Für ein gutes Proben- und Konzerterlebnis müssen Chorsänger ihre Stimmen üben. Die App «carus music» bietet nun einen neuen Zugang zum Kennenlernen, Erlernen und Üben von Chormusik – mit und ohne Notenkenntnisse. 

Die grossen Werke der Chorliteratur, die im Carus-Verlag sowohl als Aufnahme wie als Notenausgabe vorliegen, wurden für mobile Endgeräte optimiert: Die aufbereiteten Urtext-Noten der Carus-Klavierauszüge sind mit den Einspielungen synchronisiert.

Die Navigation funktioniert intuitiv: Jeder Takt kann direkt angewählt werden, ein synchron zur Musik durchlaufender Marker erleichtert die Orientierung, das Umblättern erfolgt nach Belieben entweder automatisch oder manuell. Als besonderes Feature bietet «carus music» einen Coach zum Erlernen der eigenen Chor-Stimme: Ist der Coach aktiviert, wird die jeweilige Chor-Stimme von einem Klavier mitgespielt und deutlich hervorgehoben – wie in der Chorprobe. Gleichzeitig üben die Sängerinnen und Sänger ihre Stimme im Gesamtklang von Chor und Instrumenten – wie im Konzert. Im Slow-Modus steht der Coach auch in reduziertem Tempo zur Verfügung; schnelle und schwierige Passagen können so leichter geübt werden.

Ab sofort ist «carus music» mit einer ersten Auswahl bedeutender Werke der Chorliteratur erhältlich. Die Werkliste wird kontinuierlich erweitert. Die App ist kostenlos, die Werke werden via In-App-Kauf erworben und stehen nach dem Download offline zur Verfügung. Zum Testen gibt es jeweils einen Chorsatz pro Werk kostenlos. 

Werkliste, Tutorial und Dowloadmöglichkeiten: www.carus-music.com/

Aufgrund grosser Nachfrage bietet Carus das Konzept nun auch auf CD an. Die Werkliste wird auch da kontinuierlich erweitert.

Musik wird gerne als eine universale Sprache charakterisiert. Bislang ist es jedoch nicht gelungen, in der Musik eindeutige Universalien, also Merkmale, die jeder musikalischen Äusserung in gleicher Art eigen sind, festzumachen. Das Team hat eine weitere Probe aufs Exempel gemacht – mit einer statistischen Analyse von 304 Musikaufnahmen aus aller Welt.

Wie die Autoren schreiben, konnten dabei keine absoluten Universalien festgestellt werden. Allerdings lassen sich statistische Allgemeinheiten angeben, die in allen Beispielen aus insgesamt neun berücksichtigten Weltregionen konsistent sind. Insgesamt identifizieren die Autoren dazu 18 individuelle Eigenschaften und 10 Eigenschaften, die in der Regel miteinander verbunden werden.

Die Eigenschaften umfassen Merkmale der Tonhöhenorganisation und der rhythmischen Struktur, aber auch Aufführungsmerkmale und soziale Kennzeichen. Am ähnlichsten erwiesen sich dabei die Funktionen von Musik als Mittel zur Koordination und zur Stärkung des Zusammenhalts von Gruppen.

Die Autoren der Studie betrachten ihre Resultate als einen guten Ausgangspunkt für weitere Forschungen zum Verständnis des Phänomens Musik unter Berücksichtigung globaler Kulturen.

Originalartikel:
http://www.pnas.org/content/early/2015/06/23/1414495112.abstract?sid=67c8f410-732c-4448-9502-f7b3db999d0a

Bohuslav Martinů, der seine letzten Lebensjahre in der Schweiz verbrachte und in Liestal starb, war einer der fruchtbarsten und vielseitigsten Komponisten des 20. Jahrhunderts. Sein breites, viele Gattungen umfassendes Schaffen enthält etwa dreissig Opern und Ballette, Lieder, Chorwerke, Kantaten, ein Oratorium, Symphonien, zahlreiche Orchesterwerke für grosse und kleinere Besetzung, mehr als dreissig Solokonzerte, an die hundert Kammermusikwerke in vielfältigen Besetzungen sowie eine Reihe von Werken für Soloinstrumente.

