Wollten wir bisher Introduction et Allegro von Ravel einstudieren, diente uns Musikern und Musikerinnen die 1906 erschienene Erstausgabe als einzige Quelle. Diese wies jedoch etliche offensichtliche Mängel und Fehler auf. So fehlten einerseits in der Harfenstimme viele dynamische Angaben, andererseits Phrasierungs- und Haltebögen in den Bläser- und Streicherstimmen. Da half einem nur der vergleichende Blick in die Partitur teilweise weiter, obwohl auch diese nicht vollständig war.

Unter der Leitung von Peter Jost ist nun eine sehr sorgfältige Ausgabe realisiert worden, welche alle verfügbaren Quellen miteinander zu Rate gezogen und verglichen hat. Dabei wurde deutlich, dass das Autograf sich stark von der Erstausgabe unterscheidet, insbesondere in der Harfenstimme, welche Ravel vermutlich mit Hilfe des Harfenisten Alphonse Hasselmans nochmals stark überarbeitete.

Im Vorwort wird die Entstehungsgeschichte des Werks aufgerollt, wobei am Ende alle abweichenden Versionen der verschiedenen Quellen aufgelistet sind. Zudem hat die Harfenistin Sarah O’Brien die Erstausgabe kritisch durchgesehen, Pedalfehler korrigiert und fehlende Ergänzungen hinzugefügt. Obwohl die Takt-Aufteilung und das Format der Stimmen mit jenen der Erstausgabe vergleichbar ist, lassen sich die Noten im neuen Druck besser lesen, da sie grösser gesetzt sind. Vor allem ist nun eine sehr schöne Ausgabe erschienen, auf die man sich wirklich verlassen kann.
 

Maurice Ravel: Introduction et Allegro, für Harfe, Flöte, Klarinette und Streichquartett, hg. von Peter Jost, Stimmen HN 1069, € 16.00; Studienpartitur HN 7069, € 11.50; G. Henle, München 2017

Bild oben: Eine Aufführung von Introduction et Allegro durch die Harfenistin Lily Laskine 1935 war einer der letzten Anlässe, bei dem Maurice Ravel in der Öffentlichkeit zu sehen war. Foto: Studio G. L. Manuel frères; Quelle: Bibliothèque nationale de France; Wikimedia commons

Laut Welschschweizer Medien sollen im 2020 weitere 100’000 Franken wegfallen. Die Stadt begründet den Schnitt mit der Tatsache, dass sie praktisch alleine für die öffentlichen Beiträge an das Ensemble aufkommen müsse. Sie würde gerne den Kanton mehr in die Pflicht nehmen. Dieser trägt zum Budget der Sinfonietta aktuell 115’000 Franken bei. Gegen die Kürzungen hat sich die Sinfonietta mit einer Petition gestemmt, die von 30’000 Personen mitunterzeichnet wurde.

Die Sinfonietta de Lausanne wurde 1981 von Jean-Marc Grob als Orchestre des Rencontres Musicales (ORM) gegründet. Sie wurde von 2013 bis 2017 von Alexander Mayer geleitet. Seit 2017 heisst der künstlerische Leiter David Reiland.

Der Gitarrist und Komponist Alois Bröder hat 13 Kontaktanzeigen für Sopran, Gitarre und
Mandoline vertont. Hierbei ist es ihm gelungen, charaktervolle und originelle Textvorlagen zu finden, die schmunzeln lassen: Der Leser ist amüsiert über Sparsamkeit (Er, NR + T, su Sie in Mü, BMB, AG) oder mangelnde Deutschkenntnisse des Inserenten (!!!ich warte meine traume frau J, nur hübsche bitte) sowie profunde Selbsterkenntnis (mann mit allen anzeigenüblichen nachteilen sucht frau mit allen branchenüblichen vorzügen).

