Dopo due anni di pandemia e di eventi tenuti per iscritto, online o su scala ridotta, il Consiglio centrale della Federazione corale della Chiesa ha potuto invitare i delegati all'Assemblea dei delegati che si terrà a Brugg il 22 aprile 2023. I punti all'ordine del giorno erano certamente importanti, in quanto l'attenzione si è concentrata su una revisione non trascurabile degli statuti, che ha lo scopo di rendere la SKGB adatta ai prossimi anni, in cui ci saranno cambiamenti anche per la SKGB a causa degli sviluppi attuali. Anche se molto rimane com'è - e come è bene che sia, il canto rimane al centro dell'associazione - ci sono comunque alcuni aggiustamenti che dovrebbero rendere l'associazione più aperta ai passi futuri. 60 partecipanti provenienti da tutta la Svizzera tedesca hanno accettato l'invito e hanno potuto vivere uno splendido pomeriggio nella sala parrocchiale e nella chiesa cittadina di Brugg. Il programma comprendeva la parte commerciale dell'incontro, la socializzazione, lo scambio di idee e i canti insieme.

Verbale (riassunto) dell'assemblea generale ordinaria o della nuova assemblea generale:

Sotto la guida della Vicepresidente ad interim Iris Klöti-Wülser, sono stati discussi 11 punti all'ordine del giorno. L'attuario Dietrich Jäger-Metzger ha redatto il verbale. Il verbale dettagliato è disponibile sul sito web della SKGB.
(www.kirchengesangsbund.ch). 

Qui vengono riprodotte solo le risoluzioni.

• Il verbale scritto di AV 2021 è approvato. 
• La relazione biennale del Presidente viene approvata e ringraziata. 
• Vengono approvati i bilanci annuali 2021 e 2022 e viene concesso il discarico al Tesoriere e al Consiglio di amministrazione. 

Il punto più importante all'ordine del giorno è la discussione e l'approvazione dello statuto della SKGB, che è stato modificato in alcuni punti chiave. Lo Statuto sarà complessivamente snellito e adeguato agli sviluppi attuali. Le modifiche più importanti in sintesi: 

• La Commissione d'appello è abolita. 
• La revisione contabile è sostituita dalla revisione finanziaria. 
• I soci individuali e i soci onorari hanno diritto di voto. 
• Le assemblee dei delegati sono sostituite dalle assemblee annuali dei soci. 
• Il Consiglio di amministrazione è ora chiamato "Consiglio esecutivo". 
• La carica non è più menzionata nello Statuto. 
• Iris Klöti-Wülser viene eletta nuovo Presidente e Bettina Fierz Salzmann nuovo membro del Consiglio di amministrazione. Martina Bissegger, Peter Hartmann e Edy Weber vengono eletti membri del Comitato di revisione. 
• Viene presentato e approvato il programma di attività 2023-2024. 
• Annedore Neufeld e Albert Hartkamp, che si sono entrambi ritirati dalla ZV dopo l'ultima AV, ricevono la tessera onoraria.

Nel novembre 2022, abbiamo festeggiato il 125 + 1  nel Grossmünster e nel centro culturale Helferei di Zurigo. Anche il membro del Consiglio direttivo, il reverendo Dietrich Jäger-Metzger, ha commemorato il 100° compleanno di Kurt Marti nel suo discorso e con i testi durante la funzione festiva. Queste sono state le parole di Kurt Marti all'inizio: 

la fine della storia
hanno detto gli amici:
cantaci un canto - un canto nuovo - un canto spirituale
e ho cantato - una nuova canzone
ma vedete: la canzone - che ho cantato
era la fine - del canto spirituale

Lo stesso poeta ha scritto: "Dietro la formulazione di questa poesia si nasconde la speranza - per quanto audace, in qualche modo messianica - che un giorno i paletti di confine e gli steccati tra sacro e profano possano essere sfondati, o cadano da soli.
Ma il confine è ancora lì, per il momento. Non posso nemmeno abolirlo. Posso solo esprimere la speranza che venga abolito...". Le parole di Marti, a volte inquietanti, ma anche risveglianti, riflettono magnificamente lo spirito di ottimismo che si respira nell'associazione. 

Le giornate di canto, le settimane di canto e le giornate di formazione vocale sono nuovamente in programma per il 2023 e il 2024. Programma. Insieme a dipendenti e collaboratori impegnati, continueremo a sviluppare la nave SKGB attraverso il canto e a guidarla attraverso mari a volte calmi e a volte spaventosamente agitati. Tutto sarà incentrato sul cantare insieme in chiesa.  -  sia come individuo, congregazione, ensemble vocale, coro o cantore. 

I giochi elettronici possono vantare ben 50 anni di storia. Non solo costituiscono la maggior parte dell'intrattenimento
L'industria dei videogiochi è un'industria mondiale, ma è anche un bene culturale e sta diventando sempre più oggetto di attenzione da parte della politica e della scienza. La disciplina di ricerca dei game studies, che si è affermata a partire dall'inizio del millennio, è stata a lungo limitata agli Stati Uniti e al Giappone. Solo di recente si è presa coscienza di una storia indipendente, dinamica e influente dei giochi digitali in Europa e in altre regioni, e anche la Svizzera ha una vivace scena di giocatori e di sviluppo di giochi. In un "Contre Histoire", il progetto di ricerca CH-Ludens sta analizzando questa storia.
patrimonio culturale.

Suono e musica nei giochi elettronici
Gli anni '80 e '90 hanno segnato una svolta nella progettazione audio dei giochi digitali, passando da semplici bip funzionali a un'estetica differenziata per piattaforma e regione. Creare suoni e melodie riconoscibili era una sfida tecnica. Non esistevano chip sonori dedicati o dovevano essere codificati specificamente per ogni piattaforma informatica, e anche in questo caso le melodie avevano un suono diverso su dispositivi diversi. Mentre i primi computer avevano solo un cicalino a canale singolo, i chip sonori successivi permettevano di utilizzare diverse frequenze, ma le tonalità possibili suonavano spesso in modo strano per l'orecchio europeo. Questo ha portato allo sviluppo di suoni personalizzati per i giochi digitali, come la tonalità dell'Atari VCS. In termini di storia dei media, questi sono stati momenti decisivi per la formazione di musiche specifiche per i giochi e di earcons che sono ancora oggi utilizzati. Dal punto di vista dell'antropologia culturale della musica, Addrich Mauch dell'Università di Berna studia in modo specifico i progetti svizzeri di audio per videogiochi di questo periodo, le loro caratteristiche estetiche e funzionali uniche e la loro influenza culturale e tecnica nel contesto dello sviluppo globale dei giochi.

Cooperazione interdisciplinare
Mentre gli studi sui giochi si sono appena affermati presso l'Università delle Arti di Berna e l'Università di Berna, l'Università delle Arti di Zurigo ZHdK è stata la prima a creare un proprio GameLab e da allora ha organizzato una serie di conferenze e pubblicato diversi libri. Questo esempio è stato recentemente seguito dall'Università di Losanna UNIL (e dall'École Polytechnique Fédérale de Lausanne EPFL) con i loro GameLab. Sotto la guida di Eugen Pfister, il progetto SNSF Sinergia riunisce 20 ricercatori delle quattro università svizzere con un interesse comune per la storia dei giochi digitali in Svizzera, riunendo un'ampia varietà di metodi e domande scientifiche. I background accademici spaziano dall'antropologia culturale della musica, agli studi letterari, alla storia, al game design e agli studi sul game design, alle digital humanities, al graphic design, alla linguistica, agli studi sui media e molti altri.

