Tra i possibili esempi vi sono i diritti personali per l'utilizzo dell'immagine di un artista, i diritti di marchio per l'utilizzo del logo di una band per la produzione di merchandising, i diritti d'autore per lo sfruttamento di una canzone o i diritti di protezione affini per lo sfruttamento di una registrazione. Il contratto di licenza regola quindi chi può utilizzare quale diritto in quale ambito (in termini di contenuto, tempo e territorio) e a quali condizioni.

Praticamente tutti i musicisti, nel corso della loro vita professionale, si trovano ad affrontare contratti che riguardano i diritti sulle loro composizioni (diritti d'autore) o i loro diritti come esecutori (diritti connessi). Dolly Parton ha una canzone Ti amerò sempre ha composto e scritto il testo ed è quindi l'autore della canzone. La canzone è diventata un successo commerciale mondiale quando Whitney Houston l'ha incisa. Whitney e i suoi colleghi musicisti ne detenevano i diritti di protezione in qualità di interpreti. 

Un musicista o un'etichetta che vuole pubblicare delle registrazioni assume regolarmente dei "musicisti di sessione" per lavorare in studio come supplemento. Per poter sfruttare successivamente la registrazione, il musicista o l'etichetta hanno bisogno di una licenza per i diritti dei musicisti di sessione. A tal fine, le parti coinvolte firmano regolarmente una ricevuta d'artista, che è una forma molto semplice di accordo di licenza. Con la ricevuta dell'artista, i musicisti di sessione vendono tutti i diritti sulla registrazione per una somma unica. Conservano solo i diritti che non possono cedere per legge (ad esempio, i diritti di remunerazione per la trasmissione o l'esecuzione delle registrazioni, che sono gestiti da Swissperform in Svizzera). La vendita dei diritti è generalmente valida per sempre, per tutto il mondo e per tutti i tipi di utilizzo. 

Per portare una registrazione al pubblico, gli artisti di solito stipulano i cosiddetti "contratti d'artista", "contratti di trasferimento su nastro" o "contratti di distribuzione" con un'etichetta, un distributore o un aggregatore. Il tipo di contratto più adatto dipende in particolare da chi si assume il rischio economico per la produzione e la commercializzazione della registrazione. Con un contratto d'artista, l'etichetta si fa carico della maggior parte dei costi, dalla produzione alla commercializzazione e alla distribuzione. In cambio, l'artista deve impegnarsi personalmente con l'etichetta per diversi anni e trasferisce i diritti sulle registrazioni per decenni. Inoltre, l'etichetta riceve la maggior parte dei proventi dello sfruttamento. Nel caso di un accordo di trasferimento su nastro, l'artista paga la produzione e consegna le registrazioni mixate finite, in alcuni casi con l'artwork, ecc. Con un contratto di distribuzione, il distributore o l'aggregatore si occupa solo della logistica (digitale/fisica), mentre tutti gli altri compiti organizzativi e finanziari sono a carico dell'artista.

Il contratto di trasferimento su nastro viene spesso confuso con il contratto di edizione. Mentre l'editore dovrebbe occuparsi dell'utilizzo dei diritti d'autore della composizione (indipendentemente da una specifica registrazione), il contratto di trasferimento del nastro regola i diritti su una specifica registrazione. Con la canzone Ti amerò sempre una casa editrice sarebbe stata responsabile dei diritti di Dolly Parton come compositrice e paroliera e una casa discografica dei diritti di Whitney Houston sulla registrazione.

Per tutti questi contratti, i musicisti dovrebbero innanzitutto pensare a chi sta investendo quanto denaro e quanto impegno nella realizzazione della registrazione. La ripartizione del rischio dovrebbe poi riflettersi nella ripartizione dei ricavi del contratto: più alto è il rischio economico di una parte, più alta dovrebbe essere la sua quota di ricavi. Occorre inoltre considerare attentamente la durata del contratto e la durata del trasferimento dei diritti. Anche in questo caso, maggiore è il rischio economico, minore è la durata. Frasi come "per la durata della protezione" si traducono in "per 70 anni". Infine, ma non per questo meno importante, è necessario esaminare con attenzione la quota di ricavi. Dovrei utilizzare
del contratto nel modo più semplice possibile per calcolare quanto denaro riceverò dalla valutazione della registrazione. Il fattore decisivo non è solo l'ammontare della percentuale, ma anche la sua base: frasi come "... al netto dei costi ..." senza che questi costi siano definiti nel contratto, non sono regolarmente accettabili.
una fonte di spiacevoli discussioni.

Pertanto, la mia raccomandazione finale: Prendetevi il tempo necessario per le trattative e chiedete consiglio a uno specialista.

Chantal Bolzern
... è avvocato, mediatore e co-presidente di Helvetiarockt.

La storia della musica in Svizzera è uno scrigno pieno di gemme da scoprire. Ma troppo spesso questi gioielli possono essere trovati solo rovistando negli archivi e nelle biblioteche o non sono ancora stati portati alla luce. Ad esempio, chi conosce il compositore ed editore musicale Emil Ruh o la compositrice e psicanalista Elisabeth Spöndlin? Mentre sarebbe necessario consultare i discendenti di Emil Ruh, la ricerca di informazioni su quest'ultima non è difficile: l'affascinante compositrice Elisabeth Spöndlin è già elencata nell'MLS. La moderna e-enciclopedia rende la caccia al tesoro molto più facile e apre l'accesso alla storia della musica svizzera con un semplice clic del mouse. 

Scientificità, multilinguismo, accessibilità

Il MLS è un progetto della Società Musicologica Svizzera (SMG). È sostenuta da un Consiglio di fondazione dell'Accademia svizzera di scienze umane e sociali (SAHS) composto da Irène Minder-Jeanneret (Presidente), Caiti Hauck (Vicepresidente, Università di Berna), Cristina Urchueguía (Università di Berna), Sandra Tinner (Consiglio svizzero della musica), Marco Jorio (ex caporedattore del Dizionario storico della Svizzera), Pio Pellizzari (ex direttore della Fonoteca nazionale svizzera), Christiane Sibille (Politecnico di Zurigo), Stefanie Stadler Elmer (Università di Zurigo), Moritz Kelber (Università di Augusta). Fin dall'inizio, il Consiglio di amministrazione ha concepito l'MLS come un'opera di riferimento moderna e ha formulato quattro obiettivi. Il primo è quello di catalogare e documentare la cultura e la storia della musica; il secondo è quello di fornire articoli scientifici contenenti testi, suoni e immagini accessibili in varie lingue. Il terzo obiettivo è l'accessibilità pubblica illimitata e la conservazione sostenibile del patrimonio culturale, mentre il quarto è la cooperazione con varie istituzioni. Per introdurre la MLS e risvegliare il desiderio di scrivere, il Consiglio di fondazione sta organizzando una conferenza e un workshop a novembre.

Conferenza: L'MLS come e-Lexicon 

La conferenza "La musica in Svizzera nel passato e nel presente: il lessico musicale svizzero per il XXI secolo" si svolgerà dal 23 al 24 novembre e offrirà un programma molto vario. I rappresentanti di oltre 15 diverse enciclopedie, banche dati e progetti di informazione digitale come RISM, Memoriav, Wikipedia, Oesterreichisches Musiklexikon online e molti altri presenteranno il loro lavoro e discuteranno le sfide e le opportunità delle opere di consultazione musicale nel XXI secolo. Oltre alla conferenza, alla quale tutti gli interessati sono invitati a partecipare, il MLS offre anche un workshop sulla redazione di articoli lessicografici. Nel workshop del 25 novembre a Berna, l'équipe della MLS insegnerà come elaborare, ad esempio, le informazioni provenienti dagli archivi di club e di famiglia per trasformarle in un articolo della MLS. Nello spirito della partecipazione culturale, la MLS invita a partecipare alla stesura degli articoli: Suo nonno componeva? Sua zia era un'editrice musicale? Tutte queste testimonianze, e molte altre ancora, fanno parte della storia musicale della Svizzera e possono entrare a far parte dell'MLS grazie alla loro partecipazione (cfr. pag. 53). 

