e vorrei ringraziare tutte le parrocchie, che hanno permesso a molti musicisti di esibirsi anche in tempi come questi.

Ciò che mi dispiace, tuttavia, sono gli impegni extra-chiesa che sono stati improvvisamente cancellati. Soprattutto le attività di musica da camera, ma anche diversi concerti orchestrali con programmi che attendevo da tempo. È un peccato non poter presentare al pubblico le opere appena create.

Sono lieto e sollevato che il numero di casi in Svizzera si sia stabilizzato molto bene, che il sistema sanitario non sia stato sovraccaricato e che queste agevolazioni siano ora possibili. È comprensibile che la direzione dell'università abbia cancellato l'insegnamento frontale fino al prossimo semestre, in modo che gli studenti stranieri abbiano avuto la possibilità di tornare dalle loro famiglie. Tuttavia, mi dispiace molto che l'insegnamento frontale rimanga limitato fino ad agosto, anche se sarebbe possibile fare di più in termini di rilassamento. In fondo, come diciassettenne, non mi vedo nella posizione di criticare gli altri. Ma ho due desideri: spero che il normale insegnamento faccia a faccia sia consentito di nuovo il prima possibile, perché gli studenti e i professori che sono sul posto avrebbero il tempo e lo spazio per farlo. E spero che formati innovativi come quelli che ho sperimentato personalmente attraverso il mio coinvolgimento nel settore ecclesiastico continuino ad avere luogo e offrano a molti musicisti un certo sostegno in crisi simili.

Sandro Erni

... studia tromba, è uno studente junior del Pre-College Music della ZHdK e frequenta il liceo artistico e sportivo Rämibühl di Zurigo.

Catalina Paredes - Vengo da Santiago del Cile, una città di quasi sei milioni di abitanti dove si incontrano molte realtà diverse. Il Sudamerica ha un numero incredibile di sfaccettature, le distanze sociali sono praticamente inesistenti, le persone si salutano e si accomiatano sempre con baci e abbracci. Si balla anche molto e sui mezzi pubblici non c'è quasi spazio tra le tante persone. Il 2019 si è concluso con molte tensioni sociali in Sud America, e la povertà è più evidente a causa della crisi climatica. Ma le nostre storie sono sempre piene di difficoltà e siamo abituati alle crisi: ci rialziamo sempre.

A gennaio ho saputo che l'università aveva ordinato agli studenti cinesi di rimanere a casa. A febbraio, quando un mio compagno di studi si è recato in Cina, gli ho portato il suo contrabbasso alla stazione ferroviaria: è stato allora che ho capito che la situazione era seria. Poi è successo tutto molto rapidamente. Quando è stata annunciata la chiusura del Toni-Areal (per me come la mia casa), ho portato con me tutto quello che avevo lì: Spartiti, piante, archi, vestiti e naturalmente il mio strumento. L'annuncio del 27 marzo che gli studenti stranieri dovevano recarsi al più presto nei loro Paesi d'origine mi ha gettato nel panico. Ho iniziato a pensare a tutto ciò che riguardava il viaggio di ritorno: volare o no? Dare il preavviso per l'appartamento in affitto? Cosa voglio? Cosa posso fare? Beh, sono rimasto qui e ho passato il resto dei tre mesi successivi da solo a casa ad esercitarmi. Di solito faccio molte prove e per me non c'è missione migliore che suonare la linea del basso in un ensemble. Da marzo, però, non ho mai suonato con nessun altro. Ci sono state settimane molto produttive e altre terribili. E a un certo punto non avevo più voglia di mangiare zuppa istantanea tutti i giorni. Sono stata contenta che l'università abbia fornito vari collegamenti per ottenere aiuto psicologico o finanziario durante la crisi. Ciò che mi ha rafforzato maggiormente è stato l'incredibile umorismo e l'energia dei miei insegnanti Wies de Boevé e Duncan McTier. Hanno fatto di tutto per farmi sentire meglio, hanno persino organizzato delle masterclass!

Ora sono felice che la situazione si stia calmando. Sono ancora un po' preoccupato che ci sia un'altra epidemia, ma resto ottimista sul fatto che la situazione in Svizzera continuerà a migliorare (purtroppo non posso dire lo stesso del mio Paese). Posso finalmente pianificare di nuovo, incontrare i colleghi, bere una birra. Ma credo che nulla in me sarà più come prima. Non voglio avere paura, ma voglio camminare nel mondo in modo più consapevole. Sono felice e grata di vivere e studiare qui. Tuttavia, mi chiedo se ne valga la pena. Essere così lontano da casa in una crisi come questa? Ma la mia risposta per ora è sì, anche se il mio cuore è in Cile.

Negli ultimi mesi ho imparato molto: quanto tutto è fragile, quanto è importante la comunicazione, quanto è prezioso il contatto fisico, ma anche quanto può essere meravigliosa la solitudine, quanto sono indisciplinata, quanto è globalizzato il mondo, quali persone tengono davvero a me, quanto mi manca mia madre e che è ora di avere un fidanzato. L'unica cosa sicura della mia vita è la musica e il mio contrabbasso. Ora lavorare in gruppi di musica da camera diventa molto più prezioso, e forse è un'occasione per portare la musica fuori dai teatri. La musica ha bisogno di un pubblico nuovo, dobbiamo avvicinare la musica classica, moderna e contemporanea alla gente. Un concerto non è solo un momento di relax, ma anche un momento di apprendimento. Il mio desiderio è che tutte le persone nel mondo abbiano una casa, amino e siano amate. Che gli Stati e le nazioni prendano sul serio il nostro pianeta e che capiscano che è più importante investire nella scienza e nei servizi sanitari che nelle armi e nel materiale bellico. L'attuale livello di globalizzazione ci permette di comprendere meglio l'origine e lo scopo di ogni cosa. Ma non è che abbiamo bisogno di più, è che possiamo vivere in pace con meno.

Catalina Paredes

... studia contrabbasso (Bachelor Music - Classical - Instrumental/Vocal) presso la ZHdK.

Lorenzo Micheli - La pandemia COVID-19 è diventata una catastrofe nell'arena educativa globale, portando a una rivoluzione immediata e radicale. Tuttavia, a causa della sua enorme drammaticità, la ristrutturazione forzata di scuole e università ha incentivato un processo già in atto da tempo, creando una spirale senza precedenti. A causa della limitata sperimentazione, l'e-Learning si è imposto come frontiera ultima e unica dell'insegnamento anche in ambito musicale, persino per quelle aree della didattica (ad esempio la prestazioni) in cui era tradizionalmente considerato inattuabile.

