Man kann Musik zu Hause hören. Aber live klingt es eben doch anders, erst recht dieses raumgreifende Le Temps Mode d´emploi, komponiert von Philippe Manoury. Vorne spielen die fantastischen Pianisten Andreas Grau und Götz Schumacher und von hinten kommen ihre Parts zeitversetzt aus Lautsprechern. Das Virtuelle und Reale vermengen sich zu einem imposant räumlichen Klangbild voll berstender Energie. Philippe Manoury, 1952 im französischen Tulle geboren, ist bei den diesjährigen Wittener Tagen sehr präsent. Im Rahmen des ihm gewidmeten Komponistenporträts gibt es neben diesem Klavierwerk orchestrale Trauermärsche und ein Streichquartett namens Melencolia (d´après Dürer), das von Albrecht Dürers bekanntem Kupferstich von 1514 inspiriert ist. In dem in Witten uraufgeführten Le Temps Mode d´emploi war die klangliche Opulenz beeindruckend, in Melencolia schrieb Manoury sehr fein ziselierte Musik. Gegliedert durch Glockentöne treten immer wieder neue, interessante Klangbilder hervor. Spannung ist garantiert – Manoury hält sie, fast lässig, und das über 40 Minuten.

Gifts and Greetings

Solch heikle Stücke kommen nur dann adäquat zur Entfaltung, wenn hochrangige Interpreten spielen. Irvine Arditti, Ashot Sarkissjan, Ralf Ehlers und Lucas Fels gehören dazu. Bei all ihrer geradezu aufreizend lockeren Bewältigung vergisst man zuweilen die enormen Schwierigkeiten der Werke. In Manourys Melencolia wird aber wieder deutlich, warum das Arditti String Quartet (in wechselnder Besetzung) seit 40 Jahren das zeitgenössische Musikgeschehen bereichert. So etwas wie Unspielbarkeit gibt es für die «Ardittis» nicht. Stets behalten sie die Kontrolle, an Präsenz, Strahlkraft und Energie fehlt es ihnen ganz gewiss nicht. Das 40-jährige Bestehen des Quartetts war für Harry Vogt, den künstlerischen Leiter der Wittener Tage für Neue Kammermusik, Anlass für eine besondere Party. 14 Komponisten schickten dem Quartett Präsente in Form etwa fünfminütiger Miniaturen. Bei der Aufführung der «Stückchen» gab es zwar schon mal ein kleines Schmunzeln der Fachleute, aber musikalischer Humor ist nicht die Stärke der Neuen Musik. Das bemühte Geschehen unter dem so legeren Titel Gifts and Greetings offenbarte einen beträchtlichen «Beethovenbartókardittiangstfaktor», wie es der junge Komponist Philipp Mainz einmal ausdrückte. Tatsächlich ist Streichquartett-Komposition kein Kindergeburtstag – zumal dann, wenn solch ein steter Wegbegleiter der Ardittis wie Brian Ferneyhough als Gast erscheint. Die New Complexity, für die Ferneyhough berühmt (und berüchtigt) wurde, lässt offenbar wenig Raum für so etwas wie ein heiteres musikalisches Ständchen.

Hörbare Forschung

Brian Ferneyhough hat sich schon zu Lebzeiten einen Platz in der Musikgeschichte gesichert. Dem italienischen Komponisten Giacinto Scelsi gelang dies erst nach seinem Tod 1988. Einerseits als Dilettant verschrien, andererseits als Halbgott verehrt, gibt Scelsi bis heute Anlass zu Kontroversen. Neuer Diskussionsstoff ergibt sich nun durch die Freigabe von Tonbändern aus dem Scelsi-Archiv. 600 Stunden Musik- und Sprachmaterial tauchen da auf: Teile einer auf Band gesprochenen Autobiografie, Klavierimprovisationen, Radiosendungen, und Aufnahmen von Ondiolen, Vorläufern des Synthesizers. Im Rahmen eines Projekts der Abteilung Forschung der Hochschule für Musik Basel beschäftigen sich Musikwissenschaftler mit der Auswertung der Tonbänder. Zugleich gibt es eine in Witten präsentierte Form der hörbar künstlerischen Erforschung. Komponisten wie Improvisatoren setzen sich mit Scelsi auseinander, unter ihnen auch der Schweizer Komponist Michael Pelzel. In seinem Sculture di suono – in memoriam Giacinto Scelsi konzentriert er sich auf die aparte «Schwebewelt», die sich durch mikrotonale Engführungen ergibt. Dem Ensemble Klangforum Wien gelingt eine fantastische Uraufführung des hochinteressanten Werks, das auch Scelsis «biegsame Orgelklanglichkeit» (Pelzel) in Form exzessiver Terz- und Sextfolgen gekonnt integriert.
Die neue Lockerheit im Umgang mit Tradiertem ist ein Grund für einen ausgesprochen gelungenen Wittener Jahrgang mit 25 Uraufführungen und vier deutschen Erstaufführungen. Arbeit an der Kammermusik lohnt sich dank hervorragender Komponisten wie Philippe Manoury, aber auch dank hochklassiger Spezialensembles wie den Ardittis, dem Klangforum Wien, dem Freiburger Ensemble und dem in Witten frisch aufspielenden Trio Catch. Das Klavierduo GrauSchumacher hat es das erste Mal nach Witten verschlagen. Wiederkommen würden sie offenbar gerne in dieses Laboratorium der Moderne. Nach drei prall gefüllten Tagen voll guter bis sehr guter Musik sind sie nicht die einzigen.