Da un lato, l'obiettivo è quello di apprendere il più possibile gli uni dagli altri utilizzando approcci interdisciplinari e, dall'altro, di acquisire una migliore comprensione della
Il progetto mira a creare un legame con la digitalizzazione della società svizzera nel XX secolo, intendendo i giochi digitali come una tecnologia culturale. Il progetto è anche un passo importante verso la conservazione di un patrimonio culturale svizzero che rischia di essere dimenticato.

chludens.ch

Chiediamo a tre insegnanti Suzuki, Rachel Wieser, Nina Ulli e Deborah Furrer, perché vale la pena di proseguire la formazione.

Perché ha scelto il programma di formazione Suzuki?

Rachel Wieser Volevo imparare un metodo per insegnare ai bambini piccoli a giocare contro.

Nina Ulli Ho ascoltato un concerto Suzuki e sono rimasta entusiasta della sicurezza dei bambini, della loro gioia di suonare e del loro alto livello.

Deborah Furrer Quando ero bambino, conoscevo un bambino a cui era stato insegnato il metodo Suzuki. Notai che aveva una buona postura e un tono pulito. Quindi il metodo mi incuriosiva già allora. 

Quali sono i vantaggi e gli svantaggi del metodo?

NU Il bello è che ogni bambino ha l'opportunità di sviluppare le capacità di esprimersi musicalmente.

RW Uno svantaggio che viene spesso menzionato è che gli studenti Suzuki non sanno leggere la musica...

DF Non dover leggere la musica può essere un vantaggio! Questo permette di concentrarsi sull'allenamento dell'orecchio, sul ritmo, sull'intonazione, sulla postura, sul suono e sull'espressione. Un inizio precoce è fondamentale. In nessun'altra età i bambini imparano così rapidamente e intensamente come in età prescolare.

Quali esperienze ha vissuto durante la sua formazione?

RW Da un lato, abbiamo approfondito i dettagli tecnici, dall'altro abbiamo esaminato come insegnare a suonare il violino nel modo più adatto ai bambini. 

NU La formazione è molto ben fondata e può essere implementata nelle lezioni fin dall'inizio.

DF Si ottengono molte idee per lezioni divertenti, visive e giocose.

In che modo la formazione ha cambiato la sua pratica di insegnamento?

RW Ho imparato ad affrontare le difficoltà tecniche in modo più efficiente e a comunicarle in modo giocoso.

NU Mi sento più competente nelle questioni tecniche e di sviluppo, e l'insegnamento è più piacevole perché posso investire molto di più nel lavoro musicale grazie alla buona intonazione e alla sicurezza ritmica degli studenti.

DF La metodologia mi ha aperto gli occhi sull'importanza della semplicità e della chiarezza. I primi passi hanno bisogno dei più piccoli per essere riconosciuti. Il bambino sperimenta un legame con lo strumento e la musica fin dall'inizio!

La formazione ha avuto un impatto sul suo lavoro artistico?

DF Sì, ci sono state nuove importanti intuizioni per il mio gioco...

NU Questo mi ha sorpreso! Non avrei mai pensato che la formazione mi avrebbe reso un violinista migliore. 

RW Anche affrontare le basi della tecnologia mi ha aiutato a migliorare.

La formazione ha avuto un impatto sulla sua vita sociale?

RW Ciò che apprezzo è la rete mondiale di insegnanti. Ho vissuto in diversi Paesi, attualmente in Svezia. Si possono trovare connessioni ovunque. 

NU Sì, gli insegnanti Suzuki dialogano vivacemente. Ho già fatto molte amicizie in questo modo.

DF L'approccio di Suzuki, secondo cui la comunità è importante e tutti sono valorizzati e sostenuti, ha una grande influenza sugli insegnanti. 

Perché ho bisogno di diversi programmi di formazione?

DF La materia è troppo complessa per essere appresa in poco tempo. Con il metodo Suzuki, c'è una missione educativa su cui bisogna riflettere continuamente.

RW Il metodo si basa su un approccio graduale. Il modo in cui gli elementi costitutivi vengono trattati nei brani non viene mostrato nelle note, ma viene insegnato durante la formazione.

NU La formazione tradizionale di Suzuki prevede cinque livelli. Più se ne completano, più tutto si inserisce in un insieme più ampio.

AJ I cinque livelli si basano l'uno sull'altro e sono insegnati in quattro programmi di formazione continua CAS, due dei quali possono essere offerti attualmente.

Cosa augura al metodo Suzuki per il futuro? 

DF Che gli aspiranti musicisti abbiano la possibilità di conoscere questo metodo durante i loro studi. È fantastico che il Kalaidos, come università, offra ora questa formazione. Spero che sempre più persone comprendano il significato di questo metodo di apprendimento e di educazione. Sarebbe bello se più insegnanti in Svizzera potessero essere ispirati a utilizzare altri strumenti. Altri Paesi sono già più avanti. Lo scorso aprile, oltre 1000 bambini si sono riuniti a Londra per fare musica con una grande varietà di strumenti! 

Ulteriori informazioni sono disponibili alla pagina seguente:

www.kalaidos-fh.ch/de-CH/Studiengaenge/CAS-Certificato di studi avanzati - Pedagogia musicale - Metodo Suzuki - II1TP5 - inizio degli studi

Particolarmente apprezzate sono le settimane di corso di musica folk, corno alpino e banda d'ottoni boema. Se desiderate ancora partecipare a un corso, potete trovare tutte le informazioni sui corsi, le iscrizioni e i posti disponibili sul sito web musikkurswochen.ch. Alcuni corsi sono già al completo.

20 diverse masterclass Arosa

Sotto l'etichetta "Meisterkurse Arosa - Masterclasses Arosa", Arosa Kultur raggruppa tutti i corsi delle Settimane Musicali di Arosa che offrono il livello di masterclass. In totale, ci sono circa 20 corsi individuali per vari strumenti. Un'offerta speciale nell'ambito delle masterclass è la "AROSA MUSIC ACADEMY", che combina lezioni individuali con lezioni intensive di musica da camera. 

I docenti delle masterclass includono musicisti famosi come Maurice Steger, Simon Fuchs, Priya Mitchell, Lars Mlekusch, Markus Fleck, Sarah O'Brien e molti altri.

Premi interessanti per i partecipanti alle masterclass

Arosa Cultura ha creato premi interessanti per i partecipanti alle masterclass. Il premio Hans Schaeuble viene assegnato a un massimo di nove partecipanti. Un premio comprende un concerto nell'ambito del festival Arosa Klassik dell'inverno successivo. Arosa Kultur offre l'opportunità di esibizioni di musica da camera con musicisti rinomati. 

Il premio può essere consegnato grazie al sostegno finanziario e morale della Fondazione Hans Schaeuble. 

La Fondazione Villa Musica della Renania-Palatinato DE assegna borse di studio interessanti e ambite a studenti di musica selezionati. I partecipanti all'accademia musicale di arosa per suonatori di archi hanno l'opportunità di fare un'audizione esclusivamente per ottenere una borsa di studio Villa Musica. 

Tutte le informazioni sul Meisterkrusen sono disponibili all'indirizzo masterclassesarosa.ch.

