Wie das Bundesamt für Kultur mitteilt, wurde die erste Fassung aus dem Jahr 2012 um 34 Einträge auf 199 erweitert, wobei in erster Linie lebendige Traditionen in den Städten berücksichtigt wurden.

Im musikalischen Bereich gibt es folgende Neueinträge: Chlefele, Naturjodel und Jodellied, Open Air-Festival-Kultur, Volksmusikpraxis in Graubünden oder Zürcher Technokultur.

Weiter schreibt das BAK: «Wie bei der ersten Inventarisierung arbeiteten bei der Aktualisierung der Liste Bund und Kantone zusammen. Der Bund koordinierte das Gesamtvorhaben mit fachlicher Unterstützung der Hochschule Luzern. Die Kantone identifizierten ihre lebendigen Traditionen und machten knapp 90 Vorschläge für die nationale Liste. Dabei griffen die Kantone auch Vorschläge aus der Bevölkerung auf. Eine Steuergruppe diskutierte diese Vorschläge und traf eine Auswahl. Der Steuergruppe gehören Vertreterinnen und Vertreter des Bundes, der Kantone, der Städte, der Schweizerischen UNESCO-Kommission, der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie wissenschaftliche Fachpersonen an.
Gegenwärtig bereiten Fachpersonen im Auftrag der kantonalen Kulturstellen die Dokumentationen zu den lebendigen Traditionen auf der Liste vor. Im Frühjahr 2018 wird die aktualisierte Liste als Web-Inventar mit umfassender Dokumentation veröffentlicht.»

 Gewonnen haben je einen Preis in der Höhe von 8000 Franken die Klarinettistin Shuyue Zhao und der Pianist Igor Andreev. Shuyue Zhao studierte an der Hochschule der Künste Bern bei Ernesto Molinari. Sie verbrachte sieben Jahre in New York an der Juilliard School bei Charles Neidich. Igor Andreev begann seine Ausbildung am Konservatorium in Sankt Petersburg. Seine Studien hat er an der Hochschule der Künste Bern in der Klasse von Tomasz Herbut fortgesetzt.

Ihr Masterstudium in Specialized Music Performance Klassik ebenfalls erfolgreich abgeschlossen haben Simone Meyer (Violinklasse Bartek Niziol), Grigory Maximenko (Violaklasse Patrick Juedt), Marek Romanowski (Kontrabassklasse Ruslan Lutsyk), Mischa Kozlowski und Harun Bugra Yüksel (Klavierklasse Tomasz Herbut) sowie Ruben Santorsa (Gitarrenklasse Elena Càsoli).

Der VBMS unterstützt den Kanton bei der Qualitätssicherung der Musikschulen, bei der Weiterbildung der Musikschullehrkräfte und Schulleitungen sowie bei der Abrechnung der Kantonsbeiträge.

Der Kanton und die Gemeinden unterstützen laut kantonalem Musikschulgesetz «die anerkannten Musikschulen mit Beiträgen an Unterrichtseinheiten, die besucht werden durch zugelassene Musikschülerinnen und Musikschüler ab Eintritt in den Kindergarten bis zum vollendeten 20. Altersjahr bzw. bis zum vollendeten 25. Altersjahr, wenn sie sich noch in Ausbildung befinden».

Die 29 anerkannten Musikschulen im Kanton Bern unterrichten laut der Erziehungsdirektion des Kantons insgesamt rund 20’000 Schülerinnen und Schüler.

Matthias von Orelli — Sommerzeit ist Semesterferienzeit. Trotzdem bieten die Schweizer Musikhochschulen ein reichhaltiges Programm, gehen aus den Schulen hinaus oder kooperieren mit Festivals, die im Sommer und Frühherbst stattfinden. Die Tour d’horizon soll neugierig machen, einzelne dieser Veranstaltungen zu besuchen.

Die Biennale Basel Plucks wurde im Jahr 2013 ins Leben gerufen und wird in diesem Jahr unter der künstlerischen Leitung von Peter Croton zum dritten Mal in den Räumlichkeiten der Musik-Akademie Basel stattfinden. Das Ziel dieses Festivals besteht darin, die Reichhaltigkeit und Vielfalt der Basler Meister und Talente der zupfenden Zunft zu illustrieren. Renommierte internationale Gäste runden das bunte und reichhaltige Programm ab, das 2017 unter dem Thema Collaborations stattfindet. Die Musik-Akademie ist mit ihren Musikschulen Basel und Riehen, dem Jazzcampus und den Musikhochschulen FHNW, Hochschule für Musik und Schola Cantorum Basiliensis geradezu prädestiniert für eine solche Biennale, denn neben den grossen Namen soll auch der Nachwuchs verstärkt mitwirken, eingebunden sein und auftreten können.

Basel Plucks, 27. September bis 1. Oktober an der Musik-Akademie Basel

Im September feiert die Musik-Akademie Basel ihr 150jähriges Bestehen und lädt als Höhepunkt am 23. September 2017 die ganze Stadt zu sich ein. Von morgens bis abends treten unterschiedlichste Formationen auf und lassen, interpretiert von Lehrpersonen, Dozierenden, Schülerinnen und Schülern sowie Studierenden, Musik aller Genres und Epochen erklingen. Am offiziellen Festakt in der Martinskirche werden Regierungs- und Akademievertreter zu den Gästen sprechen. Dabei wird eine Auftragskomposition des Jazzmusikers Guillermo Klein zur Uraufführung gelangen. Die Veranstaltung soll deutlich machen, was die Musik-Akademie seit 150 Jahren der Stadt Basel bringt: nämlich Musik, Musik, Musik.

Jour de Fête, Grosses Fest an der Musik- Akademie Basel, 23. September 2017

Die Hochschule der Künste Bern (HKB) arbeitet beim Programm HKB geht an Land mit kulturell interessierten Gemeinden des Kantons Bern zusammen und will so hinaus aus der Stadt. In diesem Jahr besucht die HKB das Vallon de Saint-Imier. Die Studierenden setzen sich mit der industriellen und sogar anarchistischen Vergangenheit der bernjurassischen Gemeinden rund um den Chasseral auseinander und erhalten die Gelegenheit, die Räume ehemaliger Fabriken zu öffnen und neu zu interpretieren und wiederzubele- ben. Die Projekte sollen auch Ideen für die zukünftige Nutzung der Industriebauten, die ihre Funktion vielerorts verloren haben, initiieren. Musikalisch kann man beispielswei-se Studierende der Klavierklasse erleben, wie sie russische und regionale Komponisten im unklassischen Rahmen des Schlachthofs von Saint-Imier interpretieren. Und auch die Lokalbevölkerung ist eingeladen, unter der Leitung von Dozierenden der Perkussion experimentelle Musik in diesen Räumen zur Aufführung zu bringen.

