Mit dem Portal reagiert das MIZ «auf das starke Informationsbedürfnis vieler Anbieter in der musikalischen Integrationsarbeit». Die Erfahrungen vieler ehrenamtlich und professionell Tätiger zeigten, dass unter den Akteuren integrativer Angebote ein hohes Bedürfnis danach bestehe, erklärt dazu Stephan Schulmeistrat, der Leiter des MIZ. Zwei Jahre lang hat das MIZ die Entwicklung musikalischer Angebote für Geflüchtete intensiv begleitet. Erfahrungen, die die Akteure in ihrer Arbeit gesammelt haben, wurden dabei zum wichtigen Impuls für den Aufbau der neuen Plattform.

Neben praxisnahen Informationen gibt das Portal auch Anregungen für neue Angebote und deren Verwirklichung. Da das Portal aus den Bedürfnissen der Praxis heraus entwickelt und gestaltet worden ist, können Interessierte «aus einer überregionalen Sicht heraus verstehen, wie musikalische Integrationsarbeit in Deutschland aktuell funktioniert: Wer sind die Träger, wer die Anbieter, woher kommen Förderungen, welche Ziele haben die Projekte und welche Probleme können auftreten?»

Aufbauen konnte das MIZ bei der Entwicklung des Portals auf Erfahrungen mit der im Oktober 2015 bereitgestellten Plattform «Musik macht Heimat – Engagement für Dialog». Den Impuls dafür gaben die Mitglieder des Deutschen Musikrats, die die Resolution «Willkommen in Deutschland: Musik macht Heimat! Von der Willkommens- zur Integrationskultur» verabschiedeten.

Webseite: integration.miz.org

Der 37-jährige Tom Hellat studierte nach Klavierstudien in Versailles an der Universität Zürich Philosophie, Musikwissenschaft und Völkerrecht. Beim Aargauer Kuratorium, der Kulturförderstelle des Kantons Aargau, war er für klassische Musik und regionale Kulturveranstalter verantwortlich. Als Musikjournalist schrieb er für verschiedene Medien und publizierte eine Biographie über den Komponisten Peter Mieg.

Als Experte im Förderbereich Musik ist Tom Hellat zudem seit 2015 Mitglied der Kulturförderungskommission des Kantons Zürich. Mit seinem Bruder Rolf Hellat hat er das Strohhut-Label LeTom gegründet.

Heinrich Baumgartner wird nach sieben Jahren die Fachstelle Kultur im Spätsommer 2018 verlassen. In dieser Zeit hat er als Leiter des Förderbereichs Musik und ab 2013 als Verantwortlicher für die gesamte gesuchsbasierte Förderung die Förderpraxis der kantonalen Kulturförderung massgeblich mitgeprägt und weiterentwickelt.

Der 1976 in Neuenburg geborene Michel Vust wohnt derzeit in Zürich. Er arbeitet seit 2012 bei der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia als Verantwortlicher für die Förderung des digitalen Kulturschaffens. Für dieses hat er eigene Unterstützungssysteme entworfen. Von 2005 bis 2012 war er Co-Direktor des Neuchâtel International Fantastic Film Festivals (NIFFF). Er war auch für diverse Publikationen des Filmfestivals Locarno verantwortlich. Parallel dazu veranlasste er die Gründung eines Vereins, der das Fortbestehen des Neuenburger Konzertsaals «Case à Chocs» sicherte.

Vusts neue Aufgabe besteht darin, «Einrichtungen und Kulturschaffende bei ihren Vorhaben zu unterstützen und zu fördern». Ziel ist es, den Bekanntheitsgrad der Bieler Szene, die von Zweisprachigkeit geprägt ist, zu steigern. Er ist in Zusammenarbeit mit den rund dreissig Einrichtungen, die über einen Leistungsvertrag verfügen, für die Förderung kultureller Aktivitäten verantwortlich.

