Im letzten Jahrzehnt hat sich der Begriff Virtuosität ausgeweitet von den Virtuosen und deren Werken zu umfassenderen Fragen einer neuen künstlerischen Landschaft und neuer Aufführungspraktiken. Ausgangspunkt dieses Buches, dessen Bezugspunkt der Geiger und Komponist Heinrich Wilhelm Ernst (1814–1856) bildet, war die Tagung «Der lange Schatten Paganinis» im November 2015 in Göttingen. Die zur Hälfte englischen, zur Hälfte deutschen Abhandlungen der 19 Autorinnen und Autoren liefern Rück- und Ausblicke und sind geordnet in sechs Sektionen: Verschiedene Konzepte von Virtuosität, Musikalischer Text und Aufführung, Salon versus Konzertsaal, Das weite Feld der virtuosen Aufführungspraxis, Virtuosen-Karrieren, Auswirkung in Presse und Literatur. Darüber kurz zu berichten ist fast unmöglich! Daher wähle ich einige spannende Höhepunkte aus:

H. W. Ernst ist der in ganz Europa herumtourende Interpret seiner virtuosen Kompositionen, der finanziell auf volle Säle (und sie sind übervoll!) angewiesen ist. Er ist der Gegenpol von Joseph Joachim, dem ernsthaft für Werktreue kämpfenden Musikprofessor. Beide sind Wunderkinder und etablieren sich im 19. Jahrhundert im immer bürgerlicher werdenden Europa, wie Chopin, Auer, Paganini, Liszt, Thalberg, Saint-Saëns, Vieuxtemps, Sivori und Kreisler, als romantische Heroen in den Sälen und Salons. Virtuoser Flow der Interpreten-Persönlichkeit bringt die Zuhörenden zu Gefühlsextasen. Kreisler sagt: «Wenn man Virtuosität im Blut hat, entschädigt das Vergnügen, aufs Podium zu steigen, alle Plagen. Man sollte umsonst spielen. Was sage ich? Man sollte zahlen zum Spielen!»

Die Überlegungen zum Wort dolce, der in Paganinis Werken und im 1. Satz von Beethovens Violinkonzert am häufigsten vorkommende Anweisung, zeigen auf, dass grosses seelisches Engagement vom Interpretierenden verlangt wird (Paganini: «Bisogna forte sentire per far sentire»). Ernst setzt dolce am Kulminationspunkt seiner Werke, der mit dem Goldenen Schnitt der Taktzahlen übereinstimmt. Heine schreibt, dass die Fingergeschicklichkeit nur vereint mit dem der angesetzten Geige so nahen Herzschlag eine glaubwürdige Aufführung ergebe. Borer kommt zum Schluss, dass mit dolce nicht piano gemeint ist, sondern jenseits musikalischer Dynamik eine poetisch-ethische – besonders intensive – Dimension, die grössere Tiefe fördert. Beispiele: Tartini («suonare parlante»), Corelli («Prinz der Süsse»), Dante (Purgatorio XXIV, 52–57: «dolce stile novo»). Die Kirchenväter Augustinus und Caesarius von Arles meinten, mit einer auf einem Holz aufgespannten Saite – wie der ans Kreuz gebundener Körper Christi – sei man fähig, die «Süsse der Wahrheit auszudrücken». Die alten Griechen (Orpheus, Pythagoras) assoziierten Saitenspiel mit Süsse, Liebe und Kraft; Amphion erbaute die Mauern von Theben mit Saitenspiel. Und der Inder Bharata betrachtete die Süsse (madhura) als eine der neun wichtigen Qualitäten von Musik.