Man kann sich der Komik, Ehrlichkeit und Skurrilität dieser allzu menschlichen Texte nicht entziehen, weil die Gitarre und die Mandoline dazu zirpen, beben, zupfen und seufzen, karikieren, insistieren und arpeggieren, imitieren, nicht locker lassen, scherzen und sich sehnen … Die Lieder muten schräg, lustig, rührend, wehmütig und auch komisch an, sind für eine Sopranistin mit wirklich leichter und guter Höhe geschrieben und nicht sehr schwierig in Melodieführung und Tonalität. Eine gewisse rhythmische Souveränität, etwas Erfahrung in der Interpretation Neuer Musik, Freude an Expressivität und nicht nur Schöngesang sind von Vorteil und gefordert. Der Komponist benennt den Schwierigkeitsgrad mit «mittelschwer», der Gitarrenpart kommt allerdings eher knifflig und vor allem rhythmisch komplex und anspruchsvoll daher.

Die Stücke sind Miniaturen, nur wenige Sekunden lang, meistenteils kantabel, ausdrucksvoll und dankbar in der Wirkung. Die Erarbeitung wird sich lohnen und verspricht eine originelle und publikumswirksame Performance.

Alois Bröder: 13 Kontaktanzeigen für Sopran, Mandoline und Gitarre, Grenzland Edition, Partitur und Stimmen, KM 2174, € 25.00, Pan, Kassel/Basel 2018

«Nach Umfang und Anlage geht die Hammerklaviersonate weit über alles hinaus, was auf dem Gebiet der Sonatenkomposition jemals gewagt und bewältigt wurde», schrieb Alfred Brendel über Beethovens Opus 106. Und Beethoven selber meinte zu seinem Verleger: «Da haben Sie eine Sonate, die den Pianisten zu schaffen machen wird, die man in fünfzig Jahren spielen wird.»
Ob er wohl geahnt hat, dass sie auch in zweihundert Jahren immer noch eine gewaltige Herausforderung für Spieler und Hörer darstellen wird?

Die Wiener Urtext-Edition hat das monumentale Werk eben gerade als mustergültige Einzelausgabe herausgebracht. (Eine der wenigen übrigens, die erhältlich sind.) Auch dies keine leichte Aufgabe: Von der Hammerklaviersonate existieren keine Autografen oder Abschriften, dafür diverse Erstausgaben, die sich erst noch in fundamentalen Dingen widersprechen. Die Londoner Erstausgabe beispielsweise stellt die Reihenfolge der beiden mittleren Sätze um, was Beethoven immerhin gebilligt hat. Andere Unterschiede ergeben sich aus nachträglichen Korrekturen und Ergänzungen. So bleibt die Lesart der Vorzeichen an manchen Stellen mehrdeutig bis ungewiss. Nicht zuletzt stellt sich die umstrittene Frage nach den richtigen Tempi.

Nur diese eine Klaviersonate hat Beethoven mit Metronomzahlen versehen. Und die haben es in sich! Gerade für den Kopfsatz, aber auch für die abschliessende Fuge ergibt sich daraus ein unglaublich schnelles Tempo.

Diesem Thema hat Johann Sonnleitner im Vorwort für diese Neuausgabe einen ausführlichen Abschnitt gewidmet. Er glaubt eben gerade nicht an diese herkömmliche Umsetzung der Metronomzahlen und plädiert für eine ältere, variable Messmethode. Man muss nicht unbedingt Sonnleitners Meinung sein, um seinen Ansatz trotzdem sehr spannend und lesenswert zu finden. Das gleiche gilt übrigens auch für die Fingersätze von Alexander Jenner.

Einer der ersten, der an diese raschen Tempi glaubte und sie auch zu realisieren versuchte, war Artur Schnabel, der die Hammerklaviersonate 1935 im Rahmen seiner Gesamtaufnahme einspielte. Es gelingt ihm da nicht alles comme il faut, was sicher auch an den damals begrenzten Korrekturmöglichkeiten liegt. Aber sein künstlerischer Impetus und der Klang (!) sind nach wie vor sehr beeindruckend. Wer eine gemässigtere und transparentere Interpretation bevorzugt, wird sicher Alfred Brendels Versionen mögen. Er hat sich mit dem Werk ein ganzes Pianistenleben lang beschäftigt. Erstaunlich wenige Aufnahmen gibt es von Frauen: Hier sei ausdrücklich auf jene von Maria Grinberg hingewiesen, einer grossartigen sowjetischen Pianistin, die in den Sechzigerjahren alle 32 Klaviersonaten Beethovens für Melodija aufnahm.