Il Dizionario della musica in Svizzera dà accesso alla storia della musica in Svizzera a tutti gli interessati. Per presentare il DMS e incoraggiare le persone a contribuire con articoli, il suo team editoriale sta organizzando una conferenza e un workshop a novembre. La conferenza "La musique en Suisse, hier et aujourd'hui : Le Dictionnaire de la musique en Suisse pour le XXIe siècle" si terrà il 23 e 24 novembre, con relatori che rappresenteranno un quintetto di lessici, banche dati e progetti di informazione digitale. Il 25 novembre, il team MLS organizzerà un workshop per imparare a scrivere articoli di dizionario; tutti gli interessati sono invitati a partecipare.

l Dizionario della musica in Svizzera apre l' accesso alla storia della musica svizzera a tutte le persone interessate. Per presentare la MLS e soddisfare il desiderio di scrivere, il Consiglio di fondazione organizza una conferenza e un workshop dal 23 al 25 novembre. La conferenza avrà un programma vario, con la partecipazione di rappresentanti di oltre 15 organizzazioni, banche dati e progetti di informazione digitale. Nel workshop, il team MLS insegnerà come scrivere articoli per l'enciclopedia.

Il Festival svizzero della musica per la gioventù 2019 a Burgdorf e quello di quest'anno a San Gallo sono stati due esperienze molto diverse. Nel 2019 abbiamo potuto vivere di più il festival. Ci è stato permesso di suonare un concerto in piazza prima della nostra esibizione in giuria e dopo la nostra esibizione abbiamo ascoltato un'altra performance di un'orchestra sinfonica giovanile ticinese. In seguito abbiamo assistito anche alla cerimonia di premiazione, che si è svolta lo stesso giorno. Tutti si sono riuniti in un tendone e la Consigliera federale Simonetta Sommaruga ha tenuto un discorso. Quest'anno abbiamo fatto "solo" la nostra esibizione in giuria e poi siamo andati a mangiare insieme. Abbiamo visto alcuni altri gruppi del festival passeggiare per la città o suonare nella sala di registrazione, ma nient'altro. La cerimonia di premiazione a San Gallo si è svolta solo la domenica, motivo per cui non eravamo presenti. 

Le nostre capacità sono decisamente migliorate nel corso dei quattro anni. Suonare un pezzo come il concerto per pianoforte di Kabalevsky sarebbe stato impensabile nel 2019. All'epoca non riuscivamo nemmeno ad accordare correttamente (i fiati si accordavano in diversi piccoli gruppi uno dopo l'altro invece di accordarsi tutti insieme) e in generale eravamo ancora meno sicuri di noi stessi. Questo miglioramento è visibile anche nelle valutazioni della giuria. Le recensioni entrano molto più nel dettaglio. Nel 2019, erano gli aspetti più basilari, come l'arco e l'emissione vocale, a necessitare di miglioramenti; quest'anno è stato il fraseggio o il timbro a necessitare di miglioramenti.

Prestazioni senza registrazione

Anche il nostro abbigliamento e quindi la nostra presentazione sono cambiati. A Burgdorf, indossavamo ancora il bianco e il nero. Quasi tutti indossavano semplicemente pantaloni neri e un top bianco che potevano indossare anche sul treno, quindi era piuttosto semplice. Quest'anno il dress code era tutto nero. La maggior parte delle persone ha portato con sé gli abiti da concerto, perché non erano adatti al viaggio in treno. Molti indossavano una camicia, un abito o un vestito.

Pensiamo che il nostro miglioramento sia stato anche il motivo per cui l'acustica della Tonhalle di San Gallo ci ha creato così tanti problemi. Poiché non ci era stato permesso di registrare lì in anticipo, non avevamo idea di come sarebbe stata l'acustica e di quanto avremmo dovuto o potuto suonare forte o piano per rendere il suono equilibrato per il pubblico. Non riuscivamo nemmeno a sentirci l'un l'altro. Gli archi erano a malapena udibili dai fiati (mentre noi stessi suonavamo) e anche gli archi non riuscivano a sentirsi tra loro (soprattutto i violoncelli e i violini). Inoltre, quasi nessuno di coloro che si trovavano più indietro della seconda o terza fila
Eravamo seduti in seconda fila, ad ascoltare il solista, il che significava che non eravamo sempre insieme al solista (secondo la valutazione della giuria). Questo ci ha stressato molto, ma dimostra anche quanto ci siamo abituati ad ascoltarci a vicenda e a formare un'armonia invece di suonare solo le nostre voci.

All'SJMF bisogna essere flessibili

In termini di organizzazione e comunicazione, San Gallo non era l'ideale. A cominciare dal fatto che nella palestra non c'era un pianoforte dove poter suonare. Questo significa che abbiamo dovuto suonare senza il solista, che ha potuto sedersi al pianoforte a coda della Tonhalle solo poco tempo prima. Non ci è stato detto in anticipo che potevamo portare nella Tonhalle solo gli spartiti e gli strumenti non imballati. In teoria, avremmo dovuto disfare i bagagli anche all'Olma, ma nessuno di noi lo sapeva. E nemmeno che potevamo cantare solo dopo che ci avessero annunciato sul palco. Abbiamo avuto l'impressione che gli organizzatori non avessero molta esperienza con le orchestre sinfoniche, il che probabilmente è dovuto al fatto che questa è solo la seconda volta che gli viene permesso di partecipare al SJMF. Tuttavia, uno dei nostri colleghi, che suona ancora in una banda di ottoni e che ha partecipato spesso al festival, ha detto che questi "problemi" sono normali e che bisogna solo sapersi aiutare. Semplicemente non abbiamo esperienza con questi festival.

A Burgdorf non abbiamo avuto complicazioni di questo tipo, ma forse lì è stata prestata particolare attenzione per assicurarsi che fossimo ben accolti e informati, visto che si trattava del primo SJMF per orchestre sinfoniche e d'archi. 

Tutto sommato, la maggior parte di coloro che erano presenti nel 2019 hanno un ricordo migliore di Burgdorf in termini di festival in sé. Ma le nostre capacità e il nostro spirito di squadra sono sicuramente migliori ora di allora e pensiamo che questa sia la cosa più importante. 

Più di 4.200 giovani e un totale di 115 formazioni hanno partecipato al 18° Festival musicale della gioventù svizzera a San Gallo il 16 e 17 settembre. Il grande festival, con le esibizioni delle giurie, le parate musicali, i concerti spettacolo e gli altri programmi del festival, è stato un'esplosione, un evento gioioso per tutti! Nel bel mezzo di tutto questo: L'Orchestra Sinfonica Regionale Giovanile di Soletta (RJSO), in rappresentanza dell'EOV. La RJSO, sotto la direzione di Ruwen Kronenberg e del solista Rafael Giger, ha eseguito a pieni voti il 3° Concerto per pianoforte e orchestra di Dmitri Kabalevsky alla Tonhalle di San Gallo! L'intero consiglio direttivo dell'EOV ha assistito al concerto ed è stato molto orgoglioso dell'appassionata performance della RJSO. L'orchestra di 40 elementi ha dato davvero il massimo! Ma lasciamo che due giovani violinisti della RJSO ci raccontino come hanno vissuto la loro esibizione di fronte alla giuria e al pubblico sabato pomeriggio alla Tonhalle di San Gallo.

Agathe Krähenbühl (9) ha scritto dopo il concerto:

"Eccitato - più eccitato - più eccitato!

Noi, la RJSO, abbiamo avuto l'onore di eseguire il concerto per pianoforte nella Tonhalle di San Gallo. Dal soffitto sopra il palco brillavano bellissime lampade. Le sedie del pubblico erano rivestite di tessuto verde. Sembravano davvero comode! Anche le nostre sedie erano molto accoglienti, nonostante fossero nere. Di fronte al palco c'era la giuria. Era composta da tre persone. Ma dovevo ignorarli perché il pezzo stava per iniziare. Il direttore d'orchestra ha alzato le braccia e la musica è iniziata! Il palcoscenico era abbastanza grande, quindi non ero schiacciato. Ma il suono era completamente diverso per noi musicisti rispetto a Soletta. Ma abbiamo fatto del nostro meglio per adattarci al meglio. Il pianoforte a coda del pianista era così grande che oscurava gran parte dell'orchestra dalla vista del pubblico. Fortunatamente, noi musicisti potevamo ancora vedere molto bene il direttore d'orchestra! Dopo il primo, il secondo e il terzo movimento, la nostra esibizione si è conclusa e il nostro pezzo è stato suonato. Ora abbiamo finito, l'ultima nota è suonata e dopo una breve pausa di qualche secondo è scattato l'applauso. Il pianista si è alzato, ha fatto un inchino e, nonostante la sala fosse piuttosto vuota, ci sono stati molti applausi. Grazie a tutti! È stato davvero impressionante e meraviglioso suonare con l'orchestra! Non vedo l'ora che arrivino i prossimi concerti con la RJSO".