Es gibt etwas Besseres als perfekte Violinvirtuosität; ein anonymer 30-jähriger Geiger bringt dies auf den Punkt, indem er sagt: «Es ist viel schwieriger, technisch perfekt und gleichzeitig emotional beteiligt zu sein, denn du gehst Risiken ein.» Gidon Kremer verlangt, dass in einer Aufführung etwas sei, das sie «persönlich, menschlich und tief» mache. Die lateinische Bedeutung des Wortes imperfectus meint «unvollendet, unfertig» – das heisst «noch suchend, lebendig»! Seit Beginn des 20. Jahrhunderts verführt die «performance police» der Studioaufnahmen zu Glätte und verhindert «das Ausstrecken nach dem Unerreichbaren. Perfektion tötet die Kunst» (Kremer). Viele Interpreten haben sich dagegen gewehrt mit langen ungeschnittenen Aufnahmefolgen oder Liveaufnahmen. Artur Schnabel meinte, dass Aufnahmen «gegen die wirkliche Natur von Aufführung» sei. Rudolf Serkin betrachtete Aufnahmen als «Tortur». Populärmusikern gelingt der Kampf gegen das Mikrofon mit Improvisation – die ist einmalig, unschneidbar; ganz im Sinn von Mozart und Beethoven, die noch bei Aufführungen ihre Soloparts nicht aufgeschrieben hatten. Am Beispiel der unkonventionellen Konzertpraxis von Patricia Kopatchinskaja wird aufgezeigt, wie man das «Narrenhaus» der Virtuosität verlassen kann.

In einem Kapitel taucht man ein in die Strapazen und Erfolge der fünfmonatigen Gastspielreise H. W. Ernsts in die Niederlande. Hier ein Zitat aus den vielen Pressestimmen: «Man sieht [beim Blick auf die Zuhörer] betrübte, schwermütige oder liebevolle Gesichtsausdrücke, je nach den Tönen, die der Künstler erzeugt. … Wenn der Künstler es so weit zu bringen weiss, dass unsere Seele mit der seinigen vereint wird, dann hat er eine hohe Stufe der Perfektion erreicht.»

In weiteren Kapiteln wird atemraubend die 80 Jahre dauernde Virtuosenkarriere von Camille Saint-Saëns resümiert. Die faszinierenden, amüsierenden und provozierenden Berichte Heinrich Heines über das Pariser Musikleben werden geschildert. Man erfährt von den Erkenntnissen Louis Spohrs mit seinen Kollegen Ernst und Sivori in London im Jahr 1843 über dünne Saiten=leichtes Flageolettspiel versus dicke Saiten=voller Ton. Das Leben der Schwestern Teresa und Maria Milanollo gibt Anlass, über eine weibliche Form der Violinvirtuosität nachzudenken. Mittels dichterischer Werke Dostojewskis und Gautiers wird die unterschiedliche Wirkung Ernsts in Westeuropa und Russland verglichen.

Auf der CD kann man verschiedene Interpretationen – auf hohem Niveau gespielt – von Werken H. W. Ernsts vergleichen. Basierend auf Originalfingersätzen wird die Art der im 19. Jahrhundert üblichen Glissandi demonstriert.

Dem anregenden Buch fehlt ein Register für gezielte Suche.

Christine Hoppe, Melanie von Goldbeck, Maiko Kawabata Hrsg.: Exploring Virtuosities. Heinrich Wilhelm Ernst, Nineteenth-Century Musical Practices and Beyond, 413 S., CD mit Musikbeispielen von H. W. Ernst, eingespielt von Autoren des Buches, € 74.00, Olms, Hildesheim u.a. 2018, ISBN 978-3-487-15662-0

Bild oben:
Eine Matinee bei Liszt, Stich von Joseph Kriehuber (1848)
v. li.: Joseph Kriehuber, Hector Berlioz, Carl Czerny, Franz Liszt, Heinrich Wilhelm Ernst.
Bibliothèque nationale de France/wikimedia commons