L'insegnamento durante la pandemia ha rappresentato una sfida notevole per l'intero Conservatorio della Svizzera italiana, sia per gli studenti che per i docenti e il personale amministrativo. La sfida più grande è stata quella di mantenere al centro della ricerca gli obiettivi didattici, o meglio quelli privati, dei loro "contendenti" formali e rituali. Questo ha portato a una revisione quasi totale dei corsi in funzione dei contenuti. Le variegate declinazioni della didattica musicale (lezioni collettive/lezioni individuali, materie pratiche/materie teoriche) hanno reso impossibile l'adozione di un unico formato, e favorito piuttosto una ricerca creativa in cui docenti e studenti hanno giocato un ruolo paritario nella scelta delle modalità di apprendimento e della piattaforma da utilizzare. Per l'apprendimento individuale e di gruppo, sono stati sperimentati servizi di videoconferenza a distanza come Teams, Zoom, Google Meet, Webex Meetings, software di chat VoIP come Skype o What's App, e sistemi più "tradizionali" come l'uso di registrazioni audio e video. I corsi teorici, forti di un'esperienza già consolidata negli anni passati, hanno sfruttato per la condivisione dei materiali didattici le potenzialità di iCorsi, la piattaforma e-Learning adottata dall'USI e dalla SUPSI.

Nell'esperienza di questi ultimi mesi, le voci su cui abbiamo cercato di intervenire e di esprimere dalla viva voce degli studenti (anche attraverso un questionario) non mancano. ad hoc). In molti casi il passaggio all'e-Learning ha portato a un aggravamento considerevole del lavoro individuale. La percezione di ogni singolo studente è poi determinata (e talvolta falsata) dalla sua situazione personale, logistica ed economica, e lo stesso corso di studi rischia di avere un'efficacia diversa quando si tratta di problemi psicologici (come quelli causati dall'isolamento) o tecnologici (il divario digitale preclude di fatto la frequenza dei corsi a diversi studenti). Le attività di insieme sono sospese fino a nuovo ordine, e passata l'emergenza dovremo fare uno sforzo per ricordarci che la pratica (e la fruizione) della musica sono essenzialmente momenti collettivi e sociali. Ultimo ma non meno importante, la verifica dell'apprendimento rimane un capitolo ancora da scrivere, e dal finale tutt'altro che scontato.

Un vero e proprio bilancio sarà possibile solo a posteriori. Tuttavia, a fronte di questi problemi, appare chiaro che le pratiche di e-Learning stimolano forme personali di elaborazione dei contenuti, sollecitano l'autonomia individuale e consentono una maggiore integrazione tra strumenti bibliografici e strumenti tecnologici, oltre a presentare qualità interessanti di sostenibilità ambientale e accessibilità. L'emersione ha richiesto un'ottimizzazione dei rischi interni al Conservatorio e una gestione fluida e pragmatica dei processi decisionali (compresi quelli finalizzati al sostegno economico degli studenti in difficoltà) che potrebbe essere proficua in futuro. Alcune delle forme di e-Learning introdotte in questi mesi potrebbero essere mantenute, laddove esse possono garantire continuità e facilitazione nell'apprendimento, o dove permettono l'interazione con una rete educativa più ampia di quella abituale. Le piattaforme come iCorsi, infine, hanno le carte in regola per diventare veri e propri "hub" di conoscenze condivise.

Lorenzo Micheli

... è docente di chitarra al Conservatorio della Svizzera italiana, co-responsabile della formazione e co-responsabile dell'area performance alla Scuola Universitaria di Musica.

Michael Eidenbenz - Come tutti sappiamo, dobbiamo imparare dalla crisi. Per questo, naturalmente, la ZHdK ha istituito dei gruppi di lavoro che valutano le esperienze di blocco digitale in modo metodicamente corretto e che un giorno le trasformeranno in raccomandazioni produttive. Per il momento, queste sono solo le impressioni soggettive e frammentarie di un osservatore che lavora da casa.

Così abbiamo imparato. Ad esempio, gli esami di ammissione possono essere sostenuti online, nonostante tutto lo scetticismo che c'è stato finora. Il tasso di decisioni sbagliate non è quasi mai superiore a quello di un incontro di persona e si possono risparmiare molti voli inutili. - Abbiamo imparato che l'insegnamento online richiede una maggiore riflessione didattica. Richiede maggiore precisione, sta diventando più democratico e le aspettative degli studenti stanno crescendo. Molta della vecchia polvere delle aule è stata spazzata via. - Ci siamo resi conto di quanto fosse vicino e naturale il mondo digitale prima. Lo spazio sicuro digitale è stato occupato con incredibile rapidità quando il mondo reale ha iniziato a diventare pericoloso. Centinaia di licenze Zoom sono state acquistate in anticipo, i team di e-learning hanno messo online esercitazioni e offerto piattaforme per la condivisione di esperienze. Docenti e studenti hanno installato i loro account di streaming e, come nel resto del mondo, l'universo dei cretini di Zoom, Skype e Facetime ha preso piede dopo pochi giorni. Non c'è stata molta opposizione, ma solo stupore: per la facilità con cui questa tecnologia è diventata improvvisamente facile, per la facilità con cui anche i presunti digital dummies hanno imparato a usare le applicazioni, per come si sono potuti risolvere i problemi di latenza e di compressione del suono - e per quante persone si sono incontrate all'improvviso, che prima si vedevano raramente. Tutti erano comunque a casa e accessibili, e lo spazio digitale non conosce distanze. - In generale abbiamo imparato che istituzioni apparentemente tranquille come le accademie d'arte possono essere sorprendentemente vigili. In ogni caso, alla ZHdK sono stati istituiti in pochi giorni i team di emergenza, sono stati definiti i canali di comunicazione e di decisione, sono stati chiariti e organizzati i processi centrali, come l'implementazione degli esami online, compreso l'adeguamento dei regolamenti vincolanti. Inoltre, sono stati messi a disposizione generosi fondi dalla fondazione dell'università per far fronte alle prevedibili crisi finanziarie degli studenti. C'era una vera e propria euforia nel risolvere i problemi.