La collega di Agathe, Julia Kaddah (11), ha riassunto le sue impressioni come segue:

"L'RJSO sale finalmente sul palco. Volti emozionati guardano il palco, la gente tira fuori i cellulari, non vede l'ora che il concerto inizi. Grandi e piccoli, vecchi e giovani, tutti qui per ascoltare la RJSO. E poi è iniziato. Si vedono molti volti stupiti e deliziati. E ancora più persone che registravano tutto con i loro cellulari. La musica riempiva l'intera sala. Anche i bambini piccoli guardavano con interesse. Alla fine del concerto, tutti hanno applaudito con forza ed entusiasmo. Si vedevano persone felici ovunque. Gli applausi non si fermavano. Ma quando finalmente si è fermato, l'RJSO ha lasciato il palco".

Quest'autunno non si sono tenute solo elezioni a livello federale. È stato necessario occupare due nuovi posti nel consiglio del Consiglio svizzero della musica: Karin Niederberger, presidente dell'Associazione svizzera di jodel, e Patrizia Lais, dell'Associazione svizzera di musica scolastica, si sono dimesse dalle loro cariche nel Csm. Prima di procedere alle nuove elezioni, la Presidente Rosmarie Quandranti ha ringraziato i membri uscenti per il lavoro svolto nel Consiglio dell'SMR. Diverse persone si sono candidate per entrambi i posti nel Consiglio, rendendo l'elezione molto interessante.

Yvonne Glur, presidente di accordeon.ch, è stata eletta come successore di Karin Niederberger. Sarà quindi lei a rappresentare il settore della musica amatoriale nel Consiglio della musica. Yvonne Glur è fisarmonicista e insegna presso la scuola regionale di musica di Zofingen e presso l'Università di Lucerna per la formazione degli insegnanti. È anche attiva come animatrice e formatrice di giovani e musica. Gestisce due formazioni di giovani fisarmonicisti su base volontaria. 

Rico Gubler, direttore del Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti di Berna, è stato eletto alla seconda posizione del Consiglio di Amministrazione della SMR (Istruzione/Ricerca/Scienza). Rico Gubler è un musicista professionista (sassofono) e un avvocato qualificato e da quest'anno è membro della Conferenza svizzera delle università musicali (KMHS). 

Per restare in tema di elezioni: Non sappiamo ancora chi sarà il nuovo ministro della Cultura in Svizzera... - anche se il consigliere federale Alain Berset diceva: "La Svizzera non ha un ministro della Cultura, ma solo un ministro dell'Interno". È noto che è molto legato alla musica e che nella vita privata ama suonare il pianoforte. In occasione della cerimonia degli Swiss Music Awards, a settembre, ha colto l'occasione per esibirsi,
di duettare con il vincitore principale, il trombettista Erik Truffaz! Quale strumento suonerà il futuro Ministro della Cultura svizzero? 

Come ogni anno, a settembre, il Consiglio svizzero della musica si è incontrato con i colleghi dei consigli musicali di Germania e Austria per uno scambio di idee. Quest'anno l'incontro si è svolto a Regensburg, in Germania. Nella "Dichiarazione di Regensburg" congiunta, si invitano i parlamenti e i governi di tutti i livelli federali delle regioni DACH a definire le misure che intendono adottare per realizzare l'attuazione della Dichiarazione di Mondiacult dell'UNESCO del 2022.

In qualità di membro del consiglio di amministrazione dell'Enciclopedia musicale svizzera (MLS), il SMR partecipa alla conferenza "La musica in Svizzera nel passato e nel presente: l'Enciclopedia musicale svizzera per il XXI secolo", che si terrà il 23-24 novembre presso l'Università di Berna, e invita il maggior numero possibile di persone interessate alla musica a partecipare al workshop del 25 novembre, che aiuterà gruppi e singoli a documentare la cultura musicale locale con parole, immagini e suoni. 

Oggi quasi tutto è digitale, mentre nel 1923 la maggior parte delle cose era ancora meccanica. I cambiamenti tecnologici hanno portato a ripetute modifiche della legge sul diritto d'autore. La storia movimentata della SUISA inizia poco dopo l'entrata in vigore, nel 1922, della prima modifica della legge svizzera sul diritto d'autore del 1883.

Sia i compositori che i musicisti dell'epoca erano preoccupati che gli automi musicali potessero competere con le loro esibizioni dal vivo. Il compito più importante della MECHANLIZENZ AG, fondata nel giugno del 1923, fu quello di autorizzare la produzione di supporti sonori. I dischi erano ancora agli albori e quindi erano soprattutto i carillon a fare il giro del mondo, soprattutto nelle zone di Yverdon e Sainte-Croix. 

Tutto per la musica

Un anno dopo viene fondata la GEFA, la Società svizzera per i diritti di esecuzione. In seguito all'introduzione della nuova legge sullo sfruttamento, la GEFA si trasforma da associazione a cooperativa e inizia la sua attività il 1° gennaio 1942 con un nuovo nome: SUISse Auteurs - o SUISA.

Nel 1946, il Consiglio di amministrazione decide di aprire un ufficio a Losanna per servire meglio i soci e i clienti della Svizzera francese. La sede di Losanna diventa anche il punto di contatto per tutti i cinema, i produttori cinematografici e gli inserzionisti televisivi della Svizzera. Nello stesso anno, un piccolo team si trasferisce nella Torre Bel-Air, all'epoca il più grande grattacielo della Svizzera. Nel 1954, l'azienda si trasferisce nella futura "Casa della Musica" di Losanna. Dal 2002 ci sarà anche una filiale a Lugano per i clienti e i musicisti del Ticino.

Aumento del consumo di musica

Nel dopoguerra si consuma sempre più musica e se ne compone sempre di più. Tra il 1942 e il 1960, il numero di membri della SUISA si triplica. Nel 1958, la MECHANLIZENZ AG si affilia alla SUISA, ma per il momento rimane giuridicamente indipendente. 22 anni dopo, viene decisa la fusione completa delle due società.

Nel 1961 Ulrich Uchtenhagen prese le redini della SUISA e la guidò per 28 anni attraverso i cambiamenti del boom economico. Durante il suo mandato è stato istituito il Registro mondiale degli autori e degli editori. La SUISA è incaricata dalla Confederazione Mondiale delle Società di Autori ed Editori (CISAC) di compilare una "lista" di tutti i compositori, parolieri ed editori musicali che sono registrati presso una società di copyright. Il risultato è la CAE Directory of Composers, Authors and Editors che copre tutti i generi come musica, letteratura, cinema e arti visive. In breve tempo sono stati elencati più di un milione di autori ed editori.

La SUISA offre questo repertorio come servizio a tutte le società di gestione collettiva del mondo dietro pagamento di una licenza d'uso. Dalla fine degli anni '90, il CAE è diventato l'IPI (Interested Parties Information), accessibile online a tutti i titolari di diritti nel mondo. 

Negli anni '60 e '70 si approfondisce la collaborazione con utenti importanti come la SSR e l'industria della ristorazione. L'aumento del consumo di musica e il crescente numero di opere registrate richiedono un sistema informatico dedicato per elaborare l'enorme quantità di dati dell'epoca. Anche a causa dell'enorme spazio necessario per l'informatica dell'epoca, la SUISA costruisce l'attuale sede nella Bellariastrasse a Zurigo Wollishofen, dove si trasferisce nell'autunno del 1968.

Promuovere e richiedere 

Alla fine degli anni '80 è stata fondata la "Fondazione SUISA per la musica", l'attuale FONDATION SUISA. L'iniziatore fu il compositore e scrittore della Svizzera francese Michel Bühler e la sua idea di una struttura centralizzata per sostenere la chanson. La missione della FONDATION SUISA è quella di promuovere la creazione musicale contemporanea in Svizzera e all'estero, per la quale oggi stanzia circa 2,5 milioni di franchi all'anno.

L'inizio della distribuzione di musica online alla fine degli anni '90 ha segnato l'inizio di cambiamenti di vasta portata e duraturi. Nel 2006, la Commissione UE ha emanato una raccomandazione volta a massimizzare la concorrenza tra le aziende per la gestione dei diritti online. I titolari dei diritti nel mercato interno dovrebbero poter decidere, senza confini territoriali, a quale società affidare la gestione dei propri diritti. Di conseguenza, i grandi editori anglo-americani stanno ritirando i diritti di riproduzione dalle società di gestione collettiva europee nella speranza di poterli concedere in licenza direttamente ai fornitori di musica online a condizioni migliori. In risposta a ciò, la SUISA è la prima società di gestione collettiva ad aver sviluppato un sistema adeguato che separa le quote di lavoro dei grandi editori (il cosiddetto "carve out") e può così regolare correttamente le licenze per l'uso online.