Die amerikanische National Band Association NBA verleiht seit 1977 jährlich einen Preis, um hochstehende Blasmusik zu fördern. Oliver Waespi ist seit der Gründung des Preises nach Philip Sparke erst der zweite Europäer, dem die Auszeichnung zugesprochen wurde.

Oliver Waespi absolvierte laut der Datenbank Musinfo zur Schweizer Musik ein Kompositionsstudium an der Musikhochschule Zürich bei Gerald Bennett und Andreas Nick sowie einen Studienaufenthalt an der Royal Academy of Music in London.

Seine Musik wurde in vielen Ländern Europas sowie in Australien, Japan, Singapur und den USA aufgeführt, unter anderem am Schweizerischen Tonkünstlerfest, am George Enescu-Festival oder verschiedenen WASBE-World Conferences. Zu den zahlreichen Interpreten gehören namhafte Sinfonieorchester und Kammerensembles, Solisten, Chöre und viele rennommierte Bläserensembles.
 

Im Mai 1994 wurde der Rockförderverein der Region Basel gegründet, vor rund zwei Jahren erfolgte eine Namensänderung, nun heisst man RFV Basel – Popförderung und Musiknetzwerk der Region Basel. Als Grund für die Umbenennung nennt Geschäftsleiter Tobit Schäfer die Erkenntnis, dass der Überbegriff «Rock» sich nicht mehr als passend für Musikerinnen und Musikern aus dem Hip Hop- oder Elektronik-Bereich erwies. Ursprünglich habe der von Musikschaffenden und Szenevertretern initiierte Verein vor allem Hilfe zur Selbsthilfe geboten. «Vor dem RFV gab es in der Region null Förderung für Pop oder Rock», ergänzt der Kommunikationsverantwortliche und frühere Manager der Alternative-Rocker Navel, Chrigel Fisch. Das sei heute anders, selbst wenn man nach wie vor um Unterstützung kämpfen müsse.

Schon früh hatten die Verantwortlichen beim RFV erkannt, dass politische Lobbyarbeit auch im Pop unabdingbar ist. Eine Erkenntnis, mit der man sich in der Schweiz mancherorts immer noch schwertut. Auf jeden Fall trug die Strategie des RFV letztlich Früchte: 2008 befand die basel-städtische Regierung, der Verein sei eine «hochprofessionelle Organisation» und die «geeignete Institution», um die erwünschten Förderleistungen im Bereich Populärmusik zu erbringen. Und sprach höhere Subventionen. Seither gehört es zum Leistungsauftrag des RFV, nicht bloss die Pop-Szene in der Region Basel zu fördern, sondern auch den Pop als Sparte in der Kulturszene zu etablieren.

Insgesamt erhält der RFV jetzt jährliche Subventionen in der Höhe von 610 000 Franken. Das deutliche Plus an Geldern wurde nicht etwa dazu genutzt, unzählige Bandwettbewerbe zu entwickeln. Stattdessen hat man lieber in die Netzwerkarbeit investiert und Kontakte zu Swiss Music Export, zum Festival m4music oder zur Online-Plattform Helvetiarockt gestärkt. Dank der neuen finanziellen Möglichkeiten hat man 2009 auch den Basler Pop-Preis ins Leben gerufen. Zu den bisherigen Gewinnern der mit 15 000 Franken dotierten Auszeichnung zählen die Art-Pop-Formation The bianca Story oder die Singer/Songwriterin Anna Aaron, die neuerdings mit experimentellen Pop unterwegs ist.