Abbiamo osservato i perfezionamenti, l'uso sempre più abile dei luoghi di lavoro, i tentativi riusciti di trasmettere in streaming lezioni di classe, podi e interi concerti. Abbiamo imparato quanto sia interdisciplinare il fare musica online e quanto stia diventando importante la messa in scena. E abbiamo dovuto prendere atto del fatto che il numero di clic su Insta è stato molte volte superiore al numero di presenze ai concerti analogici grazie a contributi originali, ad esempio su #zhdkathome.

Ma abbiamo anche imparato cosa non funziona: orchestra, coro, musica da camera, prove, jamming spontaneo, danza e movimento - una vera interazione non è possibile. E sono sorte delle domande: Se uno degli aspetti principali del fare musica non funziona, non rimane forse tutto un grande "come se"? E: una volta non pretendevamo l'eccellenza, non ascoltavamo meticolosamente le sfumature del suono, non ci sforzavamo di ottenere un'acustica perfetta, non sentivamo le vibrazioni performative e la minima finezza interpretativa? Ora siamo soddisfatti quando il micro Bluetooth non perde la connessione e ci godiamo le app polifoniche a cappella. Non conoscevamo la qualità di seguire un'opera nella sua interezza e con concentrazione, invece di limitarci ad ascoltare gli streaming live? Rimarrà così? La spinta alla digitalizzazione del blocco è stata solo un colpo d'arco, o il concertante del XIX secolo è stato sepolto per sempre? La vita musicale nel mondo digitale raggiungerà mai lo stesso livello di eccellenza che la cultura pop sta dimostrando da tempo? E l'eterna questione delle istituzioni educative: Chi formeremo per cosa in futuro?

Rimane senza risposta. Ma attenzione all'illusione della comodità digitale: l'arte è un rischio. Vive in un mondo pericoloso. Si appassisce in uno spazio sicuro e privo di germi.

Michael Eidenbenz

... è direttore del Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK).

MvO - Béatrice Zawodnik è coordinatrice dell'insegnamento presso la Haute École de Musique de Genève. Risponde alle nostre domande.

Béatrice Zawodnik, quando ha capito che la crisi del coronavirus sarebbe stata una sfida importante?

Dal momento in cui ci siamo resi conto che le lezioni frontali non erano più possibili a causa del confino e che tutti i corsi pubblici - che sono una parte essenziale della formazione pratica degli studenti di musica - erano stati cancellati.

Siete preparati, in termini di e-learning, ad affrontare una situazione del genere?

Anche se negli ultimi due anni ci siamo dotati di software specializzati per la pratica musicale a distanza, non eravamo preparati a una situazione del genere. Ma gli insegnanti di tutte le discipline hanno reagito con estrema rapidità per trovare e proporre soluzioni alternative di apprendimento a distanza, la creatività è stata dimostrata e questo indipendentemente dalla generazione interessata (insegnanti giovani, ma anche insegnanti a pochi mesi dalla pensione...).

Qual è stata l'esperienza della vostra scuola superiore nel campo dell'e-learning negli ultimi mesi?

Sono state proposte varie forme di insegnamento: corsi collettivi ex-cathedra, corsi semi-collettivi, corsi individuali strumentali e vocali su Teams o Zoom, follow-up individualizzato, invio di attestati/tracce da parte degli studenti per posta o via video e ritorno degli insegnanti, conferenze/seminari specifici preregistrati, poi sedute bilanali a distanza, registrazioni "meno uno" preparate dagli accompagnatori, ecc.. Condivisione di buone pratiche tra professori HEM, incontri virtuali per condividere problemi e proporre soluzioni comuni.

L'altra grande sfida in questo periodo in cui tutti erano isolati gli uni dagli altri - sia il personale amministrativo e tecnico, sia il personale docente e di ricerca, sia gli studenti - è stata quella di mantenere un legame con ogni stakeholder di HEM: La comunicazione interna è stata rafforzata, sono stati stabiliti contatti regolari con l'associazione degli studenti e i direttori di dipartimento, supportati dai loro assistenti, si sono preoccupati di contattare tutti i professori e gli studenti, a seconda del loro background, per garantire lo stato di salute del progresso accademico di ogni studente, e quindi per essere in grado di affrontare situazioni di fragilità e fornire un sostegno specifico, finanziario o di altro tipo. I metodi di valutazione e convalida sono stati adattati al contesto dell'apprendimento a distanza, senza abbassare i requisiti per l'acquisizione delle competenze, al fine di garantire agli studenti il valore dei certificati che vengono rilasciati.

Quali sono, secondo lei, i principali inconvenienti e vantaggi?

L'inconveniente principale è, ovviamente, il degrado di tutta la didattica legata alla pratica musicale, nonché l'impossibilità di realizzare tutti i progetti di musica d'insieme. Inoltre, secondo il parere unanime di tutti i professori della disciplina principale, nulla può sostituire i corsi di strumento/voce in presenza: molti parametri non possono essere verificati al computer, qualità del suono, finezza delle sfumature, proiezione del suono o della voce, postura e respirazione, ecc. D'altra parte, molti studenti si trovano in una situazione difficile per praticare intensamente il proprio strumento/voce a casa: problemi con la lettura a vista o con lo strumento.

Un certo vantaggio - che potrebbe portare a un'interessante riflessione istituzionale nell'ambito del COVID - sarebbe la possibilità di registrare alcuni corsi teorici ex-cathedra, seminari specialistici o conferenze, per consentire agli studenti di accedere a questi contenuti durante il regolare orario del corso, che si scontra regolarmente con le regolari attività che si svolgono durante l'anno accademico. Ma questa esperienza forzata di vivere la musica a distanza non potrà mai sostituire il piacere di suonare insieme e per un pubblico.

Come hanno reagito gli studenti ai cambiamenti e come hanno partecipato? Ci sono stati contributi diretti da parte degli studenti?

Una grande creatività da parte dei professori HEM, ma anche da parte degli studenti. Gli studenti hanno risposto molto bene ai cambiamenti, con alcune legittime preoccupazioni sui nuovi metodi di valutazione e convalida. La comunicazione ha svolto un ruolo cruciale nel permettere loro di comprendere le decisioni prese e di tenere conto delle loro difficoltà. Gli studenti hanno creato video collettivi di alta qualità, originali e umoristici, coinvolgendo un gran numero di loro, favorendo così la sensazione di far parte di una comunità unita, nonostante la distanza imposta dalla reclusione.