Estate culturale ad Arosa con un ampio programma culturale

Quest'estate, Arosa Cultura ospita due mostre: "Uff än Ggaffi" nel Museo di Storia Locale di Arosa presenta 15 donne di Schanfigg e "Vo Plumpa und Schella" in una stalla sotto il Bergkirchli presenta la collezione di campane dell'agricoltore di montagna di Arosa Markus Lütscher e il suo utilizzo durante l'anno. 

Anche il programma musicale è vario e di alto livello. Canzoni napoletane, canzoni popolari di montagna, hard rock di Coira, musica popolare, letture, musica classica e l'operetta francese "Le dernier sorcier" vi invitano a divertirvi.

Ogni martedì dal 20 giugno al 10 ottobre, i concerti del martedì si svolgono alle ore 17.00 con molti musicisti grigionesi e i responsabili dei corsi delle Settimane Musicali di Arosa.

Conveniente: il viaggio in treno Coira-Arosa-Coira è incluso nel biglietto di alcuni eventi. E quando il tempo lo consente, molti eventi si svolgono all'aperto presso il Waldbühne di Arosa. 

Gli eventi per bambini organizzati da Arosa Kultur si svolgono anche sulla Waldbühne ogni lunedì di luglio e agosto. 

I biglietti per il Kultursommer possono essere prenotati:

+41 (0)81 353 87 50 o ticketing@arosakultur.ch.

 Tutte le informazioni sono disponibili su www.arosakultur.ch per trovare.

Anche se spesso non ne siamo consapevoli, la tecnologia AI viene già utilizzata in molti ambiti della nostra vita quotidiana, tra cui la comunicazione, il mondo del lavoro, la sanità, i trasporti e l'intrattenimento. È molto probabile che in futuro questa tecnologia contribuisca sempre di più a risolvere le varie sfide della nostra società, come il cambiamento climatico o l'aumento della produttività economica.

Tuttavia, tutti parlano di IA dal dicembre 2022, quando la società statunitense OpenAI ha lanciato la piattaforma online ChatGPT. ChatGPT comprende ciò che un utente scrive in forma di testo, è in grado di imparare, risponde a domande o scrive passaggi di testo con conversioni naturali e quasi prive di errori in tempo reale.

Sviluppo rapido

Al momento, tuttavia, lo sviluppo è ancora in fase iniziale, quindi le affermazioni di ChatGPT vanno prese con le molle, poiché secondo diversi esperti di IA sono a metà strada tra il "brillante" e lo "stupido da togliere il fiato". Tuttavia, dato il rapido ritmo di sviluppo, si può presumere che la situazione cambierà rapidamente.

E dopo che, nel gennaio 2023, è stato annunciato che ChatGPT ha superato un Master of Business Administration (MBA) presso un'università d'élite con un voto sufficiente, non sono solo le università e i college a discutere attivamente su come affrontare questa nuova sfida.

Le soluzioni variano: nei casi in cui l'IA non è completamente vietata come aiuto dalla normativa, il suo utilizzo deve essere documentato in modo trasparente, ad esempio, e la dichiarazione di indipendenza è integrata da una nota in cui si dichiara che l'IA è stata utilizzata solo come aiuto e non per trovare una soluzione.

A parte il discorso filosofico, certamente appassionante, sull'origine di un'idea (o, in questo caso, della soluzione di un problema) quando si utilizza l'IA, dimostrare che qualcuno non ha rispettato questo requisito è probabilmente piuttosto difficile (almeno al momento).

Ad esempio, non è ancora certo se un software avanzato per il plagio sarà in grado di riconoscere se un testo è stato scritto dall'autore o generato da un "ghostwriter", che in questo caso è l'AI.

È molto probabile che una commissione d'esame scopra se il lavoro e i pensieri di uno studente sono effettivamente coinvolti in una discussione scientifica puramente personale (il cosiddetto colloquio). 

L'intelligenza artificiale negli studi musicali

Ma in che modo l'IA - a parte il suo utilizzo nelle materie teoriche degli studi musicali o per la stesura del libretto di un CD o del programma di un concerto - potrebbe influenzare direttamente la musica?

Per toccare il pubblico con una performance dal vivo in un concerto, come musicista ho bisogno principalmente di due cose: emozioni e una tecnica strumentale o vocale matura che mi permetta di esprimere i miei sentimenti.

Sembra probabile che una macchina sia in grado, ad esempio, di copiare un'interpretazione di un'étude di Chopin da un modello umano e di suonarla con un elevato standard tecnico e musicale.

Ma nella migliore delle ipotesi, questo crea una buona copia senza una dichiarazione e una visione artistica indipendente. E non dimenticate: il pubblico vuole anche partecipare alla vita reale di veri musicisti. 

E la composizione? Esistono già macchine per la composizione (come l'AIVA) che sono state alimentate con innumerevoli dati musicali e sono in grado di analizzare le strutture chiave della musica (cioè ritmo, melodia e armonia) e di generare sequenze di note che sono statisticamente le più probabili, con risultati a volte sorprendenti.

Ma la probabilità statistica porterà solo alla mediocrità, nel migliore dei casi. L'intelligenza artificiale cambierà molte aree della produzione musicale e il fatto che l'intelligenza artificiale componga melodie utilizzate come musica di sottofondo o colonne sonore di giochi è già una realtà oggi. 

IA e pedagogia

E l'IA cambierà il lavoro pedagogico? Il fatto che le interpretazioni musicali possano essere caricate, analizzate dall'IA e utilizzate per fornire suggerimenti preziosi sembra essere una realtà del prossimo futuro, anche perché il dipartimento di ricerca dell'Università di Musica Kalaidos sta lavorando intensamente a questo sviluppo in collaborazione con il Politecnico di Zurigo, il pianista Ingolf Wunder e la sua azienda. Che uno strumento del genere possa sostituire completamente le lezioni di musica personali sembra molto improbabile.

Dopo tutto, una pedagogia di successo consiste nel lavorare con le capacità, le debolezze o i sentimenti individuali di uno studente, in modo che possano emergere affermazioni e visioni musicali molto personali. L'intelligenza artificiale sarà mai in grado di imitare queste caratteristiche tipicamente umane?

In ogni caso, anche per gli esperti è difficile stimare ciò che l'intelligenza artificiale sarà in grado di fare. Ma probabilmente la musica non riuscirà mai a fare a meno dell'uomo.

Gli incontri annuali di associazioni e iniziative sono di solito programmi obbligatori piuttosto aridi ed estenuanti. Non è così per il FMD, ForumMusikDiversität Schweiz. Da qualche anno a questa parte, è diventata una sorta di tradizione che l'assemblea annuale dei soci sia utilizzata come occasione per presentare al pubblico opere di compositrici donne. "Poiché siamo musiciste donne, vogliamo naturalmente anche facilitare lo scambio culturale nella pratica", spiega l'attuale presidente della FMD Anmari Mëtsa Yabi Wili, "si tratta di far conoscere più musica femminile". La FMD, fondata a Berna nel 1982, è un'iniziativa di artiste e del loro ambiente, che si impegna costantemente per la presenza femminile e per una maggiore diversità nella vita musicale.