2010 ging der RFV mit dem Fördermodul Basel Music Export an den Start und zeigte Präsenz am Reeperbahn Festival. Mit dem dreimal jährlich ausgeschriebenen RegioSoundCredit richtet man sich an erfahrene Musikerinnen und Musiker, die bereits eine «künstlerisch engagierte, fachkundige Tätigkeit im Bereich Popmusik nachweisen können». Aktuelle Gewinnerin des Beitrags ist die Soulsängerin Ira May, deren Debüt The Spell bis an die Spitze der Schweizer Charts gelangte. Die 26-Jährige nutzte die Fördergelder, um anfangs April erstmals in Deutschland aufzutreten.

Konsolidierung und neue Ideen

«Momentan befinden wir uns in einer Konsolidierungsphase», sagt Schäfer. Im Hinterkopf denkt man jedoch an die Verhandlungen für die nächste Subventionsperiode von 2016 bis 2019. «Dabei treibt uns vor allem das Thema Export um», erklärt er. In der Bildenden Kunst kennt man Werkjahre, Vergleichbares würde sich Schäfer auch für die Populärmusik wünschen. »Eine Dependance im Ausland wäre sinnvoll», sagt er. Dann könnten Bands auch an einem Projekt längerfristig feilen.

Ihm und Fisch ist es wichtig zu betonen, dass ihre Arbeit auf die Anliegen der Vereinsmitglieder abstellt. Diese müssten hinter der Strategie der momentan mit 210 Stellenprozenten dotierten Geschäftsstelle und des ehrenamtlichen Vorstands stehen. Auch deshalb ist für den RFV die Szenenähe essentiell. «Eine unserer Stärken», hebt Fisch hervor. Auf mögliche Schwächen des Modells angesprochen, erläutert Schäfer: «Wir haben im Moment ein sehr vielfältiges, aber auch sehr ressourcenintensives Angebot. Das führt dazu, dass das Entwickeln neuer Visionen tendenziell auf der Strecke bleibt.» Früher habe auch die nationale und internationale Vernetzung des RFV zu wünschen gelassen. «Doch in den letzten vier Jahren hat sich diese zu einer unserer Stärken gewandelt.»

Jetzt gelte es, sich wieder vermehrt um die Newcomer zu kümmern, erklärt Schäfer, «obschon wir das Gefühl haben, dass sich in diesem Bereich weniger tut als vor einigen Jahren.» Als möglichen Grund für diese Entwicklung nennt Fisch das Aufkommen der Casting-Shows und von Formaten wie The Voice of Switzerland. Aufgrund dieser hätten vielleicht viele Junge das Gefühl, solche Gefässe bildeten den einzigen Weg zu einer Musikkarriere. Nicht zuletzt deshalb sinniert der RFV über neue Ideen, wie man den Nachwuchs wieder vermehrt auf den Verein und seine Tätigkeiten aufmerksam machen könnte. Ein möglicher Ansatz: eine Art von Scouting-System.

Auf die bisweilen geäusserte Kritik, die Arbeit des RFV werde ausserhalb Basels gar nicht wahrgenommen, kontern Schäfer und Fisch mit dem Argument, dass wohl noch nie zuvor so viele Musiker mit Basler Wurzeln abseits ihrer Heimat von sich reden machten. Zum Beispiel Anna Aaron, The bianca Story oder die Pop-Eklektiker We Invented Paris. Zufall oder nicht: Sie alle werden oder wurden vom RFV unterstützt. «Natürlich könnten wir versuchen, ein Management oder ein Label in Berlin für eine unserer Bands zu organisieren», sagt Chrigel Fisch, «aber uns ist lieber, sie schaffen das auf eigene Faust. Das beweist, dass sie wirklich den Drang haben, Karriere zu machen.»

Dieser Artikel erschien am 7. Mai 2014 im deutschen Magazin Musikmarkt

Niemand wisse wirklich, wie viele Menschen auf dem Kontinent zusammen singen, in welchen Ländern man welches Repertoire pflegt, wie viel Zeit dem Singen gewidmet wird und so weiter, schreibt der Schott-Verlag. Diese und weitere Fragen zu künstlerischen, demografischen und ökonomischen Aspekten sowie Statistiken und Informationen von Chorverbänden sollen am Ende dazu verhelfen, ein Bild des singenden Europas zu erstellen.

Die Veröffentlichung der Ergebnisse mit einem Vergleich zwischen den verschiedenen Ländern ist für 2015 geplant. Ziel des Projekts ist es ausserdem, eine europaweite Debatte über das Singen anzuregen und die gegenseitige Wahrnehmung beziehungsweise das Kennenlernen singender Gruppen aus verschiedenen Ländern zu fördern.

