Siamo consapevoli che il livello dei compensi raccomandati da SONART è notevolmente superiore a quello attuale per molti organizzatori di eventi in tutti i settori. Non tutti gli operatori del settore sono in grado di tenere il passo fin dall'inizio. Ma è proprio per questo che SONART - come tutte le altre organizzazioni professionali del settore culturale - ha emesso le sue raccomandazioni, colmando così una lacuna: Volevamo sapere quali sono i compensi per la composizione, la scrittura di canzoni, le esecuzioni di concerti, la gestione della produzione e tutte le altre attività musicali e artistiche dei professionisti della musica.

SONART è stato inizialmente guidato dalla domanda su come dovrebbe essere organizzato un salario di sussistenza. Si tratta di una cifra paragonabile a quella di altre professioni autonome, ad esempio quelle dei commercianti, che oltre al reddito devono anche coprire le prestazioni sociali, le pensioni, le assicurazioni e gli investimenti. La tariffa equa per un concerto di 800 franchi a persona può sembrare alta a prima vista. Tuttavia, dietro a questa cifra ci sono tre o quattro ore di presenza nella sala da concerto, innumerevoli ore di prove e di esercitazioni, viaggi, strumenti, ecc. Da questo punto di vista, le tariffe che raccomandiamo sono assolutamente ragionevoli.

FairPay - MinimumPay: un modello di larghezza di banda per uso pratico

Tuttavia, anche i compensi sul libero mercato sono una questione di negoziazione. Anche con l'appoggio delle raccomandazioni di SONART, spetta ancora ai musicisti decidere quali compensi pagare per le loro esibizioni - i loro partner negoziali hanno molti altri costi e non possono dare una mano in ogni caso. È inoltre chiaro che nel panorama musicale i musicisti dipendono dagli organizzatori; anche con la migliore volontà del mondo, non è sempre possibile ottenere il massimo per lo svolgimento di un concerto. Per questo motivo le raccomandazioni di SONART lavorano con un modello a bande: FairPay è il livello di un compenso ragionevole, MinimumPay (fissato tra 20 e 25 % in meno a seconda della categoria) è il limite inferiore, che non dovrebbe essere sottovalutato dopo aver applicato criteri di riduzione come la dimensione dell'evento, l'esperienza professionale e la regione.

Promozione culturale: senza maggiori finanziamenti, gli obiettivi sono difficilmente raggiungibili.

Il messaggio culturale del Consiglio federale, così come gli sponsor culturali pubblici e privati, si aspettano che le associazioni fissino degli obiettivi per le tasse e vogliono far dipendere l'approvazione del sostegno ai progetti dalla domanda se il richiedente è disposto a pagare una tassa adeguata. Tuttavia, senza un corrispondente finanziamento aggiuntivo per la promozione culturale, questa pratica porta a una carenza e a un numero considerevolmente inferiore di richieste di sostegno.

In questa costellazione, le raccomandazioni di SONART sono un segnale per continuare il discorso iniziato durante la pandemia del 2020-2022, vista la situazione precaria della scena culturale: In definitiva, l'obiettivo è proteggere decine di migliaia di professionisti della cultura - tra cui ben 10.000-15.000 musicisti freelance. Tutti parlano del grande valore sociale e dell'importante ruolo della cultura: SONART vuole contribuire a far sì che alle parole seguano presto i fatti.

Tutte le informazioni, le raccomandazioni sulle tariffe SONART, un calcolatore delle tariffe e domande e risposte su www.sonart.swiss/honorarempfehlungen.

Michael Kaufmann è presidente di SONART dal 2020 ed è attivo in istituzioni culturali e musicali, oltre che in viaggi musicali.

Da oltre 150 anni, nel Cantone di Zurigo esiste una sorprendente varietà di scuole per aspiranti musicisti professionisti. Oggi sono state tutte incorporate nel Dipartimento di Musica della ZHdK. Il periodo intorno alla fine del millennio è stato caratterizzato da fusioni, integrazioni e riorganizzazioni. La fusione del Conservatorio di Zurigo e dell'Accademia di Musica di Zurigo è stata seguita dalla fusione con il Conservatorio di Winterthur, dall'integrazione delle Accademie di Arte Drammatica e di Danza, dal collegamento con il Seminario di Ritmica, dai programmi di musica scolastica ed ecclesiastica e, infine, dalla grande fusione con l'Accademia di Arte e Design per formare l'attuale ZHdK. Le diverse origini e storie delle sottoistituzioni sono ancora oggi percepibili. Tuttavia, i cambiamenti istituzionali e le forze esterne e interne che li hanno influenzati non sono ancora stati analizzati in dettaglio. Per questo motivo, l'Istituto per la ricerca musicale della ZHdK ha iniziato a esaminare i fascicoli e i verbali, le relazioni annuali e i giornali interni. È emerso che non si conoscono nemmeno i nomi di tutti gli studenti e i docenti dalla fondazione delle varie scuole.

Fino al 1944, nel Cantone di Zurigo esistevano quattro istituzioni in cui venivano formati musicisti professionisti: la Scuola di Musica di Winterthur (dal 1952 anche conservatorio; fondata nel 1873), il Conservatorio di Zurigo (fondato nel 1876), l'Accademia di Musica di Zurigo (fondata nel 1891) e il Conservatorio privato José Berr (1913-1944). C'è quindi abbastanza materiale per mostrare le differenze nello sviluppo delle scuole che sono diventate parte dell'attuale Dipartimento di Musica.