L'attuale concerto della FMD a Basilea il 25 giugno con Le Donne Ideali e Guest offre un'ampia gamma di prospettive stilistiche e concetti estetici diversi. La curiosità sfrenata, la gioia del gioco e la sperimentazione hanno sempre caratterizzato i concerti organizzati dalla FMD. Nel 41° anno della FMD, i musicisti strettamente legati all'iniziativa hanno selezionato brani solistici di quattro decenni per flauto, violoncello, arpa e tasti che stanno loro particolarmente a cuore. Seraina Ramseier eseguirà musiche per flauto solo provenienti da due posizioni artistiche molto diverse: "Envol", un'opera tarda di Caroline Charrière, una delle compositrici svizzere più importanti, scomparsa troppo presto nel 2018, e il brano "East Wind", scritto nel 1987 dalla compositrice Shulamit Ran, nata a Tel Aviv, che trasferisce le svolte della musica tradizionale e del folklore nello spettro espressivo della musica contemporanea. Oltre al pezzo per violoncello "Fält" della compositrice svedese-francese Madeleine Isaksson, eseguito in prima assoluta da Karolina Öhman, ci sarà anche l'opera "Baroque Flamenco" della californiana Deborah Henson-Conant, suonata da Julia Wacker, arpista dell'ensemble. Le piace particolarmente il fatto che il pezzo sia "disinibito al confine tra musica seria e popolare", dice Wacker, "Henson-Conant, che suona anche jazz, fa un uso disinibito della musica antica e inventa nuove tecniche che derivano dalla pratica della chitarra flamenca. Questo ha un effetto sonoro incredibile e allo stesso tempo permette un approccio emotivo".

Anmari Mëtsa Yabi Wili, fondatrice di Donne Ideali, interpreta il brano "Public Privacy #5 Aria" per campionatore, voce e video della compositrice austro-tedesca Brigitta Muntendorf. È nata nel 1982, proprio nell'anno di fondazione della FMD. "Brigitta Muntendorf si spinge costantemente oltre i confini della creatività nelle sue opere", afferma entusiasta Wili. Questo approccio interdisciplinare caratterizza l'intera serata di Basilea: "Apriamo ulteriormente il formato del concerto con la poesia 'Penelope, angefressen' della poetessa austriaca Elfriede Gerstl, che risuonerà nella sala come intervento audiovisivo", spiega Wili. Il titolo di questa poesia, una Penelope arrabbiata, è il motto dell'intera serata. Dopo tutto, c'è ancora molto margine di miglioramento quando si parla di uguaglianza. Anmari Mëtsa Yabi Wili: "Nel campo contemporaneo, in gran parte non è più una questione di compositori donne o uomini, né tra i giovani musicisti né tra i laureati. Si è sviluppato qualcosa di buono, ma solo nel campo della musica da camera contemporanea. Quando si va all'opera o all'orchestra sinfonica, il repertorio di compositrici donne è ancora scarso. Inoltre, è ancora difficile per le donne raggiungere i livelli dirigenziali, ad esempio nelle accademie di musica. E se in tutto il mondo ci sono così tante direttrici d'orchestra donne, per me è incomprensibile che in Svizzera si trovino ancora interi programmi annuali senza direttrici. Da questo punto di vista, la Svizzera è molto indietro". Al termine del concerto della FMD, tutti i partecipanti si riuniranno per il rinfrescante concept piece "Futures" di Chlöe Herington. La partitura di quest'opera funziona come i tarocchi. Le voci unite e forti dei musicisti sono così ferocemente focalizzate sul futuro. Questo vale anche per la FMD: ulteriori progetti di rete e interdisciplinari sono all'ordine del giorno.

Penelope, incazzata

Domenica 25 giugno 2023, ore 18.30
Kasernenhof 8, 4058 Basilea
+41 77 481 00 72
info@khaus.ch
info@musicdiversity.ch

musicdiversity.ch/post/penelope-angefressen

musicdiversity.ch 

Ho potuto parlare con Lukas Hering, presidente della Jazz&Pop Expert Commission, delle ragioni di questo fenomeno e delle possibili misure per contrastarlo.

Il jazz e la competizione non si escludono a vicenda, anzi non sono nemmeno estranei l'uno all'altro. La storia del jazz ci dice che il cakewalk, un precursore del jazz, deve il suo nome alle gare di ballo. E i leggendari festival jazz di Zurigo degli anni Cinquanta hanno motivato un'intera generazione di musicisti jazz in tutta la Svizzera a dedicarsi al jazz con le gare. 

Tuttavia, è altrettanto indiscutibile che le scene del jazz e della musica classica sono diverse. Anche il concorso musicale giovanile ne tiene conto: nella musica classica, la decisione preliminare si chiama Entrada e si svolge dal vivo in una sala da concerto, mentre la preselezione, la controparte di questa nel jazz, si svolgeva in precedenza sulla base di presentazioni video. La finale di musica classica è solitamente un'esibizione classica nell'auditorium di un'accademia musicale, mentre la finale di jazz è un set in un jazz club. 

Entrambi i tipi di concorso hanno in comune il fatto che non si tratta di assegnare un punteggio e una classifica alle esibizioni solistiche, ma di sostenere e consigliare i giovani talenti musicali, indipendentemente dallo stile scelto. All'Entrada, alla Preselezione, al Come Together e alla Finale, gli artisti ricevono un feedback da rappresentanti competenti della scena. Il contatto con colleghi che hanno interessi simili offre l'opportunità di fare rete e, in alcuni casi, una registrazione in studio o un'esibizione in un contesto professionale aprono addirittura la porta alla scena professionale. 

È importante sapere che "Jazz&Pop" è una sorta di segnaposto per tutti gli stili al di fuori della musica classica, o come è formulato sulla homepage: "Jazz, musica improvvisata, pop, rock, hip hop, musica elettronica ecc.". Il jazz e la musica elettronica sono probabilmente meno diffusi del pop e del rock nella fascia d'età di riferimento che va dai dieci ai vent'anni.

Come ci assicura Lukas Hering, siamo aperti a un'ampia gamma di stili e siamo sempre curiosi di conoscere progetti originali. Per i progetti che vanno oltre l'ambito, c'è anche la possibilità di partecipare al concorso di composizione o di spazio libero.

Mentre il numero di iscrizioni al concorso di musica classica è rimasto stabile ad un livello elevato per anni, c'è ancora capacità libera nel concorso di jazz & pop. Per questo motivo, l'organizzazione del concorso è stata valutata e perfezionata cinque anni dopo la sua introduzione nel 2017. Ciò si è riflesso in un aumento del numero di iscrizioni nei due anni successivi, anche se a partire dal 2020 si è registrata una nuova stagnazione a causa della pandemia. 

La procedura sarà riconsiderata per il 2024. Si stanno valutando le eliminatorie regionali di Jazz&Pop sotto forma di entradas classiche. Riguardo all'intensificazione  In collaborazione con diverse scuole di musica, si intende migliorare ulteriormente la responsabilità e la visibilità del concorso.

Un concorso di musica jazz & pop nell'era dei concorsi inflazionati, dei talent show e dei casting show? Il Concorso svizzero di musica ha fatto tesoro dell'esperienza decennale maturata con il concorso di musica classica per creare una variante jazz & pop più vicina ai partecipanti e alla scena di quasi tutti gli altri concorsi. È auspicabile che questo strumento venga presto utilizzato appieno dai giovani musicisti.

Le date e le formalità di registrazione sono disponibili al seguente indirizzo
sjmw.ch.

L'Università di Musica Kalaidos chiede a un'impiegata come organizza la sua vita quotidiana e cosa deve cambiare per rendere più facile la conciliazione tra vita professionale e privata.