> hkbgehtanland.ch

Im Sommer starten zudem zwei Meisterkurse des Fachbereichs Musik der HKB. Im Juli mit Benjamin Schmid (Violine), Thomas Riebl (Viola) und Peter Bruns (Violoncello), im August mit den Low-Brass-Professoren Ian Bousfield (Posaune), Thomas Rüedi (Euphonium) und Rex A. Martin (Tuba). Die beiden Meisterkurse finden im Rahmen der Simmenklänge HKB talauf statt – eine äusserst fruchtbare Zusammenarbeit zwischen der Kulturförderstiftung Lenk und der HKB.

Lenk, 3 bis 7. Juli 2017 resp. 21. bis 26. August 2017

En ouverture de la saison 2017/2018, la Haute école de musique de Genève (HEM) présentera une production de Kiss me, Kate de Cole Porter, l’« ancêtre des comédies musicales » et un des plus grands succès musicaux de la période d’après-guerre. Une pièce qui réunit avec superbe le théâtre classique et celui de boulevard, alors que du côté musical, elle réunit l’opérette, le music-hall ainsi que la revue. Sous la direction artistique de Marcin Habela, la régie de Christian Räth et la direction musicale de Nader Abbassi, l’orchestre de la HEM accompagne les chanteurs des écoles de musique de la Romandie. Cette production de la HEM a vu le jour en collaboration avec le Théâtre du Galpon et de la Haute École de Musique de Lausanne (HEMU).

Théâtre du Galpon, Genève, du 15 au 24 septembre 2017

Dans le cadre de l’Académie d’orchestre annuelle de la HEM et de l’Orchestre de la Suisse Romande (OSR), l’orchestre de la HEM, enrichi de solistes de l’OSR, joue sous la direction du jeune Erik Nielsen, originaire des Etats-Unis. Les musiciens joueront des œuvres de compositeurs originaires de l’Iowa à l’instar de Nielsen : la Suite de ballet Billy the Kid d’Aaron Copland ainsi que la Symphonie n° 2 pour orchestre de Charles Ives. Ces concerts seront donnés dans le cadre de la série de concerts Prélude.

Victoria Hall, Genève, 19 octobre 2017

L’opéra inconnu Ascanio de Camille Saint-Saëns sera interprété à Genève pour la première fois dans sa version concertante sur la base du manuscrit original de 1888. Guillaume Tourniaire en assurera la direction musicale et l’orchestre de la HEM jouera accompagné par divers solistes internationaux.

Grand Théâtre de Genève, 24 et 26 novembre 2017

Die Kalaidos Musikhochschule wartet im Juli und September mit Konzerten an ungewöhnlichen Orten auf. Im Rahmen der Reihe Musik ver-rückt: Konzerte an ungewöhnlichen Orten erklingt etwa Klavier- und Kammermusik in der Firma Ernst Schweizer Metallbau in Hedingen. Oder die jungen Klavier-Studierenden Laetitia und Philip Hahn treten in der Bischofszell Nahrungsmittel AG auf. Ein Opern- und Operettenabend findet zudem im Hotel Blume in Baden statt.

Hedingen, 7. Juli 2017

Bischofszell, 3. September 2017

Hotel Blume Baden, 7. September 2017

Im August finden des Weiteren das Vorsingen für ein Masterstudium Performance oder ein Masterstudium Specialized Performance Gesang bei Christiane Oelze und Jan-Hendrik Rootering statt.

Winterthur, 22. August 2017

Dans le cadre de la collaboration entre le Montreux Jazz Festival et la Haute Ecole de Musique de Lausanne (HEMU), l’HEMU Jazz Orchestra interprète un programme intitulé V comme Vian, un hommage au célèbre écrivain poète français Boris Vian, qui fut l’une des figures emblématiques du jazz parisien des années cinquante. Les arrangements musicaux sont l’œuvre de Philip Henzi, professeur au département Jazz de la HEMU, avec l’appui de Florian Marques, d’Yves Marcotte et de Matthieu Durmarque, tous étudiants en classe Master de composition. L’interprétation de ces pièces par les jeunes musiciens de l’HEMU Jazz Orchestra apporte, sans même retoucher ni paroles ni les notes originales, un nouvel éclairage sur la musique de Boris Vian. Les œuvres transpirent le talent extraordinaire de Vian, son penchant pour l’absurde et sa passion pour le jazz de Duke Ellington.

Hôtel des Trois Couronnes, Vevey, 1er juillet 2017

Les concerts interprétés par les élèves de l’HEMU dans le cadre des concerts gratuits Music in the Parc sont également le fruit de la collaboration avec le Montreux Jazz Festival.

L’enseignement de musiques actuelles fait partie du programme de l’HEMU depuis 2016. Le groupe The Hemulators propose un concert d’électro-rock ; il émane du travail d’élèves qui ont suivi ce cursus. La programmation intègre également un projet de funk soul avec Dave De Vita ainsi que la formation El Gran Combo Caliente, un projet musical aux sonorités afro-cubaines dédié aux grands maîtres de la salsa.

Parc Vernex, Montreux Jazz Festival, 4 juillet 2017

A inizio luglio è previsto a Lugano-Besso il concerto degli studenti del Conservatorio della Svizzera italiana che hanno ottenuto il Master of Arts in Specialized Music Performance e che suoneranno come solisti con l’Orchestra della Svizzera italiana. Sotto la direzione di Alexander Vedernikov, si esibiranno Charles Crabtree (corno), Ekaterina Valiulina (violino), Anton Jablokov (violino) e Daniel Tengberg (violoncello). 

Auditorio Stelio Molo RSI, Lugano-Besso, 3 luglio 2017, ore 20.30

Qualche giorno dopo si potrà assistere al concerto dell’Orchestra sinfonica del Conservatorio della Svizzera italiana accompagnata dagli studenti della Scuola universitaria di musica di Lugano. Sotto la direzione della maestra Xian Zhang, presenteranno il concerto per orchestra (Sz 116) di Béla Bartók e Scheherazade op. 35 di Nikolaj Rimskij-Korsakov. 

Chiesa San Francesco Locarno, 7 luglio 2017, ore 20.30; LAC Lugano, 8 luglio 2017, ore 19.00

In Altdorf findet in diesem Jahr wiederum das Festival Alpentöne statt, bei welchem die Hochschule Luzern – Musik als Kooperationspartner auftritt. In diesem Rahmen findet auch eine Hochschultagung zur Transkulturalität in der Musik unter dem Titel Volksmusik ohne Grenzen? statt.

