Die AKO hat an ihrer letzten Sitzung eine Stellungnahme zu den Kulturverträgen 2020-2023 der Regionalkonferenz Bern-Mittelland (RKBM) verabschiedet. Die Kommission begrüsst im Grundsatz die vorgeschlagenen Unterstützungsbeiträge für 15 Kulturinstitutionen. Positiv erachtet sie, dass die beiden im Mai 2018 neu in die Liste aufgenommenen Institutionen Swiss Jazz Orchestra Bern und Schlossmuseum Jegenstorf nun auch 4-jährige Verträge erhalten.

Mit der vorgelegten Kostenaufteilung und dem Festhalten an der bisherigen Regel von 12 Prozent Kostenanteil für die Regionsgemeinden ist die Kommission einverstanden. Ebenso mit der grösseren Mehrbelastung der Stadt Bern für 2020 und 2021 von je 47‘281 Franken aufgrund des vorgeschlagenen Abfederungsmechanismus für Härtefälle.

Weiter weist die Kommission darauf hin, dass in Zukunft bei der Zusprechung von Unterstützungsbeiträgen vermehrt auf die Unterscheidung zwischen Investitions- und Betriebskostenkosten der unterstützten Institutionen geachtet werden sollte. So wäre es sinnvoll, einen Mechanismus zu finden, mit dem auch die Sanierungs- beziehungsweise generellen Investitionskosten der Institutionen einer gemeinsamen Finanzierung – beispielsweise über einen Fonds – zugeführt werden könnten. Bisher erfolgte eine solche Mitfinanzierung der Gemeinden auf freiwilliger Basis, wie kürzlich bei der Sanierung des Stadttheater Bern. Dies erscheint der Kommission jedoch als nicht angemessen.
 

Fragen nach Macht, Position, Zugang und Repräsentation prägen die Produktion, Distribution und Rezeption von populärer Musik gestern und heute. In Nigerias Hip-Hop-Kultur führt die Globalisierung des Popmarktes etwa dazu, dass der freie Umgang mit Samples zu verschwinden droht: Der Druck, die internationalen Copyright-Regelungen zu übernehmen, ist zu gross geworden. Oder in Ägypten bleibt Musikerinnen und Musikern ohne Kreditkarte der Zugang zum Online-Musikmarkt verwehrt. «Diese Phänomene wissenschaftlich zu untersuchen und die komplexen Dynamiken darin aufzuzeigen, das ist das Ziel dieser Konferenz», so Hannes Liechti von der Hochschule der Künste Bern, Co-Organisator der Tagung.

Eine grosse Themenvielfalt und internationale Besetzung prägen das Programm. So werden nebst dem deutschsprachigen Raum Forschende aus den USA, der Türkei, Finnland und weiteren Ländern ihre Ergebnisse präsentieren. Den Beginn macht Jenny Mbaye, eine renommierte Musik- und Medienforscherin von der City University in London, die in der Keynote der Konferenz kosmopolitische Musikpraxen im urbanen Afrika thematisiert. Vorträge zum Eurovision Song Contest, zu Popmusik im postsozialistischen Kontext, zur Rolle von Musik nach der ägyptischen Revolution und zum Stellenwert von Musik für afghanische Flüchtlinge in Europa sind nur ein kleiner Auszug aus dem deutsch- und englischsprachigen Programm. Im Bestreben, die Kluft zwischen Wissenschaft, musikalischer Praxis und medialer Präsentation zu verringern, werden die Künstler Ali Gur Pir (Pakistan) und Umlilo (Südafrika) mit künstlerischen Interventionen auf die Vorträge reagieren. Die Installation «Arkestrated Rhythmachine Komplexities» des ARKollektive schliesslich macht die komplexe Verbreitungsgeschichte von Pop und Poprhythmen sowie deren technische Notwendigkeiten sicht- und hörbar.

Die Tagung wird organisiert in Zusammenarbeit der Hochschule der Künste Bern, dem Institut für Musikwissenschaft der Universität Bern sowie dem in Bern ansässigen Musikrecherche-Netzwerk Norient. Künstlerische Interventionen und eine Sound-Medien-Installation begleiten die wissenschaftliche Auseinandersetzung.

