Der 1965 geborene Martin Jann hat an der Universität Bern Jurisprudenz studiert. In mehreren Zusatzstudien, unter anderem in strategischer Kommunikation, Urbane Identität und Design sowie Raumentwicklung an der ETH Zürich hat er sich umfassendes Wissen in kulturellen, politischen und finanziellen Bereichen angeeignet.

Jann amtete neun Jahre als Geschäftsführer des Schweizer Buchhändler- und Verlegerverbandes. Danach arbeitete er bei der ETH Zürich im Departement Architektur, und von 2010 bis 2013 war er Geschäftsführer der Internationalen Bauausstellung IBA Basel 2020. Daneben betreute er verschiedene Projekte im Bereich Design, Theater und Ausstellungen.

Martin Jann tritt seine Stelle als neuer Leiter Kulturförderung am 1. September 2014 an. Nathalie Unternährer verlegt ihren Lebens- und Arbeitsmittelpunkt aus familiären Gründen nach Basel.
 

Der zweite Preis ist dem Koreaner Min-Jun Kim zugesprochen worden. Der erste Preis ist mit 6000 Euro dotiert, der zweite mit 3500 Euro und der dritte mit 2000 Euro.Der von der Pianistin Svetlana Eganian ins Leben gerufenen Wettbewerb ist zum sechsten Mal ausgetragen worden.

Präsident der Jury ist Michel Dalberto. Weitere Mitglieder sind Akemi Alink‐Yamamoto, Alain Lompech, Elena Rozanova, Philippe Raskin und Thomas Herbut, der auch der Lehrer der beiden HKB-Studierenden ist.

Der Pianist Pavel Yeletskiy hat 2013 in Bern den Master of Arts in Specialized Music Performance – den höchsten Ausbildungsgang der HKB im Bereich Musik – abgeschlossen und dabei den Eduard-Tschumi-Preis 2013, der jährlich für die besten Solistenprüfungen an der HKB vergeben wird, gewonnen.

Scherz habe das Gstaader Festival seit seiner Gründung geprägt und ihm einen prominenten Platz auf der internationalen Musikszene verschafft, heisst es in der offiziellen Medienmitteilung. Das Team der Sommets Musicaux verliere «einen Freund, einen Partner, einen Künstler». Am Donnerstag, 10. Juli, um 12 Uhr findet in der Kirche Saanen eine Messe zum Gedenken an Thierry Scherz statt.

Die Kontinuität und der Fortbestand des Festivals werden von Ombretta Ravessoud, der Direktorin und Mitbegründerin garantiert, gemeinsam mit dem Festivalteam. Die Festivalausgabe 2015, deren Programm Thierry Scherz gestaltet hat, wird vom 30. Januar bis 7. Februar 2015 in den Kirchen von Gstaad, Saanen und Rougemont stattfinden.

Laut einem Bericht der «Berner Zeitung» und Todesanzeigen in lokalen Medien  ist Scherz in Wien freiwillig aus dem Leben geschieden. Er sei «ganz unerwartet in einem Moment der Depression von uns gegangen». Er hinterlässt seine Frau Martina und zwei Zwillingstöchter im Alter von acht Jahren. Thierry Scherz war der Bruder von Palace-Direktor Andrea Scherz und Sohn der Palace-Besitzerfamilie Ernst A. Scherz.

Seit dem 1. November 1983 ermittelt das Marktforschungsinstitut GfK Entertainment AG (vormals Media Control AG) die offizielle Schweizer Hitparade im Auftrag von IFPI Schweiz, dem Branchenverband der Musiklabels.

Weil die Nutzungsdaten von Streams und Downloads nicht direkt vergleichbar sind, stellt GfK Entertainment für die neue Berechnung auf die durchschnittliche Wertschöpfung von einem Stream zu einem Download ab. Dieser Durchschnittswert beträgt gegenwärtig 178:1, auf 178 Streams (ad-supported und premium) kommt also wertmässig ein Download. Der Beimischungssatz wird jährlich ein- bis zweimal überprüft und angepasst.