Der Nationalrat behandelte laut der Medienmitteilung des Bundesverwaltung in der Wintersession 2018 die Vorlage zur Revision des Urheberrechtsgesetzes sowie zur Genehmigung und Umsetzung zweier Abkommen der Weltorganisation für geistiges Eigentum. Für den Ständerat als Zweitrat hat die WBK nun die Vorberatung begonnen und eine Anhörung mit den folgenden Organisationen durchgeführt: swissuniversities, Schweizerischer Nationalfonds (SNF), Schweizer Buchhändler- und Verleger-Verband (SBVV), Arbeitsgruppe «Lichtbildschutz», Allianz der Konsumentenschutz-Organisationen, Genossenschaft der Urheber und Verleger von Musik (SUISA), Interessengemeinschaft Radio und Fernsehen (IRF) sowie Verband für Kommunikationsnetzwerke (SUISSEDIGITAL).

Dabei wurden die Schwerpunkte auf Open Access in der Wissenschaft, den Schutz von Fotografien ohne individuellen Charakter, die Regelung zu Video-on-Demand, das zeitversetzte Fernsehen sowie auf die Vergütung für Hotels, Ferienwohnungen, Spitäler und Gefängnisse gesetzt. In der anschliessenden Eintretensdebatte unterstrich die Kommission die Notwendigkeit einer Modernisierung des Urheberrechtsgesetzes und ist mit 11 zu 0 Stimmen bei einer Enthaltung auf die Vorlage des Bundesrates eingetreten. Die Detailberatung wird an der nächsten Kommissionssitzung vom 12. Februar 2019 stattfinden.

Der Zweitling von Kaos Protokoll mit dem zungenbrecherischen Titel Questclamationmarks liegt gerade mal drei Jahre zurück, doch seither hat sich bei der Band einiges verändert: Am Saxofon wurde Mark Stucki durch Simon Spiess ersetzt und neu an Bord ist auch Keyboarder Luzius Schuler. Wodurch das Trio zum Quartett angewachsen ist. Laut Presseunterlagen ist das neue Album, Everyone Nowhere, zwischen «Post Future Beats» und «modernem Spiritual Jazz» angesiedelt. Die Besetzungswechsel haben den Sound von Kaos Protokoll nicht völlig über den Haufen geworfen, aber hörbar Spuren hinterlassen: Die Musik wirkt meditativer und sphärischer. Davon kündet bereits das erste Stück, Flash Frame, das muskulöse Rhythmen mit langgezogenen Klängen der Bassklarinette und frenetischem Tastenspiel verbindet – und dabei ebenso cool wie kühn anmutet.

Kaos Protokoll lassen immer wieder ihre Vorliebe für Elektronisches aufblitzen. Das verleiht den Liedern aus der Feder von Bassist Benedikt Wieland eine gewisse Unnahbarkeit. Durch melancholische Momente wird sie jedoch auch stets aufs Neue durchbrochen. Die Formation schätzt es, sich insbesondere mit Gegensätzen zu beschäftigen: Während Warteraum zwischen leiser Schwermut und Noise-Elementen pendelt, arbeitet sich The Cosmos In My Backyard mal am Free-Jazz, mal am elegischen Art-Rock ab. Indem die vier Musiker abstrakte Klangbilder quasi unablässig mit linden Melodien zu kontrastieren verstehen, gewinnt die Platte sowohl an Schärfe als auch an Spannung. Auf den acht neuen Liedern lassen Kaos Protokoll ihren Ideen unentwegt freien Lauf. Das ist wild und neugierig, aber nicht durchwegs schlüssig. Das Experiment, das Album mit einer Art Rap namens SunRaColtraneSolar zu beschliessen, zeugt zwar von Wagemut, aber: Die einzige Nicht-Instrumentalnummer entpuppt sich als charmanter Fremdkörper.
 

Laut dem Bundesverband Musikindustrie (BVMI) wuchs die Zahl der Audio-Streams 2018 mit insgesamt 79,5 Milliarden um gut 40 Prozent gegenüber dem Vorjahr und erreichte ein neues Allzeithoch. 48,2 Millionen verkaufte CD wiederum waren zwar 23 Prozent weniger als 2018, doch sei die Compact Disc im Jahr 36 nach ihrer Markteinführung noch immer das zweitwichtigste Marktsegment in Deutschland, wie das Kaufverhalten der Fans zeige.