Punktuell unterstützt er in seiner neuen Funktion auch zahlreiche Kulturanlässe. Zusammen mit der Kulturkommission überwacht er die Mittelzuweisung für Werkbeiträge und für Ateliers im Ausland. Ferner verwaltet er mehrere Räume, die lokalen Kulturschaffenden zur Verfügung gestellt werden. In Zusammenarbeit mit der Kunstkommission kümmert er sich um die Weiterentwicklung und den Erhalt der städtischen Kunstsammlung.
 

Der böhmische Komponist Joseph Lipavsky (1772–1810), der auch als Klaviervirtuose bekannt war, erlernte das Klavier -und Orgelspiel in Königgrätz und war in Wien Schüler von Johann Baptist Vanhal und – wie es in einem Künstlerlexikon des 19. Jahrhunderts heisst – auch von Wolfgang Amadeus Mozart. Lipavsky durchlief eine für seine Zeit «nicht untypische Laufbahn eines aus Böhmen stammenden Pianisten-Komponisten», der, wie der Herausgeber Martin Skamletz im Vorwort schreibt, «ein Flair für die Variation von Opernmelodien mit kontrapunktischen Kenntnissen verbindet». In Carl Czernys Erinnerungen aus meinem Leben wird der Komponist noch in einem Atem mit Beethoven genannt, und tatsächlich besitzt die vorliegende Sonate concertante für Flöte und Pianoforte in G-Dur, bei der es sich um Lipavskys letztes Werk handelt, vom Gestus her eine gewisse Ähnlichkeit mit den Sonaten von Czerny und Beethoven: alle Sätze konzertant gehalten, das Klavier spielt lange Einleitungen und Überleitungen und auch das thematische Geschehen ist gleichmässig auf beide Instrumente verteilt.

Im ersten Satz, der in der Sonatenhauptsatzform komponiert ist, kommt bereits in der Exposition eine Passage in Es- Dur, die an Beethovens Geschöpfe des Prometheus erinnert, die aber recht schnell in die Dominanttonart D- Dur zurückmoduliert. Der zweite Satz beginnt mit einem schönen arienhaften Thema, das zuerst von der Flöte und dann vom Klavier vorgetragen wird, und erinnert an ein Opernduett, in welchem rezitativische Elemente in beiden Stimmen miteinander agieren. Der dritte Satz Rondo klingt sehr virtuos und wirkt beinahe witzig, so laufen die Sechzehntel-Kaskaden im ersten Teil motorisch durch beide Stimmen, was entfernt an eine schnelle Flötenuhrkomposition von Joseph Haydn erinnert. In einem mit Scherzando übertitelten Teil folgt ein grosses Klaviersolo, das thematisch von der Flöte aufgenommen wird, bevor in einem Dolce-Teil in D-Dur das Rondo-Thema wieder zum Tragen kommt.

Die Sonate ist für Hammerklavier und Traversflöte komponiert und, da die Tonart G-Dur gut liegt, sowohl auf der einklappigen als auch mehrklappigen Traversflöte gut spielbar. Selbstverständlich ist es genauso reizvoll, die Sonate, die durch ihre mannigfaltigen musikalischen Ideen besticht, auf modernen Instrumenten zu interpretieren.

Joseph Lipavsky: Sonate concertante in G-Dur, für Flöte und Pianoforte, hg. von Martin Skamletz,
hh420.fsp, £ 15.95, Edition HH, Oxon 2017

2016 veranstaltete das Ludwig-van-Beethoven-Institut der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien schon zum dritten Mal den Mauricio-Kagel-Kompositionswettbewerb. Dessen Zielsetzung besteht darin «Komponistinnen und Komponisten zu motivieren, Klavierstücke für den Unterricht zu schreiben, die sowohl die musikalische Sprache unserer Zeit widerspiegeln, aber zugleich für Kinder und Jugendliche spielbar sind.