Aus dem Prag des frühen 20. Jahrhunderts, das noch unter einem starken Einfluss der österreichisch-deutschen Spätromantik stand, zog Martinů 1923 nach Paris und studierte Komposition bei Albert Roussel. Mit seinem symphonischen Rondo Halftime (1924), schloss er sich dezidiert der neoklassizistischen Avantgarde seiner Zeit an; die Werke aus der zweiten Hälfte der 1920er Jahre stehen vermehrt unter dem Einfluss des Jazz. In den 1930er Jahren reicherte Martinů seine Kompositionen mit lyrischen Elementen, insbesondere aus tschechischen und mährischen Volksliedern, an und entwickelte seinen konzertanten Stil weiter, der in seinem Doppelkonzert für zwei Streichorchester, Klavier und Pauken (1938), kulminierte.

Nachdem die deutschen Truppen in Frankreich einmarschiert waren, emigrierte Martinů nach Amerika. Das neue Umfeld ermöglichte es dem Komponisten, sich als Symphoniker voll zu entfalten. Die fünf zwischen 1942 und 1946 entstandenen Symphonien bestechen durch ihre ungezwungene melodische Einfallskraft, ihre rhythmische Frische und durchgeformten Konzeptionen. In den 1950er-Jahren gelang Martinů eine originelle Synthese der verschiedenen Stile seiner kompositorischen Entwicklung. Insbesondere nach seiner Rückkehr nach Europa im Jahr 1953 wurden seine Werke zunehmend vom Neo-Impressionismus geprägt.

Die Bohuslav Martinů Complete Edition ist ein gross angelegtes musikwissenschaftliches Projekt. Unter der Federführung des Bohuslav Martinů Institute werden die Werke in allen Fassungen und Bearbeitungen sowie neu entdeckte und bislang unveröffentlichte Kompositionen in wissenschaftlich-kritischen Ausgaben zugänglich gemacht.  

Die ersten Bände:

Series VI/2/1: The Epic of Gilgamesh, H 351, hg. von Aleš Březina, BA 10571, € 390.00, Bärenreiter, 2015

Series II/1/4: Symphony No. 4, H 305, hg. von Sharon Andrea Choa, BA 10572, € 335.00, Bärenreiter 2015

 

Im Finale fanden sich überdies das Beat Baumli & Jürg Morgenthaler Trio und die Gruppe Piri Piri. Die drei Bands traten nacheinander in halbstündigen Sets auf. Entschieden haben Publikum und Jury, zu der dieses Jahr erstmals auch Pepe Lienhard gehörte. Raphael Jost und seine Mitmusiker überzeugten laut der Mitteilung des Jazzfestivals mit hervorragendem Zusammenspiel, starker Bühnenpräsenz und abwechslungsreichen Programm.

Die Gewinner erhalten neben dem Award Gelegenheit zu Auftritten an Schweizer Festivals und in Jazz Clubs, unter anderem am Festival da Jazz in St. Moritz am 9. August 2015 und am Jazz Ascona 2016. Ermöglicht werden diese von den Organisatoren des Swiss Jazz Awards, dem SRF-Sender Radio Swiss Jazz und dem Festival Jazz Ascona, mit Unterstützung vom Migros-Kulturprozent und den teilnehmenden Jazz Clubs.

Der Swiss Jazz Award wird seit neun Jahren jährlich vergeben. Informationen zu den Gewinnern der letzten Jahre sowie zum Preis allgemein unter www.swissjazzaward.ch.

Der Programmaufbau des diesjährigen Berner Musikfestivals spielt unter dem Motto «Urknall» mit den heute gängigen kosmologischen Bildern des Big Bang und der Cosmic Expansion: Nachdem an den drei ersten Tagen des Festivals die geballte Energie in verschiedenen Programmen explodiert, so verhalten sich die Konzerte und Performances der zweiten Festivalwoche dazu wie die Bildung von einzelnen Galaxien und Sternen. 

Artists in Residence sind der Schlagzeuger Brian Archinal und das Ensemble This I Ensemble That. Der aus Denver, Colorado (USA) stammende Archinal hat sich seit seinem Abschluss an der Musikhochschule Basel als Solist und Dozent etabliert. Seit 2014 unterrichtet er Schlagzeug an der Hochschule der Künste Bern. Dort entsteht unter seiner Leitung ein Ausbildungsgang für experimentelle Interpretationsformen. 