Altdorf, 17. und 18. August 2017

Ebenfalls im Rahmen dieses Festivals wird ein internationales Hochschulmeeting mit Workshops und Konzerten von Studierendenensembles durchgeführt. Teilnehmer sind die Irish World Academy of Music and Dance aus Limerick, die Codarts-Hogeschool voor de Kunsten Rotterdam sowie das Institut für Jazz und Volksmusik der Hochschule Luzern – Musik.

Altdorf, 19. August 2017

Auch beim inszenierten Konzert Dies irae mit Musik von Heinrich Ignaz Franz Biber, George Crumb, Michael Hersch, Antonio Lotti, Jorge Sánchez-Chiong, Giacinto Scelsi und Galina Ustwolskaja kooperiert die Hochschule Luzern in diesem Jahr erneut mit dem Lucerne Festival. Es spie- len das JACK Quartet, das Ensemble der Lucerne Festival Alumni so- wie verschiedene Studierende der Musikhochschule Luzern. Das Konzept des Konzerts stammt von Patricia Kopatchinskaja, die auch die künstlerische Leitung des Konzerts inne-hat.

Luzern, 2. September 2017

An der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) wird die Zeit zwischen den Sommer- und Herbstferien mit der Summer School 2017 bereichert. Auf musikalischem Gebiet bietet der Kurs Interactive Creation & Notation – for sounds, visuals & live performance einen Einblick in Ko-operationsformen zwischen Musik, visuellen Künsten und szenischen Formen im Raum. Musikalische Settings zwischen Improvisation und Komposition werden durch Interaktion mit visuellen Medien und live Performance praktisch erkundet und erweitert. Der Kurs gibt Impulse, Werkzeuge, Notationsmöglichkeiten und gezieltes Coaching für den Einstieg und die Realisierung eigener Projekte, Kompositionen und Konzepte mit musikalischer, visueller und szenischer Interaktion.

ZHdK Zürich, 8., 9. und 10. September 2017

Ebenfalls im September findet das Festival ZHdK Highlights statt. Es ist der Versuch, ein «Best of» aus Semester- und Abschlussarbeiten aus allen Bereichen der Hochschule zu zeigen. Geboten werden Ausstellungen, Konzerte, Präsentationen, Aufführungen und Interventionen in acht Ausstellungs- und Aufführungsräumen im ganzen Toni-Areal, präsentiert von Studierenden und Abschliessenden des Studienjahres 2017 aus mehr als zwanzig Studiengängen.

ZHdK Zürich, 2. bis 23. September 2017

Beim Semestereröffnungskonzert unter dem Titel what’s now? präsentiert das Ensemble Boswil ein Programm mit rhythmisch-zeitlich differenzierten Werken von zwei ZHdK-Dozierenden (Isabel Mundry und Philippe Kocher) und von zwei Komponisten aus der klassisch-amerikanischen Avantgarde (John Cage und Elliott Carter).

ZHdK Zürich, 18. September 2017

Die Sache beginnt mit einem Donnerschlag hiess das Education-Projekt des Kammerorchesters Basel, des Chors des Gymnasiums Muttenz sowie der Klassen 2Ea und IBK 1f des Zentrums für Brückenangebote in Basel. Es war der Chorleiter und Schulmusiker Christoph Huldi, der dem Kammerorchester Basel die verwegene Idee vermittelt hatte.

Zusammen mit der Regisseurin Salomé Im Hof gingen über hundert Jugendliche in vierzig Workshops und zahllosen Intensivstunden der Frage nach, wie in verschiedenen Kulturen mit dem Tod umgegangen wird. Es entstanden tänzerische, szenische und musikalische Momentaufnahmen. Besonders fruchtbar war die Begegnung mit den Flüchtlingen, so meinte ein Gymnasiast zur Frage, was ihm am besten gefallen habe: «Die Zusammenarbeit mit der Brückenklasse! Mit Menschen kommunizieren, die türkisch, somalisch oder persisch sprechen. Das verbindet.»
 

Der Tod ist zweifellos ein «heisses» Thema, das die Jugendlichen zu bearbeiten und zu bewältigen hatten: Er ist nicht gerade der Favorit im jugendlichen Denken und Arthur Honeggers geniales Oratorium La Danse des morts auf einen Text von Paul Claudel, das 1940 von Paul Sacher in Basel uraufgeführt worden war, ist für Jugendliche eine schwierige Musik, wie Huldi im Gespräch erläutert.

Claudel hatte sich von Hans Holbeins Basler Totentanz-Zyklus inspirieren lassen und fügte eine Reihe alttestamentarischer Texte zusammen. Am Anfang des Oratoriums steht die Vision der Auferweckung Israels, in der Gott die herumliegenden Gebeine wieder lebendig macht. Ein instrumentales Donnergrollen, das am Anfang von Honeggers Musik steht, symbolisiert die Präsenz Gottes. Es gab dem Musiktheater-Abend auch seinen Titel.

Die Erschaffung der Welt, die Auferstehung des Volkes Israel und die christlich verstandene Auferstehung von den Toten vermischen sich zu einem grossartigen musikalischen Kunstwerk. Delikat für die jugendlichen Protagonisten war aber nicht nur das Thema des Zyklus, sondern eben auch Honeggers Vertonung. Rhythmisch heikle Motive, kontrapunktisch gearbeitete Sequenzen, vom Marsch bis zur bizarren Walzerrhythmik oder populäre Lieder wie Sur le pont dʼAvignon durchziehen das Werk; und dies bei einer komplexen harmonischen Struktur.

Wie gelang es Christoph Huldi, die jungen Menschen «bei Laune» zu halten? «Zum einen geniesse ich das Vertrauen der Schülerinnen und Schüler, die meine Projekte kennen», erklärt er. «Sie vertrauten darauf, dass es etwas Gutes ist, das wir planen. Zum anderen kombinierte ich dazu die Funeral Music for Queen Mary von Henry Purcell, eine klingende Chormusik, die gut und gern zu singen ist.»

Zweifellos eine gute Idee, denn lediglich zwei Schüler sprangen ab. Zudem gefiel diese «süffige» Chormusik hörbar nicht nur den Schülern, sondern auch dem Publikum. Purcells versöhnliche Musik aus jugendlichen Kehlen lockerte Honeggers Düsternis merklich auf. Damit erwies sich das rund einstündige Musiktheater als ein stimmiges, auf hohem Niveau gespieltes und gesungenes «Gesamtkunstwerk».
 