Ludwig van Beethoven: Klaviersonate op. 106, Grosse Sonate für das Hammerklavier, hg. von Peter Hauschild, rev. von Jochen Reutter, Hinweise von Johann Sonnleitner, UT 50432, € 10.95, Wiener Urtext Edition, Schott/Universal Edition 2018

Der 40-jährige Violinist und Pädagoge an der Musikschule Konservatorium Zürich, Philip A. Draganov, hat bei der Solostimme dieser empfehlenswerten Ausgabe des Violinkonzertes von Tschaikowsky neue Wege beschritten. Nicht nur die Fingersätze und Bogenstriche, die er bei seinen Aufführungen verwendet, sind angegeben, auch viele Alternativen dazu. Ferner sind die im Autograf und in den verschiedenen Erstausgaben stehenden Differenzen im Notentext – zum Teil auf verschiedenen Systemen untereinander – notiert. Das gibt den Studierenden Entscheidungsmöglichkeiten je nach Handgrösse, Klang des Instruments und musikalischen Neigungen, die sonst nur durch das Konsultieren verschiedener Ausgaben möglich wären. Auffallend sind viele Glissandi im Stil des 19. Jahrhunderts, aber auch manche moderne Unter- und Überstreckung, die mit umkreisten Fingerzahlen hervorgehoben sind. Wie umsichtig all die in Fussnoten begründeten Vorschläge sind, beweist die Bemerkung zu einer Version: Man solle sie bei Wettbewerben eher vermeiden! Pikant ist die Empfehlung, bei einer Stelle die tiefoktavierte Version von Leopold Auer zu bevorzugen. Dieser hatte das Konzert als unspielbar taxiert; er hätte es vor einer Uraufführung revidieren wollen.

Im Nachwort über die Quellen ist die wechselvolle Entstehungsgeschichte bis zur Uraufführung durch den Widmungsträger Adolf Brodsky und den späteren Korrekturen durch Tschaikowsky wiedergegeben. Auch auf die Möglichkeit, das Partitur-Autograf, das im Glinka-Museum Moskau liegt, online einzusehen, wird hingewiesen.

Peter Iljitsch Tschaikowsky: Konzert für Violine und Orchester in D-Dur op. 35, Violinstimme mit Bogenstrichen und Fingersätzen von Philip A. Draganov. Klavierauszug von Edward Rushton, Fr. 38.00, Gilgenreiner Verlag, Winterthur 2017, ISMN 979-0-700268-27-5

Camillo Schumann (1872–1946 ) weist keinerlei Verwandtschaft mit seinem berühmten Namensvetter auf. Er kommt aus Sachsen und war Schüler von Carl Reinecke, aus dessen Hand zwei Trios mit Horn (op. 188 und op. 274) stammen, und von Robert Radecke, in letzter Zeit wiederentdeckt durch CD-Aufnahmen der Klaviertrios mit dem Trio Fontane und der Orchesterwerke mit dem Bieler Sinfonieorchester, beides beim Label cpo.

Seine Sonaten für Horn und Klavier schrieb Camillo Schumann in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die erste, Opus 118, im Jahr 1911, die zweite, Opus posthumum, 1936. In dieser Zeit hatte sich die Neue Wiener Schule schon etabliert, einige Spätromantiker blieben allerdings ihrem Stil treu und verstanden es, den Klang des Horns in seiner vollen Blüte auszunützen. Daher möchte man die beiden kaum bekannten Werke als echte Repertoire-Bereicherung verstehen.