Dopo la revisione è prima della revisione

"La Svizzera ha bisogno di una legge contro il download illegale di musica?". Questo postulato di Géraldine Savary, allora membro del Consiglio degli Stati, è stato l'impulso per l'ultima revisione del copyright nel 2010. La revisione della legge sul diritto d'autore, entrata in vigore il 1° aprile 2020, tenta di sancire per legge la realtà del commercio online. Tuttavia, gli interessi degli utenti e dei creatori sono molto distanti sotto molti aspetti. Anche i consumatori sono in una posizione di forza e difendono il permesso di copiare musica privatamente con un compenso attraverso la tassa sui supporti vergini. Si tratta quindi di un compromesso in cui entrambe le parti vengono a patti. Da allora, la tecnologia è cambiata di nuovo rapidamente: La musica viene ascoltata in streaming sempre più spesso. Un regolamento per il download di musica arriva troppo tardi per i film. 

Non c'è dubbio che questa revisione della legge svizzera sul diritto d'autore non sia l'ultima, ma piuttosto il preludio alla prossima. Il rapido avanzamento della digitalizzazione e gli sviluppi tecnologici emergenti, come l'intelligenza artificiale e l'apprendimento automatico, comporteranno una nuova revisione degli standard legali.

Grandi passi verso il futuro

L'attuale Direzione generale della SUISA è in carica dal 2010. Il CEO Andreas Wegelin, il suo vice Vincent Salvadé e il COO e prima donna nel Consiglio Direttivo della SUISA Irène Philipp Ziebold non solo guidano le sorti della SUISA, ma anche il rinnovamento tecnologico dei sistemi informatici e la razionalizzazione e automazione dei processi.

La SUISA è ben posizionata per competere a livello internazionale, non da ultimo grazie alla sua infrastruttura informatica ben sviluppata e in costante evoluzione. Nel 2017 ha fondato, insieme all'organizzazione statunitense per i diritti musicali SESAC, la joint venture Mint Digital Services, che da allora viene utilizzata per il regolamento e l'amministrazione delle attività di licenza musicale transfrontaliera con i fornitori online. Nello stesso anno è stata fondata la società SUISA Digital Licensing, con sede nel Liechtenstein, che si occupa delle licenze delle piattaforme musicali online internazionali. Entrambe le società offrono i loro servizi anche ad altre società di gestione collettiva ed editori musicali e lo scorso anno hanno gestito l'attività online di oltre 22 società di gestione collettiva e 4000 editori in tutto il mondo.

Chi poteva prevedere questo cambiamento 100 anni fa? E chi osa fare previsioni per il futuro? L'uso della musica continuerà a cambiare: si sposterà ancora di più su Internet e la concessione di licenze per l'uso della musica in TV o per i concerti non si baserà più necessariamente sul principio territoriale, ma su chi offre il servizio migliore e le condizioni più favorevoli. La SUISA è pronta ad affrontare le sfide e desidera ringraziare tutti i collaboratori attuali e passati, tutti i compositori, i parolieri e gli editori per il loro impegno e la loro fiducia. Insieme abbiamo reso possibile la musica per cento anni.

www.suisa100.ch
www.suisablog.ch/tag/100-jahre

Come musicista di formazione e direttore di scuola di musica di lunga data, porta con sé una preziosa esperienza in ambito artistico, pedagogico e strategico-organizzativo. 

Caro Christian, congratulazioni per la tua elezione! Potresti spiegare brevemente ai nostri lettori quali sono i compiti del Consiglio SUP?
Grazie mille, non vedo l'ora di ricoprire questa variegata posizione. Il Consiglio dell'Università di Scienze Applicate è responsabile della supervisione dell'Università di Scienze Applicate accreditata dallo Stato in materia di diritto dell'istruzione superiore e anche della gestione strategica. È l'organo interno più alto della nostra scuola universitaria professionale ed è responsabile, tra l'altro, dell'accreditamento istituzionale. 

Nel nostro lavoro quotidiano all'Università di Musica Kalaidos, il nome del Consiglio dell'Università di Scienze Applicate viene solitamente menzionato quando vengono modificati i regolamenti o vengono lanciati nuovi corsi di laurea.
Esattamente. Uno dei compiti più frequenti del Consiglio della SUP è quello di esaminare gli adeguamenti dei piani di studio, ad esempio in relazione all'accreditamento istituzionalizzato. Inoltre, discute i nuovi programmi di laurea presentati dai dipartimenti e valuta parametri quali la strategia, la fattibilità, il contesto di mercato e l'ambito professionale. 

Questo vale anche per il Dipartimento di Musica, che ha aggiunto ai corsi di laurea triennale e magistrale moduli come self-marketing, fundraising e argomentazione/negoziazione. Né il vostro corso di laurea in musica né il mio prevedevano tali materie. Ciononostante, oggi riusciamo ancora a cavarcela. Cosa ne pensa di questi adeguamenti?
Come tutte le professioni, anche quella del musicista oggi non è più la stessa di 20 anni fa. L'argomentazione "una volta si poteva fare a meno" non regge più di tanto. Dobbiamo aspirare non solo a formare i futuri musicisti per farli diventare professionisti del loro strumento, ma anche a prepararli a fondo per una vita da musicista. Nella maggior parte dei casi, il loro lavoro quotidiano non consiste in un impiego a tempo pieno. Sono in realtà imprenditori con un'ampia gamma di offerte. Devono continuare a spiegare alla società perché sono necessari loro e il loro lavoro. Non possono aspettare che il lavoro venga da loro.

Lei mostra questa realtà della vita lavorativa quotidiana ai nostri studenti di Bachelor nel modulo "Professional Field Studies" e ne discute con loro. Dopo aver assunto questo modulo come docente, ne ha riorganizzato il contenuto. Quali sono state le motivazioni che l'hanno spinta a modificare il modulo?
Non ero credibile, perché il docente aveva parlato solo di scuole di musica e di lavori in orchestra. Il nostro obiettivo era quello di dare agli studenti una visione il più possibile reale dell'ampiezza dei campi professionali. Il nuovo modello lo rende possibile: Incontriamo i musicisti sul loro posto di lavoro, discutiamo con loro e con gli studenti della vita quotidiana, della motivazione, dei "destinatari delle offerte", del fascino e del loro futuro. 

In queste discussioni è emerso spesso il tema della digitalizzazione. Soprattutto per quanto riguarda la musica classica, ho spesso riscontrato una certa riluttanza nei confronti di questo argomento. L'Università di Musica Kalaidos è decentrata
e si basa quindi in parte sulla comunicazione digitale. Come vivete questo argomento?
Il modulo di studi professionali, in particolare, mostra come l'apprendimento a distanza e in loco possano essere combinati in modo significativo: Ciò che viene presentato in classe con una lezione, una discussione e un proiettore può essere fatto altrettanto bene online. I nostri studenti non devono recarsi a Zurigo da tutta Europa per una lezione. Quando andiamo a trovare il musicista d'orchestra in sala prove o il musicista freelance alle prove della band, lo facciamo sul posto. 

Applichiamo questo approccio anche nei restanti moduli e in tutti i nostri corsi di laurea. L'insegnamento delle materie principali, della didattica specialistica e delle materie secondarie si svolge in loco. Questo vale anche per alcuni moduli in cui la presenza fisica ha senso. Le lezioni di teoria, invece, si svolgono interamente a distanza. Ciononostante, non tardano ad arrivare critiche sul fatto che "l'insegnamento a distanza non può sostituire l'insegnamento in loco dei moduli".  Qual è il confine tra remoto e in loco?
È importante capire che l'insegnamento a distanza non è un insegnamento in loco su uno schermo. I nostri docenti hanno il difficile compito di costruire il loro insegnamento a distanza dalle fondamenta sulla struttura digitale e di utilizzare gli strumenti forniti a questo scopo.  metodi di insegnamento (che diventano ogni giorno più diversi). A mio avviso, non è opportuno contrapporre i due tipi di insegnamento. Piuttosto, è importante sondare le possibilità e i limiti in dialogo con tutte le persone coinvolte e determinare un'applicazione provvisoria basata sull'esperienza. Oggi la vita (lavorativa) si svolge quasi ovunque in un misto di remoto e in loco, con i confini che vengono discussi e adattati di volta in volta a seconda delle necessità. Perché dovrebbe essere diverso nella musica? 