Mehr Infos: http://www.musik.unibe.ch/forschung/tagungen/poppowerpositions/index_ger.html

Ein schöner Ausflug in die englische Grafschaft Somerset gefällig? Der Arrangeur und Komponist Hywel Davies ermöglicht uns diese Reise mit dem Tenorsaxofon in die lebendige Vergangenheit der britischen Folkmusik. Er hat einige von Cecil Sharp gesammelte Volkslieder in gelungener Weise arrangiert und sie um frische und kreative Eigenkompositionen bereichert. Dieser Sammelband mit klangvoller und pointierter Klavierbegleitung – für Nichtpianisten gut zu meistern – ist für Schüler und Schülerinnen eine leicht zu nehmende Hürde mit grösstmöglichem Spassfaktor und birgt für die Lehrperson Erweiterungspotential im Bereich Improvisation auf der Basis der vorhandenen Thematik (Balladen, Sea Shanties und Work Songs).

Ebenso erfrischende Skizzen in der Besetzung Altsaxofon und Klavier sind die Three Latin Sketches von Mike Cornick. Die drei kleinen Stücke haben lateinamerikanischen Schwung, einen Hauch Melancholie von Blues und Tango und werden durch die geforderte Interaktivität den Zuhörerinnen und Zuhörern an Vortragsabenden viel Freude bereiten.

Weitere Trouvaillen lohnt es sich kennenzulernen, darunter das Stück des jungen Kompositionstalents Linus Köhring mit dem autobiografischen Titel Ein Wiener in Amerika. Dieses achtminütige Konzert für Altsaxofon und kleines Orchester befasst sich in klischeehaft-ironischer Weise mit der Musik der beiden Länder und endet laut Komponist mit einem «höllischen» Walzer.

Auf andere Art furios schliesst das Trio für Altsaxofon, Violine und Klavier von Aleksey Igudesman. Take It To Eleven ist eine sprühende, effektvolle Komposition, die der Balance zwischen Saxofon und Violine Rechnung trägt und ein beherztes instrumentales Spiel auf höherem Niveau erfordert.

Saxofonistisch noch anspruchsvoller ist die Suite von Fazil Say für Altsaxofon und Klavier, welche Nobuya Sugawa gewidmet ist. Hier werden Flexibilität im Umgang mit wechselnden ungeraden Metren sowie spieltechnische Fähigkeiten im Bereich Slap, Flatterzunge und Altissimo verlangt. Der Bogen über die sechs Sätze wird von improvisatorischen Ideen, musikalischen Partikeln und einer bildhaften freien Formgebung getragen. Diese Musik ist von Expressivität durchströmt und spiegelt in gewisser Weise auch die engagierte Geisteshaltung des Komponisten wider, die sich gegenüber einem befreiten Musizieren sehr offen zeigt.

Hywel Davies: Folk Roots für Tenorsaxofon und Klavier, BH 13309, € 17.99, Boosey & Hawkes, London 

Mike Cornick: Three Latin Sketches, Drei Konzertstücke im lateinamerikanischen Stil für Altsaxofon und Klavier, UE 21712, € 16.95, Universal Edition, Wien 

Linus Köhring: Ein Wiener in Amerika, Konzert für Altsaxofon und kleines Orchester, Klavierauszug, D 05490, € 16.95, Doblinger, Wien 2017

Aleksey Igudesman: Take It To Eleven für Altsaxofon, Violine und Klavier, UED3667700, ausschliesslich als Download erhältlich, Universal Edition, Wien 

Fazil Say: Suite für Altsaxofon und Klavier op. 55, ED 22267, € 49.00, Schott, Mainz 

Der Jazzschlagzeuger Lionel Friedli erhält den Kulturpreis der Stadt Biel 2018 als Zeichen der Anerkennung für seine beispielhafte Jazzmusikerkarriere. Als wahrer Botschafter der Bieler Kultur in aller Welt tritt Lionel Friedli regelmässig sowohl in der ganzen Schweiz als auch im Ausland (USA, Europa, Asien, Lateinamerika und Australien) auf und spielt jährlich insgesamt mehr als 130 Konzerte.