Susanne Abbuehl - Tutto è avvenuto in rapida successione: i concerti del Jazz Bachelor si sono svolti l'11 marzo. Siamo stati sollevati dal fatto che siamo riusciti a soddisfare i requisiti del governo federale in quel momento e che gli studenti hanno potuto suonare i concerti come previsto: concerti "Carte Blanche" poco prima di completare il loro Bachelor, con l'opportunità di mostrare dove possono arrivare artisticamente. Venerdì 13 marzo abbiamo saputo che avremmo dovuto rinunciare alle lezioni frontali fino a nuovo ordine. Nel giro di una settimana abbiamo riorganizzato l'intero programma di studio. Ascolto, interazione, sfumature del suono e acustica della stanza: come avrebbe dovuto funzionare lo studio della musica a distanza? Naturalmente, l'apprendimento misto era già un argomento trattato prima di Covid-19, e molti docenti interagivano con gli studenti anche per via digitale. Tuttavia, questo è sempre stato in aggiunta all'insegnamento frontale, che tutti consideravamo un elemento centrale insostituibile.

Nelle ultime settimane, l'insegnamento ha dovuto essere reinventato. Siamo stati molto ben supportati dalla direzione dell'università: le informazioni sono state trasparenti e hanno sempre seguito le istruzioni del governo federale con tempestività. L'impegno e la preoccupazione erano e sono palpabili. Stiamo facendo tutto il possibile per rimanere in contatto, anche a distanza, in modo da poter continuare a fornire agli studenti un buon supporto. Di conseguenza, a volte sono emerse questioni che altrimenti sarebbero state risolte in altro modo: Le opportunità di praticare, ad esempio, o la sostenibilità finanziaria degli studenti. Anche in questo caso, cerchiamo soluzioni e offriamo opzioni di supporto. A distanza, è diventato più che mai importante adattare l'insegnamento alla situazione: Suonare insieme contemporaneamente era difficile durante le sessioni dal vivo, ma ora c'era l'opportunità e lo spazio per fare musica senza accompagnamento e per registrarsi più spesso.

Nei blog, nei video di input e nel dialogo con gli altri, impariamo l'uno dall'altro e ci concentriamo su ciò che tuttavia è possibile. Gli approcci a una nuova metodologia e a un'autovalutazione più vincolante degli studenti stanno diventando evidenti. L'insegnamento diventa un progetto comune: come gestirlo? insieme? Hans-Jürg Rickenbacher, vocal coach nel profilo della musica classica, definisce il nuovo formato delle sue lezioni CasaVoce. Il consiglio studentesco, già attivo e innovativo nella condivisione di idee prima della crisi del virus, utilizza tutte le piattaforme disponibili e ha immediatamente creato un forum e un archivio sotto forma di blog. Anche Chiara Schönfeld, studentessa del Master in Performance, vede dei vantaggi nella varietà di formati in cui si svolge attualmente l'insegnamento. "Posso lavorare sui video di input dei docenti al mio ritmo e con maggiore libertà in termini di tempo". Le piace il fatto che i docenti mostrino uno stile personale nella loro realizzazione. Condividendo le registrazioni, ha anche imparato ad ascoltarsi in modo più differenziato e a classificare meglio il feedback.

Il team della Biblioteca musicale continuerà a garantire la fornitura di base di letteratura e spartiti per studenti, docenti e ricercatori, con un servizio di consegna elettronica dei documenti, spedizioni postali e un'ampia gamma di supporti e assistenza corrispondente. Anche in questo caso, l'obiettivo è quello di garantire ai nostri studenti un'assistenza (quasi) normale. Julian Dillier, direttore del Dipartimento di Educazione musicale, afferma che il passaggio alle videoconferenze nei comitati di gestione è stato repentino, ma funziona sorprendentemente bene. I tirocini rappresentano una sfida particolare. Nonostante la chiusura delle scuole, non tutto è stato rimandato: Alcuni studenti stanno sviluppando nuovi formati insieme agli insegnanti del tirocinio, un'abilità che li aiuterà anche in futuro.

Antonio Baldassarre, responsabile del settore Ricerca e Sviluppo, si preoccupa del possibile impatto del blocco della Covid-19 sulla didattica e sulla ricerca. È ipotizzabile che si aprano nuovi temi di ricerca: La vicinanza e la distanza nelle lezioni di musica, ad esempio, sono attualmente in fase di ridefinizione. Egli osserva anche le soluzioni creative che vengono attualmente sviluppate nelle industrie artistiche e culturali e che stanno generando nuove domande di ricerca pertinenti.

Il tema degli esami è attualmente al centro dei nostri pensieri. Gli studenti vogliono giustamente un "diploma degno", come dice Chiara. I concerti pubblici di diploma segnano l'inizio della loro carriera professionale e rendono percepibili i molti anni di intenso lavoro sulle competenze artistiche e musicali. Quali spunti trarremo da questa intensa fase di apprendimento? Sicuramente ci terrà impegnati per molto tempo a venire. Gli esami di ammissione, che si svolgeranno nel 2020 in un processo a più fasi con valutazione video e collegamento dal vivo, sono stati finora molto positivi: è anche possibile stabilire un contatto vincolante online. Tuttavia, riteniamo che la presenza fisica sia ancora essenziale.

Susanne Abbuehl

... è responsabile dell'Istituto per la musica jazz e popolare e membro della direzione del dipartimento della Scuola di musica di Lucerna.

MvO - Cosa fare quando il mondo va in pezzi? Quando clienti e studenti si disperano, per solitudine e paure esistenziali? L'agenzia KULT opera da 16 anni alla Bern University of the Arts, consentendo agli studenti di entrare nel mondo del lavoro con spettacoli e di pensare a carriere di self-marketing o portfolio. Ma all'improvviso il mondo è in stato di shock e l'agenzia riceve una cancellazione dopo l'altra: niente più apparizioni a festival, cerimonie di laurea, matrimoni e funerali. L'agenzia è in contatto diretto con diversi gruppi target di tutte le generazioni. In qualità di direttrice dell'agenzia per gli studenti, Claudia Kühne adotta un approccio proattivo, poiché sono urgentemente necessarie alternative. Questo sia per l'interazione sociale in tempi di allontanamento fisico, sia per sostenere la situazione precaria di molti studenti, in costante peggioramento.