Der 1936 in Vevey geborene und 2012 in Confignon gestorbene Komponist und Pianist Eric Gaudibert wirkte nach einigen Jahren in Frankreich ab 1975 hauptsächlich in Genf und Neuenburg. Wie die Kantons-und Universitätsbibliothek Lausanne (BCU) mitteilt, wird seit diesem Frühling sein gesamter Nachlass im Musikarchiv der BCU aufbewahrt.
Musiker und Wissenschaftler, die sich mit dem Werk dieses vielseitigen Künstlers auseinandersetzen möchten, können auf Anfrage den umfassenden Nachlass einsehen.

Weitere Auskünfte erteilt die Musikarchivarin Verena Monnier: 021 316 78 33; arch.mus@bcu.unil.ch
www.bcu-lausanne.ch/patrimoine/archives-musicales/

Bildlegende :
Ausschnitt aus der Partitur Syzygie (1971) pour flûte et piano préparé.
Bild: Fonds Eric Gaudibert, Bibliothèque cantonale et universitaire – Lausanne
 

Eric Gaudibert

Syzygie (1971) pour flûte et piano préparé

Eric Gaudibert

Syzygie (1971) pour flûte et piano préparé

Prunkvoll beginnt das Orchestervorspiel der Kantate Dem Gerechten muss das Licht: In strahlendem D-Dur wetteifern drei Trompeten, zwei Pauken, zwei Traversflöten, zwei Oboen, die Streicher und die Continuo-Gruppe. Die Instrumentalisten, die da in der Schaffhauser Stadtkirche St. Johann musizieren, sind Mitglieder des italienischen Ensembles La Venexiana. Nun müssten die Solisten und der Chor einsetzen. Doch wo bleibt der Chor? Schnell wird klar, dass die vier Vokalsolisten auch die Ripieno-Partien singen, so dass der von Bach intendierte Wechsel zwischen solistischen und chorischen Abschnitten eingeebnet wird. Darüber hinaus haben die Sopranistin Francesca Boncompagni, der Countertenor Raffaele Pè, der Tenor Alessio Tosi und der Bass Tomáš Král gegenüber dem Orchester einen schweren Stand. Hervorragend klappt die Balance hingegen in der Kantate Der Herr denket an uns, deren Begleitung nur mit Streichern auskommt. Gleich drei der fünf Hochzeitskantaten von Johann Sebastian Bach präsentiert der Dirigent Claudio Cavina mit seinem Ensemble in diesem Konzert. Und gerade die dritte, die zweiteilige Kantate Gott ist unsere Zuversicht mit ihren originell instrumentierten Arien, zeigt, dass diese Werkgruppe Bachs zu Unrecht vernachlässigt wird. Einen Kontrast zu den unbekannten Vokalkompositionen bildet die beliebte vierte Orchestersuite. La Venexiana begeistert hier mit einem hohen technischen Niveau, mit Farbigkeit des Klangs und ansteckender Spielfreude. Das Ensemble sucht indes nicht, wie beispielsweise Il giardino armonico, die radikale Zuspitzung, sondern bevorzugt einen gerundeten, warmen Klang.

«Bach festlich» lautete das Motto des diesjährigen Internationalen Bachfestes Schaffhausen, das während fünf Tagen am Auffahrts-Wochenende stattfand. Anlass für das Motto bot die 25. Durchführung in diesem Jahr. Einen Schwerpunkt bildeten die weltlichen Kantaten Bachs, so beim Ensemble Mitteldeutsche Hofmusik und beim Konzert des Schaffhauser Oratorienchors mit dem Ensemble La fontaine. Zum Jubiläum hat die Bachgesellschaft Schaffhausen dem Musiker Rudolf Lutz einen Kompositionsauftrag erteilt. Seine Schaffhauser Festkantate mit Texten von Karl Graf ist eine liebevolle, humoristische Charakterisierung der Stadt Schaffhausen, musikalisch im Gewand einer Bach-Kantate. Die Absicht, ein neues und jüngeres Publikum anzulocken, zeigte sich im Orgelkonzert der Jazzerin und Improvisatorin Barbara Dennerlein im Münster und in der Performance Red Bull Flying Bach im Stadttheater, wo die Breakdance-Gruppe Flying Steps unter der Regie von Christoph Hagel zu den Klängen von Bachs Wohltemperiertem Klavier tanzte.

