Dopo che il Tribunale federale del lavoro ha stabilito che le orchestre statali e comunali non hanno più diritto ad aumenti salariali nel settore pubblico (il quotidiano musicale svizzero segnalato), i toni tra le parti sociali si fanno più accesi.

Secondo un comunicato stampa dell'Associazione delle orchestre tedesche (DOV), gli orchestrali "chiedono simultaneamente di preservare la cultura orchestrale unica della Germania". Si tratta della più grande azione di protesta in Germania dagli anni Cinquanta, alla quale partecipano anche la Filarmonica di Berlino e altre rinomate orchestre di alto livello.

Il 1° ottobre 2013 inizieranno a Berlino le trattative collettive tra il DOV e l'Associazione tedesca dei palcoscenici sulle modalità di applicazione retroattiva degli accordi salariali nel settore pubblico alle orchestre statali e comunali dal 2010.

Non c'è quasi nessun altro genere che abbia raggiunto l'importanza classica con un numero così esiguo di pezzi rilevanti come il quartetto per oboe. Fino a 20 anni fa esistevano solo tre opere veramente note, ovvero quelle di Johann Christian Bach, Wolfgang Amadé Mozart e Benjamin Britten. Fortunatamente, la situazione è migliorata negli ultimi anni e grazie alle nuove composizioni di Isang Yun, Elliott Carter, Rudolf Kelterborn e Harrison Birtwistle (tutte composte sotto l'impulso di Heinz Holliger e da lui eseguite in prima assoluta), è ora possibile programmare opere più diverse.

"Mémoire, Cercles" di Xavier Dayer si aggiunge ora a questa illustre serie di composizioni di successo. L'autore descrive il suo lavoro come una meditazione sulla questione di cosa accadrebbe se l'oblio totale rendesse completamente impossibile la memoria. Utilizzando una sofisticata tecnica di variazione, l'artista cambia e camuffa un'idea melodica di base (che non appare mai nella sua forma di base) e traccia la forma di un cervello umano in una forma circolare simile a un rondò. Il suono è incantevole, a volte enigmatico, ma molto vario e sfaccettato ed estremamente virtuosistico. Il disegno ritmico e dinamico è costantemente espressivo e crea ripetutamente interessanti strutture di rilievo, soprattutto quando le linee melodiche tra i singoli strumenti si intrecciano e si incrociano.

Coloro che desiderano raccogliere questa gratificante sfida possono aspettarsi un'edizione pulita e ben ponderata. I tornesi che funzionano e le generose note dell'incisore (spesso su un pentagramma separato) aiutano la comprensione della musica e facilitano le prove di un'opera certamente non facile.

Xavier Dayer: Mémoire, Cercles, per oboe, violino, viola e violoncello, MCX87, fr. 35.00, Edizioni Bim, Vuarmarens 2012

I brani per pianoforte solo sono tanto rari nella letteratura classica quanto nel jazz, ma sono una vera rarità nella musica popolare. Hans Frey (1913-1973) di Lachen era un tempo celebrato come un maestro indiscusso in questo campo dagli appassionati di nicchia e favorito da Radio Beromünster. Senza alcuna formazione musicale o conoscenza della musica, ma dotato di grande talento e di un orecchio assoluto, l'accordatore di pianoforti di Ausserschwyz ha lasciato 43 danze per pianoforte solo. In occasione del centenario della sua nascita e del quarantesimo anniversario della sua morte, il commerciante di musica di Wollerau Mathias Knobel ha pubblicato queste polke, ländler, mazurche, marce e schottisches, alcune delle quali virtuose, in una raccolta completa di spartiti.

Come è noto, la musica country ha attribuito al pianoforte solo un ruolo secondario come strumento di accompagnamento ritmico e armonico, e in alcuni luoghi è addirittura disapprovato del tutto. Frey, che ovviamente ascoltava anche i pianisti ragtime e stride, non si accontentava di una funzione di sideman. Già in gioventù invitava occasionalmente i compagni di scuola a "Concerto e sciroppo" nel Bären, dove poteva esercitarsi anche a causa della mancanza di un pianoforte proprio. Alla sua prima e unica lezione di pianoforte, si dice che l'insegnante, esasperato, lo abbia mandato via immediatamente perché suonava tutto subito. Ben presto i notabili del villaggio lo portarono fuori dall'aula scolastica per mostrare il bambino prodigio ai loro ospiti.