Camillo Schumann:
Sonate Nr. 1 F-Dur, EB 32113, € 19.90;
Sonate Nr. 2 D-Dur, EB 32114, € 24.90;
für Horn und Klavier, Erstausgaben,
Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2018

Eine Biografie zu Alban Berg, erschienen beim Wissenschaftsverlag Königshausen & Neumann, das lässt aufhorchen. Bis jetzt gehört der jung verstorbene Berg zu den in dieser Beziehung wenig beachteten Komponisten, geht doch die letzte, von Constantin Floros verfasste Lebensbeschreibung auf das Jahr 1992 zurück. Eigentlich erstaunlich, denn Werke wie das Violinkonzert oder die Oper Wozzeck gehören zum unverzichtbaren Standardrepertoire der Konzertwelt. Umso gespannter liest man das über 340 Seiten starke Lebensbild, das Barbara Meier verfasst hat.

Unvorbereitet auf Meiers Stil, ist man beim Einstieg in das Kapitel «Familienfoto» allerdings ziemlich irritiert: «Die Familie hat sich um den Mittagstisch versammelt, Conrad Berg, seine Frau Johanna, die Kinder Karl, Alban und Smaragda. […] Das Esszimmer, im neobarocken Stil eingerichtet, macht trotz der Überfülle an Dekor einen behaglichen Eindruck. […] Die Kinder sind gekleidet wie Erwachsene, die Brüder tragen Anzug und Krawatte, Smaragda ein Kleid mit üppigem Kragen […] Das Familienbild lässt nichts ahnen vom baldigen Untergang der österreichisch-ungarischen Monarchie.» So stellt man sich ein Wissenswerk nicht vor, zumal das zur Beschreibung passende Foto seltsamerweise nicht abgedruckt ist – Abbildungen sucht man sowieso vergeblich.

Meiers Schreibweise entpuppt sich also schnell als ziemlich ungewöhnlich, koppelt sie doch eine belletristische Art des Erzählens mit enormem Fachwissen. Sie bietet also kein romanhaftes Schwadronieren, sondern eine gut recherchierte Lektüre, die mit unzähligen Zitaten aus Briefen oder Artikeln gespickt ist und so die Vergangenheit in die Gegenwart holt. Diese Vorgehensweise ist sicherlich gewöhnungsbedürftig, besonders bei einem Komponisten des 20. Jahrhunderts, wird Wissenschaftlichkeit doch meist mit einem «trockenen» Stil verbunden. Hier haben wir dagegen eine Art «erzählte» Biografie, ein emotionales Vergegenwärtigen, das zuweilen etwas geschmäcklerisch wirkt. So schreibt die Autorin etwa nach der Begegnung Bergs mit Anny Askenase, der Frau des Pianisten Stefan Askenase: «Nach dem Abschied von Anny auf dem Brüsseler Bahnhof will der ‹Trennungsschmerz› nicht vergehen, doch trotz aller ‹Qualen und Schmerzen, ja Todesgedanken› spürt er eine ‹ungeahnte Erhöhung› seines ‹Lebensgefühls›.» Die Schulmusikerin Barbara Meier weiss offensichtlich, wie man das Lesepublikum packen kann.

Wertvoll sind die präzisen Beschreibungen der bergschen Musik. So werden die wichtigsten Werke kenntnisreich und gut verständlich vorgestellt und erläutert, allein der «Ikone» der modernen Oper, dem Wozzeck, widmet sie über 20 Buchseiten. Und als Epilog findet auch das von Friedrich Cerha ergänzte Fragment der Oper Lulu eine eingehende Betrachtung. Schade, fehlen im Anhang biografische Daten und ein Werkverzeichnis.
 

Barbara Meier: Alban Berg, Biographie, 346 S., € 36.00, Königshausen & Neumann, Würzburg 2018, ISBN 978-3-8260-6391-6

Geschmack und Wahrnehmung verändern sich mit der Zeit, aber ein originaler Notentext ist immer ein originaler Notentext. Dies sagt der Verfasser einer Neuausgabe der 25 Études de genre des französischen Gitarristen und Komponisten Napoléon Coste (1805–1883) in seinem ausführlichen englischsprachigen Vorwort. Michael Macmeeken ist es ein Anliegen, die Musik möglichst genau so weiterzugeben, wie sie der Komponist im 19. Jahrhundert gedacht hat.