Tuttavia, esaminando i documenti scritti, è emerso anche che le rivoluzioni più importanti spesso non vengono nominate proprio perché erano fin troppo familiari a tutti i partecipanti dell'epoca.

Per questo motivo, la nostra conferenza non consiste solo in presentazioni che riassumono i fatti storici relativi alle singole sotto-scuole, ma anche in discussioni aperte con testimoni contemporanei, poiché i lavori precedenti hanno dimostrato che le costellazioni personali, gli slogan temporanei e i calcoli politici erano alla base delle decisioni dell'epoca, che a loro volta determinavano le atmosfere all'interno delle scuole interessate. Anche la riforma di Bologna e l'impegno delle scuole universitarie professionali nella ricerca hanno accompagnato i processi citati in termini di tempo e di contenuto. In definitiva, queste retrospettive portano a chiedersi come sia cambiata l'educazione musicale degli studenti sullo sfondo dei cambiamenti istituzionali e se le conquiste di allora non abbiano portato anche a delle battute d'arresto.

L'invito a partecipare a questa conferenza è quindi rivolto a tutti coloro che sono interessati alle questioni relative all'educazione musicale professionale, che hanno preso parte a questi cambiamenti - all'interno del Cantone di Zurigo o al di fuori - come studenti o insegnanti e che vorrebbero riflettere su di essi oggi. Il progetto di ricerca "Educazione musicale professionale nel Cantone di Zurigo" incorporerà i risultati in un'ulteriore analisi e mira a collocare le caratteristiche particolari degli sviluppi a Zurigo nel contesto più ampio dell'educazione musicale in Europa. Dopo tutto, cosa sarebbe la ricerca musicale se non includesse le basi biografiche, pedagogiche e istituzionali su cui si fonda ogni musicista, e quindi in ultima analisi l'intera vita musicale?

Secondo gli esperti del settore, negli ultimi anni i promotori di concerti e le etichette discografiche sono sempre più alle prese con cancellazioni all'ultimo minuto di concerti e date di produzione. Ciò è apparentemente dovuto a malattie mentali e psicosomatiche. I musicisti freelance, in particolare, sentono la pressione sempre più forte di doversi occupare da soli di compiti come il marketing, che prima le etichette e le agenzie svolgevano per loro. Oggi ci si aspetta che mantengano una presenza costante sui social media e che costruiscano da soli la loro base di fan. D'altra parte, le precedenti fonti di reddito, come le vendite di dischi e i compensi per i concerti, sono crollate. E ora il crescente utilizzo dell'intelligenza artificiale nella produzione di musica commerciale minaccia di eliminare ulteriori fonti di reddito.

Anche prima della pandemia di coronavirus, il sindacato britannico dei musicisti (UM) ha rilevato in uno studio del 2016 che più di due terzi dei freelance soffrono di ansia e depressione gravi, il triplo rispetto alla media della popolazione. Ha risposto con una guida per i freelance per aiutarli ad affrontare consapevolmente le sfide mentali ed emotive di oggi.

La guida è disponibile sul web cercando "A-Young-Freelancers-Guide-to-Mental-Health-and-the-Music-Industry.pdf".

Ogni primavera, la musica giovanile svizzera vive un momento di particolare intensità: il talento incontra l'impegno, la passione la disciplina e i giovani si ascoltano tra loro. È un'occasione unica per sperimentare da vicino la diversità dell'espressione musicale nel nostro Paese.

La SJMW Final 2025, che si è svolta a Zurigo dall'1 al 4 maggio, è stata un concentrato di creatività, precisione e ispirazione. 326 giovani musicisti provenienti da ogni parte del Paese hanno raggiunto la fase finale. Hanno gareggiato nelle categorie Classica, Composizione, FreeSpace e Jazz&Pop.

Nel corso di tre giorni intensi, ricchi di musica e di dialogo, distribuiti tra la scuola di musica del Conservatorio di Zurigo, l'edificio scolastico Hirschengraben, l'Università di Zurigo e il club musicale Mehrspur, 67 giudici esperti hanno valutato le performance dei partecipanti. Ancora una volta è emersa l'eccezionale qualità di un concorso che offre tanto ai giovani artisti quanto al pubblico e al panorama dell'educazione musicale nel suo complesso.

I dati relativi alla categoria Classica parlano chiaro: sono stati assegnati 36 primi premi con lode, 94 primi premi, 112 secondi premi e 58 terzi premi. Nelle categorie Composizione e FreeSpace sono stati assegnati 3 primi premi con lode, 3 primi premi e 3 secondi premi. Nella categoria Jazz&Pop sono stati assegnati 13 premi.

Come ogni anno, il concerto dei premiati è stato il momento culminante della finale. Si è svolto domenica 4 maggio nella sala principale dell'MKZ. In un'atmosfera festosa e di fronte a un pubblico entusiasta, i giovani premiati hanno impressionato per la loro maturità musicale e presenza scenica. La varietà dei programmi e l'alto livello tecnico hanno colpito tanto quanto la gioia palpabile di fare musica.

Il concerto, registrato da Radio SRF 2 Kultur, sarà trasmesso domenica 27 luglio 2025 alle 16.00 nel programma "Im Konzertsaal".