La risposta di Kühne è la creatività. Esistono modi per continuare a suonare una serenata musicale in una casa di riposo senza correre rischi o gravare ulteriormente sul personale di assistenza? Sì, utilizzando il telefono, che è disponibile praticamente ovunque. In questo modo si creano sempre nuovi programmi che possono essere garantiti anche nei momenti di crisi più acuta. E la creatività potrebbe essere premiata dall'acquisizione di nuovi clienti. Anche i musicisti e gli artisti sono alle prese con la digitalizzazione in un nuovo contesto. Hanno riconosciuto il potenziale dei canali digitali. Claudia Kühne e il suo collega Nicolas Wolf li aiutano a familiarizzare con le tecnologie, sia con consigli tecnici che con la creazione di un proprio canale YouTube. Gli studenti si trovano improvvisamente di fronte a domande: sul pubblico di riferimento, sul raggiungimento di un pubblico, ma anche sulla costruzione e sul mantenimento della propria rete personale. Queste domande sono direttamente collegate al lavoro di KULT, ma assumono una nuova rilevanza durante la crisi. I format che ne derivano sono attualmente in fase di sperimentazione e continueranno a integrare il programma anche dopo la crisi, afferma Claudia Kühne. Conferma che gli studenti hanno reagito molto positivamente alla sua iniziativa e percepiscono il "periodo corona" come un motore creativo. L'Università delle Arti di Berna e i suoi studenti possono così svolgere un ruolo attivo e positivo in una società in crisi, nel qui e ora.

> www.kult-agentur.ch

Claudia Kühne

... è responsabile dell'agenzia studentesca KULT della BFH Bern University of the Arts.

Sibille Stocker - Numerosi studenti dell'Accademia di musica della FHNW/Accademia di musica di Basilea hanno approfittato dei giorni liberi durante il carnevale di Basilea per visitare ed esibirsi nei loro paesi d'origine. Alcuni di loro sono ancora bloccati lì. L'annullamento dei concerti, la svalutazione della moneta nei Paesi d'origine, la disoccupazione dei genitori che finanziano gli studi e/o la perdita di un lavoro part-time sono fattori esistenziali per molti di loro. "Sto finanziando i miei studi con i miei risparmi. La svalutazione della moneta brasiliana li sta facendo diminuire rapidamente. Sono molto grato per il sostegno del Fondo di solidarietà". Il sassofonista jazz F. M. è uno dei 141 studenti che hanno richiesto una borsa di studio di emergenza. Subito dopo la chiusura, le prime richieste di aiuto sono arrivate da studenti in difficoltà, è stato immediatamente istituito un fondo di solidarietà presso la Fondazione per la promozione dell'Accademia musicale di Basilea ed è stato lanciato un appello per le donazioni. In pochi giorni, circa 70 persone della comunità dell'accademia musicale e dei docenti della Hochschule für Musik hanno risposto all'appello e hanno donato più di 190.000 franchi. Tutte le richieste sono state esaminate prima di Pasqua e sono state erogate 121 borse di studio d'emergenza. Una campagna meravigliosa!

"Tutti i miei concerti e anche i miei progetti con musicisti svizzeri e messicani sono stati cancellati. La situazione nel mio Paese è catastrofica. Sono molto preoccupato". Anche il batterista E. S. ha ricevuto una sovvenzione dal fondo di solidarietà. Tuttavia, ciò che gli pesa molto di più delle difficoltà finanziarie è l'incertezza del futuro (culturale). Il quartetto spagnolo Kebyart, quattro giovani sassofonisti che attualmente devono resistere nel "confinamiento" in varie città catalane, lo descrive come segue: "La chiusura del mercato musicale è una cosa, l'altra è l'incertezza su cosa accadrà a lungo termine agli spettacoli già programmati. Questa paralisi, questo essere messi in stand-by e non sapere per quanto tempo ancora, è estenuante". Per i musicisti jazz e da camera, esercitarsi insieme in tempi di blocco è in gran parte impossibile, le latenze online sono troppo grandi, anche con i più recenti mezzi tecnici. F. M. lo dice in poche parole: "Non c'è più l'unione, il jazz è interazione tra i musicisti e con il pubblico. In questi tempi, stiamo tutti perdendo la nostra momenti unici."

La situazione di questi sei musicisti della regione ispano-portoghese è esemplare per molti dei loro amici musicisti e compagni di studio. Sono preoccupati per i loro cari, per il futuro dei loro studi e per le nuove incertezze professionali. Ma tutti si stanno impegnando per affrontare in modo creativo la situazione attuale. La campagna "musicalthoughts4u", organizzata dalla FHNW Academy of Music/Basel Academy of Music, offre l'opportunità di farlo. Agli studenti è stato chiesto di utilizzare tutto il loro potenziale artistico e creativo per la realizzazione di video musicali innovativi e di produrli da soli, mantenendo un certo distacco sociale/fisico - i premi in denaro attendono i vincitori per onorare questi sforzi in modo significativo in tempi di scarsità finanziaria. In questo modo, gli studenti dell'Università della Musica di Basilea potranno offrire a chi soffre per la crisi del coronavirus un sostituto virtuale del tanto mancato momenti unici dare.

> www.fhnw.ch/musicalthoughts4u

Sibille Stocker

... dirige l'Istituto di comunicazione dell'Accademia di musica FHNW/Accademia di musica di Basilea.

Nel prossimo numero cercheremo di dare un'occhiata più da vicino ai nuovi metodi di insegnamento utilizzati nelle accademie di musica svizzere a causa della crisi del coronavirus.

MvO - Stephan Schmidt ricopre il doppio mandato di direttore dell'Accademia di musica della FHNW e dell'Accademia di musica di Basilea dal 2012. Dal 2017 è presidente della KMHS.

Stephan Schmidt, quando abbiamo parlato l'ultima volta nel 2017, lei ha menzionato l'attuazione dell'articolo 67a della Costituzione come una sfida importante per il KMHS. Cosa è successo finora?

L'attuazione dell'articolo costituzionale è attualmente ancora insoddisfacente. Nell'ambito del processo di consultazione per il nuovo messaggio culturale 2021-2024, abbiamo descritto l'attuazione fino ad oggi come "mista", ma riconosciamo che il Consiglio federale sembra intenzionato a sviluppare ulteriori elementi di promozione musicale, anche se non ancora nella misura necessaria. A nostro avviso, è particolarmente urgente creare finalmente una chiara base legale e un finanziamento per la promozione degli studenti di talento (incluso il PreCollege).

All'epoca, per lei era importante informare di più e meglio i politici e la società sulle realtà della professione musicale. Nel frattempo ha avuto più successo?