Auf Platz 3 rangieren die Downloads mit 49 Millionen Stück, davon 7,5 Millionen Alben und 41,5 Millionen Einzeltracks. Die Vinyl-Schallplatte kam im vergangenen Jahr auf insgesamt 3 Millionen verkaufte Einheiten, ein leichter Rückgang von 7 Prozent, doch hat die Platte in der Nische weiterhin klar ihre Fans und spielt entsprechend auch für viele Künstlerinnen und Künstler eine Rolle bei der Planung ihrer Veröffentlichungsformate.

Ebenfalls unter die Top 5 der meistgenutzten oder -verkauften Musikformate hat es mit 2,6 Millionen abgesetzten Einheiten das physische Musikvideo (DVD/Blu-ray) geschafft. – Diese vorläufige Absatztrendrechnung erfasst die im Jahr 2018 gekauften und gestreamten Stückzahlen. Die auf Umsatz basierende Gesamtmarktentwicklung meldet der BVMI voraussichtlich Anfang März 2019.

Laut der Mitteilung der Hochschule für angewandte Wissenschaften Würzburg-Schweinfurt steht dabei steht dabei die Aktivierung von Gehirnfunktionen im Mittelpunkt, die bei Altersdepression gestört sind. Gemeinsam mit 13 europäischen Partnern aus dem universitären, klinischen und industriellen Bereich wird interdisziplinär in den Fachgebieten Neurowissenschaft (Uni Genf, Reha Rheinfelden), Gerontopsychiatrie (Uni Würzburg, Uni Tours, Uniklinik Tours), Musikintervention (Uni Cambridge, Uni Jyväskylä, Uni Aalborg, der Hochschule Würzburg-Schweinfurt) an dieser Entwicklung gearbeitet. Beteiligt sind überdies ein finnisches und ein französisches klein- und mittelständisches Unternehmen sowie ein IT-Engineering-Team (Uni Barcelona, Uni Genua, FHWS, Uni Augsburg).

Die Hochschule für angewandte Wissenschaften Würzburg-Schweinfurt ist zudem an einem Projekt beteiligt, das Interventionen für Menschen, die mit Demenz leben, untersucht. Von Mai 2019 bis April 2023 wird dabei ein Training für häuslich pflegende Angehörige von Menschen mit Demenz zum Erlernen und Anwenden von Musikinterventionen in der häuslichen Pflege entwickelt und dessen Effektivität geprüft. Das entsprechende Konsortium besteht aus der Universität Melbourne (Konsortiumsleitung), der Anglia-Ruskin-University Cambridge, der FHWS, der Musikhochschule Oslo und der Universität Krakau. Auskunft geben kann Thomas Wosch (Fakultät Angewandte Sozialwissenschaften der Hochschule für angewandte Wissenschaften Würzburg-Schweinfurt).
 

Dem Beschluss liegt der Antrag «Für die Zukunft der Musik in Brandenburg: Auskömmliche Löhne für freie Musiker und Vokalsolisten» von Ulrike Liedtke, kulturpolitische Sprecherin der SPD-Fraktion und Vizepräsidentin des Deutschen Musikrates, zugrunde. Er wurde nach intensiven Diskussionen der vier Landtagsfraktionen von CDU, SPD, Die Linke und Bündnis 90/Die Grünen gefasst. Ab 2020 gelten die Honorarmindeststandards für vom Land geförderte Projekte, ab 2021 sollen auch die institutionell geförderten Orchester zur Einhaltung des Mindeststandards beim Engagement von Aushilfen verpflichtet werden.

