Il concorso annuale per le borse di studio dell'Università di Musica Kalaidos si è svolto il 13 novembre 2023. Quest'anno sono stati assegnati anche i premi del Concorso annuale Istvan Kertész. I due strumenti di finanziamento premiano giovani artisti di spicco e integrano i servizi del Fondo per le borse di studio Kalaidos, che sostiene gli studenti in situazioni finanziarie difficili.

Gli studenti di tutti i corsi di studio dell'Università di Musica Kalaidos sono stati invitati a esibirsi in una performance di venti minuti con brani di vari stili, al fine di qualificarsi per le borse di studio e i premi. Dalle composizioni pop attuali alla musica per organo, in questa giornata di concerti si è potuta ascoltare un'ampia varietà di brani, interpretazioni e stili molto personali. 

Gli studenti del dipartimento jazz e pop si sono esibiti in una band con voce, pianoforte, batteria e basso; gli studenti del dipartimento classico hanno suonato violino, violoncello, pianoforte, organo, flauto e chitarra. Per ogni strumento sono stati invitati degli esperti che hanno giudicato le performance dei singoli studenti. Naturalmente, non è stato facile per la giuria assegnare le borse di studio e i premi - hanno dovuto  Abbiamo potuto confrontare molte eccellenti esecuzioni di diversi stili e gruppi di strumenti e onorare alcuni di essi in particolare.

Le borse di studio dell'Università di Musica Kalaidos sono andate ai seguenti giovani artisti:

• Alexander Argirov, che ha appena completato la sua formazione di insegnante e ha iniziato a perfezionarsi in canto classico presso l'Università di Musica Kalaidos, ha impressionato la giuria con la sua voce calda e sonora e la sua presentazione espressiva del testo;
• Zhang Zhixin, che presto completerà la sua laurea in violino, ha impressionato il pubblico con i suoi diversi colori tonali e la sua disinvoltura virtuosa in composizioni di Gabriel Fauré e Henryk Wienawski;
• e la non ancora ventenne Inessa Kulmer, che studia per un master in violino da esecuzione e che ha eseguito composizioni di Johann Sebastian Bach, Camille Saint-Saëns e Claude Debussy con una grande varietà di colori, esaurendo le possibilità del suo strumento dal soffio più morbido ai fuochi d'artificio degli accordi. 
• Un premio di sponsorizzazione è stato assegnato alla cantante Katharina Deierlein, al pianista Riccardo Venanzi e al percussionista Wenbiao Yuan, che hanno cantato il mal d'amore in un piccolo e raffinato programma da concerto che spaziava dallo swing degli anni Venti a vivaci composizioni originali.
• Oltre alle borse di studio, sono stati assegnati anche i premi del concorso Kértesz:

Il primo premio è andato al pianista Zeyu Zhao, che sta studiando per conseguire un master e ha impressionato la giuria con la sua disinvoltura virtuosistica nell'interpretazione di un'opera di Chopin. Il secondo premio è stato condiviso dalla violoncellista Selin Demirel, che ha eseguito composizioni di Ahmed Adnan Saygun e Edouard Lalo con un suono meraviglioso e un fraseggio di ampio respiro, e dal pianista Ruben Russo, che ha interpretato una composizione di Brahms con una grande varietà di organizzazione dinamica e agogica. L'organista Marie Königsbeck, che ha presentato una polifonia chiara e una registrazione variegata, ha ricevuto il terzo premio. Il premio svizzero è andato alla violinista Elisabeth Kulmer, che ha brillato per il grande virtuosismo e la precisione tecnica.

Dopo questa giornata, noi direttori di programma siamo orgogliosi di poter accompagnare tutti questi straordinari artisti nella loro carriera. Sappiamo per esperienza personale di quale grande impegno, perseveranza ed energia creativa abbiano bisogno i musicisti per imparare uno strumento musicale fin dalla più tenera età, per trascorrere innumerevoli ore a perfezionare la tecnica e la composizione musicale e per perseverare attraverso tutti gli ostacoli, non ultimi quelli finanziari, per appassionarsi alla musica e condividere questo entusiasmo con il pubblico. Il nostro amore per la musica a volte ci fa dimenticare il grande sforzo che comporta fare tutto per una professione.
che nella maggior parte dei casi è associato a condizioni di lavoro precarie.