Si tratta certamente di un processo continuo, e ogni conservatorio si trova a dover affrontare una sfida individuale. Il nostro compito di creare accettazione per la professione musicale permea tutte le nostre aree di attività, soprattutto per quanto riguarda "temi caldi" come il necessario ampliamento dell'accesso a bassa soglia alla promozione musicale, la necessità di eccellenza musicale e pedagogica, il compito a lungo termine di rendere comprensibili l'internazionalità e i requisiti fondamentali della professione musicale e, ultimo ma non meno importante, rendere obbligatorio il profilo degli insegnanti.

Qual è lo stato della legge sul finanziamento e il coordinamento dell'istruzione superiore (HFKG), in vigore dal 1° gennaio 2015, che ha creato uno spazio giuridico uniforme per l'istruzione superiore per le università, le scuole universitarie professionali e le scuole universitarie professionali (con musica)? Come riassumerebbe questo aspetto?

Guardando indietro allo sviluppo dai conservatori comunali/cantonali alle università sulla base della HFKG, è chiaro che lo sviluppo complessivo è stato positivo. Grazie alla legge, il mandato di prestazione dei conservatori si basa su una base giuridica stabile e sostenibile che prima non esisteva in questa forma e, a lungo termine, consente nuove libertà e possibilità per quanto riguarda il sistema educativo. Allo stesso tempo, però, va anche detto che la soluzione svizzera di subordinare i conservatori artistici alla tipologia delle scuole universitarie professionali è un'eccezione difficile da comunicare a livello internazionale e, insieme all'integrazione in grandi cluster sovraordinati di scuole universitarie professionali, ha portato anche degli svantaggi: molte decisioni che riguardano il nostro lavoro vengono prese a livelli più alti, e ora è più difficile per il settore musicale far sentire la propria voce in modo tempestivo come conferenza specialistica o influenzare tali decisioni. Questo perché, ad esempio, la SMHS non è più un punto di contatto diretto per le consultazioni, ma vengono coinvolte solo le grandi università di scienze applicate di livello superiore. In futuro, la KMHS dovrà chiarire e affinare ulteriormente il suo ruolo di conferenza specializzata.

Dal suo punto di vista di presidente della KMHS, qual è stato il momento più importante dell'anno passato?

È evidente la collaborazione costruttiva con l'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS) e la creazione e il radicamento del marchio PreCollege. Mi sembra che tutto ciò abbia avuto un grande successo e riconosco un chiaro rafforzamento delle scuole di musica e della VMS, perché questa cooperazione si traduce in sviluppi significativi e sostenibili.

E quello personale, musicale?

Quando guardo al 2019, mi sorprendo nel constatare che ci sono stati alcuni momenti salienti, anche se al momento non posso essere molto attivo artisticamente: A gennaio è stata presentata la nuova edizione e la prima esecuzione della "Ballata des Oscen" di Alfred Wälchli (1985) nella sua versione originale per chitarra sola, frutto di un progetto di ricerca; poi ho avuto l'onore di suonare insieme a Mats Scheidegger in "my melodies" di Helmut Lachenmann con i Berliner Philharmoniker diretti da Simon Rattle, seguita dalla prima mondiale di una composizione microtonale per chitarra di Matthias S. Krüger a Tallinn con una chitarra appositamente costruita, l'esecuzione delle tre canzoni op. 18 di Anton Webern con Sarah Maria Sun e Kilian Herold. Infine, vorrei menzionare l'esecuzione e la registrazione della Sonata per arpeggione di Franz Schubert, che mi sono divertito a eseguire insieme al violoncellista Christoph Dangel su una copia appositamente costruita di uno strumento a 10 corde di Johann Georg Stauffer del 1823 circa.

Quali sono le tappe fondamentali per le università musicali svizzere quest'anno e negli anni a venire?

Le sfide più importanti richiedono sempre una tematizzazione e una discussione continua su un periodo di tempo più lungo. Attualmente, queste includono temi come l'urgente necessità di riconoscere a livello nazionale la formazione monodisciplinare di musica nelle scuole elementari, che purtroppo al momento esiste solo in alcuni cantoni.

Un altro tema di attualità è la discussione avviata in tutte le università sull'equilibrio tra professionalità e interdisciplinarità, che rappresenta una sfida per i nostri corsi di laurea piuttosto tradizionali. Ci stiamo rendendo conto che le domande sui profili professionali individuali e sostenibili stanno penetrando in profondità nelle nostre strutture di studio e che dobbiamo trovare risposte alle richieste di competenze aggiuntive, apertura e flessibilità nella struttura di studio e connettività interdisciplinare.

Poiché non solo siamo sostenuti dalla nostra società, ma ne facciamo anche parte, sorge spontanea la domanda su quale rilevanza abbia il nostro lavoro nella società... mi sembra chiaro che una visione isolata del ruolo dei Conservatori di musica e delle loro forme di educazione non è più appropriata.

Dal punto di vista di KMHS, come sono state soddisfatte le vostre aspettative riguardo al PreCollege e dove vedete ancora margini di miglioramento?

Nel frattempo, il PreCollege è stato istituito come marchio e la collaborazione con il VMS - come già detto - sta funzionando molto bene. Tuttavia, sono necessari miglioramenti dal punto di vista legale. A questo proposito, continueremo a portare avanti la questione del finanziamento di questo programma precollege.

Quest'anno verrà inaugurato un nuovo campus a Lucerna. Cosa significa un nuovo edificio come questo per la reputazione delle università di musica in Svizzera?

I nuovi edifici sono sempre segnali positivi di sviluppo sia interno che esterno, aprono nuove dinamiche e rappresentano quindi una sfida, un rischio e un'opportunità allo stesso tempo. Naturalmente, tutti noi siamo interessati in primo luogo al contenuto del programma di formazione, ma proprio per questo negli ultimi anni le esigenze in materia di edifici e infrastrutture sono cambiate in modo considerevole e sta diventando evidente che gli edifici classici dei conservatori, ad esempio, faticano a soddisfare questi nuovi requisiti e quindi devono essere ulteriormente sviluppati con nuovi concetti o addirittura sostituiti. Questo interessante sviluppo continuerà sicuramente anche in altre località...

La Svizzera è sempre al centro dell'attenzione quando si parla di integrazione europea. Come valuta la situazione dei Conservatori di musica svizzeri in un confronto europeo e globale?