Der 1805 geborene Coste studierte im damaligen Hotspot Paris bei Altmeister Fernando Sor. Seine Musik ist klassisch-romantisch: gefällig, aber durchaus anspruchsvoll. Die meisten seiner Stücke schrieb er für Freunde und Bekannte; besonders hübsch ist ein seiner Frau gewidmetes Andante. Er selbst benützte eine eigens angefertigte Gitarre mit einer zusätzlichen, frei schwebenden D-Saite. Wer seine Kompositionen auf einem konventionellen Instrument spielt, stimmt deshalb die 6. Saite von E auf D um – was Auswirkungen auf den Fingersatz hat – oder oktaviert das tiefe D im Notentext jeweils um eine Oktave nach oben. Macmeeken lässt dem Spieler die Wahl, indem er Alternativen anbietet oder einzelne Etüden sogar in zwei jeweils eigenständigen Versionen in D- und in E-Stimmung veröffentlicht.

Auch sonst geizt der Herausgeber nicht mit Fingersätzen. Zum einen sind alle Originalangaben abgedruckt, zum anderen bringt Macmeeken kursive Ergänzungen an, wobei zu jeder Zeit klar ist, was vom Komponisten ist und was vom Herausgeber hinzugefügt wurde. So bringt Macmeeken das Kunststück fertig, die Etüdenklassiker aus dem vorletzten Jahrhundert in einer wissenschaftlich fundierten und gleichzeitig alltagstauglichen Ausgabe zu präsentieren. Als Supplement sind noch sechs Stücke angehängt, die Coste für die erweiterte Ausgabe der Sor-Schule geschrieben hatte.

Erst zwei Jahre nach Costes Tod trat in Paris, von Barcelona her kommend, auch José Ferrer y Esteve (1835–1916) auf den Plan. Von ihm sind in den letzten Jahren in verschiedenen Anthologien und Sammelbänden immer wieder kleine musikalische Perlen aufgetaucht, deren Quellen meist in der Bibliothek der Londoner Royal Academy of Music (und dort im Fundus der Robert Spencer Collection) zu finden sind. Nun wurden, mehr als hundert Jahre nach Ferrers Tod, zum ersten Mal auch seine Estudios veröffentlicht. Trotz ihres jüngeren Entstehungsdatums sind sie nicht sehr viel moderner als die Etüden von Coste: zwar eindeutig romantisch, aber noch fest in der klassischen Harmonielehre verankert. Etliche Stücke vermögen durchaus höheren Ansprüchen zu genügen. Abgesehen von den Fingersätzen wird auch in dieser Ausgabe deutlich gemacht, welche Angaben original und welche vom Herausgeber hinzugefügt sind.

Das Notenbild ist tadellos. Umso unverständlicher, dass selbst bei kurzen Stücken, die problemlos auf einer Seite Platz hätten, geblättert werden muss. Auch wirkt die oft wiederholte Angabe «hinge» (Scharnier) als Anweisung für einen flexiblen Teil-Quergriff des linken Zeigefingers mitten im ferrerschen Notentext eher befremdlich. Trotzdem: eine hochwillkommene Bereicherung des traditionellen Etüdenrepertoires.
 

Napoléon Coste: The Guitar Studies, 25 Études de genre op. 38, 6 Studies from the Sor Method, hg. von Michael Macmeeken, ECH 1402, € 22.90, Editions Chanterelle im Musikverlag Zimmermann (Schott), Mainz 2017

José Ferrer: 24 Estudios für Gitarre, hg. von Jens Franke und Marta Gonzalez Bordonaba, GA 569, € 17.50, Schott, Mainz 2017