Die Jury hatte dieses Mal aus 176 Stücken zu wählen, eingereicht aus 41 Ländern. Der erste Preis ging an den aus Indonesien stammenden Komponisten Matius Shan-Boone für seine Six Views from my Window. Den zweiten Preis erhielt der Brite Peter Yarde-Martin mit The Five Elements und einen dritten gab es für Sonetos aus der Feder des Spaniers Daniel Serrano Garcia. Allesamt junge Komponisten, die noch nicht dreissig Jahre alt sind.

Die preisgekrönten Stücke brachte nun die Universal-Edition in einem Sammelheft heraus. Man hätte die drei Preise durchaus auch in umgekehrter Reihenfolge verteilen können. Die Six Views from my Window sind zwar wirklich originell und vielgestaltig, für das Zielpublikum aber doch wohl eine Nummer zu gross. Auch machen umfangreiche Spielanweisungen den Zugang nicht leichter. Yarde-Martins Five Elements sind da schon handlicher. Allerdings sind seine Stücke gemessen an ihrer Substanz etwas zu weitschweifig und monoton geraten.

Das kann man von Serrano Garcias Beitrag nicht behaupten. Die sechs Sonetos bedienen die verschiedensten Klangräume und Notationstechniken. Unterbrochen werden sie von zwei Intermezzi (Barcarola I und II), die an Knappheit und Konzentration kaum zu überbieten sind. Zu lesen und zu lernen sind all diese Stücke ohne grösseren Aufwand. Das musikalische Erlebnis dagegen ist sozusagen umgekehrt proportional dazu. Eine nicht alltägliche Qualität!

Matius Shan-Boone, Peter Yarde-Martin, Daniel Serrano Garcia: K 2016 (Six Views from my Window, The Five Elements, Sonetos), UE 37110, € 17.95, Universal Edition, Wien 2017

Meinrad Schütter (1910–2006) gehört zu den eigenwilligsten Schweizer Komponisten und ist zeitlebens ein Aussenseiter geblieben. Er wurde in Chur geboren, studierte am Konservatorium Zürich, später bei Willy Burkhard und Paul Hindemith. Als Komponist blieb Meinrad Schütter jedoch weitgehend Autodidakt.

Ausgehend von seinen frühen Vorbildern Othmar Schoeck, Igor Strawinsky und Paul Hindemith setzte er sich unter dem Einfluss von Luigi Dallapiccola mit Reihentechniken auseinander und fand über neoklassische Tendenzen zu seiner eigenen Tonsprache, die keiner bestimmten Richtung zugeordnet werden kann. Dreissig Jahre lang wirkte Meinrad Schütter am Opernhaus Zürich als Ballett-Korrepetitor und Beleuchtungskapellmeister. Als Komponist hinterliess er ein umfangreiches Œuvre mit Orchesterkompositionen, Kammermusik, Lied- und Chorwerken sowie der Oper Medea. Mehr über ihn und sein Werk erfährt man auf der Website meinrad-schuetter.ch, die von der 2002 gegründeten Meinrad-Schütter-Gesellschaft betrieben und laufend aktualisiert wird.

Die Gommer Suite (Dix miniatures valaisannes) für Flöte, Violine und Viola entstand 1999 als Auftragswerk für das Bonner Trio Diletto Musicale und wurde von demselben im Rahmen der Gommer Abendmusiken in der kleinen Barockkirche von Niederwald uraufgeführt. Meinrad Schütter liebte das Goms, wo er oft seine Ferien verbrachte und bis ins hohe Alter Wanderungen unternahm.

Die zehn Miniaturen der Gommer Suite – der Komponist nannte sie scherzhaft seine «kleine Alpensinfonie» – sind in einer herben, farbig transparenten Tonsprache gehalten. Es handelt sich um eine die alpine Landschaft nachzeichnende Naturlyrik, komponiert im strengen Satz oder in fein strukturierten aufgelockerten Kanons mit kurz aufscheinenden kirchenmusikalischen Zitaten: Ein feste Burg und Adeste fideles. Auch der zu Schütter gehörende Humor fehlt nicht: im Schlusswalzer liess sich der Komponist von einem alten Kater inspirieren!