Foto: Daniel Nussbaumer

Eine beeindruckende Leistung vollbrachte Regisseurin Salomé Im Hof mit ihrer theatralischen Umsetzung des Stoffes. Sie liess das Geschehen an drei Tischen ablaufen, an denen das bizarre Tanzfest stattfand oder Völlerei betrieben wurde. Auf stringente Art dramatisierte sie Holbeins Darstellung, in der alle Menschen, unabhängig von Alter und Stand, vor dem Tod gleich sind. Hier standen nun verschiedene Kulturen dem Ende gegenüber, Gymnasiasten aus Muttenz und Klassenmitglieder des Zentrums für Brückenangebote in dezenten schwarzen Strassenkleidern.

Der mit rund 80 Personen besetzte Chor, postiert im Kirchenschiff und auf der Empore, kommentierte nicht nur das Geschehen, sondern vermittelte auch eine stimmige Raummusik. Perkussive Einlagen oder wild durcheinandergesprochene Sequenzen unterbrachen das eigentlich unerbittlich ablaufende Honegger-Oratorium. Die Konzentration und der Mut der jungen Menschen, sich mitten im Publikum zu bewegen, sorgten für einen spannenden Ablauf.

Das Kammerorchester Basel unter Leitung von Thomas Herzog und mit Christoph Huldi als Co-Dirigent legte sich ebenso mächtig ins Zeug wie die Solisten. Da war der erstaunliche Colin Rollier, der dem Récitant jugendlichen Elan einhauchte, und der Bariton Robert Koller, der mit etwas viel Vibrato das Lamento sang. Beklemmend gelang der Schluss von La Danse des morts mit einem schluchzenden und schreienden Chor, der im Pianissimo verebbte.

Doch anstelle des honeggerschen «Nichts» stand in dieser Aufführung ein wohltuend aufgeweichtes und persifliertes Ende durch den letzten Teil der Funeral Music von Purcell. Zu Thou knowest, Lord, the secrets of our Hearts flimmerte auf einer Leinwand ein Comicvideo, das tanzende und springende Skelette zeigte und dem Publikum ein Schmunzeln entlockte.
 

Foto: Christian Flierl

Manchmal ist es zu bedauern, dass die verrückten Zeiten experimentierfreudiger Chormusik der 1960er- und 1970er-Jahre vorbei sind, in denen mit Space-Notation, Improvisationselementen, Aleatorik und allen anderen möglichen Formen der Klangerzeugung neue Wege gesucht wurden. Im Vergleich dazu kommen Teile der heutigen Chormusik etwas stromlinienförmig, marktangepasst, austauschbar und erstaunlich traditionell, teils etwas leicht bekleidet daher. Der Vorwurf eines neoromantischen Stils ist daher nicht von der Hand zu weisen, und so mancher empfindet die flächige Kuschel-Atmosphäre der vielen sich stark wiederholenden Sekund-, Sept- und Non-Akkorde als musikalischen «Softporno».

Auf der einen Seite haben natürlich neue «Mystiker» wie Arvo Pärt, John Tavener oder Jan Sandström der Chormusik gegen Ende des 20. Jahrhunderts interessante neue Impulse gegeben. Auf der anderen Seite stehen die produktiven Pop-Stars unter den Chorkomponisten wie Eric Whitacre, Morten Lauridsen oder Ola Gjeilo, auf welche die oben zugespitzten Attribute schon eher angewandt werden können, die aber gleichzeitig einen gewissen Zeitgeist treffen mit ihrer filmmusikartigen Klangwelt. In diese Kategorie Chormusik, die bei vielen Chören und dem Publikum grossen Anklang findet, weil sie relativ leicht auszuführen ist, gut klingt und sich stilistisch in gemässigten Bahnen bewegt, gehören auch die Chorwerke des Schweden Mårten Jansson, des Briten George Arthur und des Deutschen Max Beckschäfer.

Von Mårten Jansson ist bereits eine grosse Anzahl an A-cappella-Werken für gemischten Chor, Männer- und Frauenchor im Bärenreiter-Verlag erschienen (vergl. Rezension SMZ 12/2014, S.19). Neu dazugekommen sind nun eine Missa brevis in der ungewöhnlichen Tonart es-Moll und eine Missa Popularis. Die Missa brevis ist konsequent für 4-stimmigen gemischten Chor gesetzt und steht in der Tradition der Kurzmesse (ohne Credo). Sie ist empfehlenswert, einfach zu bewältigen, und ihre prägnante Knappheit eignet sich sowohl für den gottesdienstlichen Gebrauch wie auch für die Integration in ein Konzertprogramm. Die Besetzung der Missa popularis ist Ikea-Baukasten-variabel: Sie kann aufgeführt werden mit Frauenchor (SSA) und Streichquartett oder gemischtem Chor (SSATB) mit Streichquintett. Sie hat ihre Wurzeln in der schwedischen Volksmusik und verwendet für jeden Satz einen anderen Tanztypus als Inspirationsquelle. So entsteht ein rhythmisch lebhaftes Stück von ca. 25 Minuten Dauer, das keine zu hohen Anforderungen an den Chor und die Streicher stellt.

Vom jungen preisgekrönten Engländer George Arthur sind bei der Universal-Edition Wien einige spannende kirchenmusikalische Werke neu erschienen. Ave maris stella und Ave Maria sind ruhige und klangschöne Meditationen für gemischten Chor im mittleren Schwierigkeitsgrad (mit teilweisen Stimmteilungen) auf diese berühmten und vielfach vertonten Texte. Dazu gesellen sich auch die kurze Motette All Angels und das pfiffige Arrangement des englischen Weihnachtsliedes I Saw Three Ships. Auf YouTube gibt es einige Hörbeispiele dazu, eingespielt von Chören unter der Leitung des Komponisten.
 

Ebenso bei der Universal-Edition erschienen sind die Fünf Weihnachtsmotetten für 4-stimmigen gemischten Chor a cappella von Max Beckschäfer, der im Vergleich zu den beiden anderen Komponisten einen etwas individuelleren Stil an den Tag legt. Sie erinnern teilweise an die Weihnachtsmotetten von Francis Poulenc, sind aber abwechslungsreiche kurze Stücke auf weniger bekannte lateinische Texte der Weihnachtszeit und bilden einen kleinen Zyklus von 10 Minuten Dauer. Eine interessante Alternative für ein abwechslungsreiches Weihnachtskonzertprogramm oder auch als einzelne Motetten im Gottesdienst.