Was wäre die Musik ohne so manches tierische Vergnügen! Es muss ja nicht gerade ein Katzen-Duett oder Petruschkas Tanzbär sein – das ruft allenfalls die Ohren- oder Tierschützer auf den Plan. Einen viel feinsinnigeren Humor hatte Camille Saint-Saëns, als er 1886 während einer von musikalischem Chauvinismus begleiteten Konzertreise durch Deutschland und Böhmen seinen Carnaval des animaux niederschrieb. Ein musikalischer Spass, den er zu Lebzeiten mit wenigen Aufführungen nur im engsten Kreis teilte; allein der auf dem Violoncello zu singende «Schwan» durfte durch die Welt der grossbürgerlichen Salons gleiten. Erst mit seinem letzten Willen erteilte Saint-Saëns schliesslich die Freigabe des Werkes, das seither die Programme zahlreicher Kinderkonzerte füllt. Dass es ihm mit diesem Karneval aber durchaus ernst war, erschliesst sich dem Kenner: In drei Sätzen geht es bekannten Melodien an den Kragen (Rossini, Berlioz, Offenbach), doch auch an «Persönlichkeiten mit langen Ohren» wurde gedacht – wem fällt dazu nicht Mozarts schönes Bonmot ein …

Das Autograf, das nun als grossformatiges (30 x 36.6 cm) Faksimile erschienen ist, zeigt sich diesem trefflichen Humor gegenüber erstaunlich neutral: grosszügig und mit zahlreichen Abbreviaturen geschrieben, kaum Korrekturen, keine weiterführenden Eintragungen, dafür mit einzelnen einfachen Zeichnungen. Ein seltsamer Spagat, der dank einer vorbildlichen und vorbildlich gestalteten Ausgabe nun in aller Hände liegen kann. Nicht nur zu Weihnachten ein tierisch gutes Geschenk.

Camille Saint-Saëns: Le Carnaval des animaux. Fac-similé du manuscript autographe (= de main de maître 2), présenté par Marie-Gabrielle Soret, 192 S., € 200.00, Brepols Publishers, Turnhout 2018,
ISBN 978-2-503-58122-4

Mit der der neuen Förderpolitik will die Stiftung auf die sich rasch wandelnden Musikszenen reagieren. Abseits gängiger Genre-, Alters- oder Projektkategorien fänden kreative und künstlerische Prozesse statt, die beim gängigen Gesuchswesen zwischen Stuhl und Bank zu fallen drohen, schreibt sie in ihrer Mitteilung. Die jährlich ausgeschriebenen «Get Going!»-Beiträge sollen laut Stiftungsdirektor Urs Schnell «kreative Orte und künstlerische Visionen ausmachen, die es verdienen, gefördert zu werden». Mit über 90 eingereichten Gesuchen ist das Förderinstrument bei den Musikschaffenden auf viel Resonanz gestossen.

Die «Carte Blanche» in der Höhe von 80’000 Franken, die nicht ausgeschrieben, sondern alle zwei Jahre direkt von einer Fachjury vergeben wird, soll es Musikschaffenden erlauben, sich ohne finanziellen Druck auf seine oder ihre künstlerische Weiterentwicklung zu konzentrieren.

Beat Gysin forscht nach den dynamischen Möglichkeiten, die sich in der Beziehung zwischen Raum, Musik sowie Empfänger/Hörer ergeben. Michael Künstle paart orchestrale Tradition mit moderner kompositorischer sowie aufnahmetechnischer Innovation, um so eine Raum-Komposition zu schaffen, die als dreidimensionales Hörerlebnis zugänglich wird. Bertrand Denzler versucht mit einer «wandernden Residenz» improvisatorisch und kompositorisch den Austausch mit fremden Kulturen. Andrina Bollinger und Marena Whitcher wandeln als Duo Eclecta durch interdisziplinäres Gelände.

Die «Carte Blanche» in der Höhe von 80 000 Franken, die nicht ausgeschrieben, sondern alle zwei Jahre direkt von einer Fachjury vergeben wird, soll es Musikschaffenden erlauben, sich ohne finanziellen Druck auf seine oder ihre künstlerische Weiterentwicklung zu konzentrieren. Cécile Marti hat vor allem mit dem Orchesterzyklus «Seven Towers», in 7 Teilen und für 120 Musiker für Aufsehen gesorgt.