Il SMM trasformerà il suo 19° simposio in una "Giornata della salute musicale" e offrirà una panoramica unica e ampia dei concetti più innovativi e delle diverse pratiche di assistenza sanitaria preventiva nel mondo della musica. La giornata sarà introdotta dal programma di musica per bambini e  La psichiatra degli adolescenti Anke Grell, che rappresenta anche la medicina dei musicisti presso il Centro di Zurigo per il trattamento dell'ansia e della depressione.  

Secondo Anke Grell, la tensione psicologica dei musicisti professionisti è cambiata in molti modi a seguito della pandemia. A seconda della loro situazione personale, molti hanno sofferto e continuano a soffrire di paure esistenziali molto specifiche per il futuro prossimo e remoto. I sondaggi hanno rivelato un aumento dei sintomi di ansia e depressione. L'identità professionale è stata improvvisamente percepita in modo diverso in termini politici e sociali. Molti si sono posti la domanda sul significato e, in alcuni casi, hanno scoperto altri campi di attività, che hanno mantenuto per vari motivi anche dopo la pandemia.

Le situazioni di sovraccarico continuo possono portare all'esaurimento e alla perdita di interesse in attività altrimenti quotidiane e piacevoli, tra cui il fare musica a livello professionale. La capacità di reagire emotivamente agli eventi diminuisce, possono verificarsi anche disturbi del sonno e perdita di appetito. Anche le paure e le ansie sono più frequenti, in particolare la paura di esibirsi e di fallire in un contesto musicale. 

Illuminazione e rimozione dei tabù

Le orchestre, i conservatori e le scuole di musica possono prevenire il burnout dei dipendenti fornendo informazioni, istruzione ed eliminando i tabù, spiega ancora lo psichiatra. Possono creare un ambiente di apprendimento e di lavoro in cui sia possibile affrontare le difficoltà come un dato di fatto, senza dover temere conseguenze negative. Possono trasmettere conoscenze su come un corpo e una mente sani funzionano quando si fa musica e si impara e su quali sono i segnali di allarme del sovraccarico fisico e mentale e della malattia. Tutto questo può  ad esempio in lezioni, workshop, gruppi di discussione, supervisioni e sessioni di consulenza individuale.

Sono importanti anche i punti di contatto per le persone con disturbi preesistenti. In questo ambito è stata creata una rete diversificata di specialisti, organizzata nelle associazioni professionali competenti in Svizzera (Swissmedmusica), Germania (Società tedesca di fisiologia musicale e medicina dei musicisti) e Austria (Società austriaca di musica e medicina). Un esempio positivo è la collaborazione tra l'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) e il Centro di Zurigo per il trattamento dell'ansia e della depressione (ZADZ), dove lavora. Il centro fornisce a studenti e dipendenti della ZHdK consulenza e trattamento psicosociale.

Benevoli con se stessi

Secondo Grell, purtroppo non esiste una formula magica per mantenere viva la gioia e la spinta interiore del fare musica. La cosa più importante, spiega lo psichiatra, è concentrarsi su ciò di cui si tratta veramente: la musica e la gioia di fare musica. Questo è certamente più facile a dirsi che a farsi in determinate circostanze esterne e interne. Essere gentili con se stessi, con le proprie capacità e con il proprio stato di forma, liberarsi un po' dal perfezionismo e affrontare le aspettative esterne con una sana distanza può essere molto utile. Quando i segni di stanchezza si fanno sentire: Non esitate a chiedere supporto! Riconoscere i propri limiti e agire di conseguenza è un punto di forza!

La Giornata della salute musicale è aperta a tutti come piattaforma informativa ed evento di networking.

Ulteriori informazioni e iscrizioni: 

swissmedmusica.ch/news-symposium

Centro per il trattamento dell'ansia e della depressione di Zurigo: 

www.zadz.ch

Al più tardi dalla fine del XVII secolo, i canonici dell'abbazia di San Michele a Beromünster (LU) celebravano la festa di San Michele (29 settembre) e la successiva consacrazione della chiesa (30 settembre) con la più grande quantità di musica sacra dell'anno ecclesiastico. Il cerimoniale prevedeva una doppia o tripla messa in entrambi i giorni di festa. Non sorprende che i festeggiamenti attirassero non solo fedeli da vicino e da lontano, ma anche musicisti che si erano riuniti a Beromünster giorni prima per provare la musica. 

Nel 1749 fu eseguita una messa festiva a tre voci composta da Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee (1720-1789) appositamente per i festeggiamenti. Mentre Markus Lutz (1772-1835) descrisse il patrizio lucernese come il "più famoso compositore svizzero del suo tempo", Meyer von Schauensee è oggi in gran parte dimenticato. Ciò è dovuto anche al fatto che le edizioni moderne delle sue opere sono quasi del tutto assenti. Per farsi un'idea dello splendore musicale tardo barocco del monastero di Beromünster e per poter studiare la musica di Meyer von Schauensee in modo più approfondito, Raphael Eccel, Grégory Rauber, Luc Vallat e Christoph Riedo si sono posti l'obiettivo di raccogliere la musica composta per il monastero di Beromünster. Messa Solenne a 3 Cori in un'edizione storico-critica e di pubblicarla nella collana di edizioni della Società Svizzera di Ricerca Musicale.

Il progetto del musicologo ginevrino ha ricevuto un impulso quando la serie di concerti della chiesa del monastero di Muri/AG e l'Early Music Festival di Zurigo hanno mostrato interesse per l'esecuzione della messa festiva a tre cori. L'opera di Meyer von Schauensee verrà ora eseguita sia il 22 settembre a Zurigo che il 24 settembre a Muri/AG sotto la direzione di Jakob Pilgram. Gli interpreti sono l'ensemble vocale larynx (3 quartetti solisti) e il Capricornus Consort Basel (3 quintetti d'archi, 3 organi, 6 trombe, 2 corni, 1 timpano). Il secondo concerto sarà filmato, registrato e reso disponibile sul sito web del Festival Alte Musik Zürich. In questo modo si potrà avere in futuro un'impressione dello splendore musicale di Beromünster, che era alla pari di numerose altre chiese religiose svizzere.

In effetti, i partecipanti alla funzione hanno potuto godere di un'esperienza d'ascolto unica. I cantanti e gli strumentisti, divisi in tre gruppi sonori, hanno offerto uno spettacolo polifonico senza pari nella chiesa collegiale. Nella messa in 24 movimenti, Meyer von Schauensee ha utilizzato tutto ciò che la policoralità può offrire: dal suono completo a tre cori a tutte le combinazioni possibili dell'interazione dei tre gruppi sonori e dei vari effetti di eco. La partitura trascritta illustra per la prima volta in modo impressionante quanto Meyer von Schauensee, che aveva studiato con Ferdinando Galimberti (?-1751) a Milano dal 1740-42, fosse in grado di riconoscere lo stile musicale dei primi sinfonisti milanesi intorno a Giovanni
Battista Sammartini (1700/1-1775) ha interiorizzato. 

Informazioni sui concerti

Venerdì 22 settembre 2023 alle 19.30 al Fraumünster di Zurigo nell'ambito del Festival Alte Musik Zürich. Introduzione al concerto alle 18.15 nel Centro Karl der Grosse (Kirchgasse 14).

Domenica 24 settembre 2023 alle ore 17.00 nella Chiesa Abbaziale di Muri/AG nell'ambito della rassegna di concerti Musica nella chiesa del monastero.

Informazioni sull'edizione 

Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee (1720-1789): Messa Solenne a 3 Coria cura di Raphael Eccel, Grégory Rauber, Luc Vallat
e Christoph Riedo, 7° volume della serie di edizioni Musica dei monasteri svizzeri, Berna: Peter Lang (in preparazione). 

Gli editori sono ancora alla ricerca di fondi per realizzare l'edizione. 

Contatto: christoph.riedo@unige.ch

Silke Kruse-Weber è docente presso l'Università di Musica Kalaidos ed è stata docente di Pedagogia strumentale e vocale presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Graz fino a settembre 2022. Dall'autunno del 2023 sarà vice-professore ad Augsburg. I suoi interessi di ricerca includono lo sviluppo della pedagogia strumentale e vocale come disciplina scientifica e il trasferimento di conoscenze tra teoria e pratica attraverso la pratica riflessiva. È stato appena pubblicato il suo nuovo strumento di riflessione Reflect!