Oltre all'eccellenza artistica, la SJMW colpisce ogni anno per la sua capacità di creare comunità. Dietro ogni esibizione ci sono percorsi individuali, insegnanti impegnati, famiglie solidali e istituzioni che credono nell'educazione musicale. È un mondo in movimento, sostenuto da reti invisibili ma forti.

Guardando al futuro: l'edizione 2026 e il 50° anniversario

Guardando al futuro, questo può già essere rivelato: La prossima finale si svolgerà ancora una volta a Zurigo dal 30 aprile al 3 maggio 2026. I preliminari dell'Entrada si terranno in varie città svizzere dal 13 al 15 marzo.

Ma prima che questo nuovo capitolo abbia inizio, l'anno 2025 ha in serbo un altro evento speciale: Sabato 13 settembre, alla Tonhalle di Zurigo, si celebrerà ufficialmente il 50° anniversario della SJMW.

Una celebrazione a più livelli ed emozionante attende gli ospiti, con concerti, incontri, una mostra e la partecipazione di vincitori di cinque decenni. L'evento si apre con il concerto per bambini "Die kleine Fräxli" nella Kleine Tonhalle sotto la direzione di Fränzi Frick con i nostri premiati più giovani. Nel foyer del concerto saranno allestite una mostra sulla storia del concorso e la presentazione di un libro. Il concerto per il coronamento dell'anniversario presenterà opere di Johannes Brahms, Frank Martin e due importanti prime mondiali di Richard Dubugnon e Daniel Schnyder. Le opere saranno eseguite dai vincitori del premio SJMW e dall'Orchestra della Tonhalle di Zurigo sotto la direzione di David Bruchez. Un finale musicale jazz nel foyer concluderà la giornata.

Cinquant'anni sono un traguardo significativo per qualsiasi istituzione. Per la SJMW, essi sono l'espressione vivente di un impegno costante nei confronti della musica giovanile, un investimento culturale e sociale che ha creato ispirazione, valore e futuro.

Particolarmente apprezzate sono le settimane di corsi di musica folk, corno alpino e banda d'ottoni boema. Se desiderate ancora partecipare a un corso, potete trovare tutte le informazioni sui corsi, le iscrizioni e i posti liberi sul sito web musikwochen.ch. Alcuni corsi sono già al completo.

Masterclass Arosa

Sotto l'etichetta "Masterclasses Arosa", Arosa Cultura raggruppa tutti i corsi delle Settimane Musicali di Arosa che offrono il livello di masterclass. In totale ci sono 16 corsi individuali per vari strumenti. L'"AROSA MUSIC ACADEMY", che combina lezioni individuali con lezioni intensive di musica da camera, è un'offerta speciale nell'ambito delle masterclass. I docenti delle masterclass includono musicisti famosi come Maurice Steger, Simon Fuchs, Lars Mlekusch, Markus Fleck, Jens Lohmann, Isabelle Schnöller e molti altri.

Premi interessanti per i partecipanti alle masterclass

Arosa Cultura ha creato premi interessanti per i partecipanti alle masterclass. Il premio Hans Schaeuble viene assegnato a un massimo di nove partecipanti. Un premio comprende un concerto nell'ambito del festival Arosa Klassik dell'inverno successivo. Arosa Kultur offre l'opportunità di esibizioni di musica da camera con musicisti rinomati.

Il premio può essere consegnato grazie al sostegno finanziario e non materiale della Fondazione Hans Schaeuble.

Estate culturale ad Arosa con un ampio programma culturale

L'estate culturale di quest'anno si aprirà sabato 5 luglio con l'orchestra da salotto della "kammerphilharmonie graubünden". Con il programma "m-ta-ta, m-ta-ta... Valzer o mai più!", i musicisti rendono omaggio all'indiscusso re del valzer Johann Strauss (figlio), che quest'anno avrebbe compiuto 200 anni.

La lunga tradizione degli spettacoli d'opera continua anche quest'anno. Questa volta, l'Opernkollektiv Zürich è ospite della Waldbühne. In "Viva la mamma" di Gaetano Donizetti, Mamma Agata provoca un certo scompiglio sul palcoscenico dell'opera.

Gli eventi per bambini sono da sempre parte integrante dell'Estate culturale di Arosa. Per cinque lunedì a partire dal 7 luglio, vari gruppi teatrali, musicisti e burattinai incantano i cuori dei bambini, i genitori, i padrini e le madrine con i loro spettacoli. Da ascoltare anche: Swing de paris, jazz gitano; Izamanja, rock; Philipp Furrer & the Transatlantik Ensemble, world music svizzera; Trio Willi Valotti, musica popolare; "Wiibli ond Mandli" e altri ancora.

I concerti del Bergkirchlikon sono quasi leggendari. Ogni martedì alle cinque, i musicisti si esibiscono nella cappella di 532 anni a 1900 metri sul livello del mare. Letture e conferenze completano il variegato programma. Quando il tempo è bello, molti eventi si svolgono nell'incantevole palcoscenico della foresta di Arosa.

Tutte le informazioni sono disponibili su www.arosakultur.ch per trovare.

Ci sono ancora persone che premono tre volte il tasto "2" sui loro vecchi cellulari per digitare la lettera "c" in un messaggio di testo. Tuttavia, l'ordine competitivo e orientato al progresso in cui viviamo rende i devoti del tastierino numerico degli outsider e tutti gli altri degli insider. Di norma, non possiamo permetterci di investire più tempo del necessario in qualcosa. Le nuove tecnologie all'avanguardia che ci fanno risparmiare tempo nelle attività quotidiane sono quindi destinate ad affascinarci, ma allo stesso tempo ci rendono un po' nervosi.