Fredy Reichmuth, collaboratore di lunga data di Knobel alla fisarmonica e al pianoforte, ha trascritto meticolosamente le note delle registrazioni di Frey nelle chiavi originali. La sua predilezione per i tasti neri si riflette già nei primi due numeri in re bemolle maggiore. Mentre la mano sinistra è in grado di eseguire crotchets tra bassi d'ottava e accordi a tre parti, la mano destra può indulgere in esecuzioni di croma in terza o sesta. Non si tratta quindi di letteratura per principianti, soprattutto quando Frey si concede un settenario per ospitare un passaggio cromatico tra due battute.

Questo bel volume di spartiti, che contiene anche una biografia compatta con foto, è probabilmente tecnicamente fuori dalla portata dei pianisti ländler dilettanti. È quindi ancora più adatto ai curiosi che desiderano sfidare i pregiudizi sulla "semplice" musica country. Le 43 danze dovrebbero interessare soprattutto i pianisti alla ricerca di un complemento autoctono e concreto ai valzer di Chopin o di Fats Waller. Poiché la maggior parte del repertorio Ländler è disponibile solo in notazione semplificata (melodia, eventualmente seconda parte e cifratura degli accordi), gli spartiti dettagliati di Frey potrebbero essere interessanti anche come oggetti di studio per l'analisi e la sistemazione stilistica. Inoltre, le registrazioni di Frey sono disponibili su due CD - per quanto riguarda il fraseggio, la dinamica e la pratica dell'ornamentazione: Ricordi di Hans Frey, Vol. 1 + 2

Spartito: Hans Frey (1913-1973), pianista e compositore di musica popolare svizzera, trascrizione: Fredy Reichmuth, curatore: Mathias Knobel, tutte le 43 composizioni in versione originale, formato A4, 136 pagine, copertina in brossura, fr. 56.00, Negozio di musica Knobel, Wollerau 2013

VIT sono "Cose Molto Importanti" che sono diventate parte integrante della nostra vita quotidiana, come ad esempio il Pinzetteche Roach o il Autorità portuale. Tutti ricevono qui un ritratto affettuoso e ironico in un linguaggio musicale avanzato e non troppo difficile da capire. I sette brevi brani per sassofono e pianoforte sono dedicati da un lato al sassofonista Jean-Michel Goury e dall'altro a Erik Satie. Accanto a titoli come Ginnasticache nel migliore dei casi si riferisce alla Ginnastiche o il necrologio del Dodo come possibile parallelo al Embryons desséchés è soprattutto il fatto che ogni brano è preceduto da un testo descrittivo e sobrio che ricorda Satie nella sua distanza dall'evento musicale-poetico che segue.

Ognuno dei sette pezzi ha una forma chiara, deriva da un materiale di base semplice ed è realizzato con fantasia. Un motivo spesso ricorrente è la gestione dei disturbi. Le parti all'unisono vengono interrotte all'improvviso, o perché il sassofonista sta riflettendo su una nota o perché il pianista vuole dimostrare il suo virtuosismo. Oppure il sassofonista sperimenta cambiamenti microtonali all'unisono, che devono far impazzire il pianista, incapace di farlo. In cambio, il sassofonista deve seguire la comune istruzione di suonare "intonazione pura", che nel migliore dei casi suscita un sorriso stanco da parte del pianista. Un altro motivo frequentemente ricorrente è il rispecchiamento, sia all'interno della sequenza delle file dodecafoniche sia nella struttura formale. Il vivace primo brano (il Annaffiatoio), ad esempio, è perfettamente simmetrica.

I brani possono essere eseguiti come una suite, ma possono anche essere inseriti singolarmente tra altre opere. Lo rendono possibile l'umorismo, la concisione e la scarsa connessione reciproca.

Rico Gubler, VIT Very important things, per sassofono contralto e pianoforte, FH 3446, € 17,80, Friedrich Hofmeister, Lipsia 2012

Il primo simposio internazionale di baglama in Germania, organizzato dal Consiglio di Stato per la Musica di Berlino, si è concluso il 15 settembre 2013 presso l'Università delle Arti di Berlino. A seguito del simposio, che ha trattato intensamente la teoria e la storia dello strumento, si sono tenuti dei colloqui tra la Facoltà di Musica dell'UdK di Berlino e il direttore del Conservatorio Statale di Musica Turca di Istanbul, Cihangir Terzi, per discutere di possibili collaborazioni tra le due università.