Die Krise von 2012
Das Bachfest wurde im Jahr 1946 als Zeichen der Versöhnung nach dem Zweiten Weltkrieg ins Leben gerufen. Gründer waren der damalige Stadtpräsident Walter Bringolf und ein Kreis von Kulturexponenten, woraus die Internationale Bachgesellschaft Schaffhausen (IBG) hervorging. Diese Doppelurheberschaft besteht also seit den Anfängen, und bis heute werden die Bachfeste von der Stadt Schaffhausen in Zusammenarbeit mit der Bachgesellschaft veranstaltet. Der Musikwissenschaftler und Bach-Forscher Hans-Joachim Hinrichsen, Vorstandsmitglied und bis 2012 Präsident der IBG, räumt ein, dass die Formulierung «in Zusammenarbeit mit» Konfliktpotenzial in sich birgt. Hinrichsen erklärt, dass die Bachgesellschaft für das Inhaltliche, die Stadt für das Finanzielle und Organisatorische zuständig ist. Etwas anders sieht es Jens Lampater, der Kulturbeauftragte der Stadt Schaffhausen, der beim Bachfest die Rolle des Geschäftsführers einnimmt: «Die Stadt ist für den ganzen operativen Teil zuständig», sagt er, «und die Bachgesellschaft ist dabei eine Art von Think Tank.»

Mit dieser Sicht gar nicht einverstanden ist der Musikologe Dominik Sackmann, der bis 2012 Vizepräsident der IBG und von Hinrichsen als dessen Nachfolger vorgesehen war. Sackmann, der für das Programm des Bachfestes 2012 eine Schlüsselrolle gespielt hat, sagt klar: «Das Know-how liegt bei der Bachgesellschaft.» Sie solle deshalb Motto, Inhalte und Interpreten alleine bestimmen, um schlüssige und künstlerisch anspruchsvolle Programme zu garantieren. Sackmann lehnte es insbesondere ab, dass sich Lampater und Heini Stamm in inhaltliche Fragen einmischten. Stamm, Präsident des Musik-Collegiums Schaffhausen, ist von der Stadt für das Konzertmanagement der Bachfeste angestellt. Zudem wollte Sackmann für das Bachfest den Posten eines Intendanten schaffen, der von der IBG bestimmt würde. Nachdem Sackmann mit seinen Ideen abgeblitzt war, warf er das Handtuch, verzichtete auf das Präsidium und trat aus dem Vorstand der Bachgesellschaft aus. Und Hinrichsen, der seinen Rücktritt schon lange angekündigt hatte, war nicht bereit, seine Präsidentschaft zu verlängern.

In dieser Krisensituation wurde der Jurist Andreas Bohrer-Peyer als Mediator zwischen der Stadt Schaffhausen und der Bachgesellschaft berufen. In der Folge wurden die Zuständigkeiten neu geregelt. Bei der IBG stellten sich als Notlösung Andreas Heieck und Peter Liebmann für ein Co-Präsidium zur Verfügung. Nach Heiecks Wegzug übernahmen 2013 der Architekt Christoph G. Froehlich, der vorher Sekretär der IBG war, und Andreas Bohrer das Co-Präsidium der Gesellschaft. Froehlich, der die Bachfeste seit ihren Anfängen mitverfolgt hat, sieht sein Amt klar als Übergangslösung. «Wenn wir einen geeigneten Nachfolger finden», sagt er, «trete ich 2017 zurück.» Inzwischen hat er bereits einige jüngere Kräfte in den Vorstand geholt.
Für Inhalte und Interpreten der Bachfeste ist nun eine neu bestellte Programmkommission zuständig. Ihr gehören seitens der Bachgesellschaft Christoph G. Fröhlich, der Kirchenmusiker Johannes Strobl, die Dirigentin Annedore Neufeld sowie der Arzt und Musiker Peter Liebmann an. Die Stadt ist mit Jens Lampater und Heini Stamm vertreten. Für die Gesamtorganisation ist ein OK verantwortlich, dem Lampater, Stamm, Froehlich und Stadtpräsident Thomas Feurer angehören. Übereinstimmend erklären verschiedene Beteiligte, dass die Zusammenarbeit zwischen Stadt und Bachgesellschaft inzwischen wieder sehr gut funktioniere.