Wenn Kinder heute wissbegierig sind, surfen sie gerne mit dem Tablet. Diesen neuen Ansatz benutzt auch das bunte 122-seitige A4-Heft Der Violinbegleiter mit seinen vielen hilfreichen Links ins Internet, den ausgezeichneten Fotografien und anregenden Texten. Der Inhalt umfasst Bau und Pflege der Violine, verwandte Streichinstrumente, Orchester, Üben, Notenlesen, musikalische Fachbegriffe, Ensemblespiel, Auftritt und Ratschläge an die Eltern. Alle Kapitel sind aufgelockert mit vielen Rätseln, die das Gelesene vertiefen und festigen können. Die Texte sind beherzigenswert, die Rätsel grossenteils hilfreich; aber sollten die Kinder ihre kostbare Zeit nicht eher mit Üben verbringen, als mit dem Lösen der aufwendigen Zeichnungsaufgaben?

Der Violinbegleiter ist Band 6 der Reihe Musikunterricht: Materialien – Methoden – Modelle; ähnlich gestaltet sind Band 1: Notation und Band 4: Intervalle.

Rudolf-Dieter Kraemer: Der Violinbegleiter – Wissenswertes, Rätsel, Praktisches; Redaktion Albrecht Lamey; Gestaltung, Spiele und Rätsel Lisa Schwenk, 122 S., € 24.80, Wissner-Verlag, Augsburg 2018, ISBN 978-3-95786-030-9

Ein Orchester bekommt eine geheimnisvolle Einladung: Es soll an der Walpurgisnacht auftreten. Nur die Hexe – sie ist zugleich die Konzertmeisterin – weiss, wie man dahin gelangt, schliesslich sind es ja ihre Familienangehörigen, die die Einladung verschickt haben. Die verhexte Konzertmeisterin versucht ihre magischen Fähigkeiten zum Vorteil des Orchesters einzusetzen. Sie organisiert Hexenbesen, einen für jedes Instrument und einen Luxusbesen mit Ledersessel und Minibar für den Maestro. Da sie aber zunächst die richtigen Zaubersprüche nicht trifft, verzögert sich der Abflug. Beim dritten Anlauf gelingt der Start zwar, doch der übellaunige Gnom Knürsch, der die Unterwelt der Konzerthalle beherrscht, unterlässt nichts, um das ihm verhasste Orchester loszuwerden. Er manipuliert die Hexenbesen so, dass das fliegende Orchester und sein Maestro vorerst in früheren Jahrhunderten landen. Dort treffen sie auf Tschaikowsky, Bach, Mozart, Rossini und Beethoven, die ihnen höchstpersönlich ihre gerade komponierten Meisterwerke vorspielen. Sogar Knürsch lässt sich schliesslich von der schönen Musik erweichen und leiht Beethovens Ode an die Freude seine scheppernde Stimme.

Nach Die Hexe und der Maestro und Die Orchestermäuse legt Howard Griffiths ein weiteres unterhaltsames musikalisch-pädagogisches Kinderbuch vor. Angenehm locker und ganz ohne belehrenden Ton wird der Hörer auf eine fantastische Zeitreise zu Highlights der klassischen Musik eingeladen. Martina Gedeck erzählt lebendig und charakterisiert treffend (der Maestro wird mit einem ulkigen englischen Akzent versehen). Zauberhaft und illustrativ sowohl in sinfonischen wie auch melodramatischen Abschnitten ist Fabian Künzlis Musik. Die üppigen Illustrationen von Karin Hellert-Knappe und der Soundtrack mit dem Brandenburgischen Staatsorchester Frankfurt unter der Leitung von Howard Griffiths vervollständigen dieses gelungene multimediale Gesamtpaket.

Das fliegende Orchester. Ein musikalisches Märchen von Howard Griffiths, Buch mit CD, 60 S., Fr. 29.80, Hug Musikverlage, Zürich 2017, ISBN 978-3-03807-076-4
 
 

Den fortgeschrittenen Cellisten erschliesst die Daumenlage das hohe Lagenspiel. Das Erlernen dieser komplexen Technik wird in älteren Lehrmitteln mitunter recht trocken vermittelt. Ganz anders geschieht das in Gabriel Koeppens Heft Daumenlage. Jede Position wird mit einer kurzen, grundlegenden Übung vorgestellt. Und dann kann bereits mit Spielen losgelegt werden. Sehr geschickt konzipiert ist, dass die allermeisten Stücke in Duo-Form komponiert sind. Dies bietet den Schülerinnen und Schülern eine grosse Intonationshilfe, damit sie im «ewigen Schnee des Kolophoniums» rasch Sicherheit gewinnen. Die musikalischen Übungsstücke enthalten neben bearbeiteten Volksliedern und Originalkompositionen der klassischen Cellisten Dotzauer und Romberg auch zahlreiche Originalstücke und Arrangements von Gabriel Koeppen, die unterhaltsam die Bereiche der E- und U-Musik bedienen.