L'Udk di Berlino ha annunciato l'inserimento del baglama nel piano di studi dell'Università delle Arti di Berlino. L'obiettivo è quello di far sì che un maggior numero di persone con un background migratorio si interessi allo studio della musica come insegnante e di dare un contributo significativo all'integrazione degli alunni con un background migratorio, integrando questo strumento tradizionale nelle lezioni, soprattutto nelle scuole primarie.

La baglama - simile alla chitarra in Germania - ha uno status elevato nella vita sociale dei migranti di origine turca e nella Turchia stessa. In un arco di tempo molto breve, si è trasformato in uno strumento con tecniche esecutive sempre più virtuose e con elevati standard artistici. Nel frattempo, la baglama è diventata anche parte integrante di musica di successo commerciale e, soprattutto grazie al suo utilizzo nella musica pop, ha conquistato un posto fisso nella vita quotidiana dei giovani, indipendentemente dal loro background culturale.
 

Non sorprende che la vasta famiglia di Richard Wagner abbia anche un ramo in Svizzera. Ma il fatto che fino a qualche tempo fa questo fosse sconosciuto anche ai membri più stretti della famiglia è ancora più sorprendente. Nella loro nuova monografia, Verena Naegele e Sibylle Ehrismann rivelano come si è arrivati a questa situazione e che cosa sono i discendenti svizzeri di Wagner. I Beidler. All'ombra del clan Wagner non è solo un volume che accompagna la mostra che i due giornalisti musicali hanno organizzato su questo tema e presentato all'Archivio della città di Zurigo nell'estate 2013. Si tratta di un'analisi indipendente dei complessi eventi che hanno portato alla divisione tra le famiglie Beidler e Wagner, e a volte si legge come un thriller che non si riesce a smettere di leggere.

In una sofisticata ouverture, gli autori iniziano con il controverso processo di paternità, analizzando per la prima volta fonti sconosciute: Isotta, la figlia primogenita di Richard Wagner, sposata al direttore d'orchestra svizzero Franz Beidler, si batteva per il diritto di portare il nome Wagner. Tuttavia, essendo nata (come i suoi fratelli Eva e Siegfried) in un periodo in cui la madre Cosima era ancora sposata con Hans von Bülow, era legalmente una von Bülow nata. Gli autori tracciano le conseguenze del processo perduto per la famiglia Beidler, in particolare per il primo nipote di Wagner, Franz Wilhelm Beidler, in modo dettagliato, ma non con grande attenzione ai particolari. Con un tono semplice, ma attento all'argomento trattato, gli autori ripercorrono un'ampia gamma di eventi, da Lucerna a Bayreuth e Berlino negli anni Venti fino a Zurigo, dove Franz Wilhelm Beidler contribuì a plasmare la vita culturale svizzera per molti anni come segretario dell'Associazione svizzera degli scrittori.

"Beidler - il nome ci era sconosciuto", afferma Nike Wagner nella prefazione di questo volume meticolosamente ricercato, che ora colma una lacuna nella genealogia dei Wagner.

Verena Naegele e Sibylle Ehrismann: I Beidler. Im Schatten des Wagner-Clans, 336 p., Fr 38.00, Rüffer & Rub, Zurigo 2013, ISBN 978-3-907625-66-8

Mentre Norbert Burgmüller (1810-1836), che morì nello stesso anno, ha vissuto nel Monumenti della musica renana Mentre siamo in buone mani con l'edizione completa dei suoi quattro quartetti per archi, l'argoviese Friedrich Theodor Fröhlich (1803-1836) ha ancora qualche difficoltà in questo senso. Dei cinque contributi al genere, che sono tra le sue principali opere strumentali, solo il Quartetto in mi maggiore, scritto a Berlino nel 1827/28, è disponibile a stampa. È stato editato dall'autografo e corredato da una prefazione di Carola Gloor, studentessa di musica e violoncellista di Bruges. La sua tesi di maturità dedicata a Fröhlich le è valsa il premio speciale con la valutazione "eccezionale". La gioventù svizzera nella scienza: la cultura del 47° Concorso Nazionale dopo aver rivisto il testo con l'esperto di quartetto d'archi Antonio Baldassare.

La prima edizione (partitura e parti), pubblicata in soli 280 esemplari, si basa sulla trascrizione di Carola Gloor del manoscritto di Fröhlich utilizzando il programma di notazione musicale Sibelius. Pubblicata nella nota qualità incisoria di Amadeus Verlag, gestito dal violista Bernhard Päuler, l'opera in quattro movimenti rappresenta un significativo arricchimento del repertorio quartettistico del primo romanticismo.