Christian Höppner, Generalsekretär des Deutschen Musikrates, begrüsst den Beschluss. Er sieht darin ein zukunftsweisendes Signal, die wirtschaftlichen Rahmenbedingungen für freie Musikerinnen und Musiker zu stärken. Die Situation der freischaffend Kreativen in künstlerischen und musikpädagogischen Berufen sei «in der viertstärksten Industrienation der Welt überwiegend desaströs». Die aktuelle Entscheidung des Brandenburger Landtages zugunsten der Freischaffenden sei «eine Blaupause für die anderen Länderparlamente, eine soziale Absicherung von Künstlerinnen und Künstlern zu gewährleisten, die nicht in die Altersarmut führt.»

Unter der Leitung von Lawrence Foster sind an der Preisverleihung gleich mehrere Solisten mit dem Luzerner Sinfonieorchester zu hören – zum Beispiel Nelson Freire (Lifetime Achievement Award), Javier Perianes (Artist of the Year), Matko Smolcic (Young Artist of the Year), Eva Gevorgyan (Discovery Award) und Stephen Waarts (Orchestra Award).

Gewinner des ICMA-«Special Achievement Award» ist dieses Jahr Numa Bischof Ullmann, der als Intendant des Luzerner Sinfonieorchesters «die Schweizer Orchesterszene über viele Jahre mit seinen innovativen künstlerischen Ideen, seiner unermüdlichen Begeisterung und seiner Weitsicht geprägt hat», wie die Jury in ihrer Laudatio schreibt. Der Orchestra Award, der durch das jeweilige Gastgeber-Orchester verliehen wird, geht an den jungen Geiger Stephen Waarts.

Die ICMA werden seit 2011 jährlich verliehen. Sie werden durch unabhängige Medienschaffende vergeben. In den vergangenen Jahren fand die Verleihung der ICMA in Ländern wie Finnland, Italien, Deutschland oder Polen statt.

Unter der Leitung von Weithaas und Wille soll der Wettbewerb weiterentwickelt werden. Die nächste Durchführung findet im Herbst 2021 in Hannover statt. Krzysztof Wegrzyn, der Gründer und bisherige künstlerische Leiter, bleibt dem Wettbewerb als Ehrenpräsident eng verbunden.

Mit Antje Weithaas, geboren 1966, hat die Stiftung die 1. Preisträgerin des ersten Joseph Joachim Violinwettbewerbs 1991 für die Leitung gewonnen. Weithaas war fast zehn Jahre lang künstlerische Leiterin der Camerata Bern und dabei für deren musikalisches Profil verantwortlich. Zu ihren eigenen CD-Einspielungen gehören etwa die vollständigen Gesamteinspielungen der Solosonaten und -partiten von Johann Sebastian Bach und der Solosonaten von Eugène Ysaÿe.

Mit Oliver Wille, geboren 1975, wird die enge Kooperation des Wettbewerbs mit der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover (HMTMH) fortgesetzt. Seit 2011 ist er dort Professor für Streicherkammermusik. Wille ist zudem Gründungsmitglied des Kuss Quartetts und seit 2015 Intendant der Sommerlichen Musiktage Hitzacker.

Fünf Menschen, drei Männer und zwei Frauen, eingeschlossen in einem Haus oder einer Hütte, fernab, in tiefem Schnee. Kein Entkommen. Und es schneit weiter. Die Uraufführung der neuen Oper von Beat Furrer hätte nicht aktueller sein können als in diesen Januartagen, in denen der Alpenraum unter den weissen Massen versinkt. Die Ausgangslage ist typisch für den russischen Schriftsteller Vladimir Sorokin, der ähnliche Situationen schon in anderen Erzählungen, etwa in Der Schneesturm von 2010, entwickelt hat. Und wie stets bleibt es auch hier nicht bei der blanken Realität. Gewiss, da gibt es kurze Liebesszenen, fast mit Hüttenromantik, gibt es ein Quartett über den wärmenden Tee. Peter fürchtet sich vor der ärztlichen Behandlung, sollte er halb erfroren geborgen werden. Es folgen aber auch drei Ensembles der Vereinsamung, Jacques singt eine Arietta über die dunkle Materie, Silvia erzählt, wie in ihrer Bratsche eine brummende Hornisse heranwuchs und das Instrument sprengte. Eine Tote taucht auf, die Situationen werden immer irrealer, surrealer. Verbrannte der Tisch? Essen die fünf den Schnee? Am Ende entführt der Stoff ins Kosmisch-Fantastische. Die Ungewissheit der Lage führt zur Ungewissheit über das Universum. Das ist Sorokin.