Von seiner Dauer (etwa zehn Minuten) und vom Schwierigkeitsgrad her eignet sich dieses Werk auch für interessierte fortgeschrittene Laien. Die kurzen und abwechs-lungsreichen Charakterstücke sind, im Unterschied zu anderen Kompositionen Meinrad Schütters, auch dem ungeübten Hörer leicht verständlich.

Die Ausgabe beim Berner Musikverlag Müller & Schade bietet Partitur und Stimmen ohne instrumentaltechnische Einrichtung. Wegen der Kürze der Sätze kann die Partitur mit ein wenig Basteln als Spielpartitur eingerichtet werden.

Meinrad Schütter: Gommer Suite, Dix miniatures valaisannes für Flöte, Violine und Viola, M&S 2354, Fr. 28.00, Müller & Schade, Bern 2016

Das Orgelbüchlein ist Bachs früheste Werksammlung mit pädagogischer Ausrichtung. Es besteht aus 182 Seiten mit Notenlinien, über denen 164 Titel von Chorälen eingetragen sind, von denen aber nur 45 als Orgelchoräle (und ein Fragment) musikalisch ausgeführt sind. Weil Bach aus bislang ungeklärten Gründen die Arbeit an diesem Kompendium abgebrochen habe, gilt das Orgelbüchlein als Torso. Felix Pachlatko, der frühere, langjährige Basler Münsterorganist, hat eine besondere Vorliebe fürs Zählen und für kombinatorische Spielereien. Ihm gelingt nun der Nachweis, dass die Seitenzahlen, die Ordnungszahlen und die Taktmengen der ausgeführten Stücke sowie die ersten Buchstaben sämtlicher Choralanfänge sich als Magische Quadrate darstellen lassen. Die unfertig erscheinende Formulierung der Titelseite ergibt umgerechnet sogar einen dreidimensionalen Magischen Kubus. Pachlatko berichtet, dass die Festlegung der jeweils gültigen Zahlen die grössere Herausforderung als die Berechnung der Quadrate selbst gewesen sei, und in der Tat musste er sein Material bisweilen am Rande der Spekulation zubereiten. Gleichwohl gelingt ihm der Nachweis, dass sowohl die unfertig erscheinende Gestalt der Gesamthandschrift wie auch der Bestand der ausgeführten Orgelchoräle auf Bachs minutiöser Vorausberechnung basiert.

Man mag zu solchen Zahlenspielen stehen, wie man will, aber es lässt sich nicht von der Hand weisen, dass hier Beziehungsnetze auf unterschiedlichen Ebenen ineinandergreifen, egal ob es sich dabei um hörbare oder symbolisch gedeutete Mengenangaben handelt. Die dadurch ermöglichten Einsichten in die Proportionierung des Gesamtbestandes wie auch seiner Teilreihen – Goldener Schnitt wie auch hälftige Teilungen – lassen nur den Schluss zu, dass das Orgelbüchlein (inklusive Fragment) ein in sich abgeschlossener Zyklus ist, der keinerlei Erweiterung geduldet hätte. Besonders interessant wird es, wenn aufgrund weitsichtiger Analysen die Stellungen vieler Orgelbüchlein-Choräle im Gesamtzyklus und deren konkrete Textbezüge mit ihren numerischen und figurativen Ausgestaltungen in Beziehung gesetzt werden; denn hier ergeben sich greifbare Ansätze für ihre musikalische Interpretation. Nur schade, dass Pachlatko diejenige Literatur zu anderen Werken Bachs, die seine Thesen durchaus stützen würden, nicht kennt und dass viele Formulierungen in Vorspann und Hauptteil ermüdend selbstreferenziell sind. Letztlich untermauern Pachlatkos Funde aber die Vermutung, dass Bach auch in Dimensionen dachte und in Kreisen verkehrte, die über die musikalischen und kirchlichen hinausgingen.