Lionel Friedli ist an etwa zwanzig musikalischen Formationen und Projekten aktiv beteiligt und offen für die verschiedensten Trends. Er ist ein Meister der freien Improvisation sowie des modernen, experimentellen Jazz. Im Jahr 2015 hat ihn die Fondation Suisa mit dem prestigeträchtigen Jazzpreis ausgezeichnet.

Der Bieler Gemeinderat verleiht gleichzeitig der Schweizerischen Plastikausstellung die Ehrung für kulturelle Verdienste 2018, um ihr herausragendes Engagement im Bereich der bildenden Kunst zu würdigen. Dank dieser Veranstaltung ist es seit 1954 gelungen, die Werke berühmter Künstler nach Biel zu holen, wo sie in einem ungewohnten Kontext gezeigt werden konnten.

Die Feier zur Verleihung des Kulturpreises der Stadt Biel und der Ehrung für kulturelle Verdienste findet am 30. Oktober 2018 im Farelhaus statt und beginnt um 18.30 Uhr. Der Eintritt ist frei.
 

Vor 30 Jahren schien Brigitte Bryner-Kronjäger mit ihrem ersten Buchtitel Üben ist doof (Ko–Autor Peter Schwarzenbach) Generationen von Schülerinnen und Schülern aus dem Herzen zu sprechen. Wer das Buch aber las, stellte schnell fest, dass Üben – vorausgesetzt man tue es richtig – eben gerade nicht doof ist, sondern Spass machen kann. Diese umfassende und zu jener Zeit revolutionäre Untersuchung stellte einiges von dem, was man sich unter Üben und Unterrichten vorstellte, auf den Kopf und ins rechte Licht: Es gelte, den Erfolg zu wiederholen, nicht auf den Fehlern herumzureiten – dies die verblüffend naheliegende Quintessenz. 30 Jahre Erfahrung als Flötistin und Didaktikerin liegen zwischen diesem ersten und ihrem jüngsten Buch Mein Sprung ins Spiel. Über die Wechselwirkung von Vorspielen/Vorsingen und Üben. Dazwischen erschienen von der Autorin Querfeldein (2001) und Treffpunkt Unterricht (2010).

Mein Sprung ins Spiel darf als Résumé von Bryner-Kronjägers Schaffen gelten. Das Werk ist zugleich Grundlagenbuch, Lehrbuch fürs Studium, Arbeitsbuch, praktische Anleitung und Nachschlagewerk für die Unterrichtspraxis und für Auftritte. Die Autorin bedient sich darin des Bildes eines Musikhauses mit Spiel-, Übe-, Rhythmuszimmer, Gruppenraum und Konzertsaal, ein Kniff, der bewusst machen soll, womit man musikalisch gerade zugange ist, in welchem «Zimmer» man sich gerade aufhält.

Zunächst wird das Kontinuum von Lernen und Spielen anhand der liegenden Acht verdeutlicht, welche die Wechselwirkung der beiden Tätigkeiten symbolisieren soll. Das Spiel wird demnach nicht allein als Erfüllung und Ziel der Vorbereitung gesehen, sondern es ist ebenso Vorgabe zu erneutem Üben; es bildet sich quasi ein Kreislauf. Die Autorin prangert wiederholt das weit verbreitete Phänomen des Vermischens von Üben und Spielen an – einen der Hauptgründe für Misserfolgserlebnisse.

Ein Grundlagenbuch ist das Werk deshalb, weil es zu jedem Thema detaillierte Hintergrundinformationen liefert. Zu jedem Kapitel gibt es Herleitungen und Definitionen. Die Besonderheiten des Musikspiels werden im Kontrast mit anderen Arten des Spiels hervorgehoben, dem Übeprinzip werden grundsätzliche Prinzipen des Lernens und Memorierens vorangestellt, Atmung und Haltung erhalten besondere Aufmerksamkeit, der Begriff Rhythmus wird eingehend erläutert, das Spielen und Üben in der Gruppe psychologisch abgestützt und das Konzerterlebnis vor dem Hintergrund der Begriffe Erfolg und Misserfolg sowie des Lampenfiebers bewertet. Allen Teilbereichen sind Übungsanleitungen und Checklisten zugeordnet, die leicht nachgeschlagen werden können.