Mårten Jansson: Missa brevis in es-Moll SATB, Chorpartitur BA 8521, € 4.95, Bärenreiter, Kassel 2016
id., Missa Popularis für Chor SSA (TB ad lib.) und Streichquartett (Kontrabass ad lib.), Partitur BA 7420, € 24,95; Klavierauszug, BA 7420-90, € 13.95

George Arthur: Ave maris stella, für gemischten Chor a cappella, Chorpartitur UE 21716, € 3.50, Universal Edition, Wien 2016
id., Ave Maria, für gemischten Chor a cappella, UE 21715, € 3.95
id., All Angels, für gemischten Chor a cappella, UE 21714, € 2.95
id., I Saw Three Ships, für gemischten Chor a cappella, UE 21717, € 3.50

Max Beckschäfer: Fünf lateinische Weihnachtsmotetten für gemischten Chor SATB a cappella, UE 37125–37129, je € 2.95–3.50, Universal Edition, Wien 2016

In einem der berühmtesten Gemälde der Biedermeierzeit, Carl Spitzwegs Sonntagsspaziergang, hält der Vater seinen Zylinderhut mit dem Gehstock in die Höhe. Man kann sich gut vorstellen, wie er beim nächsten idyllischen Rastplätzchen einen Csakan daraus hervornimmt und ein gefälliges Liedchen darauf bläst. Um 1800 kam diese in einen Spazierstock eingebaute Blockflöte in Mode, und Ernest Krähmer, Oboist der Wiener Hofkapelle, wurde deren wichtigster Virtuose und Pädagoge. Sein ganzes gedrucktes kompositorisches Werk ist dem Csakan gewidmet.

Krähmers 24 Solostücke in allen Dur- und Molltonarten von 1837 sind Preziosen frühromantischer Originalmusik für Blockflöte. Sie bilden inhaltlich das musikalische Repertoire Wiens jener Zeit ab, reihen sich aber in technischer Hinsicht in die in Mode gekommenen Instrumentalschulen ein. Anspruchsvolle Etüdenwerke sollten nicht mehr nur den Akkordinstrumenten vorbehalten sein. Durch die Verwendung von fingertechnisch ungünstigen Tonarten mit mehr als drei oder vier Vorzeichen sollen Geläufigkeit, schwierige Griffverbindungen oder Skalen und Dreiklänge durch alle Tonarten geübt, dabei aber auch der musikalische Geschmack geschult werden.

Krähmer ging mit seinen 100 Übungsstücken für den Csakan, denen die vorliegenden 24 Stücke entnommen sind, aber noch weiter: Sie enthalten detaillierte Vorgaben zu Artikulation, Klanggebung oder Dynamik und stellen nicht nur durch die Verwendung aller Versetzungszeichen und den grossen Umfang der Stücke hohe Anforderungen an das Spiel auf der Sopranblockflöte.

Ernest Krähmer: 24 Solostücke in allen Dur- und Molltonarten für Blockflöte (Flöte/Oboe/Violine oder andere Melodieinstrumente), hg. von Helmut Schaller und Nikolaj Tarasov, DM 1491, € 15.95, Doblinger, Wien 2016

Über die Vita des Komponisten Johann Christian Schultze (um 1740) ist nur wenig bekannt; lange Zeit wurde er aufgrund einer Verwechslung mit einem Namensvetter in der Vorklassik verortet. Auch sein überliefertes Werk ist überschaubar: fünf Ouvertüren-Suiten für zwei Blockflöten und Generalbass plus ein schon lange bekanntes Blockflötenkonzert. Diesem Œuvre ist nun ein weiteres Konzert hinzugefügt worden.

Klaus Hofmann legt das dreisätzige Konzert B-Dur als Erstausgabe vor. Wie dasjenige in G-Dur ist es im spätbarocken Stil gehalten. Der erste Satz beginnt mit einer heroischen Dreiklangsbrechung und besteht vorwiegend aus Skalen und Arpeggien, während der Streichersatz reduziert ist und keine hohen Ansprüche an das Orchester stellt. Der Mittelsatz, ein expressives Adagio, ist geprägt von einer Seufzermelodik in der über den Pizzicato-Achteln der Streicher schwebenden Flötenstimme. Überraschend endet es nach der frei zu improvisierenden Kadenz (für die es aber auch einen Vorschlag des Herausgebers gibt) in einem dramatischen Streichertutti, das wieder die Akkordbrechungen des ersten Satzes aufnimmt. Der rondoartige dritte Satz orientiert sich satztechnisch am ersten und fügt als neue Schwierigkeit grosse Sprünge in der Solostimme hinzu. Die spärliche Continuo-Bezifferung tritt nur in den Tutti-Abschnitten auf und wurde vom Herausgeber auch für die solistischen Partien ergänzt. Für Blockflötisten stellt dieses Konzert eine willkommene Bereicherung des Repertoires dar, auch wenn – oder allenfalls: weil – sich die technischen Ansprüche in Grenzen halten.

Johann Christian Schultze: Konzert B-Dur für Altblockflöte, Streicher und Basso continuo, hg. von Klaus Hofmann, Partitur, EW 986, € 21.80, Edition Walhall, Magdeburg 2016

Situation im Zug nach Salzburg: Eine Frau gegenüber liest in dieser Max-Lichtegg-Biografie, die ich gerade zur Besprechung erhalten habe – sie liegt zu Hause auf dem Tisch bereit. Als Tamino habe ich Lichtegg noch in Erinnerung, da war ich sechzehn. Als mein Gegenüber Kaffee holen geht, fragt mich eine der beiden Frauen vom Nebenabteil, was sie denn da für ein schönes Buch lese. Als ich den Titel nenne, lacht die andere auf: «Jesses, das war mein Jugendschwarm! Was haben wir da jeweils vor dem Stadttheater ausgeharrt, bis er nach der Vorstellung endlich herauskam!» Es gibt sie also noch, die Menschen, die den Tenor gekannt und für ihn geschwärmt haben. Aber dieser Fan hier ist schon weit über achtzig.