Annette Kappeler, i musicisti in particolare hanno spesso troppo poco tempo libero. Come descriverebbe la sua soddisfazione in termini di equilibrio tra lavoro e vita privata?
Non è proprio l'ideale: come musicista, sono spesso impegnato nel fine settimana e durante la settimana lavoro per la Kalaidos University of Music e la Bern University of the Arts, quindi a volte non ho un giorno libero. Allo stesso tempo, ho il grande privilegio di poter organizzare liberamente il mio tempo.

Cinque mesi fa ha avuto un figlio, di cui siamo molto felici! Come riesci a conciliare la vita quotidiana con il tuo compagno e il tuo bambino con le tue attività professionali?
Condividiamo equamente l'attività lavorativa, l'assistenza e i lavori domestici. I nostri datori di lavoro sono molto collaborativi e flessibili quando si tratta di pianificare il nostro ritorno al lavoro.

Quando trascorrete del tempo con il vostro partner e con vostro figlio?
Per esempio, cerco di prendermi il lunedì libero dopo i fine settimana di concerti e di godermi la tenda a casa. Durante la settimana, cerco di non avere giornate lavorative troppo lunghe, in modo da avere tempo dalle 16 in poi.

Con quali forme di assistenza all'infanzia avete esperienza? Quanto siete soddisfatti?
Il nostro bambino ha ora cinque mesi e va all'asilo nido per due giorni e mezzo. Abbiamo anche degli amici che si divertono a passare del tempo con lui. Siamo molto soddisfatti di entrambe le forme di assistenza all'infanzia e penso che si completino a vicenda: con l'assistenza individuale si può dare al bambino un'attenzione illimitata, mentre in un gruppo di bambini avviene un enorme processo di apprendimento in termini di comportamento sociale.

Cosa deve cambiare in Svizzera per quanto riguarda la genitorialità, affinché la vita lavorativa e il lavoro di cura siano più compatibili?
C'è molto da fare - per citare solo alcuni punti: Congedo parentale retribuito di alcuni mesi, liberamente divisibile tra entrambi i genitori - o preferibilmente, in modo ancora più flessibile, liberamente divisibile tra le persone che vogliono prendersi cura in modo intensivo di un bambino, cioè anche i nonni o altre badanti! Lavoro part-time per i genitori (o per chi li assiste) e assistenza all'infanzia a prezzi accessibili per tutti!

Cosa fareste per quanto riguarda l'orario di lavoro settimanale?
Una riduzione dell'orario di lavoro sarebbe certamente auspicabile: nessuno è creativo e produttivo oltre le quaranta ore settimanali, e la maggior parte delle persone si ammala più spesso e si sente più insoddisfatta quando lavora così tanto. Noi siamo nella posizione privilegiata di poterci permettere di lavorare meno di 100%, ma questo non è assolutamente possibile per tutti. In definitiva, un reddito di base sarebbe probabilmente l'opzione migliore per consentire a tutti di raggiungere un buon equilibrio tra tempo libero, lavoro per la comunità, formazione continua e lavoro di cura.

E cosa migliorerebbe della situazione lavorativa dei musicisti?
Dovrebbe esserci un salario minimo vincolante per il lavoro dei musicisti, che dovrebbero essere coperti da un'assicurazione sociale per ogni impegno. Attualmente, spesso non veniamo pagati quando siamo malati e molti ensemble non pagano l'assicurazione pensionistica per i loro dipendenti.
L'arte è spesso descritta come un lusso costoso, ma allo stesso tempo abbiamo sperimentato durante il blocco che è una delle prime cose che ci mancano. In uno dei miei primi concerti dopo la serrata, la gente del pubblico ha pianto di gioia per aver potuto ascoltare di nuovo un concerto dal vivo in un Paese in cui di solito si piange solo al cinema e negli stadi di calcio!
Penso che questo tipo di lusso dovrebbe valere salari e condizioni di lavoro equi!

Intervista a Rico Gubler, nuovo direttore del Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti di Berna (HKB).

Rico Gubler, dopo tre mesi, quali sono le sue priorità come direttore del Dipartimento di Musica della BUA?
Esistono priorità fondamentali per la gestione di un conservatorio. È importante coltivare e combinare costantemente i due poli (apparenti) tra gli alti standard artistici - cioè l'approfondimento della "torre d'avorio" in senso positivo - e l'apertura attiva alla società che sostiene un'università, fino alla concretizzazione di temi socialmente rilevanti, ad esempio di natura culturale-politica o socio-culturale. A questo si collega il discorso costante sul cambiamento del concetto di musica e sui passi strategici, a volte solo tattici, che ne derivano.

In terzo luogo, è importante coltivare una cultura del discorso, del processo decisionale e della comunicazione nel moderno sistema universitario musicale che sia specifica per la musica, specifica per l'università e socialmente compatibile. In particolare, sto viaggiando attraverso l'università, Berna e la Svizzera per conoscere il maggior numero possibile di personalità stimolanti e diverse della nostra università, delle istituzioni partner e dei partner di cooperazione. In Svizzera, alle elementari si impara "warte, uege, lose, laufe" - non l'ho dimenticato nemmeno all'estero, con due piccole ma significative differenze: non voglio aspettare e "lose" viene prima di "luege".

Dato che lei è anche un avvocato, in che misura il legame tra musica e diritto influenza il suo stile di gestione?
In primo luogo, ha influenzato il mio modo di "guardare l'arte" grazie alla mia specializzazione in studi giuridici, alla storia della cultura giuridica e in particolare ai diversi metodi di interpretazione. A mio avviso, questo ha reso più flessibile il mio approccio a tutti i tipi di testo, compresi quelli non scritti e fissi, e ha ampliato le mie prospettive e i miei orizzonti.

I quasi dieci anni trascorsi in Germania mi hanno insegnato che non è solo la mia formazione giuridica ad aver avuto un'influenza formativa, ma anche in particolare i miei rapporti con il diritto svizzero. Ho imparato a concepire le leggi e le regole come un accordo sociale coagulato, come una storia condivisa, che nel migliore dei casi serve a raggiungere un obiettivo generale, ma che di solito è almeno utile per affrontare un campo di tensione reale e metterlo in moto. Per me è sempre importante che una struttura chiaramente organizzata sia molto più efficace di una miriade di regole dettagliate e il più possibile precise, che normalmente aumentano solo il numero di casi limite e di eccezioni.

Alla luce della sua esperienza come membro del consiglio responsabile della Piattaforma Pop e Jazz (PJP) dell'Associazione Europea dei Conservatori (AEC) e come ex membro della Conferenza dei Rettori delle Università musicali tedesche (RKM), quanto è importante per lei un organismo come la KMHS nel contesto svizzero?
A mio avviso, l'AEC presenta diversi vantaggi per la Svizzera. Il panorama dell'istruzione musicale superiore in Europa è estremamente variegato e le specifiche sfide regionali e nazionali motivano le università a proporre soluzioni molto diverse e interessanti da cui potremmo trarre vantaggio con un po' di creatività di trasferimento. Alcuni Paesi sono molto più avanti in termini di gestione della qualità specifica della musica, altri stanno portando avanti il tema della "cittadinanza artistica" e altri ancora stanno aprendo nuove strade nel campo della ricerca o dell'imprenditorialità. Noi svizzeri, particolarmente abituati al federalismo, dovremmo essere abituati a guardare da vicino ciò che viene sperimentato in altre strutture per adattare "il buono" ed evitare "il cattivo".