Am 28. Mai hat der Bundesrat den Entwurf der Botschaft zur Förderung der Kultur in den Jahren 2016-2019 in die Vernehmlassung geschickt. Sie dauert noch bis zum 19. September. Der Bundesrat will damit nun den in der Volksabstimmung vom 23. September 2012 haushoch angenommenen Verfassungsartikel Musikalische Bildung im Rahmen des Kulturförderungsgesetzes umsetzen, anstatt dafür ein eigenes Musikgesetz zu schaffen.

Der Schweizer Musikrat (SMR) hat sich nun bereits öffentlich zu diesem Entwurf geäussert. In seiner Medienmitteilung vom 4. Juli schreibt er, die vom Bundesrat vorgeschlagene Umsetzung des Verfassungsartikels zur musikalischen Bildung sei über weite Strecken unbefriedigend. Nur wenige Regelungen, zum Beispiel die neuen Bestimmungen zur Unterstützung des Laienmusizierens oder die Schaffung des Programms «Jugend und Musik» seien positiv zu werten.

Hingegen erachtet es der SMR als problematisch, wenn Tarifermässigungen für einkommensschwache Familien und für talentierte Musikschüler, die mehrere Fächer belegen, nicht von Gemeinden oder Kantonen, sondern über allgemeine Tariferhöhungen an den Musikschulen ausgeglichen werden sollen. Er sieht damit die Chancengleichheit und den Zugang zur Musikschule für Kinder aus dem Mittelstand in Gefahr.

Der Bundesrat schlägt vor, für Kinder und Jugendliche bis zum Abschluss der Ausbildung auf der Sekundarstufe II Tarife anzubieten, «die unter den Erwachsenentarifen zu liegen haben». Diese Formulierung schätzt der SMR als gefährlich ein: «Mit der vorgesehenen Formulierung werden Tür und Tor für Tariferhöhungen geöffnet, eine Entwicklung, die die Existenz vieler Musikschulen in Frage stellt. Eine Gemeinde wäre de jure bereits mit einer Subventionierung von einem Prozent der Erwachsenentarife gesetzeskonform. Die Schweizer Musikschulen werden aktuell in einer Spannbreite von 15 bis 75 Prozent von der öffentlichen Hand subventioniert. Das Ziel, die angemessene Beteiligung der öffentlichen Hand am Musikunterricht an Musikschulen landesweit zu harmonisieren, wird mit dem Vorschlag in keiner Weise erreicht.»

Dass der Bund den Verfassungsartikel zur musikalischen Bildung im Kulturförderungsgesetz unterbringen will, wertet der SMR als «fatale Weichenstellung». Deshalb bleibt der SMR bei seiner zentralen Forderung: Der Bund habe «mit einer Rahmengesetzgebung eine Grundlage für kohärente Rahmenbedingungen über alle Bereiche (Schulen, Musikschulen und Laienverbände) der musikalischen Bildung zu schaffen, an denen sich die Kantone für die Breiten-, die Begabten- und die Grundförderung orientieren können».
 

Brönnimann hat an der Musikakademie in Basel und am Royal Northern College of Music in Manchester studiert. In Manchester amtet er auch als Gastlektor im Fach Dirigieren. Er unterhält eine enge Beziehung zum Auckland Philharmonia Orchestra, das er mindestens einmal jährlich dirigiert und mit dem er ein breitgefächertes Repertoire mit Solisten wie Midori und Brett Dean erarbeitet hat; und er feierte jüngst sein erfolgreiches Debut als Dirigent des Tasmanian Symphony Orchestra.