Se Fröhlich avesse presentato quest'opera ai suoi insegnanti berlinesi Karl Friedrich Zelter e Bernhard Klein, difficilmente avrebbero approvato le sue numerose idiosincrasie. Tuttavia, esse aumentano considerevolmente il fascino di questa composizione formalmente e tonalmente anticonvenzionale. Sebbene non contenga una sezione di sviluppo, il primo movimento è in forma di sonata. Nell'Adagio, ritmi complicati e sestine diversamente fraseggiate complicano l'interazione. Il finale particolarmente fantasioso, scritto in forma di rondò libero, cita per lunghi tratti il primo movimento e sorprende con inserimenti di tipo recitativo e un efficace fugato.

A quanto pare, l'editore e il suo consulente accademico non si sono resi conto che il dolcemente ondeggiante tema principale del primo movimento in tempo di sei ottavi non è un'invenzione di Fröhlich. Proviene dalla Sonata per pianoforte in mi maggiore op. 6 di Felix Mendelssohn Bartholdy, pubblicata per la prima volta nel 1826. Lo stesso compositore, che Fröhlich apprezzava più di quanto riuscisse a contattare a Berlino, ha lasciato la sua impronta anche nello Scherzo. La combinazione di lunghe catene di semicrome con crome di accompagnamento staccate nel registro inferiore si trova già nel suo Capriccio in fa diesis minore op. 5 per pianoforte, stampato nel 1826.

Quello che è stato a lungo conosciuto come il fenomeno di Fröhlich Missa I si rivelò un giorno una copia solo leggermente modificata di una messa di Johann Gottlieb Naumann (1741-1801). Ancora una volta, Fröhlich si distingue come un allegro plagiatore, anche se questo non sminuisce in alcun modo il valore dell'opera nel suo complesso per quanto riguarda il breve tema principale del quartetto d'archi.

Friedrich Theodor Fröhlich: Quartetto per archi in mi maggiore, a cura di Carola Gloor, BP 1842, Fr.68.00, Amadeus Verlag, Winterthur 2012

Janáček Messa glagolitica per soli, coro e orchestra ha una genesi complessa. Ci sono grandi differenze tra la versione precedente alla prima esecuzione del 1927 e la versione finale stampata. Jirí Zahrádka, il curatore di questa nuova edizione, ha risolto il problema presentando anche due partiture (la versione "settembre 1927" come BA 6863; e la versione finale come BA 6862). La versione più recente è stata presa in considerazione come versione valida per le esecuzioni. È più ricca strumentalmente, più semplice nella prova e più condensata in alcuni passaggi importanti.

La riduzione per pianoforte qui presentata segue questa versione successiva. Il testo in slavo ecclesiastico è stato arrangiato dallo slavista Radoslav Vecerka; il materiale esecutivo è disponibile in prestito da Bärenreiterverlag.

Leoš Janáček: Mša glagolskaja, riduzione per pianoforte secondo l'edizione critica completa, a cura di Martin Zehn, BA 6862-90, € 34,95, Bärenreiter, Kassel 2012

Sottovalutati tra loro: Joseph Haydn e Dmitri Shostakovich non solo condividono il destino di essere rimasti all'ombra di altri, ma rivelano anche sorprendenti somiglianze. La loro chiarezza è impressionante. Condividono anche il senso dell'umorismo, che nel caso di Shostakovich può talvolta trasformarsi in amaro sarcasmo. Questo non è ancora così fortemente espresso nel suo primo lavoro, il Trio per pianoforte e orchestra n. 1 in do minore, composto nel 1923. Ma è ancora più drastico nel secondo trio per pianoforte e orchestra op. 67 del 1944, nel cui ultimo movimento Shostakovich si abbandona alla penetrante insistenza per la quale divenne famoso (e famigerato).

Al trio Huh non sfugge nulla. Con energia - "la bellezza del tono è una questione minore" - affrontano passaggi ritmicamente martellanti. D'altra parte, formulano in modo finemente cesellato il vocabolario di Joseph Haydn nel suo Trio in mi bemolle maggiore n. 29 del 1784. Molti non sanno cosa fare con la musica da camera di Haydn, esagerando con i vari giochi di tempi e colori tonali. Gli Huhs sono completamente diversi: con il primo potente accordo, tutto prende il suo corso naturale, ma molto flessibile. Raramente abbiamo sentito un'attacca così fine come nella transizione dall'andantino al finale.