Lichteggs grosse Zeiten waren die Nachkriegsjahre bis 1960, als er überall seinen Tamino, Don Ottavio und Belmonte bot. Er hat aber auch 1951 im Stadttheater Zürich die Hauptrolle in der deutschsprachigen Erstaufführung von Igor Strawinskys Das Leben eines Wüstlings (The Rake’s Progress) gesungen oder in der Wiener Volksoper den «Schönen Hermann» in Paul Hindemiths Neues vom Tage. Populär wurde er allerdings durch seine Rollen in Operetten, und er blieb es bis ins hohe Alter dank seiner souverän durchgestalteten Liederabende, in denen er neben den Grossen – Schubert und Schumann – auch unbekannte Komponisten vorstellte wie den Hindemith-Schüler Bernd Bergel oder den Galizier Vesque von Püttlingen, der Dutzende von Heine-Liedern vertont hat. Dass Max Lichtegg auch das Libretto zu einer Cleopatra-Operette schrieb, die dann in der Spielzeit 1963/64 mit Musik von Johann und Joseph Strauss in Zürich aufgeführt wurde, dass er in den Kriegsjahren mit dem Flüchtling und nachmaligen Dirigenten Georg Solti als Begleiter am Klavier auftrat und dass er im hohen Alter noch witzige Lieder aus eigener Produktion (auf eigene Texte) sang, das sind interessante Details aus diesem vielschichtigen Sängerleben, das 1910 in Polen als Munio Lichtmann begonnen und als Max Lichtegg 1992 in der Schweiz geendet hat.

Alfred A. Fassbind schildert es mit vielen Details versehen und hat in Tabellen sowohl alle Rollen und Engagements als auch sämtliche Schallplatten-, Film-, Radio- und Fernsehproduktionen aufgelistet. Aus Wien, Berlin, Hamburg, San Francisco, Los Angeles u. a. sind Rezensionen und Theaterzettel eingefügt. Wenn der Autor nur nicht sein beinah lückenloses Archiv mit allen hübschen Briefdokumenten und lokalen Theaterzetteln ausgebreitet, sondern vieles weggelassen hätte, wäre es ein lesbares Buch mit einigen attraktiven Fotos und Dokumenten geworden.

Alfred A. Fassbind: Max Lichtegg – Nur der Musik verpflichtet, 560 Seiten, Fr. 36.00, Römerhof Verlag, Zürich 2016, ISBN 978-3-905894-31-8

Bereits beim Durchblättern des Heftes kommen mir die kurzen Unterrichtsstücke des tschechischen Komponisten Peter Graham (*1952, mit richtigem Namen Jaroslav Štastný) frisch entgegen, und das Notenbild mit seiner eigenwilligen Textur weckt sofort meine Neugier. Beim genaueren Studium offenbaren sich mir diese Stücke als faszinierende Miniaturen, die bei aller scheinbaren Leichtigkeit und Kürze grosse Ausdruckskraft haben. Einige von ihnen erweitern das Klangspektrum durch Pedaleffekte oder die Resonanz stumm gedrückter Tasten, und weiter melden sich Vorbilder wie Strawinsky, Debussy, Satie oder Janáček. Wie er im Geleitwort schreibt, ist Peter Graham nämlich überzeugt, dass Kinder unter entsprechender Anleitung klanglich und rhythmisch viel differenzierter unterscheiden können, als sie dies in gängiger Unterrichtsliteratur tun müssen. Darum nennt er seine Stückchen Subversive Etüden.

Die Herausforderung liegt darin, dass wir uns als Lehrpersonen mit den Schülerinnen und Schülern mitten hineinbegeben ins gemeinsame Entziffern und Entdecken. Durch Klatschen, Patschen und Klopfen und mit Hilfe indischer Rhythmussilben (taka, takita, takadimi) werden komplexe rhythmische Pattern gemeistert und erst dann, wenn die Vorstellung stimmt, aufs Instrument übertragen. Im Anhang gibt die Klavierpädagogin Iva Oplištilová wertvolle methodische Anmerkungen zur Erarbeitung der Stücke.

Peter Graham: Subversive Etudes für Klavier, BA 9585, € 17.95, Bärenreiter, Prag 2015

Konzertsaalorgeln fristen ein kümmerliches Dasein. Sie werden höchstens ein paar Mal im Jahr solistisch oder mit Orchesterbegleitung gestreichelt und geschlagen (toccare l’organo). Dennoch thront die Königin der Instrumente über den repräsentativen Sälen wie im bürgerlichen Salon das Buffet mit dem Rosenthal-Geschirr und dem Tafelsilber. Als «buffet» bezeichnen die Franzosen denn auch das Orgelgehäuse. Die alten Meister von Schnitger bis Silbermann bauten ihre Werke in ein geschlossenes, meist aus festem Eichenholz gezimmertes Gehäuse und gaben ihm auf dem Lettner einen «fermen Stand». Sie wussten weshalb. Denn der Klang muss sich hinter dem Prospekt erst sammeln, bevor er als Mischung von Pfeifen und Registern ins Kirchenschiff abgestrahlt wird. Selten so die modernen, weltlichen Orgeln, deren Pfeifenreihen an vorderster Front wie nackte Zinnsoldaten strammstehen.

Foto: Maxim Schulz /Elbphilharmonie

Bei Konzertsaalorgeln ist die spielbare Literatur auf knapp drei Jahrhunderte beschränkt. Alte Musik mit ihrer um einen halben Ton tieferen, gar mitteltönigen Stimmung ist darauf mit Begleitung nicht spielbar. So tragen Barockorchester ihre eigenen Truhenorgeln auch zur Aufführung von Händels Solokonzerten aufs Podium. Da ist die grosse Orgel zum «tacet» verurteilt; ebenso, wenn ein Tasten- und Pedallöwe wie Cameron Carpenter lieber auf der vorprogrammierten, eigenen E-Orgel als auf der Pfeifenorgel im Saal seine Eskapaden vollführt.

Das Basler Stadtcasino wie die Zürcher Tonhalle bekommen nach ihren Umbauten in den nächsten Jahren neue Orgeln. Die Vorgängerinnen haben schon nach wenigen Jahrzehnten ausgedient. Sie werden eher ersetzt, als erhalten. Kurz ist ihre Lebenszeit, kurz ist auch die Nachhallzeit in Konzertsälen gegenüber dem sekundenlangen Hall in Kathedralen. Eine Saalorgel kann also ihre Klänge vom Soloregister bis zum Tutti längst nicht in gleicher Weise räumlich entfalten.
 

Hamburgs neues Wahrzeichen, die Elbphilharmonie, leistet sich dank einer Stiftung des Unternehmers Peter Möhrle, der zwei Millionen Euro hingeblättert hat, eine 25 Tonnen schwere Riesenorgel. Ihre Pfeifenfronten sind in Form eines Quadrats von 15 x 15 Metern auf vier Etagen im Grossen Saal eingebaut. Sie sind wie die Fisk-Orgel in der Lausanner Kathedrale wahlweise mit alter und neuer Traktur spielbar. Hoch oben am Spieltisch beim Prospekt erfolgt die Verbindung von den Tasten zu den Pfeifen in mechanischer Traktur; unten auf dem Orchesterpodium mittels elektrischer Verbindung. Die fahrbare Konsole ist mit einer digitalen Steuerung ausgestattet. Sie erlaubt beliebig viele Voreinstellungen für die Registrierungen per Touchscreen, der wie eine Besteckschublade ausfährt.