Bis Dezember 2012 war er musikalischer Leiter des Nationalen Sinfonieorchesters von Kolumbien in Bogotá. 2011 wurde er zum künstlerischen Leiter des norwegischen Ensembles für zeitgenössische Musik BIT20 ernannt.

Zentrales Anliegen des neuen künstlerischen Leiters Reto Bieri ist gemäss einer Pressemeldung des Davos Festivals die Öffnung und der Einbezug der Davoser Bevölkerung. So soll es auf drei «offenen Bühnen» kostenlose Kurz- und Spontankonzerte mit den jungen Festivalmusikern sowie Kindern und Jugendlichen der Musikschule Davos geben. Neu wurde der Davos Festival Kammerchor gegründet, der unter der Leitung von Andreas Felber unter anderem offene Singen für alle anbietet.

Neu wurde auch die Davos Festival Camerata zusammengestellt, ein Orchester unter der Leitung des Geigers Ilya Gringolts, das aus Studenten europäischer Hochschulen besteht. «Composer in Residence» ist Tigran Mansurian, in dessen Werken wie bei vielen andern Komponisten die Momente des Innehaltens eine wichtige Rolle spielen.

Für Leserinnen und Leser der Schweizer Musikzeitung bieten Davoser Hotels Spezialarrangements an. Interessierte melden sich bei den Hotels direkt mit dem Verweis: Leserangebot Musikzeitung – Davos Festival. Ein PDF mit entsprechenden Angeboten kann hier heruntergeladen werden.

Weitere Informationen zum Programm finden sich auf: www.davosfestival.ch
 

Der Chor Gais plant mit Piratical eine neue Musicalproduktion auf die Bühne zu bringen, die die Dimensionen seiner bisherigen Stücke weit übertrifft. «In Anerkennung der langjährigen Arbeit des Chors» und weil auch die Gemeinde eine namhafte Unterstützung leistet, hat der Kanton eine Defizitgarantie von 20‘000 Franken gesprochen.

Ein weiterer Beitrag gehe an den Tablater Konzertchor St. Gallen, der eine grosse Ausserrhoder Fraktion von Sängerinnen und Sänger habe, schreibt der Kanton. Im neu geplanten Projekt wird der in Teufen aufgewachsene und international erfolgreiche Bariton Manuel Walser mitwirken.

Weiter wird Philipp Langeneggers neue Lesereise unterstützt, mit der er – wiederum zusammen mit Werner Alder am Hackbrett und Maya Stieger an der Geige – im Spätherbst auf Tournee gehen wird. Sie trägt den Titel Narregmend und ist dem Appenzeller Sängervater Alfred Tobler gewidmet.

15‘000 Franken gehen an die Schweizerische Gesellschaft für Volkskunde (SGV), die sich mit der Archivierung, Digitalisierung und Erschliessung der Fotosammlung, die von den Anfängen der Fotografie in den 1840er Jahre bis in die späten 1980er Jahre reicht, ein grosses Projekt vorgenommen hat. Schliesslich hat der Regierungsrat dem Ankauf zweier Werke von Peter Stoffel zugestimmt.

43 weitere Projekte hat das Departement Inneres und Kultur zwischen Ende Januar und Anfang Juli 2014 mit insgesamt 92‘600 Franken unterstützt.
 

Tonalität ist ein zentrales Schlagwort in den Auseinandersetzungen über die musikalische Moderne. Verschiedene Parteien streiten sich über die Bewertung von Tonalität für die kompositorische Praxis des späten 20. und des frühen 21. Jahrhunderts – von einer Aufwertung zum Kampfbegriff über Weltanschauung bis hin zur völligen Negierung seiner Relevanz reichen die Positionen.

Diesem Spannungsfeld hat sich Ende Mai eine internationale Konferenz am Musikwissenschaftlichen Institut der Universität Basel gestellt; sie bildete die Fortsetzung der 2010 in North Carolina durchgeführten Tagung zum Thema Tonalität vor 1950. (Der Tagungsband ist 2012 unter dem Titel Tonality 1900–1950. Concept and Practice im Verlag Franz Steiner, Stuttgart, erschienen.) Nicht mehr nur von Konzept und Praxis der Tonalität war in Basel die Rede, sondern auch vom System Tonalität, von der Tonalität als Metapher, von Tonalität als Utopie, wie Wolfgang Rathert in seinem Eröffnungsvortrag konstatierte. Tonalität erscheint immer als Ergebnis von kulturell geprägten und gleichzeitig höchst individuellen Aneignungs- und Verwandlungsprozessen; und diese Prozesse zu analysieren machte sich die Tagung zum Ziel.