Allein aus Slowenien liegen mittlerweile fast 700 Antworten vor, die Aufschlüsse über das ganze Land ermöglichen. Jeder, der einem Chor oder einer Gesangsgruppe angehört, ob als Sänger, Dirigentin oder Vorstandsmitglied, ist eingeladen, den kurzen Fragebogen auf www.singingeurope.org in seiner Sprache zu beantworten.

Ritter Rost lebt auf der Eisernen Burg und hält sich für den tapfersten, stärksten und klügsten Ritter von ganz Schottland. Mangelnde Fähigkeiten macht er mit unerschütterlicher Grossspurigkeit wett. Mutig meldet er sich für jedes gefährliche Abenteuer – nicht ohne es gleich wieder zu bereuen. Das tapfere und kräftige Burgfräulein Bö mit seinem sprechenden Hut und der freche Hausdrache Koks müssen ihm immer wieder aus der Patsche helfen. Und doch schafft es der liebenswürdige Antiheld mit seinem verbeulten Registrierkassenbauch am Ende immer wieder, als strahlender Sieger dazustehen.

Der auch «Rösti» genannte Ritter ist die Titelfigur einer populären Buchreihe mit so genannten «Kindermusicals»; die jeweilige Geschichte wird ergänzt durch Noten und eine CD mit Musik von Felix Janosa. Mittlerweile gibt es auch Ritter-Rost-DVDs, einen Kinofilm, eine TV-Serie und die üblichen Gadgets oder Spielsachen. Und: eine Bearbeitung der Lieder für ein bis zwei Sopranblockflöten.

Da Ritter Rost und seine poppigen Lieder den Kindern bekannt sein dürften, bietet dieses Heft die Chance, ihnen via Gehör auch etwas kompliziertere Rhythmen (wie den punktierten Achtel) oder Versetzungszeichen (bis ais und as) näherzubringen. Die Stücke liegen teilweise eher tief, haben insgesamt aber einen Umfang von c’ bis a’’. Ritter Rost bietet sich als erstes Spielheft nach einer Sopranblockflötenschule an, so dass sich altersmässig etwa die gleiche Zielgruppe ergibt wie bei den Ritter-Rost-Musicals. Durch die Geschichte führt der königliche Hofschreiber Ratzefummel, dank dem auch Kinder, die Ritter Rost nicht kennen, mit den Figuren vertraut werden. Die Motivation wird unterstützt durch Ritterorden – beigefügte Sticker, die bei erfolgreichem Üben verliehen und eingeklebt werden können. Humorvoll freche Illustrationen von Jörg Hilbert zieren die ganz in Graustufen gehaltenen Noten.

Jörg Hilbert und Felix Janosa, Ritter Rost für 1 bis 2 Sopranblockflöten, ECB 6113, Fr. 23.80, Edition Conbrio (Hug Musikverlage), Zürich 2013

Franz Xaver Wolfgang Mozart war das jüngste Kind von Wolfgang Amadeus Mozart. In dessen Todesjahr geboren wurde er schon als Kleinkind zum Musiker bestimmt und erhielt in seiner Heimatstadt Wien Kompositions- und Instrumentalunterricht u. a. bei Johann Nepomuk Hummel, Antonio Salieri und Johann Georg Albrechtsberger. Zeitlebens erschien Franz Xaver Wolfgang Mozart in offiziellen Dokumenten nur unter dem Namen «W. A. Mozart Sohn». Die damit verbundenen Anforderungen und der ständige Vergleich mit seinem Vater liessen ihn an sich zweifeln. Mit zwanzig Jahren trat er in der galizischen Hauptstadt Lemberg als Klavierlehrer in den Dienst verschiedener Adelsfamilien und trat als Pianist und Dirigent auf. Für die neu gegründeten «Dilettanten-Concerte» verfasste er verschiedene Kompositionen – unter Umständen auch die vorliegenden Variationen fürs Fortep: und Flageolet über den Marsch aus Aline, einer 1803 in Paris uraufgeführten Oper von Henri-Montan Berton.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurde das blockflötenartige Flageolet immer beliebter und manifestierte sich in verschiedenen Bauformen – z. B. als Englisches oder Französisches Flageolet. Es lässt sich nicht fest stellen, von welchem Typus Mozart ausging, aber da die Partitur ein Instrument in Vierfusslage verlangt, bietet sich eine Fassung für Sopranblockflöte an. Klavier und Blockflöte treten in einen Dialog und übernehmen abwechslungsweise die führende Stimme. Wie schon das zugrunde liegende Thema aus Aline verzichten auch die gefälligen Variationen auf allzu grosse melodische oder harmonische Schreckmomente.