Dieses umfassende Werk für Allgemeine Didaktik erspart jedem Instrumental- oder Gesangsstudierenden viel Arbeit, denn es steht alles drin, was künftige Musikerinnen und Musiker über Lernen und Spielen wissen müssen.

Im Anhang findet sich eine übersichtliche, mit Arbeitsanleitungen versehene Stilkunde von Heinrich Baumgartner mit dem Titel «City of Music».

Brigitte Bryner-Kronjäger: Mein Sprung ins Spiel. Über die Wechselwirkung von Vorspielen/Vorsingen und Üben,
288 S., € 34.00, Musikverlag Burkhard Muth, Fernwald 2017, ISBN 978-3-929379-45-7

Keine der verhältnismässig wenigen Komponistinnen des 19. Jahrhunderts hat bis heute den Sprung auf die Höhe des Podests der männlichen Kollegen geschafft. Noch immer sind gleichrangige Produktionen weiblicher Provenienz Kuriositäten im Konzertbetrieb; sie in einem Programm herauszustellen – so verdient und ehrenwert dies sein mag – kommt wiederum einer unfreiwilligen Stigmatisierung gleich. Eine, die zu Lebzeiten von Publikum und Kollegen anerkannt und geschätzt wurde, war die in Mecklenburg geborene Komponistin Emilie Mayer (1812–1883).

Ihr Œuvre ist bemerkenswert, sie galt als hochambitioniert und fleissig, ja opferte ihrer Kunst sogar eine eigene Familie. Acht Sinfonien, zwölf Streichquartette, Klavierkammermusik, fünfzehn Konzertouvertüren, Violin- und Cellosonaten, Klavierwerke, ein Singspiel nach Goethe, Lieder und vierstimmige Chöre, ein reges Konzertleben, ein für Persönlichkeiten der Gesellschaft und Konzerte offenes Haus in Berlin und Respekt von weiblicher und männlicher Seite kennzeichnen ihr Leben.

Warum es dann wieder so still um sie und ihr Werk wurde, ist schwer nachvollziehbar, denn es enthält alles, was gute Musik ausmacht: technische und instrumentale Meisterschaft, unmittelbar prägnante und verständliche Themen, Raffinesse, Innovation, Sanglichkeit und eine spezifisch eigene Note. Man mag anführen, es erginge ihr nicht anders als vielen Komponisten ihrer Zeit, beispielsweise Friedrich Gernsheim, Geschichte sei also mithin nicht gerecht. Aber warum hört man die grosse, überwältigende 5. Symphonie in f-Moll nicht auf den Konzertpodien guter Orchester, dafür aber zum x-ten Mal Brahms, neben dem sie sich nicht zu verstecken braucht, sondern mit ihm beinahe verwechselt werden könnte? Konzertveranstalter und Intendanten sind vielfach leider zu desinteressiert oder ignorant. Leider hat die Komponistin auch keine engagierte Fürsprecherin in Form einer Emilie-Mayer-Gesellschaft, die es noch zu gründen gilt!

Zwölf Streichquartette aus spätromantischer Zeit sind eine höchst ungewohnt grosse Anzahl; Mayer hat sich also intensiv mit der Gattung beschäftigt. Sie fallen in ihre frühe Kompositionsphase, das letzte, Opus 14 g-Moll, erschien 1858. Da war sie aber eine voll ausgereifte Meisterin ihres Fachs, die sich zu dieser Zeit gerne auf Beethoven bezog. Während die beiden Klavierquartette und Klaviertrios aufgenommen wurden, fehlen Einspielungen der Streichquartette völlig. Die vorliegende Partitur zeugt von einer glasklaren Architektur, Ausgewogenheit der Stimmen, formaler Geschlossenheit und schönen Themen. Komplexe Verschränkungen oder Verschachtelungen wie bei Schumann sind hier nicht zu finden. Es steht auch nicht der späte, sondern allenfalls der mittlere Beethoven Pate. Mit Sicherheit ein überaus lohnenswertes Stück für eine Wiederentdeckung. Schade nur, dass die Furore-Edition weiterhin auf ein wahrlich unattraktives Äusseres setzt und den grossen Inhalt in einen dürftigen Umschlag steckt, hinter dem man keine Juwelen vermutet.