Ulrich Scheideler etwa legte dar, wie inhärent Tonalität für Hans-Werner Henzes Komponieren ist, wie blockartig isoliert oder auch mit einer doppelten Schicht überzogen die tonalen Inseln (oder Zitate) im atonalen Umfeld konzipiert sind. Wolfgang Rathert zeigte am Beispiel von Hindemiths Oper Harmonie der Welt eine Tonalität der Relationen: Hindemith gibt keine Intervallqualität an, sondern nur Tonbausteine, die zum Bau verschiedener Tonalitäten verwendet werden können. Hindemith versteht Tonalität als Funktionalität: Tonal ist jedes System, das in sich geschlossen ist; Atonalität ist dann anzuzeigen, wenn auf Funktionalität verzichtet wird – oder nicht hergestellt werden kann.
Die Aneignungsprozesse bekannter Komponisten wie Luigi Nono (trichterförmig auseinanderstrebende Allintervallreihen), György Ligeti (nichttonale Diatonik) und Leonard Bernstein (integrale Tonalität) waren genauso Thema wie einzelne, hierzulande wenig beachtete US-Komponisten. George Rochberg (1918–2005) zum Beispiel wendet sich nach einer atonalen und auch streng zwölftönigen Phase in seinem 3. Streichquartett zwischen polystilistischen Sätzen im 3. Satz einer totalen, fast schubertschen Tonalität zu – und handelte sich damit den Vorwurf ein, er habe die Ideale der Moderne verraten, wie Felix Meyer berichtete. Felix Wörner zeigte anhand von Thomas Adés’ Piano Quintet op. 20 aus dem Jahr 2000, dass sich auch in der neuesten Musik Tonalität ereignet, nämlich durch je neu zu entwickelnde Konstellationen und Beziehungen zwischen harmonischen Polen.

Wie kämpferisch um Tonalität und Atonalität zuweilen bis in die Feuilletons gerungen wurde, stellte Markus Böggemann dar und zitierte den Musikwissenschaftler Friedrich Blume, der noch 1958 Tonalität für eine elementare Eigenschaft der Musik hielt, die auf dem gemeinsamen Naturvorrat von Tönen beruhe.

In der Popmusik ist Tonalität die Basis, Atonalität das Abwegige; dennoch ist beides zu finden und nicht immer eindeutig zu klassifizieren. Simon Obert reflektierte, was Tonalität überhaupt bedeutet, wenn sich keine Kadenz, kein Leitton auf eine Dur-Moll-Tonalität beziehen lässt, wenn die Tonalität aus der Zyklizität von Akkordpattern besteht, die keiner harmonischen Logik folgen, sondern Akkorde lediglich in ein metrisches Gefüge anordnen (etwa bei Don’t Forget Me der Red Hot Chili Peppers von 2002), kurz: ob «Tonalität ohne Zentrum» denkbar sei.

Ulrich Mosch hielt fest, dass Tonalität grundsätzlich ein Zentrum als Bezugssystem bedinge, erst dadurch sei die tonale Harmonik in der Lage, weitaus grössere Zusammenhänge zu konstruieren als die atonale, serielle Musik. Doch allgegenwärtige Überflutung von Dur-Moll-Tonalität mache es nahezu unmöglich zu entscheiden, ob diese Art Tonalität nun einer Naturbasis gleichkommt oder eine kulturelle Überformung darstellt – womit schon ein mögliches nächstes Tagungsthema ausgesprochen wurde.
 