Teil der «Urknall»-Konzertreihe ist auch das Mad Scientist Festival – ein internationales Festival für neue Showformate und Kunstprojekte rund um Wissenschaft und Forschung. In Anlehnung an den riesigen Teilchenbeschleuniger im Genfer Kernforschungszentrum Cern wird ein lokaler Club für zehn Tage zu einem «Collider» umgebaut, in dem Urknallforschung auf spielerische Weise fassbar wird, mit Gesprächen und Installationen, einem besonderen Bar-Angebot und einer «Scientific Arcade».

Mehr Infos: www.musikfestivalbern.ch
 

In den Fünfzigerjahren des vergangenen Jahrhunderts wurde die Orgel in der Basilika von Valère in Sitten (Wallis), diese möglicherweise älteste Orgel der Welt, von Maurice Wenger wieder ins öffentliche Bewusstsein gebracht. Nach der Restaurierung fand ab 1969 jährlich das Festival für alte Orgel (Festival international de l’orgue ancien et de la musique ancienne) statt. Nach 45 Jahren hat Maurice Wenger nun die Leitung in jüngere Hände übergeben; unter Véronique Dubuis findet im Juli und August die 46. Ausgabe statt.

Das als «mythisch» bezeichnete Instrument zieht Organisten aus aller Welt an, die es gerne einmal spielen möchten. Andererseits ist das Repertoire für ein so aussergewöhnliches Instrument eng limitiert, so dass die Gestaltung eines variierten Programms für sechs Abende eine Herausforderung darstellt. In diesem Jahr steht das Schlusskonzert im Zeichen der Feierlichkeiten zur 200jährigen Zugehörigkeit des Wallis zur Eidgenossenschaft. Neben traditionellen Volksweisen spielt Annerös Hulliger auch eine eigens für den Anlass geschaffene Komposition von Jean-François Michel: Valeria.

Programm und Vorverkauf: orgueancien-valere.ch/

Schon öfter gab es in Basel originelle Festivals mit Neuer Musik. So etwa den grandiosen «Europäischen Musikmonat 2001» oder Gidon Kremers «Les Muséiques», ein Festival, das hauptsächlich in Museen spielte. Nun haben sich Baselland und Baselstadt auf Initiative von Beat Gysin zusammengetan, um die «einheimische» Biennale ZeitRäume Basel zu realisieren. Gysin präsidiert den Verein Zeiträume, der das Festival verantwortet. An der Pressekonferenz vom 23. Juni in Laufen präsentierte Festivalintendant Bernhard Günther das vielfältige und spannende Programm

Das Konzept ist bestechend: Neue Musik erobert neue Räume und ein neues Publikum. Es überzeugt auch vom Qualitätsanspruch her. Namhafte Komponisten schreiben Stücke für unkonventionelle Konzerträume, wobei die Räume in die Kompositionen einbezogen werden. Und verschiedene Schulklassen und Musikschulen von Stadt und Land sowie Studierende der Musik-Akademie sind originell in die Produktionen eingebunden.

Insgesamt bespielen rund 1000 Beteiligte die beiden Basel, es werden an den vier Festivaltagen über 20 Innen- und Aussenräume akustisch ausgeleuchtet, darunter das Basler Münster inklusive Kreuzgang und Vorplatz, die historische Innenstadt von Laufenburg, das Volkshaus, die Bahnhofshalle Badischer Bahnhof, das Staatsarchiv, eine offene Halle im Rheinhafenareal, der Lachsländerhof, die Alte Aula im Naturhistorischen Museum und das Stadtcasino.

Besonders auffällig an dieser ersten Biennale ist die Durchmischung von Profis mit Laien, von internationalen Grössen und einheimischen Kräften. So findet man international führende Komponisten wie Georg Friedrich Haas, Dieter Schnebel, James Clarke, Karlheinz Stockhausen ebenso in den Programmen wie die Schweizer Künstler Beat Furrer, Daniel Ott und Edu Haubensak. Veranstalter wie das Sinfonieorchester Basel sind für einmal beteiligt an pädagogischen Konzepten für Grundschülerinnen und -schüler, Musikstudentinnen und -studenten. Dieses Miteinander, das sich an den unkonventionellsten Orten Basels klingend offenbaren wird, dürfte dem Festival einen grandiosen Sog geben.