Gefragt ist ein mittleres Spielniveau, einzig die geforderte Dynamik und die damit einher gehenden Intonationsfragen müssen vom Spielenden technisch bewältigt werden. Doch diese Trouvaille stellt eine willkommene Bereicherung des schmalen frühromantischen Originalrepertoires für Blockflöte dar und gefällt in ihrer einfachen Biedermeier-Schönheit.

Franz Xaver Wolfgang Mozart, Variationen über den Marsch aus «Aline», für Sopranblockflöte (Querflöte, Oboe, Violine) und Klavier, Erstdruck hg. von Nikolaj Tarasov und Helmut Schaller, DM 1431, € 13.95, Doblinger, Wien 2012

Wer kennt es nicht, das berühmte Bild Flötenkonzert in Sanssouci von Adolph Menzel, auf dem Carl Philipp Emanuel Bach als Cembalo-Begleiter seines Dienstherrn, des Preussen-Königs Friedrich II., verewigt ist. Unsterblich auf einem Gemälde, als Komponist heute aber eher am Rande, dies ist das Schicksal des zweitältesten Sohnes von Johann Sebastian Bach. Dabei war der 1714 in Weimar geborene Carl Philipp Emanuel ein bedeutender Wegbereiter der damaligen Moderne. Nicht mehr barock, noch nicht klassisch, vielleicht ist es diese «Ära der Empfindsamkeit», der die Rezeption zugesetzt hat. Bach repräsentierte die ästhetische Aufbruchstimmung seiner Zeit mit einer unglaublichen Modernität, zu der auch die bahnbrechenden Sonaten gehören.

Zum 300. Geburtstag von Carl Philipp Emanuel Bach legt die in Basel wirkende Schweizer Barockspezialistin Leila Schayegh eine empfehlenswerte Einspielung vor. Im lustvollen und «galanten» Zusammenspiel mit ihrem Begleiter Jörg Halubek spürt sie mit wunderbarem Klang dem Schönen, Gewagten, Neuen nach, das Bach für ein «wahrhaftes Meisterstück» so dezidiert forderte. Enthalten sind die Sonaten Wq 76 und Wq 78, in denen die besonderen Qualitäten von Bachs Moderne spürbar sind. Das Dialogisieren zwischen Violine und Begleitinstrument etwa, oder die, von Schayegh schön «ausgesungenen», empfindsamen Violinkantilenen. Diese kommen umso mehr zur Geltung, als die CD mit der frühen Sonate D-Dur eröffnet wird, welche Bach 1731 in seiner Zeit bei Friedrich II., noch stark unter dem Einfluss seines Vaters zeigt.

Umso prägnanter, ja fast schockierend präsentiert sich vor diesem Hintergrund die Freye Fantasie fis-Moll Wq 80, die den sinnigen Titel «C. P. E. Bachs Empfindungen» trägt. Die beiden Musiker haben sich hier für einen Tangentenflügel (Späth & Schmal) entschieden, der mit seinem, dem Hammerklavier ähnlichen Klang bestens zu diesem Experimentierstück passt.

Als Höhepunkt gestaltet sich die Sonate C-Dur Wq 78, ebenfalls mit Tangentenflügel. Jörg Halubek erweist sich als versierter Spieler dieses selten zu hörenden Instrumentes, während Leila Schayegh durch ihren runden, weichschmeichelnden und doch klaren, fast sehnigen Ton begeistert. Faszinierend, wie sie sich farblich an die so unterschiedliche Klanglichkeit von Cembalo und Tangentenflügel anzupassen vermag.

Ein Produzent sagte mir einmal, er würde keine Projekt-CDs mit Werken mehrerer Komponisten mehr machen – sie gingen in der monatlich auf den Markt geworfenen Masse schlichtweg unter und würden selbst im Fachhandel bestenfalls unter »Sonstiges« zu stehen kommen. Verständlich, aber leider an der klingenden Realität vorbei. Denn zu allen Zeiten entstanden so genannte Sammeldrucke oder auch Gemeinschaftswerke, an denen sich mehrere Komponisten mit meist kurzen Stücken beteiligten. Und oft sind es gerade diese Ausgaben, die mehr über eine Zeit, einen Stil oder eine Schule aussagen als manch grosses Werk.