Felix Pachlatko: Das Orgelbüchlein von Johann Sebastian Bach. Strukturen und innere Ordnung, (Wissenschaftliche Beiträge aus dem Tectum Verlag, Reihe Musikwissenschaft, Band 9), 360 S., € 44.95, Tectum, Marburg 2017,
ISBN 978-3-8288-3898-7

«Sie haben nicht das Recht, uns ungeschützt der Kunst auszusetzen», beklagte sich einst eine Zuhörerin eines Konzerts mit moderner Orgelmusik, ohne zu ahnen, damit einem internationalen Kongress gleich den Titel geliefert zu haben, der solcher zeitgenössischen Kirchenmusik gewidmet war. Die Schweizer Musikzeitung hat in der Nummer 12/2015, S. 31, über ihn berichtet. Von Thomas Hürlimanns Festvortrag bis hin zu einem Gespräch über Lukas Langlotz‘ Uraufführung einer Kantate im Abschlussgottesdienst dokumentiert der hier angezeigte Band nun alle Beiträge des Kongresses – Referate, Workshops, Forschungskolloquien, Gottesdienste –, die Theologen, Historiker, Liturgiker und Kirchenmusiker zum Nachdenken und vielleicht auch Experimentieren anregen. Was ein Buch naturgemäss nicht wiedergeben kann, sind die eigens für diesen Kongress in Auftrag gegebenen Kompositionen.

Kirchenmusik ist ein weites Feld, weiter vermutlich als gottesdienstliche, aber vielleicht auch nicht ganz identisch mit geistlicher Musik. Kurt Martis Frage, «Ist Klang der Sinn?», diente darum als zweites Thema des Kongresses. So selbstverständlich man sie bejahen mag, so wenig selbstverständlich stellt sich das Verhältnis von Klang- und Wortrede, von Musik und Verkündigung speziell im Gottesdienst dar. Ihm widmen sich denn auch eine Reihe von Beiträgen. Gerade das Ungewohnte, oft Widerständige avancierter Kirchenmusik könnte, so eine Deutung, jenes Element sein, das die Aktualisierung des Evangeliums, ja vielleicht eines Transzendenzbezuges überhaupt sichtbar machen würde. Sie würde sich so jener Wohlfühlästhetik vieler heutiger Gottesdienste entgegenstellen, die Kirchenmusiker ihrerseits schwer goutierbarer Populär- und Trivialkultur aussetzt. Denn die Kirche hat die theologische und ästhetische Deutungshoheit und Normierungskraft verloren, und ihre Glieder, der Tradition der Psalmen und Kirchenlieder unkundig geworden, alimentieren sich mit den verschiedensten Musikstilen rund um den Globus. So steht die heutige Kirchenmusik in der Spannung zwischen zwei Polen: dem einer avancierten geistlichen Musik, die wie die zeitgenössisch weltliche einen eher begrenzten Hörerkreis anspricht, und dem einer oft verschlagerten religiösen Populärmusik, die ästhetisch wie liturgisch kaum satisfaktionsfähig ist. Wie die Kirchen diese Spannung bewältigen und ob Kirchenmusik nicht einfach in verschiedene Milieus zerfällt, dies bleiben offene Fragen. Zum Glück gibt es – dank engagierter Organisten und Organistinnen, Chorleiter und Chorleiterinnen – in vielen Kirchen Konzerte, die unbekannte geistliche Werke zu Gehör bringen, die über die Spätromantik hinaus weit ins 20. Jahrhundert hineinreichen.

Bleibt anzufügen, dass sich ein visuell interessierter Leser gerne einer etwas ansprechenderen Buchgestaltung ausgesetzt hätte.