Silke, hai appena pubblicato i risultati di una nuova ricerca sull'educazione musicale, puoi riassumerli brevemente?
Grazie per l'interessamento! Al momento sono molto felice delle mie pubblicazioni. Mentre la teoria e la pratica sono spesso viste come opposte nell'educazione musicale, Reflect!, uno strumento di osservazione e riflessione per l'insegnamento strumentale e vocale, le unisce. Una serie di carte ludiche e artistiche ispira un atteggiamento basato sulla ricerca e uno scambio autodeterminato sulla qualità dell'insegnamento e dell'apprendimento strumentale e vocale.

Il mio studio Reflective Practice in Innovative Music Schools è un progetto di trasferimento di conoscenze in cui gli insegnanti delle scuole di musica, il team di ricerca e gli insegnanti di un'università sono in stretto dialogo. Anche in questo caso, l'attenzione si concentra sul rapporto tra teoria e pratica, nella misura in cui gli ultimi sviluppi della ricerca vengono trasferiti nella pratica - ad esempio, l'attenzione per la centralità dello studente o un'impostazione di tipo "atipico".
Apertura a diverse forme sociali di insegnamento.

Si tratta quindi di riflettere sulle proprie conoscenze in materia di educazione musicale e di capire come trasmetterle agli studenti.
La riflessione può essere appresa e non deve essere necessariamente solitaria, ma funziona meglio come pratica collaborativa in cui i colleghi imparano gli uni dagli altri. È importante creare tempo e spazio per la riflessione. Nei seminari e nelle sessioni di formazione mostro spesso estratti di video didattici e chiedo di descrivere la situazione. Quasi sempre, invece, vengono valutati. Le descrizioni senza giudizio sono difficili. Agli insegnanti piace concentrarsi sui deficit degli studenti. Consideriamo gli effetti delle valutazioni negative e scopriamo che gli studenti spesso si mettono sulla difensiva e perdono la loro disponibilità ad apprendere.  

Quali competenze sono fondamentali per riflettere e ampliare le proprie conoscenze?
Penso che siano competenze che si fondano l'una sull'altra: ricerca, riflessione e scienza. Un atteggiamento di ricerca costituisce la base per la riflessione. Le competenze riflessive richiedono curiosità, apertura ed empatia per poter adottare nuove prospettive e penetrare una questione. Si esprimono in domande differenziate. L'orientamento scientifico è un'altra competenza di base. Consente di effettuare una selezione plausibile e coerente di scoperte e teorie per uno scopo specifico. La ricerca scientifica, ad esempio nelle tesi di Master, si basa in ultima analisi su un lavoro maggiormente basato sulle regole.

Queste competenze sono importanti anche per gli studenti di performance?
Gli studenti di performance, in particolare, traggono beneficio dalle pratiche riflessive! Quando ci si esercita e si fa musica, è importante sviluppare costantemente nuove azioni alternative. Una pratica stereotipata non è efficiente. Gli studi hanno dimostrato che più si analizzano i propri obiettivi e si valutano i processi di pratica, più si pratica in modo efficiente. È importante anche essere aperti nella propria carriera. I campi professionali cambiano rapidamente e i musicisti devono essere in grado di gestire la complessità e l'imprevedibilità. La pratica riflessiva può favorire il cambiamento e l'adattamento alle situazioni. Questo è entusiasmante per ogni persona, artista ed educatore.

In che modo la capacità di riflettere, la curiosità e il pensiero scientifico ci aiutano a essere buoni artisti o insegnanti?
La pratica riflessiva è una competenza chiave per un buon insegnamento, un'azione pedagogica e una pratica creativa di successo. Oggi abbiamo particolarmente bisogno di musicisti e
Educatori che pensano in modo critico, sono responsabili e flessibili.

Le scoperte scientifiche, d'altra parte, non possono essere trasferite direttamente alla pratica dell'insegnamento o del suonare. Ogni situazione didattica e ogni situazione musicale è sociale e quindi imprevedibile. Le scoperte scientifiche forniscono solo una prospettiva su come illuminare la pratica.

Da quando lei è docente di ricerca, i nostri studenti si sono divertiti a seguire un corso di ricerca altrimenti spesso impopolare, e la qualità delle tesi di Master è aumentata: qual è il suo segreto?
Questo corso si propone di appassionare gli studenti alla ricerca. Ad esempio, imparano a porsi domande di ricerca e a svolgere ricerche scientifiche per conto proprio. Imparano un certo tipo di riflessione e di apprezzamento per quanto riguarda la presentazione dei risultati.
risultati scientifici, ma anche come affrontare le idee e le scoperte di una comunità scientifica e come imparare da esse. Non è raro che un articolo scientifico apra agli studenti nuove prospettive sulla direzione che può prendere la loro formazione. All'inizio del corso, gli studenti si chiedono sempre perché dovrebbero imparare a scrivere articoli scientifici. Ma non lo vedo come un problema, bensì come un invito a sviluppare nuove prospettive.

Informazioni dettagliate sulle nuove uscite sono disponibili su questo sito web: www.kruse-weber.com

In un sabato mattina estivo di giugno, in un moderno auditorium di Soletta: mentre fuori splende il sole, quasi 40 bambini e ragazzi siedono concentrati ai loro leggii e provano. L'Orchestra Sinfonica Regionale Giovanile di Soletta (RJSO) e il solista Rafael Giger stanno mettendo a punto la loro interpretazione del Terzo Concerto per pianoforte e orchestra di Dmitri Kabalevsky (1904-1987) sotto la direzione del direttore Ruwen Kronenberg. Vogliono fare progressi decisivi prima della pausa estiva, poiché dopo le vacanze sono previste importanti esibizioni.

Oltre ai tradizionali concerti di settembre al Parktheater Grenchen e alla sala concerti di Soletta, la RJSO si recherà a San Gallo per il 18° Swiss Youth Music Festival (SJMF). Il 16 settembre, la RJSO Solothurn si esibirà nella Tonhalle di San Gallo e rappresenterà la sezione di musica classica al più grande evento per giovani musicisti svizzeri. È la seconda volta che l'orchestra giovanile di sette anni partecipa all'SJMF. Nel 2019, la RJSO è stata una delle tre orchestre pioniere che hanno rappresentato l'EOV per la prima volta all'ormai leggendario SJMF di Burgdorf.

Da quando è stata fondata nel 2016 con l'obiettivo di offrire agli studenti di musica avanzata delle scuole di musica della regione "una piattaforma per fare musica insieme a un livello impegnativo", la RJSO si è sviluppata notevolmente. Gli ulteriori progressi dell'ensemble si sentono in ogni concerto, afferma con evidente orgoglio il responsabile del progetto RJSO e insegnante di chitarra Christoph Studer. "La serietà con cui i giovani musicisti partecipano è impressionante.di lavoro", afferma Studer. Oltre all'annuale oOltre al programma orchestrale, i giovani, molto impegnati, organizzano ogni primavera un progetto di musica da camera con solisti delle loro fila. È semplicemente meraviglioso.

Vivere l'RJSO dal vivo all'SJMF di San Gallo il 16 settembre

Anche i giovani musicisti di Soletta si stanno preparando in modo estremamente coscienzioso per la loro partecipazione al SJMF. La RJSO ha già completato un "campo di addestramento" ad Adelboden durante il giorno dell'Ascensione. È stato toccante vedere come i membri dell'orchestra interagiscono tra loro sul palco e fuori. "I membri più anziani si sono presi cura dei più giovani, tutti hanno mostrato considerazione l'uno per l'altro", dice Studer. Questo non può essere dato per scontato, dato che la RJSO copre una gamma di età molto ampia. I membri più giovani della sezione dei secondi violini hanno appena nove anni, mentre i più anziani hanno quasi vent'anni e fanno parte dell'orchestra fin dalla sua fondazione.

Nel prossimo numero della SMZ, i membri della RJSO di tutte le fasce d'età racconteranno le loro esperienze al Festival svizzero di musica per la gioventù di San Gallo. Non vedete l'ora di leggere questi resoconti di prima mano. Oppure, ancora meglio, venite voi stessi a San Gallo e vivete l'esperienza dell'RJSO e delle altre esibizioni degli oltre 100 ensemble dal vivo. I concerti di oltre 4.200 giovani musicisti appassionati e il festival associato promettono di essere un evento unico e gioioso. Il Consiglio direttivo dell'EOV sarà presente a San Gallo per tutta la durata del SJMF e sosterrà la RJSO nelle sue esibizioni. Ci auguriamo di vedere anche voi lì.