Das zeigen auch die von Gabrielle Beck-Lipsi hier erstmals vollständig eingespielten Treize Danses (1929). Ebenso verständig wie brillant und witzig vorgetragen, handelt es sich um ein Gruppenporträt ersten Ranges. Ergänzt wird es von sieben umfangreicheren Werken von Conrad Beck, Tibor Harsányi, Bohuslav Martinů, Alexandre Tansman und Alexander Tscherepnin, die alle der «École de Paris» angehörten – ein in den 1930er-Jahren bestehender Freundeskreis ausländischer Komponisten, mit dem auch die Pianistin in familiärer Beziehung steht. Auf diese Weise schwingt in der alles andere als trockenen Interpretation weit mehr mit, als die blossen Noten aufzuzeigen vermögen, was die auch akustisch hervorragend eingefangene Einspielung selbst zu einem Dokument macht.

Umso unverständlicher, dass die Produktion ausserhalb der Schweiz (zumal im Zeitalter eines Grenzen überschreitenden «click and buy») nicht nur mühsam zu finden, sondern auch noch umständlich zu beziehen ist.

CD 1: «Ecole de Paris»
Alexander Tscherepnin (1899-1977): Bagatelles, op. 5 & 5 Konzert-Etüden, op.52
Conrad Beck (1901-1989): Zwei Tanzstücke & 1. Sonatine
Bohuslav Martinu (1890-1959): Trois Esquisses
Alexander Tansman (1897-1986): Sonatine transatlantique
Tibor Harsanyi (1898-1954): Blues

CD 2: «Treize Danses»
Conrad Beck (1901-1989): Danse
Marcel Delannoy (1898-1962): Rigaudon
Pierre-Octave Ferroud (1900-1936): The Bacchante, Blues
Tibor Harsanyi (1898-1954): Fox-Trot
Jacques Larmanjat (1878-1952): Valse
Nikolai Lopatnikoff (1903-1976): Gavotte
Bohuslav Martinu (1890-1959): La Danse
Georges Migot (1891-1076): La Sègue
Marcel Mihalovici (1898-1985): Chindia
Manuel Rosenthal (1904-2003): Valse des Pêcheurs à la Ligne
Erwin Schulhoff (1894-1942): Boston
Alexander Tansman (1897-1986): Burlesque
Jean Wiéner (1896-1982): Rêve

Müller & Schade 5080 (2 CDs)

Die 1985 in Genf geborene Pianistin Beatrice Berrut steht in der Tradition der russischen Klavierschule von Heinrich Neuhaus. Sie hat ihre Ausbildung bei Galina Iwanzowa in Berlin, Esther Yellin in Zurich und Brigitte Engerer in Paris absolviert. Weitere Studien absolvierte sie an der Royal Irish Academy of Music in Dublin bei John O’Conor, einem Schüler von Wilhelm Kempff.

Der 1982 in Sion geborene Chansonnier Marc Aymon hat sein letztes Album in Nashville aufgenommen, mit zwei Schweizer und ein paar amerikanischen Musikern, darunter dem Schlagzeuger von Neil Young und dem Pianisten von BB King.

Zum vierten Mal in Folge wird auch ein Spezialpreis für die Förderung von Kultur vergeben, und zwar an die Vereinigung Ouverture-Opéra in Sitten. Der seit 2011 vergebene Spezialpreis des Kantons Wallis ist für eine Person oder eine Gruppe bestimmt, die sich mehrheitlich im Hintergrund für die Entwicklung und Förderung von Kultur im Wallis engagiert.

Der seit 1980 verliehene Walliser Kulturpreis ist mit 20’000 Franken dotiert. Die 1982 ins Leben gerufenen Förderpreise richten sich an junge Talente, die an einem Wendepunkt ihrer Karriere stehen. Dieser Schaffensbeitrag in der Höhe von je 10‘000 Franken wird dreimal vergeben und soll einerseits eine Anerkennung für ihr Schaffen, anderseits aber auch ein Anreiz sein, den eingeschlagenen Weg fortzusetzen.

«Melodie und Rhythmus liefert viele unkonventionelle und aussergewöhnliche Perspektiven auf populäre Musik», gibt Susann Witt-Stahl zu Protokoll. Die Chefredaktorin des 1957 in der DDR gegründeten Musikmagazins erklärt in der Tageszeitung junge Welt den neusten M&R-Relaunch. «M&R wird kritischer, politischer, rückt näher ans Zeitgeschehen und mischt sich in Kulturdebatten ein», ist anderswo zu lesen.