Siamo lieti di poter sostenere finanziariamente il lavoro di questi giovani artisti e ci auguriamo che il nostro lavoro aiuti questi giovani musicisti a continuare a svilupparsi nel loro stile individuale e a continuare a contagiare il pubblico con il loro entusiasmo per la musica e a incantarlo con la loro ricchezza espressiva - dopo tutto, negli ultimi anni abbiamo imparato che, soprattutto nei momenti di incertezza e di paura per il futuro, l'espressione artistica profondamente sentita e l'impegno di una giovane generazione possono darci la forza e la speranza di affrontare il futuro con più ottimismo e forse di trasformarlo in qualcosa di positivo. 

All'Arosa Sounds di inizio febbraio, i giovani talenti grigionesi sono al centro del programma. Con il motto "Bündner Sounds", tre cantanti grigionesi si esibiranno in due serate con la stessa band di supporto. Le composizioni originali vengono riarrangiate e provate insieme in anticipo. Il mix di musicisti giovani e affermati è una sfida, ma arricchente per tutti. Le nuove interpretazioni portano nuove sfaccettature alle canzoni e ispirano il pubblico. Marco Todisco, Chiara Jacomet e Julie Fox  mostreranno le loro qualità di cantautori nella serata di giovedì, mentre il venerdì sarà più rock ed energico con Dario Hess, Sarah Mark e Gianni Tschenett. Il programma del festival è completato da concerti con musicisti esterni al Cantone dei Grigioni. Quest'anno si potranno ascoltare il sassofonista bernese Sha e le cover di Elvis accompagnate da una band e da un quartetto d'archi.

Il Festival di musica classica di Arosa comprende dodici concerti, sette dei quali saranno eseguiti dai vincitori del Premio Hans Schaeuble. Ad Arosa si esibiranno in totale dodici vincitori del premio: tre fisarmonicisti, quattro sassofonisti, tre violinisti, un violista e un violoncellista. Tutti hanno partecipato alla masterclass dell'Accademia di Musica di Arosa in autunno e hanno ricevuto il Premio Hans Schaeuble per le loro eccezionali performance musicali. Ciascuno di loro lavorerà a un programma da concerto in due gruppi ad Arosa e lo eseguirà ad Arosa, Coira e Zurigo. Sono ospiti del Klibühni - Das Theater di Coira e a Zurigo nell'ambito della serie di concerti Mittagsmusik nel Predigerchor della Zentralbibliothek di Zurigo e nella Johanneskirche di Zurigo. Il Duo Recantores, composto da Kristina Bistriha, soprano / Anton Savchuk, pianoforte e il Duo Christoph Croisé, violoncello / Alexander Panfilov, pianoforte, sono artisti internazionali affermati che possono essere ascoltati ad Arosa. Il quartetto jazz "Erwin Füchslin - Laurent Girard - Thise Meyer - Madlaina Küng", che suona musica improvvisata all'interfaccia tra musica popolare, jazz e musica classica, merita una menzione speciale. I concerti di Bergkirchli con Jasmine Vollmer, arpa, Edmauro de Oliveira, chitarra e Franco Mettler, clarinetto completano il programma del festival. 

Suoni di Arosa

1 - 3 febbraio 2024
Programma
Sha solo / Bündner Sounds con Marco Todisco, Chiara Jacomet, Julie Fox, Dario Hess, Sarah Mark e Gianni Tschenett / Julie Fox solo / Gianni Tschenett solo / Aloha from Hawaii
Tutte le informazioni su www.arosasounds.ch

Festival di musica classica di Arosa

12 - 30 marzo 2024
7 concerti con i vincitori del Premio Hans Schaeuble / Quartetto Jazz "Erwin Füchslin/Laurent Girard/Thise Meyer/Madlaina Küng" / Christoph Croisé e Alexander Panfilov / Duo Recantores / Edmauro de Oliveira e Franco Mettler / Jasmine Vollmer
Tutte le informazioni sotto www.arosaklassik.ch

Nell'anno del suo anniversario, l'EPTA Svizzera è lieta di ospitare la 46a Conferenza Internazionale EPTA dal 29 febbraio al 3 marzo 2024 in collaborazione con la Scuola di Musica di Lucerna. Alla più grande conferenza annuale europea sul pianoforte, oltre 50 relatori provenienti da tutto il mondo presenteranno conferenze, recital e workshop sul tema "Changes - Visions & Evolutions in Piano Music".

Per decenni, la Conferenza Internazionale EPTA ha rappresentato un forum artistico e pedagogico unico per i pianisti. L'esecuzione, l'interpretazione e la pedagogia pianistica prendono vita - le ultime ricerche vengono condivise e discusse. 

Le iscrizioni per gli uditori sono aperte fino al 15.2.2024 (sconto Early Bird fino al 31.12.23). Ulteriori informazioni sono disponibili sul sito www.epta.ch. L'EPTA Svizzera è lieta di incontrare tutti i relatori e gli ospiti.