Foto: Maxim Schulz /Elbphilharmonie

Bei 69 Registern ist alles da, was Organistenherzen in Tonhöhen von 16 bis 16 000 Hertz höherschlagen lässt. Die geheimnisvollen Namen reichen von einer Vox angelica über Principale major und minor, einer vierfachen Harmonia aetheria, einer aufschlagenden Orchesterclarinette, einem sechsfachen Nonencornett, einer 8-füssigen Stentorgambe bis zu den 32-füssigen Zungenregistern Trompete und Posaune im Pedal.

4765 Pfeifen geben den Ton an. Ihre Längen reichen von 1- bis 32-Fuss, konkret von 11 Millimetern für den höchsten bis fast 11 Metern für den tiefsten Ton. Für Wundernasen, Kinderhände und Blinde, die die Pfeifen anfassen möchten, sind sie gar beschichtet. Die Prospektpfeifen brüsten sich aber nicht an vorderster Front wie bei traditionellen Orgelgehäusen, sondern sind wie eine Königin aus Saba verschleiert. Erst beim Öffnen der Jalousieschweller erstrahlen sie im gleissenden Licht.

Den vier Manualen zugeordnet sind: Chorwerk, Hauptwerk, Schwellwerk, Solowerk und Pedal. Besonders stolz sind die Erbauer, die Bonner Firma Klais, auf das Fernwerk, dessen vier über dem Akustik-Reflektor eingebaute Zungenregister ihre Signale vom Firmament des Saals herab auf die Besucher ergiessen.
 

Wie klingt sie nun, die neue Klais-Orgel? Das konnte man ausgiebig testen während der sechsstündigen Orgelnacht, die den Hamburger Orgelsommer 2017 eröffnete, nachdem die lettische Titularorganistin Iveta Apkalna ihre Königin im Januar bereits vorgestellt hatte.

13 Organisten und 2 Organistinnen spielten und registrierten die Konzertsaalorgel nach allen Regeln der Kunst in Werken von Bach und Vivaldi über die Romantiker Mendelssohn, Franck, Pierné, Widor und den Klassikern der Moderne David, Eben, Reda und Messiaen bis zu einer Uraufführung von Wolf Kerschek. Originell die Jacobi-Organistin Kerstin Wolf, die bei den flimmernden Stücken des Franzosen Thierry Escaich, des Holländers Ad Wammes und des Südafrikaners Surendran Reddy auf der Orgelbank tänzelte und ihre Füsse wippen liess, als wollte sie mit der Königin Tango tanzen.
 

Unterschiedlich beurteilen die Spieler das neue Konzertinstrument. Die Kirchenorganisten müssen sich erst an die Elektronik gewöhnen. Die Klangkombinationen bewegen sich über die ganze Palette von leise bis laut, vom Säuseln im Pianissimo bis zum bedrohlichen Tutti bei offenen Schwellregistern. Alles ist «pomposo» herausgestrichen; die einzelnen Klänge sind heraushörbar. Es fehlt eine subtile klangliche Abmischung, was mit der kurzen Nachhallzeit von 2 Sekunden, aber auch mit der akustischen Ästhetik von Yasuhisa Toyota zusammenhängt. Durch die muschelförmig gestalteten Wände soll eine ebenmässige Durchhörbarkeit auf allen 2100 Plätzen bis zu den oberen Rängen der Weinberg-Architektur im 25 Meter hohen Saalrund erreicht werden. Die Überpräsenz hat ihren Preis. So strahlt die Orgel wenig klangliche Wärme aus. Die Kühle des akustischen Konzepts ist in den Raum projiziert wie eine gleichtemperierte Air Condition. Geradezu wehmütig sehnt man sich nach den alten Orgeln von Hus bis Cavaillé-Coll, auf denen die Literatur von der Renaissance bis zur Spätromantik gereift zur Geltung kommt und die Kirchenräume mit intonatorisch austariertem Glanz erfüllt.

Infografik Orgel (aus dem Pressedossier der Elbphilharmonie; Legende siehe unten)

Grafik: © bloomimages/Elbphilharmonie

Beschreibung: © Elbphilharmonie

Im Benefizkonzert von Youth Classics, dem Zürcher Förderprogramm für hochbegabte Kinder und Jugendliche, spielen diesmal auch sozial benachteiligte Kinder aus Paraguay mit. Sonidos de la tierra (Klänge der Erde) heisst die Initiative des Komponisten und Dirigenten Luis Szarán, der für in Armut lebende Kinder in diesem südamerikanischen Land eine unentgeltliche Musikausbildung und Konzerte organisiert. So auch am 22. Juni im Stadthaus Winterthur.

Die Idee ist nicht neu, aber sie greift auch hier: Kinder, die ohne Perspektive in Armut aufwachsen, lernen singen oder ein Instrument spielen und finden im gemeinsamen Musizieren Freunde und eine sinnvolle Beschäftigung. «Wer tagsüber Mozart spielt, wirft nachts keine Fensterscheiben ein», so das Bonmot von Luis Szarán, der selber aus Paraguay stammt. Der Direktor des Asuncíon City Symphonic Orchestra ist auch als Musikforscher tätig; die indigene Musik Paraguays ist ihm ein grosses Anliegen.
 

Mit Sonidos de la tierra hat Szarán in den letzten 15 Jahren ein soziales Netzwerk aufgebaut, das seinesgleichen sucht. Landesweit gibt es nun rund 200 kostenlose Musikschulen, über 17 000 Jugendliche wurden hier ausgebildet. In Paraguay wohnen knapp zwei Drittel der insgesamt 6,8 Millionen Einwohner in ländlichen Regionen, 28 Prozent leben in absoluter Armut und haben laut Definition der Weltbank weniger als 1,25 US-Dollar pro Tag zur Verfügung. Die Grundschule ist zwar gewährleistet, doch jede weitere Bildungs- oder Fördermöglichkeit ist unbezahlbarer Luxus.

55 Franken kosten Material und Arbeitszeit für eine neue Gitarre; 125 Franken sind nötig für eine Musiklehrerausbildung. Diese kleinen Summen machen einen grossen Unterschied. Sonidos de la tierra wird durch Spenden und durch die Organisation Jesuiten weltweit unterstützt. Szarán organisierte zunächst in 18 Dörfern Instrumente und stellte einen Lehrer an. Die Eltern sorgten für den Bau der Schule und sammelten Spendengelder, die Kinder wurden zu stolzen Instrumentenbesitzern, sie hatten regelmässig Unterricht und ein klares Ziel vor Augen. Ob im Chor oder im Orchester: Die Gemeinschaft macht stark.