Gabriel Koeppen: Daumenlage, Duette und Übungen zur Einführung in das Daumenspiel auf dem Violoncello,
ED 22567, € 22.00, Schott, Mainz 2017

Ungewöhnlich an diesem Buch sind nicht nur das Format (24 x 17.5 cm, quer) und die Dicke (4 cm), einzigartig ist auch der Denkansatz gegenüber seinem Thema, der Musik als Sprache, die, gemäss Felix Mendelssohn, genauer als Worte sei. Wir haben diese Sprache teilweise verlernt durch pauschales Hören, Zeitdruck beim Erarbeiten von Interpretationen oder die Fixierung auf eine einzige Frage: «Wie beherrsche ich mein Instrument?»

Eberhard Feltz, Violin- und Kammermusiklehrer an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin und Mentor vieler bekannter Kammermusikensembles, hat auf Zureden der Leitung des Davos Festivals young artists in concert zum Anlass seines achtzigsten Geburtstags eine Auswahl seiner musikalischen Betrachtungen in Buchgestalt herausgebracht: Genauer als Worte. Intuitives Finden – eine Einführung, 44 Übungen und ein «Lösungsteil», der die aufgeworfenen Fragen beantwortet. Dies geschieht meist durch den Abdruck des originalen Meisterwerks, welches die Lernenden in der Fragestellung verändert oder gekürzt zu Gesicht bekommen haben. Das «Finden» kommt dabei einem Nachvollziehen des Komponierens nahe. Eberhard Feltz zögerte bisher mit solchen Veröffentlichungen, weil sein Lehren die unmittelbare Entgegnung durch die Schüler braucht. Der Leser oder die Leserin dieses Buches muss diesen Dialog mit sich selber führen, unter der Anleitung oder besser: auf Anregung des Autors.

Worum geht es denn eigentlich? Vereinfachend kann man den Begriff der «Phrase» anführen. Phrase oder enger formuliert: Satz ist ein Begriff in der Sprache, der auch in der Musik eine Elementarform bezeichnet. Das Sein der Musik ist aber rational nicht zugänglich. Eberhard Feltz will uns zur sinnlichen Wahrnehmung der Musik als Sprache führen, indem er uns anhand dieser Übungen und zahlreicher Zitate von Dichtern, Philosophen und Musikern das Meta-Dasein hinter den musikalischen Gestalten ahnen lässt. Der Autor plädiert für eine «Anhörung» der Welt im Sinne einer inneren «Anschauung» mit allen Sinnen unter der Führung des Ohrs.

Und welchen Nutzen bringt den Studierenden solches Tun? Wer sich auf diese «Übungen» einlässt, und zwar durchaus spielerisch, dem erschliessen sich neue Einsichten, welche auf seinen Umgang mit Musik direkten Einfluss haben werden. Reto Bieri, Intendant des Davos Festivals bis 2018, wo Eberhard Feltz Workshops abhielt, ist stolz auf die Herausgabe dieses Buches in luxuriöser Aufmachung und gibt in seinem Vorwort der Hoffnung Ausdruck, dass es zum «speculieren, studieren und überlegen» (Mozart-Brief vom 31. Juli 1778 über seine Beschäftigung mit Musik) anregen wird.

Eberhard Feltz: Genauer als Worte. Intuitives Finden –
44 Übungen, 346 S., Fr. 35.00 zzgl. Fr. 10.00 Versand, Eigenverlag Stiftung Davos Festival, 2017,
ISBN 978-3-033-06344-0, info@davosfestival.ch