Gli artisti conoscono bene l'oscillazione tra fascino e nervosismo nei confronti del progresso tecnologico. Friedrich Nietzsche, ad esempio, nel 1882 mise in guardia dalla macchina da scrivere. Scrisse (ironicamente sulla sua nuova macchina da scrivere): "I nostri strumenti di scrittura collaborano ai nostri pensieri". Tuttavia, lo scetticismo nei confronti del nuovo non ha mai preso piede, né allora né in seguito. Col senno di poi, questo è un bene, perché dopo tutto la macchina da scrivere ha aiutato a scrivere libri. E anche dopo, il fonografo non ha mai eliminato dal mercato il concerto dal vivo, né il cinema ha messo fine al teatro.

Il nuovo fenomeno che non siamo sicuri di dover abbracciare si chiama Intelligenza Artificiale Generativa, o GenAI in breve (o semplicemente "AI"), un fenomeno affascinante e inquietante allo stesso tempo. È affascinante che questa tecnologia sia in grado di comporre, arrangiare, produrre, mixare e masterizzare musica in pochi secondi. Ciò che rende nervose le persone è il timore della propria spendibilità e delle relative difficoltà finanziarie, nonché la preoccupazione per la possibile estinzione della musica "vera". I creativi dovrebbero usare questo strumento o no? Le scuole d'arte dovrebbero insegnare a usare la GenAI? E dove porterà tutto ciò?

C'è una differenza fondamentale tra GenAI e le precedenti realizzazioni tecniche che deve essere considerata più da vicino: In senso stretto, GenAI non lavora, ma reagisce. In altre parole, non fa ciò che gli viene chiesto di fare ("prompted"), ma ciò che molto probabilmente voleva essere chiesto di fare. Ad esempio, se si inserisce la lettera "c" nel campo di input di un'intelligenza artificiale che genera testo, l'intelligenza artificiale non scrive una "c", ma qualcosa come "Ehi! Hai scritto solo una 'c' - è stato un errore o hai bisogno di aiuto per qualcosa di specifico?". Quindi, se si vuole che l'IA scriva solo la lettera "c", bisogna dirle "Scrivi la lettera 'c'!". Quindi, se volete scrivere un nuovo libro (voi stessi), vi conviene usare una macchina da scrivere (o anche il tastierino numerico di un vecchio cellulare) come strumento. Tuttavia, se volete semplicemente (far generare un nuovo libro), ChatGPT è probabilmente lo strumento più efficiente (indipendentemente dalla componente qualitativa).

In sostanza, fare musica significa realizzare con cura un'idea, controllando i parametri, analizzando il risultato, confrontando il risultato intermedio con l'idea di fondo, riallineando i parametri e così via. Comporre, produrre e interpretare è quindi l'interfaccia reale tra idee (impercettibili) e opere musicali (udibili). Se questa interfaccia può ora essere completamente automatizzata, possiamo al massimo parlare di musica nel caso dell'udibile, ma questa musica non è stata creata ma solo scoperta. Dobbiamo ancora determinare il valore culturale di questa musica, ma da un punto di vista legale la situazione è chiara: non è la musica scoperta che può essere protetta dal diritto d'autore, ma solo la musica creata mentalmente.

In questo contesto, sarebbe sbagliato concludere che fare musica è ormai un affare di tutti. Tuttavia, questa consapevolezza sarà di scarsa consolazione se a un certo punto il fare musica non potrà più essere monetizzato perché generare musica con un click è molto più economico e veloce. Tuttavia, difficilmente sarà possibile contrastare questo fenomeno a livello artistico, ma piuttosto a livello normativo.

Per quanto riguarda l'uso artistico di GenAI, è auspicabile che questa nuova tecnologia produca cose inimmaginabili anche nella musica. Dopo tutto, non c'è nulla di fondamentalmente sbagliato nel fatto che i nostri strumenti di scrittura contribuiscano ai nostri pensieri, purché ci sia ancora una collaborazione tra uomo e macchina. Tuttavia, il processo creativo che realizza l'idea non dovrebbe essere lasciato interamente al caso o all'imperscrutabile algoritmo. Uno strumento è solo uno strumento che può essere usato come tale, cioè che può essere azionato in modo mirato. In questo senso, l'arte - forse anche in senso letterale - sta nell'utilizzare GenAI come uno strumento: deve funzionare, non reagire liberamente.

Noah Martin

... dirige la Segreteria generale della SUISA ed è responsabile del dossier AI.

Le eliminatorie del concorso (Entrada) si sono svolte lo scorso marzo e hanno visto la partecipazione di oltre mille giovani musicisti provenienti da tutta la Svizzera. Le città di Arbon, Ginevra, Neuchâtel, Risch-Rotkreuz, Sion e Winterthur hanno ospitato un'intensa maratona musicale in cui solisti, duo e gruppi di musica da camera hanno potuto presentarsi a una giuria di esperti. I partecipanti hanno dato il meglio di sé per aggiudicarsi uno degli ambiti premi che danno diritto a partecipare al turno successivo.