Der Kunst ausgesetzt. Beiträge des 5. Internationalen Kongresses für Kirchenmusik, 21.–25. Oktober 2015 in Bern, hg. von Thomas Gartmann und Andreas Marti,
339 S., Fr. 40.00, Peter Lang, Bern u.a. 2017,
ISBN 978-3-034325-63-9

Die Leistungsvereinbarung mit dem MCS gilt erneut für fünf Jahre – von 2018 bis 2022. Die jährlichen Zahlungen des Kantons bleiben im Jahr 2018 unverändert bei 60’000 Franken, ab 2019 belaufen sie sich auf jährlich 80’000 Franken, da sich das MCS neu verpflichtet, zusätzliche Angebote in der Musikvermittlung insbesondere an Kinder, Jugendliche und Familien zu machen (Familien- und Schulklassenkonzerte) und die Anstrengungen zur Gewinnung neuer Publikumssegmente zu verstärken. Die Leistungsvereinbarung mit SHpektakel am Kraftwerk gilt erneut für vier Jahre – von 2018 bis 2021. Die finanziellen Beiträge von Kanton und Stadt Schaffhausen bleiben unverändert.

Weiter hat der Regierungsrat die Leistungsvereinbarung mit dem Festival Stars in Town erneuert. Wie bisher sollen die Beiträge des Kantons für die Förderung von Nachwuchsbands aus der Region Schaffhausen (Startrampe) und das Family Festival verwendet werden. Die finanziellen Leistungen des Kantons bleiben unverändert bei 50’000 Franken pro Jahr. Zusätzlich ist wie bisher eine Defizitgarantie für das Schlechtwetterrisiko von maximal 50’000 Franken vorgesehen. Die Leistungsvereinbarung mit Stars in Town gilt erneut für drei Jahre von 2018 bis 2020.

Schliesslich haben der Regierungsrat und der Gemeinderat Neuhausen am Rheinfall einen Nachtrag zur Leistungsvereinbarung mit der Cinévox Junior Company abgeschlossen. Die Leistungsvereinbarung mit der Cinévox Junior Company, welche professionellen Balletttänzerinnen und -tänzern aus der ganzen Welt eine ein- bis zweijährige Zusatzausbildung bietet, lief Ende 2017 aus. Die Cinévox Junior Company steht in einem Prozess der Evaluation der zukünftigen Entwicklung. Entsprechend wird vorerst die Leistungsvereinbarung verlängert bis zum Abschluss des laufenden Ausbildungsjahr für die Profitänzerinnen und Profitänzer Ende Juli 2018. Der Beitrag des Kantons beläuft sich neu auf 75’000 Franken.
 

Vom kommenden Schuljahr an haben musisch und künstlerisch begabte Gymnasiastinnen und Gymnasiasten in Solothurn neu die Möglichkeit, das Schwerpunktfach Musik respektive Bildnerisches Gestalten zu wählen. Bislang stand in der Sonderklasse ausschliesslich das Schwerpunktfach Wirtschaft und Recht zur Wahl. Für jene Schüler, welche aufgrund ihrer herausragenden musischen Begabung die Sonderklasse in Erwägung zogen, war dieses Fach jedoch wenig förderlich.

Jugendliche, welche die Matura anstreben und sich durch überdurchschnittliche sportliche Leistungen oder musisch-künstlerische Begabungen auszeichnen, können an der Kantonsschule die Sonderklasse «Sport und Kultur» besuchen. Im Gegensatz zu den Regelklassen verteilt sich der Unterrichtsstoff dieser Klasse auf fünf statt vier Jahre, wobei die Anforderungen dem regulären Maturitätslehrgang entsprechen. Diese Modifikation erlaubt es den Begabten, sich in ihren jeweiligen Disziplinen optimal weiterzuentwickeln.