Il 18° Festival svizzero di musica per la gioventù (SJMF) si terrà a San Gallo dal 15 al 17 settembre 2023. All'insegna del motto "Real Passion", 115 formazioni e un totale di oltre 4.200 bambini e ragazzi si esibiranno in concerto e si sfideranno in una competizione equa. Inoltre, per tutto il fine settimana è previsto un variegato programma di intrattenimento e numerosi stand gastronomici con offerte deliziose, che fanno del SJMF il più grande festival per giovani musicisti della Svizzera. Il SJMF è organizzato dall'Associazione Svizzera della Gioventù Musicale in collaborazione con l'EOV, Accordion Switzerland e l'Associazione Svizzera dei Tamburi e delle Pipe.

Ulteriori informazioni sul SJMF e sul programma

www.sjmf2023.ch

L'RJSO Solothurn si esibirà al SJMF sabato 16 settembre alle 16.30 nella Tonhalle di San Gallo. Sotto la direzione del direttore Ruwen Krowenberg, circa 40 giovani e il solista Rafael Giger al pianoforte eseguiranno il 3° Concerto per pianoforte e orchestra in Re maggiore op. 50 di Dmitri Kabalevsky.

Ulteriori informazioni sull'RJSO

www.rjso-so.ch

Per il 2022 è stato sviluppato un nuovo concetto di masterclass in collaborazione con l'OSI (Orchestra della svizzera italiana) e il CSI (Conservatorio della svizzera italiana). Fino a 10 studenti del Pre-College del CSI saranno seguiti e istruiti da Robert Kowalski, primo concertatore dell'OSI, per una settimana ad Arosa.

Quest'anno la masterclass si è svolta dal 26 al 29 giugno, seguita da tre concerti ad Arosa, Cham e Lugano. I quattro giovani musicisti, Adelaide Chiaradonna, Leon Bekaj, Gianluigi Sartori e Ares Midiri, tutti di età compresa tra i 14 e i 17 anni, hanno trascorso un periodo istruttivo ad Arosa. I quattro giorni di prove e i tre concerti sono stati intensi e istruttivi e, grazie alla direzione esperta, professionalmente e personalmente riconosciuta di Robert Kowalski e all'accompagnamento di Redjan Teqia, hanno potuto acquisire una preziosa esperienza.

La prossima masterclass si terrà nel giugno 2024 e il breve tour di concerti porterà i giovani musicisti a Zurigo e Berna, oltre che ad Arosa, Cham e Lugano.

Il "Premio Hans Schaeuble" e il Festival di musica classica di Arosa

Dal 2015, il "Premio Hans Schaeuble" viene assegnato ogni anno a diversi partecipanti dell'Accademia musicale di Arosa. L'Accademia musicale di Arosa è una masterclass internazionale organizzata da Musik-Kurswochen Arosa per violino, viola, violoncello, sassofono e fisarmonica. Come negli anni precedenti, quest'autunno almeno otto partecipanti all'accademia riceveranno il "Premio Hans Schaeuble". Il premio comprende un invito a partecipare attivamente al Festival di musica classica di Arosa nell'inverno successivo. Sotto la direzione di Markus Fleck (violino) e Lars Mlekusch (sassofono), una  programma di musica da camera e successivamente si è esibito ad Arosa, Coira e Zurigo. 

A Coira, i concerti sono organizzati in collaborazione con klibühni, Das Theater; a Zurigo, un concerto si svolge nell'ambito della serie di concerti "Mittagsmusik im Predigerchor" presso la Biblioteca Centrale di Zurigo.

Il Festival di Musica Classica di Arosa 2024 si svolgerà dal 14 al  30 marzo in varie sedi concertistiche di Arosa. Oltre ai concerti di musica da camera dei vincitori del Premio Hans Schaeuble, si esibirà un ensemble del Conservatorio della Svizzera. I visitatori possono aspettarsi un ampio programma musicale con musica classica, jazz e folk. 

Le informazioni sul festival saranno  Fine novembre www.arosaklassik.ch accesa. 

Dopo due anni di pandemia e di eventi tenuti per iscritto, online o su scala ridotta, il Consiglio centrale della Federazione corale della Chiesa ha potuto invitare i delegati all'Assemblea dei delegati che si terrà a Brugg il 22 aprile 2023. I punti all'ordine del giorno erano certamente importanti, in quanto l'attenzione si è concentrata su una revisione non trascurabile degli statuti, che ha lo scopo di rendere la SKGB adatta ai prossimi anni, in cui ci saranno cambiamenti anche per la SKGB a causa degli sviluppi attuali. Anche se molto rimane com'è - e come è bene che sia, il canto rimane al centro dell'associazione - ci sono comunque alcuni aggiustamenti che dovrebbero rendere l'associazione più aperta ai passi futuri. 60 partecipanti provenienti da tutta la Svizzera tedesca hanno accettato l'invito e hanno potuto vivere uno splendido pomeriggio nella sala parrocchiale e nella chiesa cittadina di Brugg. Il programma comprendeva la parte commerciale dell'incontro, la socializzazione, lo scambio di idee e i canti insieme.

Verbale (riassunto) dell'assemblea generale ordinaria o della nuova assemblea generale:

Sotto la guida della Vicepresidente ad interim Iris Klöti-Wülser, sono stati discussi 11 punti all'ordine del giorno. L'attuario Dietrich Jäger-Metzger ha redatto il verbale. Il verbale dettagliato è disponibile sul sito web della SKGB.
(www.kirchengesangsbund.ch). 

Qui vengono riprodotte solo le risoluzioni.

• Il verbale scritto di AV 2021 è approvato. 
• La relazione biennale del Presidente viene approvata e ringraziata. 
• Vengono approvati i bilanci annuali 2021 e 2022 e viene concesso il discarico al Tesoriere e al Consiglio di amministrazione. 

Il punto più importante all'ordine del giorno è la discussione e l'approvazione dello statuto della SKGB, che è stato modificato in alcuni punti chiave. Lo Statuto sarà complessivamente snellito e adeguato agli sviluppi attuali. Le modifiche più importanti in sintesi: 

• La Commissione d'appello è abolita. 
• La revisione contabile è sostituita dalla revisione finanziaria. 
• I soci individuali e i soci onorari hanno diritto di voto. 
• Le assemblee dei delegati sono sostituite dalle assemblee annuali dei soci. 
• Il Consiglio di amministrazione è ora chiamato "Consiglio esecutivo". 
• La carica non è più menzionata nello Statuto. 
• Iris Klöti-Wülser viene eletta nuovo Presidente e Bettina Fierz Salzmann nuovo membro del Consiglio di amministrazione. Martina Bissegger, Peter Hartmann e Edy Weber vengono eletti membri del Comitato di revisione. 
• Viene presentato e approvato il programma di attività 2023-2024. 
• Annedore Neufeld e Albert Hartkamp, che si sono entrambi ritirati dalla ZV dopo l'ultima AV, ricevono la tessera onoraria.

Nel novembre 2022, abbiamo festeggiato il 125 + 1  nel Grossmünster e nel centro culturale Helferei di Zurigo. Anche il membro del Consiglio direttivo, il reverendo Dietrich Jäger-Metzger, ha commemorato il 100° compleanno di Kurt Marti nel suo discorso e con i testi durante la funzione festiva. Queste sono state le parole di Kurt Marti all'inizio: 

la fine della storia
hanno detto gli amici:
cantaci un canto - un canto nuovo - un canto spirituale
e ho cantato - una nuova canzone
ma vedete: la canzone - che ho cantato
era la fine - del canto spirituale

Lo stesso poeta ha scritto: "Dietro la formulazione di questa poesia si nasconde la speranza - per quanto audace, in qualche modo messianica - che un giorno i paletti di confine e gli steccati tra sacro e profano possano essere sfondati, o cadano da soli.
Ma il confine è ancora lì, per il momento. Non posso nemmeno abolirlo. Posso solo esprimere la speranza che venga abolito...". Le parole di Marti, a volte inquietanti, ma anche risveglianti, riflettono magnificamente lo spirito di ottimismo che si respira nell'associazione. 