Einer differenzierten Betrachtung halten diese Versprechen jedoch nicht stand: Weder die Künstlerauswahl – von Bono-Nachfolger Rea Garvey bis zu den Indie-Casting-Juroren von den Kaiser Chiefs – noch die aufgeworfenen Analysen (eine Ausnahme ist Marcus Staigers Text über die Du-kannst-es-schaffen-wenn-Du-es-willst-Rhetorik im deutschen Rap) sind besonders kritisch und innovativ. Sprachlich setzt das Magazin kaum Akzente: Zu unterschiedlich ist das Niveau der Texte, zu viele Allgemeinplätze werden bedient. Damit wird aber nicht zuletzt auch die bereits länger anhaltende und weit über M&R hinaus grassierende Krise der Plattenkritik illustriert. Weshalb sind Stimmen eigentlich immer «glasklar» und was zur Hölle versteht man unter «musikalischer Ernsthaftigkeit»?

Auffallend ist das vom linken Designer-Kollektiv Rabotnik aus Kopenhagen in «zeitgemäss-marxistischer Ästhetik» (Susann Witt-Stahl) gestaltete Heft-Cover. Die Dänen haben auch dem Layout einen dezent roten Anstrich verpasst. Dies ist allerdings ebenso wenig eine grosse Revolution, wie die inhaltlichen Perspektiven hinterfragend in die Tiefe gehen: Dafür sind sie schlicht zu kurz. Gerade im Themenschwerpunkt «Popmusik und Klassenkampf» fällt dieser Mangel auf. Die gross angekündigte «Konferenz» mit dem britischen Musikkritiker Simon Reynolds ist nichts mehr als die Aufbereitung von neun Kurzstatements und der M&R-Fragebogen an Jan Delay kommt kaum über klischeehafte Fragen hinaus, die in ihrer Kürze belanglos werden und alles andere als «existentiell» sind, wie in der Einleitung behauptet.

Die Stärke und das Potenzial der neuen M&R zeigt sich im leicht kritischeren Abschnitt Standpunkte, wo die These «Popkultur ist ohne Kapitalismus nicht möglich» aus zwei Blickwinkeln diskutiert oder die griechische Musikszene – hier endlich etwas ausführlicher – unter die Lupe genommen wird. Vielversprechend ist auch die künftig in jedem Heft erscheinende Popsong-Analyse vom israelischen Kunsttheoretiker Moshe Zuckermann, der sich in dieser Ausgabe Miley Cyrus vorknöpft. Nicht zuletzt ist spannend, wie sich das Thema Klassenkampf durch das ganze Heft bis zur Rubrik der Live-Konzerte zieht. Ob das allerdings eher der linken Verortung des Magazins geschuldet ist oder einem neuen thematisch ausgerichteten Heftkonzept, wird sich spätestens bei der nächsten Ausgabe mit dem Schwerpunkt «Brasilien» zeigen.

M&R Melodie und Rhythmus, Ausgabe Mai/Juni 2014; erscheint zweimonatlich, Einzelnummer € 4.90, Jahresabo Ausland € 36.90, Verlag 8. Mai, Berlin, www.melodieundrhythmus.com

1908 schuf der 34-jährige Max Reger mit der Klarinettensonate op. 107 ein «ungemein klares Werk», wie er selber in einem Brief schrieb, das gut zu seiner glücklichen familiären Stimmung passte: Er adoptierte damals mit seiner Frau Elsa die dreijährige Christa und die anderthalbjährige Lotti. Die Kritik verspürte in der Sonate «eine Rückkehr zur klassischen Einfachheit, sowohl was die Form als auch den Inhalt betrifft» und bezeichnete sie als «ein tiefempfundenes, klangschönes Tonidyll». Nach der erfolgreichen Uraufführung bearbeitete Reger das Werk für Viola (und für Violine), wobei er neben wenigen Oktavierungen hauptsächlich die Phrasierung vom Atemzug des Bläsers zum Bogenstrich des Streichers veränderte.

Michael Kube hat aufgrund der Erstausgabe von Bote & Bock von 1909 und mithilfe des Autografs und der Stichvorlage – in Winterthurer Bibliotheken aufbewahrt – eine sorgfältige, gut kommentierte Neuausgabe geschaffen. Viele Unklarheiten, in den Bemerkungen detailliert aufgelistet, werden beseitigt. Neben einer unbezeichneten Violastimme steht eine mit Fingersätzen und Bogenstrichen bezeichnete von Jürgen Weber zur Verfügung. Weber spart zu oft den Gebrauch des 4. Fingers und nutzt hie und da nicht den hellen Klang der A-Saite für forte, aber sonst sind die Bezeichnungen überaus nützlich für den sehr chromatischen Satz. Das für die Bratsche nicht zu schwierige, für das Klavier sehr dicht gesetzte Werk wird hier nach der zuletzt 1937 erfolgten Veröffentlichung vorteilhaft neu herausgegeben.