La KMHS è sia una camera d'eco per l'attento lavoro dei dirigenti universitari nelle loro istituzioni, sia il luogo in cui devono essere forgiate importanti alleanze per affrontare con successo questioni generali come la musicalizzazione della società, lo sviluppo e la protezione del sistema di istruzione superiore finanziato pubblicamente e la posizione della musica nel sistema svizzero delle SUP.

Secondo lei, quali sono le maggiori sfide che i conservatori svizzeri dovranno affrontare nei prossimi anni?
Uno sguardo agli eventi mondiali, ai quali i piccoli Paesi reagiscono spesso in modo più sensibile o almeno più rapido rispetto alle nazioni più grandi, fa pensare - per usare un'espressione della Germania settentrionale - a un mare alto nei prossimi anni. Tuttavia, non guardo a questo solo con preoccupazione, ma anche con grande interesse, perché le questioni dominanti come la scarsità di risorse, la migrazione, la questione della coesione nella sfera sociale o gli effetti della digitalizzazione nel profondo della società che devono ancora arrivare avranno un impatto massiccio anche sul concetto di arte e sulla logica del finanziamento pubblico e sulla comprensione del finanziamento e della ricezione, e da questo emergeranno cose nuove. La concezione tradizionale del ruolo dei compositori è già cambiata radicalmente in pochi anni. Questo è molto interessante, stimolante e offre anche molte opportunità.

Christoph Brunner è responsabile dell'inclusione e delle pari opportunità presso l'Orchestra del Teatro di Biel Solothurn e l'Università delle Arti di Berna.

Christoph Brunner, perché le vostre posizioni sono necessarie nelle istituzioni educative e culturali?
In primo luogo, in quanto centro culturale o università, abbiamo la responsabilità sociale di consentire e ampliare la partecipazione a vari livelli della società. In secondo luogo, le nostre organizzazioni non sono affatto diversificate sotto molti aspetti. Gli studenti dell'università o il pubblico del teatro comunale non sono un riflesso rappresentativo della società. Per questo è necessario abbattere le barriere, non solo quelle dirette come gli edifici inaccessibili, ma anche quelle culturali che fanno sì che molte persone non si sentano benvenute agli eventi o ai programmi di educazione artistica. Per raggiungere questo obiettivo, abbiamo bisogno di una maggiore scioltezza nell'affrontare questi problemi, lo sviluppo di una "cittadinanza artistica".

Quali formati e programmi si stanno sperimentando alla TOBS per affrontare questi problemi e creare una maggiore accessibilità per tutti?
Finora l'attenzione si è concentrata sugli ausili all'accesso, come l'audiodescrizione e il linguaggio dei segni. Negli ultimi due anni sono stati aggiunti servizi in lingua semplice e spettacoli rilassati. Questi ultimi sono solitamente più brevi, senza oscuramento completo e con porte leggermente aperte. Ciò significa che possono essere visitati anche da persone sensibili a stimoli intensi, ad esempio, o che non possono stare sedute per lunghi periodi di tempo. Tuttavia, è stato dimostrato che questa forma si rivolge a gruppi di persone molto diversi tra loro, compresi coloro che non oserebbero assistere a uno spettacolo d'opera di tre ore. Per loro, un breve pezzo da camera può essere una buona introduzione al mondo del teatro musicale.
In questo modo, il settore culturale si occupa principalmente dell'accessibilità e meno della produzione in quanto tale, che potrebbe essere completamente diversa se il pubblico non ha accesso illimitato a tutti i canali sensoriali abituali come la vista o l'udito. Questa sarebbe una domanda interessante: come si potrebbe concepire un teatro musicale che rinunci completamente al suono o all'immagine? Che aspetto ha un balletto all'unisono se i ballerini non sono conformi alla norma fisica degli ensemble del teatro d'opera? Oppure un'opera barocca può essere eseguita anche come pezzo hip-hop? Questa messa in discussione di forme familiari ha un enorme potere esplosivo a livello sociale. Tuttavia, non avvengono quasi mai nei grandi teatri d'opera o nelle sale da concerto, ma al massimo nella scena indipendente.

Perché no?
A mio parere, le ragioni sono due, combinate tra loro, e le chiamo la "trappola della Traviata": da un lato, ci sono le aspettative standardizzate che rendono difficile attirare 1000 persone al teatro d'opera con un formato non convenzionale. Per rispondere a queste aspettative, è meglio mettere in scena un'altra opera La Traviata on. D'altra parte, anche le strutture delle case di riposo sono standardizzate, con molto personale che deve gestire il proprio numero di servizi. È questa combinazione di aspettative e strutture standardizzate che rende difficile l'innovazione formale e sostanziale.

Presto organizzeremo una tavola rotonda su questi temi. Dovremmo parlare di più di inclusione nel teatro musicale in Academia?
Sì, assolutamente! Vorrei che la comunità di ricerca facesse lo stesso con gli organizzatori e gli interpreti: più coraggio e curiosità nella scelta dei temi e delle forme di lavoro, in modo da poter capire quali sono le condizioni quadro realmente necessarie per il successo della pratica del teatro musicale inclusivo.

Informazioni sull'evento
Discussione sul tema dell'inclusione nel teatro (musicale) nell'ambito della serie di eventi MUSIKTHEATER - MACHT - GESELLSCHAFT, organizzata dalla cattedra di Teatro musicale dell'Università di Berna, 17 maggio, ore 18:30, Biblioteca Münstergasse, Berna. Maggiori informazioni a:    musik.unibe.ch/forschung/ musiktheater__macht__gesellschaft/index_ger.html

La musica antica è praticata in tutta la Svizzera. (Università Anton Bruckner)

Sia come materia primaria o secondaria, sia attraverso moduli trasversali, la musica antica è ampiamente praticata e insegnata nel sistema di formazione musicale terziario svizzero.

Tour d'horizon dell'offerta molto diversificata di musica antica proposta dalle alte scuole di musica svizzere.

Disciplina principale 

Il primo nome che viene utilizzato è quello della musica antica - che può essere definito, al termine di una serie di interrogativi sui limiti del periodo e sulle caratteristiche delle opere musicali che essa ingloba, come la musica composta prima del XVII secolo nel contesto di un movimento generale di concezione e interpretazione storicamente informata - è la Schola Cantorum de Bâle. Fondata da Paul Sacher nel 1933, questa istituzione è affiliata alla Haute École de Musique de Bâle dal 2008, insieme all'Institut Classique et Jazz, e permette quindi agli studenti di scegliere la musica antica come campo di studio principale.

Anche a Ginevra un intero dipartimento è dedicato a questa pratica musicale e permette agli studenti di conseguire un Bachelor e/o un Master in questa materia. Alla Schola Cantorum, le principali discipline insegnate sono il canto storico, il clavecin, la clavicorde, il forte-piano, il maestro al cem-balo, il luth, le violon baroque, le violoncelle baroque, la viole de gambe, la flûte à bec, le traverso, le hautbois baroque, le basson baroque, le cornet à bouquin, le sacqueboute et la musique médiévale. 

Questi due centri di competenza sulla musica antica ospitano anche collezioni di strumenti e permettono agli studenti iscritti ad altri corsi di beneficiare della trasversalità di questi dipartimenti, in particolare attraverso moduli aperti o corsi opzionali. 