Emilie Mayer: Streichquartett e-Moll, hg. von Heinz-Mathias Neuwirth, Erstausgabe, fue 10056, € 39.90, furore-Edition, Kassel

Johann Benjamin Gross (1809–1848) war Solocellist am Gewandhaus Leipzig und spielte ab 1837 im kaiserlichen Orchester in Sankt Petersburg. Bis vor Kurzem waren die Werke des Mendelssohn- und Schumann-Zeitgenossen beinahe vollständig vergessen. Der schreibende Virtuose hat den Hauptanteil seiner Kompositionen seinem eigenen Instrument gewidmet, doch er verfasste auch mehrere Streichquartette, war er doch in Russland Kammermusikpartner des berühmten belgischen Geigers Henri Vieuxtemps.

Der Pan-Verlag hat mehrere Werke von Gross erstmals herausgegeben. Auf drei Editionen sei hier im Speziellen hingewiesen:

• Die dreisätzige Sonate in C-Dur für zwei Celli bewegt sich innerhalb der 1. und 5. Lage, wobei der Komponist die klanglichen Möglichkeiten des eingeschränkten Tonumfangs geschickt ausschöpft. Dank der leichten technischen Anforderungen eignet sich das Werk gut für Unterrichtszwecke. Ein kleiner Abstrich an dieser Erstausgabe: Sie enthält zwei Einzelstimmen, aber keine Partitur.

• Das Capriccio op. 6 (Pan 1602) über ein Thema aus Étienne-Nicolas Méhuls Oper Joseph in Ägypten für Violoncello und Bass ist ein effektvolles Virtuosenstück, welches mit seiner Variationsform dem Zeitgeist der Frühromantik entspricht. Während die Solostimme brillante Bogentechnik und sicheres (Daumen-)Lagenspiel verlangt, ist der Bassstimme reine Begleitfunktion zugewiesen.
   
• Die Sonate h-Moll op. 7 für Cello und Klavier (Pan 1603) steht stilistisch Mendelssohn nahe und stellt eine bedeutende Bereicherung des Duo-Repertoires aus der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts dar. Zusammen mit Liedern und dem Streichquartett f-Moll op. 37.3 ist sie beim Label Laborie Records eingespielt worden (Interpreten: Quatuor Mosaïques; Michael Dahmen, Bariton; Yoko Kaneko, Klavier; Christophe Coin, Violoncello).

Johann Benjamin Gross: Sonate C-Dur für 2 Violoncelli,
hg. von Folckert Lüken-Isberner, PAN 1600, € 10.00, Pan, Kassel

id.: Capriccio op. 6 für Violoncello und Bass, PAN 1602,
€ 16.00

id.: Sonate h-Moll op. 7 für Violoncello und Klavier,
PAN 1603, € 19.00

«Carl Czerny war vielleicht der grösste Pianist, der fast nie auftrat, und der grösste Komponist, der in Vergessenheit geriet», schreibt Iwo Zaluski in seinem Vorwort zur Neuausgabe von Czernys neunter Klaviersonate. Er zählt ihn neben Beethoven und Schubert sogar zum «grossen Triumvirat» der klassischen Klaviersonate. Diese Aussagen sind natürlich in höchstem Masse anfechtbar. Was das «Triumvirat» betrifft, sollte man Haydn und Mozart nicht so achtlos übergehen. Und es ist auch nicht wahr, dass Czerny als Komponist in Vergessenheit geraten ist. Allerdings kommen einem da nicht unbedingt seine Klaviersonaten in den Sinn. Diese würden tatsächlich mehr Beachtung verdienen.