Vor acht Jahren skizzierte er für Beat Furrer diese Erzählung. Dorothea Trottenberg übersetzte sie, und Händl Klaus, längst einer der gefragtesten Librettisten der Neuen Musik, schuf daraus eine sprachmusikalische Textgrundlage, auf der Furrer nun in seiner neuen Oper Violetter Schnee eine ganze Palette musikalischer Formen auf abwechslungsreiche und kurzweiligere Weise (als früher) ausspielen kann: Duette, die durchaus etwas Opernhaftes haben, Arietten, Ensembles, alles mit hoher Textverständlichkeit übrigens; dazu im Hintergrund Chorgesänge (mit dem Vocalconsort Berlin), in denen Furrer ein Weltuntergangsszenarium von Lukrez (nicht zum ersten Mal) einbringt – quasi als antiken Kommentar zum aktuellen Geschehen. Dazwischen blüht das Orchester auf, in allen Farben vom blassen Weiss bis ins kräftige Rot und zurück ins Violett. Matthias Pintscher bringt die Musik mit der Staatskapelle Berlin auf luzide Weise zum Klingen, und auf der Bühne agiert ein hervorragendes Vokalquintett mit Anna Prohaska, Elsa Dreisig, Gyula Orendt, Georg Nigl und Otto Katzameier. Staatsopernniveau im positivsten Sinn.
 

Das ist die eine Faszination, die andere ergibt sich aus der kongenialen Inszenierung durch Claus Guth und sein Team. Hier fügt sich alles aufs Stimmigste mit Musik und Text zusammen: Bühnenbild (Étienne Pluss), Kostüme (Ursula Kudrna), Video (Arian Andiel) und Licht (Olaf Freese). Wunderbar ist’s, so dem Schneetreiben zuzusehen. Dabei eröffnet sich eine zusätzliche Ebene.

Zur bewegten Ouvertüre etwa sieht man die Projektion eines verschliffenen Schneegestöbers, aus deren Unschärfe sich aber langsam ein konkretes Gemälde herausbildet: die «Heimkehr der Jäger», für einen Zyklus von Monatsdarstellungen 1565 geschaffen von Pieter Brueghel dem Älteren, dem Maler des alltäglichen Daseins mit all seinen Verspieltheiten und Brutalitäten, mit seinen Höhen und Abgründen. Hier erzählt er von den Freuden und Nöten des Winters. Das Bild ist wesentlicher Bestandteil des Stücks und taucht mehrmals auf. Zu Beginn sogleich in der gesprochenen Beschreibung der untoten Tanja (Martina Gedeck), aber auch später immer wieder, zusammen übrigens mit weiteren Brueghel-Bildern. Verlassen die Personen nämlich ihre Hütte, geraten sie aus der Zeit in eine Szenerie des 16. Jahrhunderts. Brueghelsche Figuren ziehen in zeitlupenhafter Langsamkeit vorbei, in patinagetrübten Farben, in dämmeriger Unschärfe.

So finden hier die unterschiedlichen Ebenen auf traumhafte, traumwandlerische Weise zusammen: in einer Art magischem Realismus, narrativ und gleichzeitig unwegsam, von einer schwebenden Emotionalität. Oper tut damit, was sie besonders gut kann, sie übersteigert, sie nimmt den Boden der Realität unter den Füssen. Furrers neues Werk ist heutig und doch verliert es sich … Wo? Das lateinische «Nix» – Schnee verbindet sich da mit dem deutschen Nichts. Dort.