Die Zürcher Hochschule der Künste ZHdK, sowie zwei Departemente der Zürcher Hochschule für Angewandte Wissenschaften ZHAW (Soziale Arbeit, Angewandte Psychologie) ziehen im Verlauf des Sommers ins Toni-Areal nach Zürich-West. Nebst den beiden Hochschulen beherbergt das neue Toni-Areal die Sammlung des Museums für Gestaltung und den Musikklub Mehrspur. Während die ZHdK den grössten Teil des Flachbaus bezieht, liegen die Räumlichkeiten der ZHAW im 75 Meter hohen Turm.

Für die Öffentlichkeit finden am 27. und 28. September Tage der offenen Tür statt. Die Zürcher Hochschule der Künste weiht zudem am 25. Oktober das neue Domizil ein und lädt alle Kunst- und Kulturinteressierte zur Creative City – das ZHdK Fest ein.

Mehr Infos: www.toni-tage.ch

Der Titel von Martin Schlumpfs 2012 komponiertem Klarinettenquintett bezieht sich einerseits auf die fünf Sätze des Werks und nimmt andererseits Bezug auf den gleichnamigen Platz in New York City. Dieser war in den 1860er-Jahren Schauplatz von Kämpfen zwischen Einheimischen und irischen Immigranten, welche im Film The Gangs of New York von Martin Scorsese filmisch aufgearbeitet wurden. Martin Schlumpfs Musik kommt effektvoll, vielseitig und unterhaltsam daher, ist aber bei Weitem keine Filmmusik!

Der Komponist schreibt für die A-Klarinette und nutzt ihren Umfang sowohl in der Höhe wie in der Tiefe voll aus. Martin Schlumpf ist selbst Klarinettist und bewegte sich immer im Spannungsfeld zwischen improvisierter und komponierter Musik (Studium bei Rudolf Kelterborn und Boris Blacher), daneben war er lange Jahre Theorie- und Improvisationslehrer an der Zürcher Hochschule der Künste. Dieser breite Hintergrund spiegelt sich auch in seiner Musik. In The Five Points sind Anklänge an zahlreiche Komponisten und Stile auszumachen. Deklariert sind hier Anlehnungen an Brahms‘ Klarinettenquintett op. 115 in den Sätzen 3-5, die überraschend aufscheinen. Einzelne Abschnitte erinnern aber auch an Strawinsky, an anderen Stellen klingen folkloristische Tänze auf, welche sich zu improvisiert wirkenden, aber detailliert auskomponierten Passagen entwickeln. Das Werk hat insgesamt einen eigenständigen Charakter mit stellenweise expressiv gesteigertem Ausdruck.

Zu erwähnen ist der äusserst sorgfältig eingerichtete Notensatz, erschienen bei der Edition Kunzelmann. Die Interpreten werden durch einzelne Zusatzseiten zum Blättern sowie, wo nötig, durch Stichnoten der anderen Instrumente unterstützt. The Five Points ist dem Klarinettisten Matthias Müller und dem Galatea-Streichquartett gewidmet, die es uraufgeführt und 2013 auch für das Label NEOS (Nr. 21305) eingespielt haben.

Martin Schlumpf, The Five Points für Klarinette und Streichquartett, Partitur und Stimmen, Partitur und Stimmen, GM 1891, Fr. 89.00, Edition Kunzelmann, Adliswil 2014

Schnipsen, patschen, schlagen, stampfen, Hände reiben, klatschen. Auf und mit dem eigenen Körper. Das nennt sich Bodypercussion und ist in den letzten Jahren en vogue in der Schulmusik – gleich auf welcher Stufe, ob im Kindergarten oder in der Primar- und Sekundarschule. Es ist insofern eine einfache Sache, weil ohne Voraussetzungen zu erlernen und im Resultat motivierend für die Schülerinnen und Schüler. «Einfach» auch in dem Sinne, dass das Instrument, der Körper, immer mit dabei ist. Die Bodypercussion-Patterns hingegen können schon komplex sein. Mehrstimmige Arrangements mit vertrackten Bewegungsabläufen, das müssen zuerst auch die Lehrpersonen üben, bevor sie eine Gruppe zum Grooven bringen. Andererseits: Rhythmusunterricht kann auf einfachem Niveau beginnen und doch schnell zu Erfolgserlebnissen führen. Und es entspricht dem kindlichen und jugendlichen Bewegungsbedürfnis.