Nun sind die Begabtesten unter ihnen in der Schweiz. Remo Schällibaum, Präsident von Youth Classics, ist selber öfter in Paraguay und initiierte dieses gemeinsame Benefizkonzert im Stadthaus Winterthur. Drei Jugendliche aus Paraguay können an der Master Class von Youth Classics auf der Musikinsel Rheinau teilnehmen. Hier treffen sich vom 17. bis 27. Juli hochtalentierte Kinder und Jugendliche aus aller Welt, um unter der Künstlerischen Leitung von Philip A. Draganov mit den Dozenten zu musizieren, zu improvisieren und sich auszutauschen.
 

Was die Jugendlichen aus Paraguay für das Konzert von zu Hause mitbrachten, war ein reizvolles Programm voller Überraschungen. Unter dem Motto «Barockmusik und indigene Kultur» spielte das 21-köpfige Orchester Werke der Jesuitenmissionare Domenico Zipoli SJ (1688–1726) und Martin Schmid SJ (1694–1772) sowie von unbekannten Komponisten, die damals in den «Reduktionen», den von den Jesuiten für die Einheimischen gebauten Dörfern, gewirkt haben.

Es war erstaunlich, mit welch rhythmischer Präzision und Agilität die Jugendlichen aus Paraguay die für unsere Ohren «traditionelle» Barockmusik spielten. Hier gesellte sich ein herzhaft prägnant singendes Vokalensemble mit vier weiblichen und drei männlichen Stimmen dazu, da ein weich und ganz entspannt spielender Solo-Flötist.

Und dann der Wechsel zur Musik des indianischen Komponisten Julian Atirahu, der aus der Ethnie der Guaraní stammte und im 18. Jahrhundert in einem Missionsdorf der Jesuiten in Paraguay ausgebildet worden war: eine klanglich flirrende, rhythmisch vital pulsierende Musik, geschickt arrangiert und von den Jugendlichen mit temperamentvoller Freude gespielt.
 

Die Harfe ist das Nationalinstrument in Paraguay, die 17-jährige Eva Natalia Gonzáles offenbarte sich als Virtuosin mit vitaler Ausdruckskraft. Und dann der erst 14-jährige Juan Sebastían Duarte mit seinem Bandoneon: virtuos, locker und von einer begeisternden rhythmischen Leichtigkeit. Der Funke sprang, das Publikum spendete herzhaften Applaus. Und wie der 63-jährige Luis Szarán als Dirigent den jugendlichen Geist elegant und mit sparsamer Gestik zum Blühen brachte, war einfach rührend.

Der zweite Programmteil wurde vom Youth Classics Orchestra unter der Leitung von Philip A. Draganov mit klassischer Konzertliteratur bestritten. Ob bei Bach, Haydn oder Grieg, die Solistinnen und Solisten zeigten ihr bravouröses Können in ausgewählten Sätzen. Was der erst elfjährige Schweizer Geiger Raphael Nussbaumer als jüngster von ihnen in Wieniawskis Scherzo-Tarantella op. 16 für technisch knifflige Kunststücke vorführte, war von einem anderen Stern. Im Schlussstück von Carlos Gardel (1890–1935) spielten beide Jugendorchester zusammen – ein Freudenfest auch fürs Publikum.
 

Foto: Michel Huber

Das Youth Classics Orchestra unter der Leitung von Philip A. Draganov am 22. Juni in Winterthur

Die Beiträge werden vom Département de la formation, de la jeunesse et de la culture (DFJC) an junge Musikprofis ausgerichtet. Zum ersten Mal wird die Unterstützung im laufenden Jahr ausgeschrieben. Dabei existiert eine Partnerschaft mit der Fondation romande pour la chanson et les musiques actuelles (FCMA), die die Unterstüzung weiterführen kann.    

Anträge stellen können Personen, die jünger sind als 35 Jahre, Waadtländer sind oder im Waadtland wohnen, ihre musikalischen Tätigkeiten seit mindesten fünf Jahren beruflich ausüben und sich dabei innerhalb professioneller Strukturen bewegen, das heisst, über ein Label, einen Verlag oder ein professionelles Management verfügen. 

Einsendeschluss einer Bewerbung ist der 1. August. Interessierte finden mehr Infos unter www.vd.ch/bourses-culture
 

Für die Schweizer Musikschaffenden seien die SRG-Sender ausserordentlich wichtig, schreibt die Suisa. Die Sender entdeckten ihre Musik und böten ihnen eine wichtige Plattform. Die gebührenfinanzierten Sender erfüllen einen Service-public-Auftrag, zu dem auch Unterhaltung, Musik und Kultur dazugehören. Gerade die SRG-Sender verbreiten Schweizer Musik aller Sparten und kommen gesamthaft auf einen Anteil von 20 Prozent Schweizer Musik – durchschnittlich mehr als doppelt so viel wie die Privatsender.

Die Urheberrechtsgesellschaft Suisa hat im letzten Jahr das beste Ergebnis ihrer Geschichte erzielt und kann 128,9 Millionen Schweizer Franken an die Komponisten, Textautoren und Verleger von Musik verteilen. Nach einem Kostenabzug auf den Abrechnungen an die Bezugsberechtigten von 12,37 Prozent verteilt die Suisa rund 88 von 100 Franken ihrer Einnahmen an die Komponisten, Textautoren und Verleger von Musik.

Die Generalversammlung hat in einer Ersatzwahl den Zürcher Komponisten und Orchestrator für Film- und Werbefilmmusik Jonas Zellweger in die Verteilungs- und Werkkommission (VWK) gewählt. Er ersetzt Alexander Kirschner, der vorzeitig zurücktritt. Die VWK besteht aus Suisa-Mitgliedern und beschäftigt sich primär mit Fragen zur Verteilung der Suisa-Einnahmen.

Der Berner Text-Autor und Komponist Polo Hofer erhält den diesjährigen Preis der Fondation Suisa in der Kategorie «Textautorinnen und Textautoren musikalischer Werke». Die Stiftung ehrt den Musiker Polo Hofer für sein Gesamtwerk als Text-Autor. Die Jury würdigte insbesondere die Beharrlichkeit, mit der Hofer seit 50 Jahren seiner Arbeit nachgeht. Auch mit 72 und trotz gesundheitlicher Rückschläge ist Polo Hofers Passion fürs Texten und Musikmachen ungebrochen. Songs aus seiner Feder sind zu Volksliedern geworden.