Seine neunte in h-Moll op. 145 hat nun Iwo Zaluski bei Doblinger neu herausgebracht. Ungewöhnlich die formale Anlage: sechs Sätze, darunter eine freie Fuge als Abschluss. Das erinnert eher an Beethovens späte Streichquartette als an eine klassische Sonate. Auch die harmonische Sprache ist stellenweise ungewöhnlich apart. Die melodischen Phrasen sind sehr weiträumig gestaltet, besonders im langsamen dritten Satz (Adagio molto espressivo) – wohl dem Höhepunkt des Werkes –, der von einem geradezu sinfonischen Atem beseelt ist.
Eigentlich erstaunlich: den schwächsten Eindruck macht die pianistische Ausarbeitung dieser Musik. Der Klaviersatz ist zwar bequem zu spielen, leidet aber darunter, dass gerade die vielen Begleitfloskeln stereotyp und einfallslos klingen.

Wer den Komponisten Czerny «at his best» erleben möchte, greift da besser zur vierhändigen Grande Sonate in f-Moll op. 178, einem ungewöhnlich leidenschaftlichen und farbigen Werk, ganz im Geiste der Appassionata seines Lehrers Beethoven.

Carl Czerny: Sonate Nr. 9 h-Moll op. 145, hg. von Iwo Zaluski, Diletto Musicale DM 1470, € 18.95, Doblinger, Wien 

Für jene, die sich beim Betrachten dieser Partitur die Augen reiben, sei es grad vorneweg gesagt: Ja, es handelt sich um den Komponisten von Tosca oder Turandot, und nein – mit dem Stil Puccinis, den man von der Opernbühne kennt, haben die hier veröffentlichten 7 Sonaten, 6 Versetti und 4 Märsche nur wenig zu tun. Als Abkömmling einer Musikerfamilie, die über vier Generationen das Musikleben der Stadt Lucca prägte – sein Vater war u. a. Domorganist –, gelangte Giacomo Puccini sicher schon sehr früh in Kontakt mit Kirchenmusik, erlernte das Orgelspiel und trat als Organist zum ersten Mal an die Öffentlichkeit. Von 1872 bis 74 war er als Assistenz-Organist der Kathedrale angestellt und bis 1882 wirkte er an der Kirche San Girolamo. Aus dieser Zeit scheinen auch die bisher unveröffentlichten insgesamt 61 Orgelwerke zu stammen, von denen Carus hier eine Auswahledition präsentiert; eine komplette Publikation scheint in der Puccini-Gesamtausgabe geplant zu sein.

Auch wenn man noch wenig von Puccinis späterem Klang-Raffinement spürt, reiht er sich mit diesen Werken doch in eine Tradition ein, die von Komponisten wie Vincenzo Petrali oder Padre Davide da Bergamo geprägt worden war: schwungvolle, an Blasmusik oder Rossini-Opern erinnernde, durchwegs kurze und leicht zu spielende Sätzchen, die einen selbstsicheren, bereits souverän schreibenden Komponisten verraten und hie und da sogar schon eine Rückwendung zu einem «seriöseren» Stil kirchenmusikalischen Komponierens andeuten. Parallel zur Notenedition hat der niederländische, in Bologna wirkende Organist Liuwe Tamminga beim Label Passacaille übrigens eine Einspielung dieser Werke vorgelegt (PAS 1029). Dank Orgeln, die Puccini gekannt oder gespielt haben könnte, vermittelt sie einen guten Eindruck davon, wie sich auch eine auf dem Papier etwas simpel wirkende Musik auf einem passenden Instrument grandios orchestrieren lässt. Eine wertvolle Bereicherung des italienischen Repertoires also, für einmal von einem grossen und bekannten Komponisten, vielseitig verwendbar in Gottesdienst und Konzert – und mit Erfolgsgarantie!

Giacomo Puccini: Sonate, Versetti, Marce –
Ausgewählte Orgelwerke, hg. von Virgilio Bernardoni,
CV 18190, € 28.00, Carus, Stuttgart 2018

Allgemein bekannte Melodien aus russischen Opern, Balletten und Kammermusik des 19. und 20. Jahrhunderts (Tschaikowsky, Borodin, Prokofiew, Rimski-Korsakow, Mussorgski, Schostakowitsch und Chatschaturjan) sind hier mittelschwer für zwei Violinstimmen arrangiert. Das melodische Material und die Begleitung sind auf beide Spieler verteilt.