Le audizioni sono state attentamente monitorate da una giuria di 101 membri, che ha condotto un totale di 51 turni di giuria. Gli esperti hanno valutato le esibizioni con grande attenzione e hanno fornito un prezioso feedback per aiutare i giovani musicisti a progredire nel loro percorso artistico. Al termine dell'Entrada sono stati assegnati 621 premi, tra cui 71 primi premi con lode e 181 primi premi.

Le eliminatorie delle categorie Composizione, FreeSpace e Jazz&Pop si sono svolte in forma digitale. 9 giovani compositori, 1 artista della categoria FreeSpace e 25 partecipanti al concorso Jazz&Pop si sono qualificati per la finale.

Finale: un simbolo di nuove partenze artistiche

Ci sono tappe nella vita dei giovani musicisti che segnano una svolta: la finale della SJMW è senza dubbio una di queste. Non solo le emozioni sul palco, ma soprattutto il significato di questo momento rimangono nella memoria: un primo importante traguardo, un'occasione di confronto reale - e soprattutto un punto di partenza per nuovi impulsi artistici.

Dal 1° al 4 maggio 2025, Zurigo accoglierà i 287 finalisti del concorso. Si tratta di giovani che hanno superato le sfide delle eliminatorie con perseveranza, talento e passione. Per loro la musica non è solo una disciplina, ma un linguaggio con cui esprimono ciò che spesso non si può dire a parole.

Per quattro giorni, la Musikschule Konservatorium Zürich si trasformerà in un centro d'arte, energia e scambio per i finalisti: giovani provenienti da tutte le regioni linguistiche della Svizzera condivideranno le loro storie attraverso performance che collegano epoche e stili.

Anche la fase finale della categoria Jazz&Pop (Come Together) farà parte di questo weekend speciale: I progetti selezionati si esibiranno sul palco del club musicale Mehrspur il 3 maggio 2025 - in un autentico ambiente da club che offre spazio alla spontaneità, al groove e all'incontro.

Ma la finale è molto più della fase conclusiva del concorso. È un'esperienza di apprendimento profondo: si impara ad ascoltare se stessi e gli altri, ad accettare le critiche costruttive e a concepire il palco come un luogo di aggregazione, non solo come una pietra di paragone. Gli incontri tra le esibizioni, le conversazioni nei corridoi, gli sguardi di sostegno tra i partecipanti: tutto questo costituisce un'esperienza che va ben oltre il fare musica.

Le giurie non si limiteranno a valutare, ma riconosceranno anche il potenziale, l'unicità e lo sviluppo di ogni individuo. Ogni parola ricevuta è un seme che continua a crescere, ogni incontro una potenziale fonte di ispirazione.

In un mondo che gira sempre più velocemente, la SJMW offre ai giovani un tempo speciale: tempo per ascoltare, approfondire e sognare. È proprio questo che rende la finale un evento che guarda al futuro, perché onora il passato e si concentra su ciò che deve ancora venire.

Concerto dei premiati: ascoltare il futuro di oggi

Il momento culminante dell'intero evento sarà il concerto dei vincitori del 4 maggio 2025, il finale scintillante della finale. Sul palco saliranno i vincitori di un'ampia gamma di discipline. Ognuno di loro porta con sé non solo l'eccellenza tecnica, ma anche la capacità di toccare con passione e autenticità.

Come negli anni precedenti, il programma sarà vario e sorprendente: un mosaico sonoro che spazia dalla migliore musica da camera alle forme di espressione contemporanea.

Per il pubblico è un'occasione unica per conoscere dal vivo i talenti più promettenti della scena musicale giovanile svizzera. Per i giovani artisti è un momento indimenticabile: esibirsi di fronte a un pubblico entusiasta in un contesto prestigioso è un'esperienza formativa che può aprire nuove prospettive artistiche.

Invitiamo tutti - insegnanti, famiglie, professionisti e amanti della musica - a partecipare a questo evento speciale. Il concerto dei vincitori non è solo un'esibizione, ma anche un invito a condividere l'entusiasmo, l'impegno e la visione di un'intera generazione di giovani che guardano al futuro con speranza attraverso la loro musica.

La storia della musica in Svizzera nel XVIII e all'inizio del XIX secolo, caratterizzata dall'emergere di una scena concertistica urbana, di una borghesia amante della musica e di molti altri attori, è stata finora conosciuta solo da un piccolo gruppo di specialisti. Per colmare questa lacuna nella ricerca e rendere la storia della musica locale accessibile a un pubblico più vasto, il Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica promuove il dialogo tra il mondo accademico e la società nell'ambito del progetto Agorà. L'obiettivo del progetto è quello di comunicare le attuali scoperte musicologiche a un vasto pubblico in modo innovativo. Il progetto, che fa capo all'Università delle Arti di Berna (responsabile del progetto: Claudio Bacciagaluppi) e all'Università di Ginevra (co-richiedente: Christoph Riedo), ha già realizzato due mostre (presso il Museo storico di Basilea e la Biblioteca centrale di Zurigo) e offerto una serie di laboratori, tra cui formati specifici per le classi scolastiche guidati dall'educatrice musicale Irena Müller-Brozović. Prima che il progetto educativo si concluda nel luglio 2025, saranno presentate altre due mostre che offriranno nuovi spunti di riflessione sul ricco patrimonio musicale della Svizzera.