Disciplina secondaria 

Per essere in Svizzera al livello della disciplina secondaria, la Zürcher Hochschule der Künste propone un corso minore di musica antica. Intitolato Pratica esecutiva storica, permette di approfondire i principi fondamentali della musica antica su alcuni strumenti storici, oltre al ramo principale.
Aspetti come l'articolazione, il fraseggio e l'ornamentazione giocano un ruolo altrettanto importante quanto la differenziazione stilistica per periodo e regione, nonché l'esecuzione in ensemble. Questo minore esiste anche in una forma specializzata: Pratica esecutiva storica avanzata.

Moduli trasversali 

Infine, tutte le scuole di musica dei diversi Paesi presentano un approccio interdisciplinare alla musica tradizionale nei loro programmi di studio. Questo può avvenire sotto forma di partnership con musei (come l'Università delle Arti di Berna - Musica con il Sounding Museum o l'Università delle Arti di Zurigo con il Museo del Design) o attraverso moduli aperti, passerelle e corsi opzionali (come alla Haute École de Musique de Genève-Neuchâtel, alla Haute École de Musique Vaud - Valais - Fribourg, alla Hochschule für MusikBasel, alla Hochschule Luzern - Musik, al Kalaidos o al Conservatorio della Svizerra Italiana).

Caroline Boissier-Butini, ritratto di Firmin Massot (1766-1849), Ginevra, 1808 circa (fonte: da collezione privata)

La musica è il linguaggio universale delle emozioni. È un topos molto diffuso che prende sempre più piede. Ma è vero? Può essere dimostrato o smentito con metodi di ricerca empirico-analitici? Melanie Wald-Fuhrmann è professoressa e direttrice del Dipartimento di Musica dell'Istituto Max Planck per l'Estetica Empirica e conduce ricerche sull'estetica musicale, sul gusto musicale e su varie pratiche musicali. Nella sua conferenza del 7 marzo, illustrerà la storia delle idee alla base di questo topos e presenterà il suo studio storico-musicale ed etnologico in relazione alla musica e all'espressione emotiva. 

1000 anni di canto gregoriano a Einsiedeln 

L'Abbazia di Einsiedeln è stata per secoli un centro di eventi musicali, soprattutto di canto gregoriano. Nel XX secolo, questa tradizione di lunga data è fiorita sotto la guida di Padre Roman Bannwart. Il 14 marzo, Stephan Klarer parlerà della storia millenaria di questa musica liturgica nell'Abbazia di Einsiedeln. Stephan Klarer è docente di canto gregoriano presso la ZhdK e ha vinto il premio Marta Walter 2022 per il suo lavoro sullo stesso argomento. Utilizza i tesori della biblioteca del monastero per illustrare la storia musicale dell'Abbazia di Einsiedeln e discute i problemi della prassi esecutiva odierna. 

Musica, politica, patriottismo

Il 4 aprile Caiti Hauck, borsista Marie Skłodowska Curie presso l'Istituto di Musicologia dell'Università di Berna, illustrerà il suo progetto di ricerca sulla vita corale nelle città di Berna e Friburgo. Nel XIX secolo, le società corali erano un importante centro di vita musicale nelle città. Le società partecipavano spesso a festival canori o organizzavano concerti e altre attività. Che ruolo avevano la politica e il patriottismo nelle società corali e come promuovevano il senso di unione tra i cantori? Documenti come i giornali e le relazioni dei club forniscono informazioni su come la società si rifletteva nelle società corali. 

Caroline Boissier-Butini 

Chi conosce la compositrice Caroline Boissier-Butini? Nata a Ginevra nel 1786, ebbe una formazione musicale con Franz Liszt, tra gli altri. La musicologa Irène Minder-Jeanneret sta conducendo una ricerca su questa straordinaria compositrice svizzera e presenterà le sue tournée concertistiche, in particolare il suo soggiorno a Berna nel 1811. La conferenza sarà seguita da un breve concerto con opere di Caroline Boissier Butini, eseguite da Emma Saskia Bähler e da un'orchestra ad hoc. 

Le prime tre conferenze si terranno presso l'Istituto di Musicologia, Mittelstrasse 43 e saranno disponibili anche via Zoom.

Melanie Wald-Fuhrmann: La musica, linguaggio universale delle emozioni? 7 marzo, ore 18.30

Stephan Klarer: 1000 anni di canto gregoriano a Einsiedeln, 14 marzo, ore 18.30 

Caiti Hauck: Musica, politica, patriottismo: le società corali nelle città di Berna e Friburgo nel lungo Ottocento, 4 aprile, ore 18.30 

Irène Minder-Jeanneret: Caroline Boissier-Butini, la compositrice svizzera che scrisse sei concerti per pianoforte, 2 maggio, ore 18.30, Salone della Grande Société (Theaterplatz) 

Centro Medievale di Berna in collaborazione con la SMG: Aurelia Brandenburg: È realistico mangiare il Papa? Il Medioevo nel gioco digitale". 2 marzo, ore 17.15, Aula 220, Edificio principale, Università di Berna

Quando si pensa alla protezione dell'udito e alla musica, probabilmente molti pensano subito a una rock band che si esercita a un volume assordante in una piccola cantina o a un DJ che gira per ore con bassi martellanti in una discoteca. In queste situazioni, la protezione dell'udito è ovvia e probabilmente comprensibile per tutti.

Tuttavia, diverse misurazioni dimostrano che la protezione dell'udito sarebbe appropriata anche in aree o situazioni meno evidenti. 

L'orecchio è un organo sensoriale estremamente sensibile con il quale possiamo percepire i più piccoli rumori o suoni - e proprio per questo è anche molto delicato e vulnerabile. 

Una delle sfide principali nella protezione dell'udito è probabilmente il fatto che il danno all'udito non è segnalato dal dolore, come nel caso della tendinite, ad esempio, ma è un processo graduale. Se l'udito è stato sovraccaricato per un lungo periodo di tempo, spesso è troppo tardi e i danni irreversibili all'udito sono l'amara realtà. 

È proprio per questo motivo che gli aspiranti musicisti professionisti dovrebbero essere sensibilizzati e formati su questo tema. 

Dovrebbe! In un'altra indagine, l'Università della Musica di Kalaidos ha studiato come e se la protezione dell'udito viene discussa e applicata nei conservatori svizzeri. Lo scopo di questo studio è stato quello di registrare numericamente l'uso attuale delle misure di protezione dell'udito tra i docenti dei conservatori svizzeri e di determinare le ragioni (cognitive, sociali) del loro uso o non uso.

In sintesi, lo studio dimostra che la gestione della protezione dell'udito è raramente parte degli studi musicali professionali. 

Su un totale di 111 partecipanti, solo 25 (23%) hanno dichiarato di utilizzare protezioni acustiche durante le lezioni. In confronto, circa il 70% delle orchestre professionali utilizza tali protezioni (Chiller & Portner, 2020). Tuttavia, questo dato corrisponde anche alla prassi delle scuole di musica, dove solo il 26% degli insegnanti utilizza protezioni per l'udito (Hänni, 2021).

Lo studio mostra anche che esistono notevoli differenze nelle pratiche di protezione dell'udito tra i vari strumenti:
Mentre i docenti di batteria, percussioni e strumenti a pedale utilizzano protezioni per l'udito in oltre l'80% dei casi, la percentuale è di circa un terzo per gli strumenti a fiato e gli ensemble, le orchestre o le bande; tutti gli altri hanno adottato misure di protezione per l'udito ancora meno frequentemente. È sorprendente che nessuno dei docenti di strumenti a fiato ad alto volume con un dB(A) superiore a 90 (clarinetto, sassofono, tromba, trombone, corno) abbia protetto il proprio udito. Anche se va tenuto conto del fatto che solo pochi docenti di questo gruppo hanno preso parte allo studio, questo dato fornisce comunque un'indicazione di quanto poco sia utilizzata la protezione dell'udito per questi strumenti.