Max Reger, Klarinettensonate op. 107, Fassung für Viola, Urtext hg. von Michael Kube, mit zusätzlicher von Jürgen Weber bezeichneter Violastimme, HN 1099, € 18.00, G. Henle, München 2013

Mit der zweibändigen Neuausgabe der gesammelten Orgelwerke von Johann Speth (1664–ca. 1719/20) macht Doblinger in der Reihe «Diletto Musicale» eine wichtige Quelle süddeutscher Tastenmusik erneut zugänglich. Komplett war sie bisher entweder nur als Faksimile verfügbar (Helbling 1993) bzw. schon länger vergriffen (Bärenreiter).

Unter dem Titel Ars magna consoni et dissoni. Organisch-Instrumentalischer Kunst-, Zier- und Lustgarten veröffentlichte der Augsburger Domorganist 1693 eine Sammlung von zehn Toccaten (oder «Musicalische Blumen-Felder»), acht Magnificats und drei Variationsreihen. In ihrer Faktur ähneln die Toccaten jenen im Apparatus musico-organisticus Georg Muffats (drei Jahre zuvor veröffentlicht), ohne allerdings deren Komplexität und Ideenfülle zu erreichen. Speth beschränkt sich in der Regel auf eine toccatenähnliche Einleitung, meist über Pedalorgelpunkten, eine kurze Manualiter-Fuge und ein freies Nachspiel. Italienische Einflüsse sind in den Durezze-e-ligature-Abschnitten und dann vor allem auch in den Variationsreihen erkennbar, während die jeweils siebensätzigen Magnificat-Bearbeitungen jenen Kerlls vergleichbar sind. Auffallend die dynamischen Angaben in der Toccata Quarta!

Eine empfehlenswerte Neuausgabe, denn in ihrer Kürze und Überschaubarkeit eignen sich die Werke ausgezeichnet für Gottesdienst und Konzert.

Johann Speth, Sämtliche Orgelwerke, hg. von Ingemar Melchersson, Diletto Musicale; Band 1, DM 1449, € 18,95; Band 2, DM 1450, € 20.95; Doblinger, Wien 2013

Steve Gadd, Gary Chaffee, David Garibaldi und Rick Latham – um nur einige zu nennen – gelten als Pioniere des Linear Drumming. Diese Technik des Drumset-Spiels kam Mitte der 1970er-Jahre auf und ist bis heute unvermindert populär. Lehrmittel wie Time Functioning Patterns (1980), Linear Time Playing (1993) – beide von Gary Chaffee –, Advanced Funk Studies (1980) von Rick Latham und Future Sounds (1990) von David Garibaldi fanden schnell ihren Platz auf den Notenpulten von Amateuren und Profis.

In Creative Dimension zeigt der Schweizer Drummer Charlie Weibel auf eindrückliche Art und Weise, welch coole Grooves und Fills mit Linear Drumming möglich sind. Schon die Vorübungen in Weibels Heft machen Laune und sind durchaus auch für Anfänger geeignet. In der Folge gehts dann aber mit über zweihundert eintaktigen Beispielen richtig zur Sache. Es gibt lineare wie auch quasi-lineare Grooves, die Funk- und Fusionstyle, Latinrhythms sowie Shuffles repräsentieren.

Die Übungen und Rhythmen in Creative Dimension erinnern an die Werke der oben genannten Protagonisten, von denen der Autor nach eigener Aussage stark inspiriert ist. Bei der Wahl der Notationsform, wo die gleichzeitig gespielten Schläge unter einem nach oben gerichteten Notenhals notiert werden, mag wohl Rick Latham Pate gestanden haben. Ein zusätzlicher Vorteil dieser Notationsform besteht darin, dass sie fast ohne Pausen auskommt; die Rhythmen sind somit leicht zu entziffern.

Charlie Weibel verzichtet bewusst auf lange Textpassagen und lexikalische Erklärungen, was dem Heft sehr zugute kommt. Als Supplement präsentiert er sechs anspruchsvolle Soli aus seinem 2001 erschienenen Heft Drumspectrum. Auf der beigelegten CD werden gut 150 Tonbeispiele zur Verfügung gestellt. Die Aufnahmen bestechen durch exakte Einspielung und satten Sound. Echt cool.

Charlie Weibel, Creative Dimension. Contemporary concepts for drumset, special grooves & solo drumming, Linear Time Playing (L.T.P) in Funk Latin Fusion Style, mit CD, Fr. 39.00, Ghost Note Productions, Luzern, ISMN 979-0-000-00158-9, www.weibeltech.ch