Ein wichtiger Bestandteil dieses Musikfestivals sind die verschiedenen Klanginstallationen. So zeigt etwa das Schweizerische Architekturmuseum ab dem 4. September die Ausstellung Der Klang der Architektur. Der in Berlin lebende Komponist Peter Ablinger entwickelt dafür mit dem Elektronischen Studio der Musik-Akademie Basel in den Ausstellungsräumen ein speziell auf die Ohren zugeschnittenes Konzept.

Im Hinterhof der Musik-Akademie kann man Walter Fähndrichs Musik-Installation Sunset erleben, die den Innenhof in subtil auf den Ort abgestimmte Klangfarben taucht. Unbequeme Musik gibt es auf dem Theaterplatz mit einem «begehbaren Hörstück» von Peter Ablinger, das aus den Klängen der Stadt ein inszeniertes Erlebnis macht. Oder dann der geheimnisvolle Tunnel Spiral im Tunnel des Parkhauses City, in welchem junge Komponistinnen und Komponisten aus Basel eine interaktive Klanginstallation einrichten.

So werden die sonst oft als elitär geltenden Exponentinnen und Exponenten der Neuen Musik Alltagsräume erobern, wie an der Pressekonferenz in Laufen vier Schüler Alltagsgegenstände bespielten. Auf einem Wassereimer hockend machten sie orange Plastikeimer mit Holzschlägeln zu Schlagzeugen, eine dramaturgisch und konzentrationsmässig beeindruckende Leistung.

An der Biennale selbst werden unter der Leitung von Sylwia Zytynska zirka 300 Schülerinnen und Schüler mitmachen, die nicht nur das hübsche «Stetli» von Laufen akustisch besetzen, sondern auch die Freiestrasse in der Stadt Basel. Der anwesende Stadtpräsident Alexander Imhof zeigte berechtigten Stolz auf die Musikbegeisterung in den Laufener Schulen.

www.zeitraeumebasel.com

Der 1974 geborene Musiker Roman Mäder erhält – als Kunstfigur Cowboy Larry Bang Bang – einen Förderbeitrag in der Höhe von 20’000 Franken zur Realisierung eines Tonträgers, dessen Texte mit US-Klischees spielen. Der 1978 geborene Luca Ramella erhält einen Förderbeitrag in der Höhe von 17’000 Franken zur Realisierung eines Projekts als Parodie auf die italienische Popmusik.

Kanton und Stadt Schaffhausen verleihen seit 14 Jahren Förderbeiträge an Schaffhauser Kulturschaffende. Der Gesamtbetrag, der zur Vergabe zur Verfügung steht, beläuft sich auf 110’000 Franken. Die Bewerbungen werden von einem unabhängigen Fachkuratorium beurteilt und juriert. Die Förderbeiträge gehen in diesem Jahr überdies an den Schriftsteller Donat Blum (Literatur, 15’000 Franken), die Künstlerinnen Maya Bringolf und Corinne Gisel (je 20’000 Franken) sowie Edit Oderbolz (18’000 Franken). Auf Antrag des Kuratoriums gehen die Atelierstipendien 2016 an die Künstlerinnen Nora Dal Cero und Alexandra Meyer.

Wer hat an der Expo 1964 die Sinfonie für 156 Büromaschinen komponiert? Welche Kompositionen hat Igor Strawinsky am Genfersee geschrieben? Gab es nur in den Klöstern komponierende Frauen? Und was ist das Besondere an der Musik Arthur Honeggers?

Als Antoine-Elisée Cherbuliez, Professor für Musikwissenschaft an der Universität Zürich, 1932 die erste Musikgeschichte der Schweiz schrieb, gehörte Arthur Honegger noch zu den «jungen» Komponisten. Seither hat es keine selbständige Publikation zur schweizerischen Musikgeschichte mehr gegeben. Angelo Garovi betrachtet nun in zahlreichen knappen Kapiteln musikalische Themenkreise auf schweizerischem Territorium. Er beginnt bei der spätrömischen Wasserorgel von Avenches, thematisiert neben vielem anderen die Musik an den grossen Klöstern St. Gallen und Engelberg sowie am Konzil von Basel, spricht über liturgische Spiele im Spätmittelalter und die Festspielkultur im 19.und 20. Jahrhundert, über Minnesang und Kuhreihen, den Genfer Psalter und Glareans Dodekachordon. Auch die Schweiz als Gast- und Inspirationsland berühmter Musiker aus umliegenden Ländern spielt eine Rolle.