Il clima sociale tra i docenti riguardo alla protezione dell'udito era buono, il che si rifletteva in una comprensione reciproca e in poche inibizioni nell'uso delle misure di protezione dell'udito. Tuttavia, la consapevolezza del proprio rischio era distorta e coloro che avevano una valutazione sfavorevole del rischio erano anche meno propensi a discutere di protezione dell'udito con gli studenti.

Rischio sottostimato

Come nel caso delle orchestre professionali o delle formazioni amatoriali (cfr. articolo 3/2022 della SMZ), in molti casi il rischio effettivo è soggettivamente sottovalutato. 

Dopo tutto, anche l'insegnamento può mettere a dura prova l'udito:

Nel 61% dei casi qui valutati, gli intervistati insegnavano uno strumento con un livello sonoro medio di almeno 86 dB(A), considerato potenzialmente pericoloso secondo la Suva.

Pertanto, sono stati meno i fattori sociali e più quelli cognitivi (cioè la misura in cui ci si sente soggettivamente a rischio) a determinare la gestione della protezione dell'udito nei conservatori. La maggior parte dei docenti partecipanti ha riferito che i loro studenti non adottano quasi mai misure di protezione dell'udito durante le lezioni, anche se la protezione dell'udito viene discussa. Eppure, alcuni studi (Auchter & LePrell, 2014) confermano che è opportuno imparare a usare la protezione dell'udito fin da piccoli.

È quindi necessario agire. La Conferenza delle Università di Musica Svizzere (KMHS) lo ha già riconosciuto e i suoi membri stanno valutando se e come sensibilizzare gli insegnanti e integrare maggiormente il tema nelle lezioni di musica. E questo è un bene, perché in fondo si tratta di proteggere l'udito - e quindi il capitale dei futuri musicisti.

Il rapporto finale dettagliato è disponibile all'indirizzo
kalaidos-fh.ch/it-CH/Ricerca/Facoltà di Musica/Focus sulla protezione dell'udito

Bibliografia

Auchter, M., & Le Prell, C. G. (2014). Educazione alla prevenzione della perdita dell'udito con l'uso di Adopt-a-Band: cambiamenti nei dati auto-riferiti sugli inserti auricolari. 

Da utilizzare in due bande musicali di scuola superiore. Giornale americano di audiologia, 23(2), 211-226.

Chiller, S. e Portner, S. (2020a). Protezione dell'udito nei gruppi musicali amatoriali: relazione finale. Università di Scienze Applicate Kalaidos Svizzera.

Hänni, S. (2021), Protezione dell'udito nelle lezioni di musica. Università delle Arti di Berna.

Per la sua tredicesima edizione, l'European Youth Choir Festival Basel (EJCF) ha invitato giovani cori di spicco provenienti da undici Paesi europei e un coro ospite dalle Filippine. 

Più di 30 concerti corali di alta qualità e un ricco programma di eventi per gli appassionati di canto di tutte le età rendono le Giornate dell'Ascensione una grande celebrazione dell'incontro e del canto. 

Arrivano da tutte le direzioni. Undici cori giovanili provenienti da Belgio, Finlandia, Francia, Georgia, Irlanda, Israele, Lettonia, Lituania, Polonia, Serbia e Ucraina, un coro ospite dalle Filippine e sette cori giovanili da varie regioni linguistiche svizzere. Partecipano anche i cori dell'Accademia musicale di Basilea e il coro dei ragazzi e delle ragazze di Basilea. L'invito è stato esteso a coloro che hanno spiccate doti musicali, oltre che presenza scenica e carisma. Si prevede che oltre 30.000 visitatori assisteranno ai circa 50 eventi.

La presidente dell'associazione Maya Graf è già impaziente: "Indimenticabili concerti corali, canti insieme e meravigliosi incontri tra la popolazione locale, le numerose famiglie ospitanti, i volontari e i giovani coristi incanteranno ancora una volta la nostra regione."

Uno spettacolo pirotecnico di musica corale 

L'EJCF apre per la prima volta il suo programma di cinque giorni il mercoledì sera prima dell'Ascensione con un "Fulminante spettacolo corale" nella St. Jakobshalle. Più di 1000 giovani provenienti da 13 Paesi presenteranno la musica delle loro regioni d'origine e metteranno in musica il film d'animazione "Circuit" con una nuova composizione di Balz Aliesch, compositore di musica per film di Basilea. La Consigliera federale Elisabeth Baume-Schneider e la Presidente dell'Associazione Maya Graf danno il benvenuto al pubblico e ai giovani provenienti da tutta Europa. I giorni successivi sono ricchi di concerti a Basilea e nella regione. Chi ama cantare avrà pane per i suoi denti, così come chi preferisce ascoltare.

La nave dei cori offre ora l'opportunità di cantare insieme a cori provenienti da Israele, Belgio e Svizzera. Chi è interessato alla cultura avrà l'opportunità di conoscere da vicino le culture musicali di Georgia, Filippine e Finlandia allo Stadtcasino. Il Foyer Public del Teatro di Basilea ospiterà anche nuovi eventi Sing mit! per tutta la famiglia. Sabato pomeriggio, oltre 1000 giovani si esibiranno su cinque palchi all'aperto nel centro di Basilea in occasione di "Singe uf dr Strooss". Il festival si conclude domenica con il concerto finale allo Stadtcasino Basel. 

Nuovo programma Atelier EJCF

Sin dalla fondazione del festival nel 1992, gli incontri sono stati al centro dell'EJCF insieme alla musica. Il nuovo programma EJCF Atelier rafforza lo scambio tra giovani provenienti da diverse regioni linguistiche svizzere. 23 cori si formeranno sotto la direzione di esperti di fama internazionale su temi quali la coreografia, la body percussion e le canzoni popolari svizzere. I risultati del loro lavoro saranno presentati sabato sera. 220 giovani lavoreranno anche alla sinfonia multimediale "Nordic Light" per coro, orchestra e proiezione di suoni e video preregistrati alla presenza del noto compositore lettone Eriks Ešenvalds e la eseguiranno in prima svizzera allo Stadtcasino. 

Superare i confini culturali

Questa volta, circa 600 coristi sono ospitati da famiglie della regione di Basilea. Oltre alle scuole di musica, alle parrocchie e alle scuole secondarie, privati impegnati e l'organizzazione basilese Centrepoint stanno ora aiutando a trovare i numerosi letti per gli ospiti. La direttrice del festival Kathrin Renggli afferma: "Gli incontri tra i cantanti e il pubblico in generale aiutano a scoprire le persone che si celano dietro i luoghi comuni. Questo è tornato ad essere particolarmente importante in termini socio-politici". In generale, l'EJCF intrattiene innumerevoli collaborazioni con istituzioni e organizzazioni di ogni tipo e lavora con oltre 400 volontari. Questi volontari supervisionano cori o concerti, trasformano il vecchio materiale del festival in nuovi oggetti ricordo o lavorano al botteghino. 

La prevendita dei biglietti per il "Fulminante Chorspektakel" e la "Cena di Gala con Corale" sulla nave del coro è già in corso. 

Le prevendite per tutti gli altri concerti iniziano sabato 25 marzo 2023. Le informazioni sono disponibili online su www.ejcf.ch. 

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