Lukas Sarasin

Sia la mostra di Lucerna che quella di Berna collocano la vita musicale locale in un contesto nazionale. Entrambe seguono il tema centrale "Dalla stanza della musica alla sala da concerto", che sottolinea i due poli centrali e strettamente collegati della vita musicale svizzera: la produzione musicale domestica e la scena concertistica emergente. Questo legame è esemplificato in entrambe le mostre dall'appassionato di musica basilese Lukas Sarasin (1730-1802). Appassionato di musica e collezionista, Sarasin trascorreva innumerevoli ore nella sua stanza della musica, dove si esercitava con il violino e il contrabbasso. Allo stesso tempo, come membro del Collegium Musicum di Basilea, partecipava a concerti pubblici, combinando così in modo ideale l'intimità del fare musica in casa con l'evento sociale dei concerti pubblici. La sua biblioteca musicale, che comprende oltre 1.300 composizioni, sarà ricostruita per la prima volta nell'ambito del progetto SNSF di Roberto Scoccimarro e sarà accessibile sul sito web del progetto e su RISM Online a partire dall'estate 2025.

Lucerna

La Biblioteca centrale e universitaria di Lucerna (sede di Sempacherstrasse) presenta documenti selezionati dalla propria collezione. Tra questi, i preziosi documenti musicali della Società degli amanti del teatro e della musica, fondata nel 1806, un'istituzione precedente all'attuale Orchestra Sinfonica di Lucerna. L'ampio catalogo illustra il variegato repertorio internazionale dell'epoca e contiene anche elenchi dettagliati degli strumenti. La mostra si concentra anche sui compositori Joseph Franz Xaver Dominik Stalder (1725-1765), Franz Xaver Leonti Meyer von Schauensee (1720-1789) e il gesuita Constantin Reindl (1738-1799) dell'Alto Palatinato, attivi a Lucerna. Anche la musica da camera e alcune opere di teatro musicale composte ed eseguite a Lucerna (commedie musicali, pantomime, opere liriche) sono al centro dell'attenzione.

Berna

In tutta la Svizzera c'erano molti appassionati di musica come Sarasin. La mostra al Klingendes Museum di Berna si concentra su due esempi eccellenti, Gabriel Emanuel von May (1741-1836) e Karl Friedrich von Steiger (1754-1841). Von Steiger era un appassionato dilettante di musica con una notevole biblioteca musicale e organizzava concerti esclusivi per gli ospiti invitati. La collezione di Von Steiger è utilizzata anche per illustrare il suo rapporto con gli insegnanti di musica e la sua passione per la musica per flauto. Inoltre, i visitatori possono guardare brevi filmati, ascoltare musica o richiamare informazioni approfondite tramite i tablet in dotazione. La mostra "Dalla stanza della musica alla sala da concerto" potrà essere visitata al Klingendes Museum fino a marzo 2026.

Informazioni sulle mostre

Biblioteca centrale e universitaria di Lucerna (sede di Sempacherstrasse): 28 marzo - 4 luglio 2025, orari di apertura: Lunedì - Domenica 08:00 - 20:00, gratuito.

Museo del suono di Berna: 7 maggio 2025 - marzo 2026

Orari di apertura: Mercoledì - sabato 14:00 - 17:00, domenica 11:00 - 17:00, Ingresso: 12/5 CHF

La nostra segretaria Tirza Vogel è in grado di proseguire il suo sviluppo professionale e ci ha quindi chiesto di sollevarla dalle mansioni di segreteria. Ha svolto un lavoro eccellente per il Consiglio di amministrazione e continuerà a sostenerci con compiti individuali. In occasione dell'Assemblea generale, i nostri soci hanno eletto Céline Stocker-Aregger come nuovo membro del Consiglio di amministrazione. Siamo lieti di aver trovato in lei un successore altamente qualificato e motivato per la segreteria. Céline è una donna d'affari qualificata. Ha lavorato come assistente del personale per diverse aziende della Svizzera centrale. Oggi lavora come coach per lo sviluppo personale e l'integrazione lavorativa, anche per i musicisti.

Save the date: Simposio 2025 il 22 novembre a Biel/Bienne

Il Simposio Swissmedmusica 2025 si terrà il 22 novembre nella Farelsaal di Bienne, il titolo è ancora aperto. Tuttavia, siamo già riusciti ad assicurarci relatori interessanti come Sara Ascenso, Pauline Gropp e Chiara Samatanga Enderle.

Sara è pianista e psicologa presso il Royal Northern College of Music (RNCM) di Manchester. I suoi interessi di ricerca includono la pedagogia positiva nei conservatori. Pauline ha studiato pianoforte, canto e medicina a Colonia e Münster e svolge ricerche sulla personalità scenica. Chiara ha studiato psicologia e violoncello e ha condotto ricerche su "Mindwandering and Boredom in Classical Musicians". Insegna all'Università delle Arti di Berna.

La cancellazione del concerto arriva all'improvviso. L'autobus è già stato noleggiato e la caparra pagata, il tecnico audio è stato prenotato, i preparativi sono in pieno svolgimento, la promozione è in pieno svolgimento. E poi all'improvviso arriva la cancellazione, a pochi giorni dal concerto.