Le transizioni di natura culturale caratterizzano le biografie delle sorelle Huh. Sono nate in Corea e svolgono un ruolo importante nella vita culturale del Paese, ma spesso tengono anche concerti in Europa. La violoncellista Yun-Jung e la violinista Hee-Jung insegnano a Seoul, mentre la pianista Seung-Yeun è docente all'Università delle Arti di Zurigo e direttrice della scuola di musica del Conservatorio della città di Zurigo.

L'ingegnere del suono del CD, Jan Zácek, è interessato a transizioni di tipo diverso. La registrazione merita il massimo elogio anche perché ha progettato in modo così congeniale il percorso dagli strumenti al disco rigido. Semplicemente un meraviglioso piacere d'ascolto!

Trii per pianoforte di Joseph Haydn e Dmitri Shostakovich. Huh-Trio: Seung-Yeun Huh, pianoforte; Hee-Jung Huh, violino; Yun-Jung Huh, violoncello. Acustica Records

Jean-François Michel (*1957) gode di un'ottima reputazione in Svizzera come brillante trombettista e come professore di tromba all'Università della Musica (Losanna, Friburgo, Sion). Come solista, l'ex trombettista principale dell'Orchestra Filarmonica di Monaco di Baviera si esibisce anche sulla scena internazionale e offre masterclass. Un campo di attività altrettanto centrale e di successo per Michel è la composizione di brani di musica da camera in vari stili e livelli di difficoltà.

Lorie è una composizione leggera e modale in tre brevi movimenti con forti richiami all'agitata musica popolare irlandese con radici celtiche. Il primo movimento è una giga con una vivace melodia in dorico, che è in parte accompagnata da elementi percussivi (i ritmi devono essere battuti sul legno del pianoforte e sul bordo del bocchino), che ricordano il battere ritmico delle scarpe dei ballerini in un reel irlandese. Il lento movimento centrale è caratterizzato da una semplice melodia in tonalità maggiore e, con il suo carattere legato, offre un contrasto con i due movimenti esterni. Il movimento finale - come una melodia di violino - con ritmi punteggiati e una melodia mixolydiana con passaggi in maggiore e minore, è anch'esso pieno di energia, gioia di suonare e umorismo.

Il brano, della durata di circa cinque minuti, sarebbe molto adatto come pezzo da concorso per il livello intermedio.

Jean-François Michel: Lorie, per tromba in Sib e pianoforte, (=Swiss Composers Series), TP332, Fr. 20.00, Edition Bim, Vuarmarens 2011

Sottovalutati tra loro: Joseph Haydn e Dmitri Shostakovich non solo condividono il destino di essere rimasti all'ombra di altri, ma rivelano anche sorprendenti somiglianze. La loro chiarezza è impressionante. Condividono anche il senso dell'umorismo, che nel caso di Shostakovich può talvolta trasformarsi in amaro sarcasmo. Questo non è ancora così fortemente espresso nel suo primo lavoro, il Trio per pianoforte e orchestra n. 1 in do minore, composto nel 1923. Ma è ancora più drastico nel secondo trio per pianoforte e orchestra op. 67 del 1944, nel cui ultimo movimento Shostakovich si abbandona alla penetrante insistenza per la quale divenne famoso (e famigerato).

Al trio Huh non sfugge nulla. Con energia - "la bellezza del tono è una questione minore" - affrontano passaggi ritmicamente martellanti. D'altra parte, formulano in modo finemente cesellato il vocabolario di Joseph Haydn nel suo Trio in mi bemolle maggiore n. 29 del 1784. Molti non sanno cosa fare con la musica da camera di Haydn, esagerando con i vari giochi di tempi e colori tonali. Gli Huhs sono completamente diversi: con il primo potente accordo, tutto prende il suo corso naturale, ma molto flessibile. Raramente abbiamo sentito un'attacca così fine come nella transizione dall'andantino al finale.

Le transizioni di natura culturale caratterizzano le biografie delle sorelle Huh. Sono nate in Corea e svolgono un ruolo importante nella vita culturale del Paese, ma spesso tengono anche concerti in Europa. La violoncellista Yun-Jung e la violinista Hee-Jung insegnano a Seoul, mentre la pianista Seung-Yeun è docente all'Università delle Arti di Zurigo e direttrice della scuola di musica del Conservatorio della città di Zurigo.