Angelo Garovi (*1944 in Sarnen) studierte Germanistik, Geschichte, Musikgeschichte und Orgel sowie Komposition bei Mauricio Kagel. Garovi war Musikkritiker in Luzern, Musikredaktor am Schweizer Radio SRF in Bern, Staatsarchivar des Kantons Obwalden und Professor für Deutsche Philologie an der Universität Basel. Er hatte Lehraufträge an verschiedenen Universitäten im In- und Ausland.

Angelo Garovi, Musikgeschichte der Schweiz,
mit Namensregister der Komponisten,
160 Seiten, illustriert, broschiert, Fr. 19.90,
Stämpfli, Bern 2015, ISBN 978-3-7272-1448-6

Gesundheitliche Beschwerden können heute in interdisziplinären musikermedizinischen Sprechstunden beziehungsweise in den Praxen der beteiligten Fachpersonen beurteilt werden. Ihre Störungen und Krankheiten lassen sich so gezielt behandeln. Letztere lassen sich dabei im Wesentlichen einteilen in musikerspezifische Krankheitsbilder sowie allgemein häufige Krankheitsbilder mit besonderer Bedeutung für Musizierende.


Krankheitsbilder sind musikerspezifisch, wenn die Symptome im direkten Zusammenhang mit dem Musizieren stehen. Nicht selten werden entsprechende Probleme auch bei Angehörigen anderer Berufe beobachtet, wenn ähnliche ergonomische Herausforderungen und psychologische Umstände vorliegen.


Die Fachpersonen streben eine möglichst präzise Diagnostik an. Sie schlagen dazu die in ihrem Fachgebiet üblichen diagnostischen und diagnostisch-technischen Abklärungen vor. Ihre musikermedizinische Kompetenz erlaubt ihnen die Analyse der prädisponierenden und der auslösenden Faktoren sowie die Erarbeitung eines therapeutischen Konzeptes. Leider werden Symptome von Betroffenen – zum Teil aus nachvollziehbaren Gründen – zu häufig verdrängt beziehungsweise verschwiegen, oder sie werden ohne Diagnostik mit teilweise untauglichen Mitteln behandelt.


Häufig müssen Intensität und zeitliche Staffelung des Musizierens angepasst werden. Ergonomische Anpassungen am Instrument sind in einem gewissen Umfang möglich. Arbeitsplatzanpassungen scheinen dabei deutliche Grenzen gesetzt. An kaum einem Arbeitsplatz eines Produktionsbetriebes arbeiten Menschen auf so engem Raum wie in einem Orchester. In keiner Bibliothek teilen sich zwei Leser ein Buch so wie sich zwei Musikerinnen ein Notenpult in heikler Distanz teilen. Zumindest im klassischen Musikbetrieb bestehen Kleidervorschriften, und kein Musiker erbringt seine Spitzenleistung so leicht bekleidet wie ein Langstreckenläufer, wie sehr er auch schwitzen mag.


Ein Hausarzt überweist einen 19jährigen Flötisten wegen Schmerzen in den Bereichen der Beugeseite des rechten Handgelenkes und der Streckmuskulatur am rechten Unterarm. Pro Tag spielt er 30 Minuten Klavier und 3 bis 4 Stunden Flöte ‒ mit einer Pause. Die Schmerzen verspürt er schon seit drei Jahren. Sie treten vorwiegend am Zweitinstrument Klavier auf. Die Beschwerden, inzwischen auch im Nacken, haben zwei Jahre zuvor mit Hilfe einer Craniosakraltherapie gelindert werden können. Nachdem die Vorgeschichte erhoben ist, wird der Flötist körperlich untersucht, und sein Spiel mit der Flöte wird mit einer Videokamera aufgenommen.


In einer zweiten Sitzung stellt sich der Musiker in der interdisziplinären musikermedizinischen Sprechstunde vor. Festgestellt werden eine muskuläre Insuffizienz im Bereich der Brustwirbelsäule sowie ein Überlastungssyndrom der rechten Unterarmmuskulatur. Eine dynamische Ultraschalluntersuchung schliesst ein dyna-
misches Karpaltunnelsyndrom – eine positionsabhängige Kompression des Nervus medianus durch Muskulatur – aus. Der Flötist erhält Empfehlungen hinsichtlich der Spielhaltung an der Flöte und für ein spezielles Coaching durch eine spezialisierte Therapeutin oder Pädagogin sowie Hinweise auf die Bedeutung von Pausenplanung und die präventive Wirkung körperzentrierter Techniken. Zur Behandlung der muskulären Insuffizienz am Rücken und der Unterarmmuskulatur verordnet ein Musikerarzt eine aktive muskelaufbauende Physiotherapie.