Ben Vautiers Slogan «La Suisse n’existe pas» über seinen Beitrag zur Weltausstellung von 1992 in Sevilla sollte dem Publikum vor Augen führen, dass eine vielfältige und facettenreiche Schweiz sehr wohl existiert.

Dies unterstreicht auch Fabian Müllers Swiss Suite. Ursprünglich für Cello solo und Streichorchester komponiert, ist nun eine Fassung für Cello und Klavier resp. Orgel erschienen. Die musikalische Tour de Suisse widerspiegelt die Vielseitigkeit der schweizerischen Volksliedtradition und beinhaltet acht sich kontrastierende Weisen aus den vier Sprachregionen. Der Komponist variiert und erweitert diese kunstvoll und fügt der ebenso dankbaren wie anspruchsvollen Cellostimme einen elegant gesetzten Klavierpart bei.

Die technischen wie musikalischen Anforderungen sind unterschiedlich: Während Lueget, vo Berg und Tal, Zäuerli, der Gomser Walzer oder Dormi, dormi bel bambin von überwiegend lyrischem Charakter und damit leicht zu bewältigen sind, enthalten das romanische Spottlied Donna, Donna ve a chà, der Emmentaler Hochzeitstanz, die Musette jurassienne Là haut, sur la montagne oder die Tessiner Monfrina Marianon mehrere virtuose Passagen, die den versierten Cellisten bestimmt Freude bereiten und ihre Wirkung beim Publikum nicht verfehlen werden.

Eine heitere Komposition, die aufgrund ihrer raffinierten Verarbeitung durchaus ernst zu nehmen ist. Die Ausgabe beinhaltet eine CD-ROM mit der Einspielung der Suite mit der Cellistin Pi-Chin Chien und dem Pianisten Benjamin Engeli und enthält zusätzlich die Orgelbegleitung als PDF-Datei.

Fabian Müller: Suisse Suite, für Violoncello und Klavier/Orgel, EH 11779, mit CD-ROM, € 29.80, Edition Hug, Zürich 2017

Das Freiburger Institut für Musikmedizin hat eine äusserst informative DVD-ROM herausgegeben. Nicht nur der eigentliche Stimmapparat wird in anschaulichen und gut gegliederten Kurzpräsentationen unter die Lupe genommen, sondern viele damit verbundene Details werden übersichtlich in kurzen Filmsequenzen dargestellt. Die Vorgänge beim Atmen, Singen und Sprechen filmisch dargestellt zu sehen, ist um Vieles anschaulicher und leichter verständlich als das Studieren physiologischer Zeichnungen und Abbildungen, die das komplexe, weil dreidimensionale Modell des Atem- und Kehlraums nur begrenzt und vor allem nicht in seiner Funktion darstellen können.

Die DVD-ROM ist im Wesentlichen in drei Grossabschnitte gegliedert: Der Erste beschäftigt sich mit dem «Instrument Stimme». Hier gibt es Unterabschnitte über die Atmung, den Kehlkopf, den Vokaltrakt. Jeder dieser Abschnitte ist wieder in mehrere Unterkapitel aufgeteilt. Mit kernspintomografischen Aufnahmen und animierten 3-D-Modellen werden alle relevanten Vorgänge detailliert und anschaulich dargestellt. So können wir Sänger beim Singen beobachten, während begleitend verschiedene Aspekte kommentiert und erläutert werden, wir erfahren Details über Konsonanten- und Vokalbildung wie auch deren Schallausbreitung im Raum. Auch werden Informationen über Sprech-und Singatmung, messa die voce, subglottischen Druck und viele weitere interessante Details, die mit der Stimmproduktion verbunden sind, realitätsnah vermittelt.