A mio avviso, le università musicali svizzere si trovano in una buona posizione e sono molto attraenti per gli studenti. Beneficiano e allo stesso tempo soffrono della situazione geopolitica, così come altre istituzioni, proprio perché dobbiamo essere principalmente istituzioni orientate a livello internazionale. L'esclusione e l'emarginazione di qualsiasi tipo non hanno senso nella professione musicale, che è stata internazionalizzata per migliaia di anni.

Sotto certi aspetti, c'è persino il rischio che i conservatori dei Paesi vicini possano svilupparsi meglio. Ad esempio, ritengo che il fatto che i conservatori svizzeri non possano offrire il proprio terzo ciclo sia un indebolimento significativo e duraturo della Svizzera come centro di istruzione superiore. Spetta ai politici trovare soluzioni migliori di quelle attuali per evitare che il nostro Paese perda la rotta. Purtroppo, però, gli attuali segnali dei politici non sono molto promettenti.

Riteniamo che queste domande stiano rapidamente acquistando importanza.

Presso l'Accademia musicale di Basilea/Università di Musica FHNW, lo scorso semestre si è formato spontaneamente un gruppo di lavoro interdisciplinare composto da studenti e personale docente, che da allora ha contattato la direzione per porre domande chiare sulla sostenibilità e sulle possibili misure di miglioramento. La scena musicale in particolare sente non solo la rilevanza ecologica, ma anche quella economica che la riguarda direttamente. Quindi qualcosa si sta muovendo, studenti e docenti sono attenti, e ne sono molto felice. Allo stesso tempo, naturalmente, ci sono grandi sfide su quali delle tante idee abbiano davvero senso e possano essere attuate in un periodo di tempo ragionevole.

Il 2020 è ancora giovane: quali sono, secondo lei, i punti salienti di quest'anno di conservatorio?

Quest'anno, forse nel 2021, si prevede che tutte le università di musica in Svizzera saranno accreditate istituzionalmente tramite l'HEdA, un passo significativo dal punto di vista istituzionale e molto gradito. Questo porterà a una professionalizzazione delle istituzioni, ma anche a un aumento del lavoro, che richiederà nuove forme organizzative e profili professionali.

I momenti artistici ed educativi, che ci danno senso e ispirazione, ci portano con le loro ali al di sopra di tutte le questioni istituzionali...

... e poi la Conferenza biennale dell'ELIA si terrà a Zurigo a novembre. Cosa possiamo aspettarci da questo evento?

Questioni come l'equilibrio tra disciplinarità, interdisciplinarità e connettività sono temi scottanti e centrali per i prossimi anni. La conferenza ELIA può quindi essere una piattaforma molto interessante non solo per affrontare questi temi, ma anche per portarli avanti, ed è per questo che la ZHdK mi sembra una sede molto adatta.

Il motto della conferenza è "Expanding the Arts" (Espandere le arti) e in questo senso è forse destinato a svilupparsi dall'interno, mentre la questione della connettività è una questione generale a cui dovremo prestare molta attenzione in futuro.

Matthias von Orelli - L'evento era rivolto a tutti i direttori dei corsi di laurea e a rappresentanti selezionati del corpo docente di medio livello delle università musicali svizzere. Sono stati rivisitati temi significativi dell'evento dell'anno precedente a Zurigo e sono stati discussi gli sviluppi attuali. La prima parte della giornata è stata dominata da un discorso programmatico del Prof. Andrea Belliger dal titolo "Trasformazione digitale - il fenomeno al di là delle app di apprendimento e degli algoritmi intelligenti" e da una tavola rotonda con la cantante, compositrice, interprete e polistrumentista Marena Whitcher (vedi articolo sotto). La seconda parte del programma ha presentato diverse sessioni in cui le sfide attuali e pressanti che i conservatori di musica svizzeri devono affrontare sono state oggetto di un vivace dibattito.

Le domande sul futuro hanno avuto un ruolo centrale in tutte le discussioni, compreso il futuro ruolo dei docenti nelle università musicali svizzere. Claudia Wagner della HKB ha moderato il tema di discussione "Tra competenza e cura: il futuro ruolo dei docenti". I partecipanti hanno convenuto che la competenza professionale nei conservatori svizzeri non è negoziabile. Tuttavia, poiché oggi le opzioni di carriera sono più varie e aperte, può diventare una sfida per i docenti preparare gli studenti a una vita professionale multiforme. Questa preoccupazione può essere presa in considerazione con i programmi di formazione continua e con i centri di consulenza che già esistono in alcuni casi (per borse di studio, consigli di carriera, collocamento in concerti, ecc.)

Peter Knodt (docente di didattica della tromba, responsabile della gestione della qualità presso la Scuola di Musica della FHNW) ha presentato il tema "Controllo della qualità: strumenti per una gestione della qualità specifica dell'università". È indiscutibile che la gestione della qualità debba essere vista come sviluppo dell'insegnamento. In pratica, ciò può essere realizzato, ad esempio, dagli studenti che contribuiscono attivamente alla definizione dell'insegnamento e dai docenti che aiutano a sviluppare la gestione della qualità stessa. È stata discussa anche la nomina di un cosiddetto Chief Listening Officer, che si faccia carico delle preoccupazioni rilevanti, così come le possibilità di osservazione tra pari (che avviene quando un collega partecipa a un corso come ospite e poi fornisce un feedback). Le esperienze con la gestione della qualità sono piuttosto negative quando questa viene utilizzata senza consultare i docenti come un dall'alto verso il basso-Si utilizza una misura. E: i processi di digitalizzazione che si stanno attualmente sviluppando avranno un'influenza significativa sulla forma e sul contenuto della gestione della qualità in futuro.

Beatrice Zawodnik della Haute école de musique Genève - Neuchâtel (HEM) ha affrontato il tema "Carriere a zig-zag: La promozione e la coltivazione di nuovi profili di studenti". Secondo la discussione, queste "carriere a zig-zag" diventeranno sempre più importanti in futuro, e tali profili professionali devono essere oggetto di particolare attenzione e attenzione. Nel contesto di questi profili di studenti, tuttavia, le università di musica devono prestare particolare attenzione alla preparazione o al sostegno degli studenti nel loro apprendimento, perché esiste una tensione tra canone e individualizzazione, ma anche tra apertura e concentrazione sui contenuti. Questi compromessi devono essere attentamente negoziati.