Muskuläre Überlastung
(overuse)


Sehnenprobleme


Chronische myofasziale
Schmerzen


Nervenkompressionen


Hypersensibilität der
Fingerkuppen


Fokale Dystonie


Hautirritationen und
-allergien


Kiefergelenk- und Zahn-
probleme


Glaukom


Innenohrfunktionsstörungen


Stimmbanderkrankungen

Das geplante Klanghaus soll den Kursort Seegüetli oberhalb von Unterwasser ersetzen, ein Angebot der Klangwelt Toggenburg schaffen und zum musikalischen und architektonischen Zentrum für Naturtonmusik werden. Als Klangwerkstatt mit einzigartiger Akustik soll das Klanghaus sowohl professionelle Musikerinnen und Musiker als auch Laien für Proben, Kurse, Forschung und Experimente anziehen.

Das Raumprogramm des Klanghauses Toggenburg umfasst vier akustisch spezielle Klangräume, die wie ein Instrument gestimmt werden können. Das Gebäude ist als integrale Holzkonstruktion geplant. Der Kanton plant als Bauherr das Klanghaus. Als Betreiber des Klanghauses ist die Klangwelt Toggenburg vorgesehen.

Die Gesamtkosten für den Bau des Klanghauses einschliesslich aller Vorbereitungsarbeiten belaufen sich auf 24,3 Millionen Franken. Davon werden 5 Millionen Franken durch Stiftungen und Gönner finanziert und vor Baubeginn rechtlich verbindlich sichergestellt. Für den Kanton verbleibt ein Kreditbedarf von 19,3 Millionen Franken. Entsprechend untersteht der Kantonsratsbeschluss dem obligatorischen Finanzreferendum. 

Das Projekt Klanghaus der Arbeitsgemeinschaft Meili, Peter Architekten und Staufer & Hasler Architekten stösst auch auf Interesse bei Privaten, bei möglichen Gönnerinnen und Gönnern sowie bei Stiftungen. Ein massgeblicher Teil der privaten Drittmittel sei  bereits zugesichert oder in Aussicht gestellt, schreibt der Kanton. Das Bauvorhaben werde erst in Angriff genommen, wenn die Mitfinanzierung im Umfang von 5 Millionen Franken durch private Geldgeber gesichert sei. 

Nach der Zuleitung der Botschaft an den Kantonsrat wird in der Septembersession die vorberatende Kommission bestellt. Die erste Lesung im Kantonsrat findet voraussichtlich in der Novembersession 2015 statt, die zweite Lesung in der Februarsession 2016. Stimmt der Kantonsrat dem Projekt zu, ist im Jahr 2016 die Volksabstimmung geplant. Bei einer Zustimmung durch den Souverän könnte im Jahr 2018 mit dem Bau begonnen werden.

«Die Tubisten spielen in den Niederungen der Musik, in Tonkatakomben, (…) sie sind halbblinde Tonwichte, sie sind die Bergmänner der Musik, der Fussabtreter des Orchesters.» Mit diesen Worten begann der deutsche Kabarettist Olaf Schubert seine humorvolle Präsentation des Echo-Klassik-Preisträgers 2013, des jungen Tubisten Andreas Martin Hofmeir, anlässlich des Konzertes zur Verleihung des benannten Preises im Berliner Konzerthaus. Der exzentrische Hofmeir, der wie die fast gleichaltrige Patricia Kopatchinskaja barfuss spielt, ist der typische Anti-Star, einer, der alles aufzumischen versucht, in allen Musik-Genres dabei ist und sich daher in keine Schublade stecken lässt: Orchestermusiker, Kammermusiker, Volksmusiker, Popmusiker, Kabarettist, Dozent am Mozarteum Salzburg. Also doch ein Star!