Am Anfang von BodyGroove stehen Warm-ups, einfach und schwungvoll. Up and down and left and right – let’s clap the same speed. Grundlegend ist und bleibt der Puls. Erst wenn der von alleine läuft, kommen Rhythmen dazu, bis der ganze Körper zum Schlagzeug wird. Als nächster Schritt folgen Melodien und Texte, die ihrerseits die Rhythmen stützen und illustrieren. Hier zeigt sich die Nähe der Bodypercussion zum Rap und zum Beatboxen. Die Texte der Arrangements dürften etwas anspruchsvoller, interessanter sein: «Das ist mein Stuhl, ja das ist mein Stuhl» – das wirkt etwas bieder, etwas aufgeräumt.

Vormachen – Nachmachen, das ist hier die natürlichste Lehrmethode. Aber nicht nur. Die «Tipps zu Erarbeitung» bringen Hinweise, wie dieses Muster variiert und erweitert werden könnte. Zum Beispiel kann auch mal ein Schüler Spielleiter sein. Oder die Schülerinnen und Schüler erfinden eigene Bodypercussion-Patterns. Die Aufführungsstücke, die wie die Kreisspiele, Kanons und Rhythmicals auf der DVD vorgestellt werden, zeigen, wie mans machen könnte. Dabei wird eine grosse Klangvielfalt sichtbar, die nur schon durch die verschiedenen Klatschtechniken entstehen. Let us play the Groove!

Von «einfach» über «mittel» bis «anspruchsvoll»: Das Buch von Maurizio Trové ist didaktisch geradlinig aufgebaut. Im ersten Teil werden die binären und ternären Rhythmen eingeführt sowie rhythmische Grundmuster und Klatschkombinationen vorgestellt. Grundpuls in den Füssen, Rhythmen in den Händen, Akzentuierungen, Klangerweiterungen durch verschiedene Schlagtechniken, Taktverschiebungen, Kombinationen aus 8er-, 6er- und 4er-Rhythmen, Polyrhythmik. Die Übungen werden laufend komplexer und anspruchsvoller. Gehirnhälften trainieren! Kopf, Hände und Füsse sind gleichermassen gefordert. Üben ist also angesagt – aber nicht nur: Die «Gruppenspiele» sorgen für Auflockerung und öffnen den Raum fürs Improvisieren und Interagieren. Das macht Spass, relax! Doch jetzt fängts erst richtig an. Die Klatschrhythmen werden auf dem Körper verteilt, es ertönen Brust-, Oberschenkel- und Wangenschläge, und durch die Vielfalt der Geräusche entsteht ein lebendiger Rhythmus, der zum Tanzen auffordert. Die Videoclips zeigen dies anschaulich und prägnant. Allerdings könnten sie etwas länger sein, damit der Leser die Möglichkeit erhielte, die Rhythmen zusammen mit den Clips zu üben. Eine Loopfunktion, die die Patterns endlos wiederholt, wäre hilfreich. Ebenso fehlt das Einzählen, damit man richtig startet.

Die Latin Grooves und die Pop/Rock Grooves im dritten Teil sind so arrangiert, dass sie gut zum Klassenmusizieren passen oder Chorstücke rhythmisch-perkussiv begleiten können. Hier und in den Arrangements des zweiten Teils zeigt sich, was Bodypercussion vermag: Mit Schwung und Fantasie die Klänge des eigenen Körpers entdecken. Dazu liefert das Buch vielerlei Anregungen.

Richard Filz und Ulrich Moritz, BodyGroove, Bodypercussion für Kinder und Jugendliche von 9-13 Jahren, HI-S6903, mit DVD (Video und Audio), Fr. 38.90, Helbling, Bern u.a. 2013, ISBN 978-3-86227-102-3

Maurizio Trové, Bodypercussion – Mein Instrument, 111 S., mit DVD, € 28.50, Academia-Verlag, St. Augustin 2014, ISBN 978-3-89665-627-8