L'ingegnere del suono del CD, Jan Zácek, è interessato a transizioni di tipo diverso. La registrazione merita il massimo elogio anche perché ha progettato in modo così congeniale il percorso dagli strumenti al disco rigido. Semplicemente un meraviglioso piacere d'ascolto!

C'è la tradizionale linea di letture di Norma, con Maria Callas, Joan Sutherland o Edita Gruberova. E c'è Cecilia Bartoli, scrive la Giuria dei critici discografici tedeschi.

La Bartoli ha restituito a Norma la parte belcantistica del repertorio per mezzosoprano originariamente previsto. Lo fa con l'arte del canto che le è propria: cantando "a pugni chiusi, per così dire, con una coloratura prorompente, una fioritura esplosiva e superando abilmente l'imponenza un po' attempata che si sente in molte registrazioni di quest'opera, non da ultimo a causa dell'orchestra convenzionale".

I premiati di quest'anno includono anche mottetti solistici di Antonio Vivaldi con Julia Lezhneva e Il Giardino Armonico (Decca), Dove è amore è gelosia di Scarlatti con l'Orchestra della Corte di Schwarzenberg (Naxos) e un'edizione per l'anniversario con registrazioni di Alfred Cortot (EMI).

Il Premio della Critica Discografica Tedesca è stato fondato nella sua forma attuale nel 1980 da un gruppo di critici discografici che hanno costituito un'associazione indipendente registrata nel dicembre 1988; continua la tradizione del primo premio discografico tedesco con lo stesso nome, fondato nel 1963 dall'editore di Bielefeld Richard Kaselowsky.
 

L'accordo entra in vigore il 1° settembre 2013. Gli accordi consentono ai compositori e agli autori svizzeri di ricevere i proventi per l'utilizzo delle loro opere su YouTube anche all'estero.

Oltre all'accordo con Suisa, YouTube ha concluso accordi con oltre 40 altre società di gestione collettiva in tutto il mondo. Tra queste, ad esempio, PRS for Music nel Regno Unito, Sacem in Francia, SGAE in Spagna, SIAE in Italia, Buma Stemra nei Paesi Bassi e, più recentemente, AKM/austro Mechana in Austria.

La Deutsche Orchestervereinigung e.V. (DOV) non è quindi riuscita a prevalere sull'Arbeitgeberverband Deutscher Bühnenverein (DBV) in ultima istanza.

Dal 2010, la DBV si è rifiutata di continuare ad applicare il regolamento del contratto collettivo sul trasferimento delle percentuali salariali alle orchestre statali e comunali, in vigore da decenni. Di conseguenza, gli stipendi delle orchestre concordati collettivamente sono attualmente inferiori di circa l'8% rispetto a quelli dei dipendenti del settore pubblico.

L'amministratore delegato del DOV, Gerald Mertens, si rammarica della decisione della BAG e "chiede ora all'Associazione tedesca dei palcoscenici di concludere senza indugio le nuove tabelle salariali per le orchestre statali e municipali attraverso un contratto collettivo che compensi tutti gli aumenti percentuali apportati dagli enti statali e locali dal 2010".

Purtroppo, ogni anno c'è il rischio di controversie salariali di massa, scrive il DOV in un comunicato stampa ufficiale. .

Nonostante i grandi sforzi, non è stato possibile ristabilire un rapporto di fiducia sostenibile all'interno degli organi di gestione, scrive ancora il Cantone. Roger Bischofberger ritiene che la cooperazione sia così tesa da non vedere alcuna possibilità di gestire con successo i compiti di sviluppo che ci attendono.

Gli organi direttivi della SfG hanno deciso di mantenere la riservatezza su questo argomento.

Roger Bischofberger, 55 anni, ha assunto la direzione di Dorothea Flury nell'agosto 2011. In precedenza ha lavorato come insegnante di arti visive nella scuola secondaria. Durante il suo incarico di direttore, è riuscito a differenziare i programmi di formazione esistenti e ad avviare lo sviluppo di nuovi corsi.

Il posto di direttore della scuola è in corso di pubblicazione. Ursula Gysin, vicedirettore, e Christoph Reber, responsabile dell'amministrazione, assumeranno la cogestione fino all'assunzione del posto da parte del successore di Roger Bischofberger. Nel periodo intermedio saranno affiancati da Hans Georg Signer, responsabile dell'istruzione.