Die Kunst braucht solche Zugpferde, damit Neues entstehen kann. Und wenn einer dies für die «Bergmänner der Musik» in Angriff nehmen kann, dann Hofmeir. So erstaunt es nicht, dass dieser Ausnahmekünstler seinen ungarischen Tuba-Kollegen und Komponistenfreund Roland Szentpali gebeten hat, ein Werk für ihn zu schreiben, um Literatur für sein verkanntes Soloinstrument zu generieren. Szentpali, nur ein Jahr älter als Hofmeir, legte 2014 ein Werk in kurioser Besetzung vor – passend zum Kuriosum Hofmeir –, mit dem er Olaf Schubert Lügen straft: die Chill Fantasy für Tuba, Klavier, Schlagzeug und Streichquintett. Hier wird dem Solisten alles abverlangt, und die Tuba entpuppt sich als ein höchst akrobatisches, agiles und zu unglaublich hohen Tönen fähiges Soloinstrument. Die jazzige Grundausrichtung des Stücks wird durch die Möglichkeit zur freien Improvisation (für Tuba und Klavier) über Jazzharmonien unterstützt, wobei der Komponist für «Nicht-Jazzer» jeweils eine auskomponierte Version anbietet. Ein Solostück für Tuba also, das nur in seiner Dreisätzigkeit einer gewissen Klassiknorm entspricht, ansonsten wohl eher als musikalische Kneipp-Kur zu verstehen bzw. zu geniessen ist – barfuss natürlich!

Roland Szentpali: Chill Fantasy for tuba, piano, drum set and string quintet, TU185; Partitur und Stimmen Fr. 78.00; Orchesterpartitur Fr. 42.00; Editions Bim, Vuarmarens 2015

Das grosszügig gestaltete Heft richtet sich an junge Primarschulkinder im Einzel- oder Gruppenunterricht. Die meisten Liedtexte stammen – selbst bei bekannten Volksweisen – vom Autor selbst und beziehen sich in irgendeiner Form auf den musikalischen Inhalt. So gefallen sich Gabi Gans und Günter Geier auf der g-Saite, während Doris Dackel auf der d-Saite dauernd an den dicken Dieter Dachs denkt. Alle Melodien wollen also nicht nur gespielt, sondern auch gesungen werden.

Für fast alle Stücke steht jeweils eine ganze Seite zur Verfügung, sodass trotz grafischen Hilfen, mehrstimmigen Arrangements, zusätzlichen Lehrer-Begleitstimmen und farbigen Illustrationen die Übersicht immer gewahrt bleibt. Jeder Gitarrensaite ist eine bestimmte Farbe zugeordnet. (Im Unterricht können parallel dazu entsprechende Leuchtstifte eingesetzt werden.) Mit grosser Sorgfalt und didaktisch durchdacht werden die Kinder mit ihrem Instrument in die Welt der Töne, des Rhythmus und der Liedbegleitung eingeführt. Nach einer ersten Phase des Daumenspiels auf den Tönen g–d‘ wird der angelegte Wechselschlag gezeigt. Als Begleitung dienen reduzierte Akkorde, die mit dem Zeigefinger auf den drei Melodiesaiten geschlagen werden. Daumen und Wechselschlag werden zu nicht-gleichzeitigem zweistimmigem Anschlag kombiniert, und ebenfalls im Wechsel mit dem Daumen – als Pendelanschlag – wird der «freie» Anschlag des Zeigefingers vorgestellt.

Die relativ rasche Einführung verschiedener Anschlagstechniken eröffnet verschiedene Kombinationsmöglichkeiten im Zusammenspiel der Gruppe. Aber auch für den Einzelunterricht bietet der Band attraktives Material. Die Reihenfolge der zu lernenden Töne folgt keinem bestimmten Schema, sondern ist pragmatisch auf die Eigenheiten des Gitarrengriffbretts abgestimmt. So lernen die Schülerinnen und Schüler zwar das dis‘ und das gis‘ kennen, dafür fehlen einige tiefere Stammtöne; ein passender Anschlusslehrgang eines anderen Autors dürfte gar nicht so leicht zu finden sein. Wir warten deshalb gespannt auf einen zweiten Band!

Burkhard Wolters, Alles Gitarre!
Schule für Gruppen- und Einzelunterricht;
ohne CD: ED 21710, € 14.00;
mit CD: ED 21710-50, € 19.50;
Schott, Mainz 2014