Ein nächstes Kapitel widmet sich «stimmlichen Ausdrucksformen». Hier erfahren wir Näheres über die Prosodie (die musikalischen Elemente der Sprache), verschiedene Stimmgattungen und unterschiedliche Gesangsstile von Jodel über Kunstlied bis Pop und Musicalgesang. Wir finden Unterkapitel über Kinder- und Chorgesang, wie auch über Stimmäusserungen beim Lachen oder Weinen.
In einem letzten Kapitel kommt die Stimmwissenschaft zu Wort: Es stellt Untersuchungsmethoden, Vorgänge bei der Stimmmessung und Computerprogramme vor.

Für interessierte Sänger und Laien wie auch Gesangslehrer und Fachdidaktikstudierende ist diese DVD-ROM ein hilfreiches Tool, das wahlweise auf Deutsch oder Englisch in 160 Minuten umfassend und übersichtlich informiert!

Die Stimme. Einblicke in die physiologischen Vorgänge beim Singen und Sprechen, Freiburger Institut für Musikermedizin (Bernhard Richter, Matthias Echternach, Louisa Traser, Michael Burdumy, Claudia Spahn), DVD-ROM, 160 Min., Fr. 45.40, Helbling, Esslingen,
ISBN 978-3-86227-258-7

Vier Sinfonien Gustav Mahlers, die der Dirigent und Pianist Klaus Simon orchestriert hat, sind schon bei der Wiener Universal-Edition erschienen (1./4./5./9.). Die Sechste wird im März 2019 gedruckt. Nun hat das formidable Mythen-Ensemble Orchestral eine fantastische Einspielung der Vierten vorgelegt, die Mahlers Musik wie eine Essenz eindampft. Die vierzehn Instrumente (Streichquintett, einfach besetztes Holz, Horn, zwei Schlagzeuger, Klavier und Akkordeon) spiegeln nicht nur ohne Qualitätsverlust ein ganzes Sinfonieorchester wider, sondern bringen die speziellen Farben und Aromen der Musik wegen der fehlenden Füllstimmen noch stärker zur Geltung.

Simons Bearbeitung orientiert sich eng am Original. Akkordeon (Teodoro Anzellotti) und Klavier (Manuel Bärtsch) werden ganz dezent, manches Mal auch zur Klangschärfung eingesetzt. Deshalb klingt die perfekt abgemischte Aufnahme durchsichtig und intim. Im ersten Satz erinnert das Ensemble mit seinen süsslichen Streichern an eine Heurigenkapelle (grossartig: Andreas Janke, Violine 1, und Benjamin Nyffenegger,Violoncello). Der Wechsel zum grotesken Ton der Durchführung und ihrem Zusammenbruch ist deshalb umso beängstigender, ehe wieder ein ganz verbindlicher Ausdruck erreicht ist. Die kammermusikalische Dichte knüpft ein enges Beziehungsnetz. Jede Phrase spricht, jedes Motiv hat Plastizität. Dirigentin Graziella Contratto achtet auf die vielen Details der Partitur, behält aber immer auch den Blick fürs Ganze wie im weit ausgesungenen langsamen Satz. Und sie hat mit Solisten wie Antonio Lagares (Horn) oder Beat Anderwert (Oboe/Englischhorn) exzellente Bläser zur Verfügung, die diesem Mahler eine persönliche Note geben. Rachel Harnisch bezaubert im Finale mit ihrem dunkel schimmernden, schwerelos aufsteigenden Sopran und zeigt eine Innigkeit, die tief berührt.

In den fünf Liedern von Artur Schnabel aus Opus 11 und Opus 14 nach Gedichten von Richard Dehmel, Novalis, Stefan George und Josef von Eichendorff beglückt die Schweizer Sängerin einmal mehr als kluge Textdeuterin. Hochmusikalisch spürt sie Stimmungen nach und lässt in ihren weit gespannten Melodiebögen den poetischen Versen die Natürlichkeit. Contrattos behutsames Arrangement hat einen ganz verbindlichen Ton, mischt aber auch ein paar herbe Ingredienzen hinzu: Schnabels Lieder werden zu einer echten Entdeckung!