Le giornate di canto, le settimane di canto e le giornate di formazione vocale sono nuovamente in programma per il 2023 e il 2024. Programma. Insieme a dipendenti e collaboratori impegnati, continueremo a sviluppare la nave SKGB attraverso il canto e a guidarla attraverso mari a volte calmi e a volte spaventosamente agitati. Tutto sarà incentrato sul cantare insieme in chiesa.  -  sia come individuo, congregazione, ensemble vocale, coro o cantore. 

I giochi elettronici possono vantare ben 50 anni di storia. Non solo costituiscono la maggior parte dell'intrattenimento
L'industria dei videogiochi è un'industria mondiale, ma è anche un bene culturale e sta diventando sempre più oggetto di attenzione da parte della politica e della scienza. La disciplina di ricerca dei game studies, che si è affermata a partire dall'inizio del millennio, è stata a lungo limitata agli Stati Uniti e al Giappone. Solo di recente si è presa coscienza di una storia indipendente, dinamica e influente dei giochi digitali in Europa e in altre regioni, e anche la Svizzera ha una vivace scena di giocatori e di sviluppo di giochi. In un "Contre Histoire", il progetto di ricerca CH-Ludens sta analizzando questa storia.
patrimonio culturale.

Suono e musica nei giochi elettronici
Gli anni '80 e '90 hanno segnato una svolta nella progettazione audio dei giochi digitali, passando da semplici bip funzionali a un'estetica differenziata per piattaforma e regione. Creare suoni e melodie riconoscibili era una sfida tecnica. Non esistevano chip sonori dedicati o dovevano essere codificati specificamente per ogni piattaforma informatica, e anche in questo caso le melodie avevano un suono diverso su dispositivi diversi. Mentre i primi computer avevano solo un cicalino a canale singolo, i chip sonori successivi permettevano di utilizzare diverse frequenze, ma le tonalità possibili suonavano spesso in modo strano per l'orecchio europeo. Questo ha portato allo sviluppo di suoni personalizzati per i giochi digitali, come la tonalità dell'Atari VCS. In termini di storia dei media, questi sono stati momenti decisivi per la formazione di musiche specifiche per i giochi e di earcons che sono ancora oggi utilizzati. Dal punto di vista dell'antropologia culturale della musica, Addrich Mauch dell'Università di Berna studia in modo specifico i progetti svizzeri di audio per videogiochi di questo periodo, le loro caratteristiche estetiche e funzionali uniche e la loro influenza culturale e tecnica nel contesto dello sviluppo globale dei giochi.

Cooperazione interdisciplinare
Mentre gli studi sui giochi si sono appena affermati presso l'Università delle Arti di Berna e l'Università di Berna, l'Università delle Arti di Zurigo ZHdK è stata la prima a creare un proprio GameLab e da allora ha organizzato una serie di conferenze e pubblicato diversi libri. Questo esempio è stato recentemente seguito dall'Università di Losanna UNIL (e dall'École Polytechnique Fédérale de Lausanne EPFL) con i loro GameLab. Sotto la guida di Eugen Pfister, il progetto SNSF Sinergia riunisce 20 ricercatori delle quattro università svizzere con un interesse comune per la storia dei giochi digitali in Svizzera, riunendo un'ampia varietà di metodi e domande scientifiche. I background accademici spaziano dall'antropologia culturale della musica, agli studi letterari, alla storia, al game design e agli studi sul game design, alle digital humanities, al graphic design, alla linguistica, agli studi sui media e molti altri.

Da un lato, l'obiettivo è quello di apprendere il più possibile gli uni dagli altri utilizzando approcci interdisciplinari e, dall'altro, di acquisire una migliore comprensione della
Il progetto mira a creare un legame con la digitalizzazione della società svizzera nel XX secolo, intendendo i giochi digitali come una tecnologia culturale. Il progetto è anche un passo importante verso la conservazione di un patrimonio culturale svizzero che rischia di essere dimenticato.

chludens.ch

Chiediamo a tre insegnanti Suzuki, Rachel Wieser, Nina Ulli e Deborah Furrer, perché vale la pena di proseguire la formazione.

Perché ha scelto il programma di formazione Suzuki?

Rachel Wieser Volevo imparare un metodo per insegnare ai bambini piccoli a giocare contro.

Nina Ulli Ho ascoltato un concerto Suzuki e sono rimasta entusiasta della sicurezza dei bambini, della loro gioia di suonare e del loro alto livello.

Deborah Furrer Quando ero bambino, conoscevo un bambino a cui era stato insegnato il metodo Suzuki. Notai che aveva una buona postura e un tono pulito. Quindi il metodo mi incuriosiva già allora. 

Quali sono i vantaggi e gli svantaggi del metodo?

NU Il bello è che ogni bambino ha l'opportunità di sviluppare le capacità di esprimersi musicalmente.

RW Uno svantaggio che viene spesso menzionato è che gli studenti Suzuki non sanno leggere la musica...

DF Non dover leggere la musica può essere un vantaggio! Questo permette di concentrarsi sull'allenamento dell'orecchio, sul ritmo, sull'intonazione, sulla postura, sul suono e sull'espressione. Un inizio precoce è fondamentale. In nessun'altra età i bambini imparano così rapidamente e intensamente come in età prescolare.

Quali esperienze ha vissuto durante la sua formazione?

RW Da un lato, abbiamo approfondito i dettagli tecnici, dall'altro abbiamo esaminato come insegnare a suonare il violino nel modo più adatto ai bambini. 

NU La formazione è molto ben fondata e può essere implementata nelle lezioni fin dall'inizio.

DF Si ottengono molte idee per lezioni divertenti, visive e giocose.

In che modo la formazione ha cambiato la sua pratica di insegnamento?

RW Ho imparato ad affrontare le difficoltà tecniche in modo più efficiente e a comunicarle in modo giocoso.

NU Mi sento più competente nelle questioni tecniche e di sviluppo, e l'insegnamento è più piacevole perché posso investire molto di più nel lavoro musicale grazie alla buona intonazione e alla sicurezza ritmica degli studenti.

DF La metodologia mi ha aperto gli occhi sull'importanza della semplicità e della chiarezza. I primi passi hanno bisogno dei più piccoli per essere riconosciuti. Il bambino sperimenta un legame con lo strumento e la musica fin dall'inizio!

La formazione ha avuto un impatto sul suo lavoro artistico?

DF Sì, ci sono state nuove importanti intuizioni per il mio gioco...

NU Questo mi ha sorpreso! Non avrei mai pensato che la formazione mi avrebbe reso un violinista migliore. 

RW Anche affrontare le basi della tecnologia mi ha aiutato a migliorare.

La formazione ha avuto un impatto sulla sua vita sociale?

RW Ciò che apprezzo è la rete mondiale di insegnanti. Ho vissuto in diversi Paesi, attualmente in Svezia. Si possono trovare connessioni ovunque. 

NU Sì, gli insegnanti Suzuki dialogano vivacemente. Ho già fatto molte amicizie in questo modo.

DF L'approccio di Suzuki, secondo cui la comunità è importante e tutti sono valorizzati e sostenuti, ha una grande influenza sugli insegnanti. 

Perché ho bisogno di diversi programmi di formazione?

DF La materia è troppo complessa per essere appresa in poco tempo. Con il metodo Suzuki, c'è una missione educativa su cui bisogna riflettere continuamente.

RW Il metodo si basa su un approccio graduale. Il modo in cui gli elementi costitutivi vengono trattati nei brani non viene mostrato nelle note, ma viene insegnato durante la formazione.

NU La formazione tradizionale di Suzuki prevede cinque livelli. Più se ne completano, più tutto si inserisce in un insieme più ampio.

AJ I cinque livelli si basano l'uno sull'altro e sono insegnati in quattro programmi di formazione continua CAS, due dei quali possono essere offerti attualmente.

Cosa augura al metodo Suzuki per il futuro? 

DF Che gli aspiranti musicisti abbiano la possibilità di conoscere questo metodo durante i loro studi. È fantastico che il Kalaidos, come università, offra ora questa formazione. Spero che sempre più persone comprendano il significato di questo metodo di apprendimento e di educazione. Sarebbe bello se più insegnanti in Svizzera potessero essere ispirati a utilizzare altri strumenti. Altri Paesi sono già più avanti. Lo scorso aprile, oltre 1000 bambini si sono riuniti a Londra per fare musica con una grande varietà di strumenti! 

Ulteriori informazioni sono disponibili alla pagina seguente:

www.kalaidos-fh.ch/de-CH/Studiengaenge/CAS-Certificato di studi avanzati - Pedagogia musicale - Metodo Suzuki - II1TP5 - inizio degli studi