Und warum heisst die Oper Violetter Schnee? In der Schlussszene finden sich die Menschen, nicht nur die Hütteninsassen, sondern auch andere Gestalten aus den brueghelschen Tableaus in der Fläche der Bühnenscheibe. In einer Endzeitvision geht das Licht – der Mond, die Sonne, der Mars – wieder auf. Der Schnee scheint violett. Es ist schön, singen die Menschen, aber sie verstehen das Phänomen nicht. Etwas hat sich verändert, etwas ist passiert, aber wir wissen nicht, was, warum.
 

Foto: Monika Rittershaus

«Violetter Schnee» an der Staatsoper Berlin

Ensemble

Der Musikraum TapTab erhält von der Stadt neu jährlich 25‘000 Franken (bisher 10‘000 Franken). Mit diesen Erhöhungen werde ein gezielter Beitrag an die Konsolidierung des Betriebs geleistet und die Konkurrenzfähigkeit des für die Region wichtigsten Kulturzentrums gestärkt, schreibt der Kanton. Die kantonalen Beiträge an den Musikraum TapTab (20’000 Franken), den Verein Kumpane (26’000 Franken) und den Verein Haberhaus Bühne (25’000 Franken) bleiben unverändert.

Die Vereinbarungen gelten von 2019 bis 2023 mit dem Verein Kultur im Kammgarn und dem TapTab Musikverein sowie von 2019 bis 2022 mit dem Verein Kumpane und dem Verein Haberhaus Bühne.

Die bisherigen Leistungsvereinbarungen zwischen dem Kanton und der Stadt Schaffhausen auf der einen Seite und den Leistungserbringern auf der anderen Seite hätten sich bewährt, heisst es in der offiziellen Mitteilung. Bei den erneuerten Leistungsvereinbarungen handelt es sich denn auch um bereits seit mehreren Jahren bestehende Verträge.

Schon seit längerer Zeit sei zudem bekannt gewesen, dass die finanzielle Unterstützung zugunsten des Kulturzentrums Kammgarn im Verhältnis zu seiner überregionalen Bedeutung nicht mehr angemessen sei. Daher haben sowohl der Kanton als auch die Stadt Schaffhausen ihre Beiträge erhöht. Der städtische Beitrag an Kultur im Kammgarn steigt von 70‘000 Franken auf neu 110‘000 Franken pro Jahr, die Unterstützung des Kantons steigt von 90’000 Franken auf neu 100’000 Franken pro Jahr.

Schneider habe das Künstlerhaus Boswil seit 2006 als Kulturinstitution geleitet, «den Betrieb modernisiert, weiter ausgebaut und die Ausstrahlung auf allen Ebenen nachhaltig positiv geprägt». In seine Zeit als Geschäftsführer fallen die Etablierung des Künstlerhauses Boswil als Zentrum für Klassische Musik, die Verankerung als Aargauer Kulturleuchtturm und die Erneuerung der Infrastruktur durch Bauprojekte.

Der Stiftungsrat bedauert laut der offiziellen Mitteilung den Entscheid seines Geschäftsführers sehr und dankt ihm «für seine langjährige, ausserordentlich wertvolle Arbeit». Der Stiftungsrat sucht für das Künstlerhaus wiederum eine Gesamtleitung, um die erfolgreiche Arbeit der letzten Jahre weiterzuführen.

Das Zentrum für klassische Musik Künstlerhaus Boswil , zu der in Boswil die Alte Kirche sowie weitere Liegenschaften gehören, wird von einer privaten Stiftung getragen. Es veranstaltet ein Festival, Meisterkonzerte sowie weiteren Veranstaltungen. Ein Akzent liegt auf der Neuen Musik und im Bereich der musikalischen Jugendförderung: Mit dem Ensemble Boswil für Neue Musik, dem Jugend-Sinfonieorchester Aargau und dem Jugendorchester Freiamt ist das Künstlerhaus im Bereich der Orchestererziehung Träger dreier eigener Ensembles.