Die Fingersätze in der Duopartitur müssen an einigen Stellen verbessert oder ergänzt werden. Es ist sehr motivierend, diese anregenden Stücke zu spielen, was wiederum den Willen fördert, den technischen Anforderungen (chromatische Folgen, rhythmisches Zusammenspiel, Flageoletts, Pizzicato) gerecht zu werden.

David Brooker: Classical Favourites from Russia, arr. für zwei Violinen, UE 36749, € 16.95, Universal Edition Wien 2017

Spektakuläres kommt manches Mal ganz unscheinbar daher. Das schlichte orangefarbene Cover kommt ohne Foto aus. Die Namen der Solisten sucht man vergeblich. Dirigent Rudolf Lutz geht es mit seinem auf alten Instrumenten spielenden Orchester der J.S. Bach-Stiftung St. Gallen um die Sache – eine auf 25 Jahre ausgelegte Gesamtaufführung von Bachs Vokalwerk inklusive Ton- und Videoaufnahmen (s. Schweizer Musikzeitung 9/2009, S. 14 f.).

Musikalisch wird auf der zwanzigsten CD des ambitionierten Projekts mit den Pfunden gewuchert. Die Textverständlichkeit ist durchwegs hervorragend. Der Chor der J.S. Bach-Stiftung glänzt mit Beweglichkeit und Transparenz, die Solisten überzeugen mit kluger Phrasierungskunst und vielen Klangfarben. In der Kantate BWV 96 Herr Christ, der ein‘ge Gottessohn zieht Special Guest Maurice Steger an der Sopranino-Blockflöte kunstvolle Linien. Der schnelle Eingangschor kommt ganz leichtfüssig und tänzerisch daher. Die Liegetöne im Orchester sind lebendig, die Artikulation ist immer sprechend. Jan Börners Altus berührt genauso wie Noëmi Sohn Nads schlackenloser Sopran. Und auch die Arien sind bei Hans Jörg Mammel (Tenor) und Wolf Matthias Friedrich (Bass) in guten Händen.

In der lichten Kantate BWV 67 Halt im Gedächtnis Jesum Christ begeistert der Chor mit lockeren Koloraturen. Und wenn Bassist Dominik Wörner seinen ruhigen Friedensgruss in die aufgewühlten Seelen in Chor und Orchester singt, dann entsteht grosse Theatralik. In der Kantate Christus wir sollen loben schon BWV 121 setzt Andreas Holm an der Oboe d’amore Akzente, während Johannes Kaleschke (Tenor) die Koloraturen in der Arie O du von Gott erhöhte Kreatur perlen lässt. Nur die Schlusschoräle wirken etwas atemlos in dieser anregenden, auf flüssige Tempi und grosse Beweglichkeit setzenden Bach-Interpretation. Aber das kann den hervorragenden Gesamteindruck nicht trüben.

Bachkantaten Nr. 20 (BWV 67, 96, 121). Chor und Orchester der J.S. Bach-Stiftung, Leitung: Rudolf Lutz.

Diese CD sei eine «family affair» heisst es im Booklet; diese Familiensache hat ein Programm, das im CD-Titel angedeutet wird: Constellations Ardentes – glühende Sternbilder; dieser Titel wiederum bezieht sich auf das Stück Ori, das der Berner Komponist Jean-Luc Darbellay (*1946) im Jahr 2007 für seine beiden Kinder Noëlle-Anne (Violine, Viola, Stimme) und Olivier (Horn) geschrieben hat. Ori meint Orion, ein Sternbild, dessen Kraftzentrum im Stern Beteigeuze liegt, ein Riesenstern mit dem tausendfachen Durchmesser unserer Sonne. Das elf Minuten dauernde Stück wirkt wie ein klanggewordenes Gravitationsfeld von Horn und Violine, die einander in wechselnden Bewegungen umkreisen, umflirren, umschmeicheln und kontrastieren.