Se un concerto viene annullato con breve preavviso, i fatti del caso devono essere valutati legalmente in caso di controversia. Se le parti non hanno stipulato un contratto scritto per un concerto o se un contratto esistente non contiene una disposizione per la cancellazione, di solito (ma non sempre!) si applicano le disposizioni del contratto di lavoro e di servizi (Art. 363 CO e segg.). L'annullamento di un contratto d'opera e di servizi è disciplinato dall'art. 377 CO, secondo il quale può avvenire a fronte di un "indennizzo completo". In questo senso, esiste un certo grado di protezione per i creatori di musica in caso di controversia, fatta salva l'applicabilità dell'art. 377 CO, ma l'esecuzione delle rivendicazioni può comportare sforzi considerevoli ed essere costosa se la controparte si difende.

Come possono quindi i musicisti tutelarsi meglio da eventuali cancellazioni con breve preavviso? Il problema spesso risiede nella mancanza di un accordo scritto, poiché un contratto di concerto può essere stipulato senza alcun requisito formale. Per evitare malintesi, SONART raccomanda quindi di mettere per iscritto almeno i punti più importanti, idealmente in un contratto di concerto, ma almeno in un riassunto dei punti chiave del contratto (un cosiddetto "deal memo"), ad esempio via e-mail. Questo "deal memo" dovrebbe essere confermato per iscritto dall'organizzatore.

Una penale contrattuale, ad esempio pari all'importo del compenso pattuito, può contribuire a evitare inutili cancellazioni di concerti con breve preavviso, in quanto accompagnata da un risarcimento. In un caso specifico, l'organizzatore dovrebbe pagare immediatamente il compenso in base alla violazione del contratto.

Per tenere conto delle incertezze che circondano la questione dell'annullamento dei concerti con breve preavviso, SONART ha redatto un opuscolo con le domande e le risposte più importanti e raccomandazioni pratiche per l'azione. L'opuscolo e un esempio di contratto con ulteriori spiegazioni sono disponibili per i membri attivi della SONART su richiesta.

David Burger è membro del team Member Consultancy & Projects ed è responsabile della consulenza legale di SONART. Ha studiato legge, specializzandosi in diritto contrattuale e diritto d'autore.

All'inizio del 2025, il Concorso svizzero di musica per la gioventù si appresta a festeggiare un anniversario importante: cinquant'anni di storia. Cinquant'anni in cui il concorso ha svolto un ruolo centrale nella promozione dei giovani talenti musicali e ha dato un contributo decisivo alla formazione dei futuri protagonisti della scena musicale.

Una boccata d'aria fresca per il prossimo capitolo

L'anniversario non è solo un'occasione per festeggiare, ma anche per un simbolico passaggio di consegne: Andreas Wegelin assume la carica di Presidente del Consiglio di fondazione, inaugurando un'era di rinnovamento e continuità. Allo stesso tempo, Stefan Escher subentra nella gestione della sede centrale a Valérie Probst, che è stata direttore generale per molti anni.

Con il suo grande e instancabile impegno, Valérie Probst ha plasmato il concorso per molti anni e ispirato generazioni di giovani musicisti. Prima della sua partenza, ha portato avanti con cura i preparativi per l'edizione dell'anniversario del concorso con la stessa dedizione che ha sempre caratterizzato il suo lavoro. La sua visione e il suo entusiasmo sono ancorati non solo nella storia del concorso, ma anche in ogni passo che ha reso possibile questo traguardo. Questo impegno finale, organizzato con l'attuale squadra, è una degna eredità dei suoi molti anni di servizio. La ringraziamo di cuore per il suo eccellente lavoro.

Dall'entrada al finale

Dal 14 al 16 marzo 2025, l'Entrada si svolgerà in sei città svizzere, con un migliaio di musicisti provenienti da tutta la Svizzera in gara. L'edizione dell'anniversario comprenderà anche quattro discipline: Classica, Jazz&Pop, Composizione e FreeSpace. Ogni categoria offre spazio a diverse forme di espressione musicale, ma tutte hanno un obiettivo comune: offrire ai giovani talenti musicali una piattaforma su cui competere e svilupparsi.

Classica incarna la più antica tradizione del concorso. I partecipanti hanno l'opportunità di sviluppare un repertorio che va dalla musica barocca alla grande letteratura del XIX secolo. La musica antica e la musica contemporanea permettono di esplorare mondi sonori storici e nuovi.

Jazz&Pop, FreeSpace e Composizione, invece, sono le discipline più moderne. Jazz&Pop comprende l'improvvisazione e la musica moderna. Il FreeSpace offre ai giovani artisti la massima libertà creativa. La Composizione offre ai giovani compositori l'opportunità di sviluppare la propria voce artistica e di sperimentare con i colori del suono.

La finale si svolgerà dall'1 al 4 maggio 2025 a Zurigo, luogo in cui il concorso è stato fondato 50 anni fa. Il tradizionale momento clou è il concerto dei premiati, durante il quale si esibiranno i vincitori.

Un concorso come specchio del panorama musicale svizzero

Ciò che rende unica la SJMW è il suo spirito di comunità e di scambio. In ogni edizione, la musica diventa un idioma comune che supera le differenze culturali, geografiche e stilistiche. La Svizzera, con la sua diversità di lingue, tradizioni e influenze culturali, diventa così ambasciatrice di una musica che trascende i confini. Eppure il concorso rimane profondamente radicato nel suo contesto svizzero, sostenuto da una cultura musicale alimentata dai paesaggi sonori e dalle tradizioni del Paese.