Christoph Brenner, direttore del Conservatorio della Svizzera italiana CSI, ha presentato il suo tema dal titolo "L'educazione musicale: tra promozione del talento, assistenza sociale e divertimento". È stato sottolineato che la motivazione è un fattore centrale nell'educazione musicale. L'ambiente professionale in questo campo è diventato oggi molto più esigente, e per questo il tempo e la maturità sono componenti elementari di una formazione pedagogica. Un altro aspetto discusso è stata la progettazione ottimale delle transizioni e delle cerniere tra i programmi di studio o i livelli scolastici.

Con il tema "Superdiversità: quale società per quali studenti e viceversa?", Graziella Contratto della HKB ha affrontato un altro argomento di attualità. Sebbene oggi gli interlocutori sociali siano diventati più complessi e misti, le università di musica in particolare hanno già molti anni di esperienza con un corpo studentesco eterogeneo. Ma come continuare a ottenere l'accettazione sociale? E come dovrebbero i conservatori affrontare una situazione in cui le conquiste culturali o le tradizioni minacciano improvvisamente di staccarsi? Durante la discussione è stato sottolineato che è ancora più importante sviluppare e utilizzare nuovi formati. L'integrazione di tradizioni e culture musicali extraeuropee, la promozione delle competenze linguistiche degli studenti e lo sviluppo di formati didattici innovativi sono solo tre modi in cui possiamo cercare di anticipare le tendenze piuttosto che imitarle.

Complessivamente, la seconda "Giornata dell'insegnamento" alla KMHS non solo ha offerto l'opportunità di discutere questioni urgenti nell'ambito dell'educazione musicale, ma anche di impegnarsi in un dialogo informale. Le vivaci discussioni hanno dimostrato che questo soddisfa una grande esigenza.

Peter Kraut - La presentazione della Giornata dell'insegnamento delle università musicali svizzere, tenuta dalla dott.ssa Andrea Belliger, membro della direzione dell'università e docente presso l'Università di Lucerna per la formazione degli insegnanti, ha fornito molti spunti di riflessione. La laureata in teologia ha descritto gli aspetti di una nuova cultura educativa e ha sottolineato gli sconvolgimenti, i cambiamenti di sistema e i mutamenti di valori alimentati dalla trasformazione digitale. Uno dei cambiamenti più evidenti è la transizione dal pensare e organizzare, dal lavorare e imparare in rete anziché nei (vecchi) sistemi. Le reti sono permeabili, non hanno gerarchie fisse, sono complesse ed eterogenee, si autocostituiscono, sono in continuo cambiamento e hanno valori e norme proprie. I sistemi in senso convenzionale, invece, e questo include i conservatori, sono orientati verso gerarchie, un canone di valori più o meno vincolanti e processi predefiniti. Il "nuovo apprendimento", affiancato da innumerevoli nuovi compagni tecnologici come app, piattaforme digitali, software, scambi digitali, ecc. è descritto come fluido, reattivo e collaborativo. L'apprendimento oggi avviene in modo sociale, in movimento, in gruppo e in contesti agili. Secondo il relatore, oggi si tratta sempre più di processi legati al contesto e alla giocosità.

La "connettività" è un concetto centrale in questo sviluppo. Andrea Belliger ha fatto riferimento al fatto che aziende globali come Uber, Air B'n'B, Facebook ecc. stanno ora dominando il mercato e il discorso, creando principalmente connessioni tra gli utenti della rete senza produrre un prodotto hardware nel vero senso della parola. La tecnologia che accompagna non solo la vita moderna, ma anche l'apprendimento, è sempre più basata su cloud, social e mobile, YouTube è la più grande risorsa di apprendimento in assoluto, nuove forme e stili narrativi si stanno affermando e si aprono nuove prospettive su vecchi argomenti. Ad esempio, la "Khan Academy", liberamente accessibile, fondata dall'ex manager di hedge fund Salman Khan nel 2008, conta oggi circa 4.000 video didattici online, soprattutto nel campo della scienza. Ma la domanda è: che cosa significa questo in termini concreti per le lezioni di musica? Come è stato dimostrato nei successivi workshop della Giornata dell'insegnamento (vedi articolo sopra), le università musicali svizzere hanno a disposizione diverse risorse e strumenti quando si tratta di e-learning. Se un tempo era un semplice blog ad accompagnare una lezione, oggi si utilizzano programmi più avanzati che consentono forme di apprendimento partecipativo e aperto. Mentre Andrea Belliger ha affrontato principalmente le opportunità e le sfide di questo sviluppo, la discussione si è poi concentrata sempre più sui pericoli e sui danni collaterali che possono essere associati ad esso: aspettative di apprendimento eccessivamente passive e consumistiche, l'influenza incontrollabile e opaca dei fornitori commerciali di nuove tecnologie, filtri non trasparenti e molto altro ancora. Soprattutto in un ambito culturale caratterizzato da un'elevata espressione emotiva, dalla consapevolezza del corpo, dalla padronanza degli strumenti, dalla comunicazione di gruppo e dal feedback, la volontà di creare suoni e contesti, spazi e tempi, nuovi contesti di apprendimento deve essere messa criticamente in discussione. Quasi nessuno vorrà negare che le nuove tecnologie e gli ambienti di apprendimento sono una realtà in rapida crescita. Il modo in cui i conservatori saranno plasmati da questa realtà in futuro dipende anche dall'approccio pratico ed etico scelto dai responsabili di fronte a questa sfida.

Una discussione con Marena Whitcher (Eclecta, Shady Midnight Orchestra, ecc.) ha poi offerto uno sguardo sulla realtà sociale, economica e digitale della vita musicale di una cantante/performer freelance. La giovane musicista è attiva su numerose piattaforme, si esibisce in una grande varietà di contesti e deve quindi investire gran parte del suo lavoro nella gestione dei social media, nel back office e nel booking - anche perché non ha un marketing esterno. Questo spesso lascia poco tempo per il lavoro creativo vero e proprio. Sebbene Marena Whitcher abbia un'elevata rete di contatti digitali, questo richiede un grande sforzo. Ma anche in questo caso si tratta di realtà di mercato che hanno un impatto sulla formazione nelle accademie musicali. Oltre alla materia artistica, le competenze mediatiche generali sono un prerequisito importante per essere un musicista di successo oggi. Tuttavia, gli studenti potranno apprenderle solo se i docenti saranno in grado di valutare e anticipare questo sviluppo. In futuro, quindi, i conservatori dovranno confrontarsi non solo con gli sviluppi tecnologici della digitalità, ma anche con la delicata gestione dell'arte tra creazione, comunicazione e connettività, al fine di sviluppare programmi intelligenti per i futuri diplomati.