Nel suo 50° anno, il concorso celebra non solo la continuità di un progetto, ma anche la crescita costante di un'identità musicale nazionale. Ogni edizione è un passo verso il futuro e si basa su una solida base: un Paese che, con il suo spirito aperto, è sempre stato un laboratorio di nuove idee musicali. La Svizzera è la patria di molti - e la patria di una tradizione musicale che si evolve costantemente, rimanendo fedele a se stessa e reinventandosi continuamente. Il Concorso svizzero di musica per la gioventù ne è una testimonianza vivente.

Coloro che escono dal conservatorio con un diploma di laurea o di master in tasca sono molto richiesti, addirittura ambiti. Questo perché la maggior parte dei cantoni riconosce questi insegnamenti musicali speciali nelle scuole elementari, il numero di alunni è in aumento e l'ampliamento dell'offerta nel contesto delle scuole a tempo pieno comporta un'ulteriore richiesta di insegnanti. La maggior parte dei laureati in musica e movimento lavora (anche) nelle scuole elementari. Qui svolgono una parte significativa del mandato educativo in materia di musica. Senza il loro impegno, l'educazione musicale si fermerebbe. In una società in cui la musica attiva non fa automaticamente parte della vita familiare, questi insegnanti di musica gettano le basi per un accesso generale e attivo alla musica - e non solo: "Vengono formate competenze sensoriali, sociali, creative e visionarie, la base delle 'competenze del futuro' di cui c'è così urgente bisogno", afferma Claudia Wagner della HKB.

La pratica delle pari opportunità

Insieme al personale della scuola primaria, gli insegnanti di musica lavorano giorno per giorno per garantire pari opportunità nella vita reale, al di là di grandi parole e concetti. L'eterogeneità delle classi è grande e continua a crescere. Ciò richiede competenze pedagogiche. Tutte le accademie di musica svizzere tengono conto di questi requisiti nei loro programmi di formazione. Dominique Regli-Lohri della Scuola di Musica di Lucerna afferma: "La pedagogia viene rafforzata affinché i nostri studenti possano sopravvivere nella vita lavorativa quotidiana e trasmettere le conoscenze apprese. Ciò comprende non solo gli aspetti specifici della materia, ma anche, ad esempio, la conoscenza della gestione della classe, della risoluzione dei conflitti e della comunicazione."

Un ampio campo professionale

Il fatto che questi specialisti dell'educazione musicale precoce nelle scuole siano così richiesti forse oscura la visione di altre possibilità di carriera. Ma sono anche di grande importanza: "Penso che anche il settore prescolare dovrebbe essere maggiormente coperto, per i bambini di 2, 3 e 4 anni", dice Stefanie Dillier, presidente di Rhythmik Schweiz. "Sono un po' preoccupata che questo settore vada perso quando i ritmisti di lunga data andranno in pensione nei prossimi anni. Ma se non si fa musica con i bambini a livello elementare, se non si canta e non ci si muove con loro, allora si perde qualcosa"."Ruth Frischknecht, Edith Stocker e Christian Berger della ZHdK osservano inoltre: "Stanno emergendo sempre più nuovi campi professionali al di fuori delle scuole nei settori delle arti comunitarie, dell'educazione musicale, dell'attivazione, ecc."

Federalismo

È chiaro che senza questo fondamentale lavoro di educazione musicale, la partecipazione culturale alla musica è impensabile. L'articolo 67a, comma 2, della Costituzione federale svizzera stabilisce pertanto che la Confederazione e i Cantoni "si adoperano, nell'ambito delle loro competenze, per garantire un'educazione musicale di qualità nelle scuole". Le associazioni che si occupano di educazione musicale non ritengono che questo obiettivo sia già stato raggiunto. Stanno conducendo un'intensa campagna per ottenere miglioramenti. Infatti, non esiste ancora una base legale per l'inserimento standardizzato e vincolante di insegnanti di musica altamente qualificati con una laurea in musica e movimento nelle scuole superiori di tutta la Svizzera. Di conseguenza, l'approccio varia da cantone a cantone e persino da comune a comune. Basilea Città è considerata esemplare, in quanto la musica e il movimento vengono insegnati in mezze classi per tutti i sei anni della scuola primaria. Katrin Rohlfs, della Scuola di Musica di Basilea, trova questo aspetto positivo. "Tuttavia, il fatto che le normative cantonali varino così tanto non depone a favore delle pari opportunità nell'educazione culturale, come sancito dalla Costituzione federale", osserva criticamente.

Prospettiva

C'è quindi ancora un importante lavoro politico da fare. Ma il campo professionale è già più stimolante e diversificato di quasi tutti gli altri. Tutti i responsabili della formazione musicale e del movimento nelle accademie di musica svizzere sottolineano che lo spettro musicale-artistico e stilistico è molto ampio, che è possibile lavorare con persone di tutte le età e che la solida formazione musicale e artistica viene costantemente ampliata in vista degli sviluppi della nostra società, compreso, naturalmente, il settore degli approcci digitali.

Tuttavia, l'attenzione rimane sulle persone in quanto esseri sensuali, o nelle parole di Florence Jaccottet della Haute Ecole de Musique di Ginevra: "L'approccio alla musica da parte del movimento fa eco a una richiesta attuale forte in un ambiente musicale in piena trasformazione, o l'innovazione si traduce peut-être de plus plus par le désir du musicien de faire appel non pas à l'intelligence artificielle but bien physique et sensible"."

Prof Dr Valentin Gloor
... è direttore della Scuola di Musica di Lucerna.