Revisione 2023

La conferenza autunnale dell'EPTA Svizzera si è svolta in ottobre in collaborazione con l'Università delle Arti di Berna. La conferenza di due giorni è stata dedicata al tema "Pianoforte in movimento". L'attenzione si è concentrata su workshop e conferenze sul tema del "Pianoforte magico", un argomento di ricerca centrale presso la HKB. Radio SRF 2 Kultur è stata per la prima volta ospite in diretta di una conferenza EPTA. Il programma "Diskothek vor Publikum: Welte Mignon - eine pianistische Zeitreise" è stato registrato nella sala da concerto sotto la direzione della redattrice musicale Eva Oertle con il tecnico del suono Andreas Werner e il pianista Tomas Dratva. 

Durante i colloqui sono state discusse numerose questioni interpretative riguardanti la fedeltà del testo, l'improvvisazione, l'agogica, l'articolazione e la dinamica in un contesto storico. Le registrazioni dei rulli di pianoforte hanno offerto spunti sorprendenti. Il programma può essere ascoltato in qualsiasi momento su www.srf.ch.

Le parti interessate avevano tempo fino al 22 settembre 2023 per presentare una dichiarazione sul messaggio culturale 2025-2028. SONART ha sfruttato questa opportunità e ha coordinato la sua dichiarazione con le organizzazioni mantello Suisseculture, Suisseculture Sociale, il Consiglio svizzero della musica e la Taskforce Cultura.

Di seguito vengono illustrati alcuni punti selezionati della dichiarazione di SONART.

Sicurezza sociale

È positivo che il governo federale voglia migliorare la sicurezza sociale dei professionisti della cultura con diverse misure. Dopo tutto, come in qualsiasi altro campo professionale, le condizioni di lavoro nel settore culturale dovrebbero consentire ai professionisti della cultura di esercitare la loro professione in condizioni favorevoli. Ciò include un compenso adeguato per il lavoro svolto e un'adeguata sicurezza sociale attraverso il sistema di assicurazione sociale.

La considerazione di una remunerazione adeguata nella valutazione delle richieste di finanziamento - come previsto dal messaggio culturale - è quindi da accogliere con favore. Il fatto che le raccomandazioni delle organizzazioni professionali in materia di onorari e diritti d'autore vengano utilizzate nella valutazione dell'adeguatezza è molto promettente. Questa considerazione della remunerazione adeguata deve essere riconosciuta con un corrispondente finanziamento aggiuntivo per la promozione culturale.

Tuttavia, i problemi sistemici non possono essere risolti solo attraverso la promozione culturale; il sistema di sicurezza sociale deve essere adattato alle forme di lavoro atipiche in generale e ai lavoratori autonomi. Per questo motivo, è positivo che in alcuni settori sia prevista una maggiore collaborazione tra l'Ufficio federale della cultura UFC e l'Ufficio federale delle assicurazioni sociali UFAS e che si stiano valutando anche adeguamenti selettivi del sistema di assicurazioni sociali. Tuttavia, a nostro avviso, il sistema di assicurazione sociale dovrebbe essere fondamentalmente adattato ai cosiddetti "rapporti di lavoro atipici", un fenomeno in crescita in tutti i settori.

Considerazione dell'intero processo di creazione del valore nella promozione culturale

È molto positivo che anche le fasi a monte e a valle della produzione vengano sovvenzionate nell'ambito dell'aggiornamento dei finanziamenti culturali. Siamo convinti che il finanziamento delle fasi a monte (ricerca e sviluppo) e il miglioramento del finanziamento delle fasi a valle (promozione, diffusione e comunicazione) miglioreranno la situazione finanziaria degli artisti creativi da un lato, mentre dall'altro questo tipo di finanziamento è molto più in linea con il processo creativo artistico.

Maggiore cooperazione nella politica culturale

Un altro aspetto positivo è che la Confederazione intende rafforzare la collaborazione in materia di politica culturale con i Cantoni, le città, i Comuni, le associazioni culturali e le istituzioni private di promozione culturale. A nostro avviso, l'esperienza fatta durante la pandemia, ma anche in vista della stesura del messaggio culturale, dimostra che lo scambio tra gli enti statali responsabili della promozione culturale, da un lato, e le associazioni culturali, dall'altro, è particolarmente vantaggioso.

Promozione musicale

Sono previsti alcuni importanti cambiamenti anche nel settore della promozione musicale. SONART accoglie con favore, ad esempio, l'equiparazione delle differenze nelle misure di finanziamento per i vari generi musicali. È inoltre giusto che i progetti nei settori del pop, del rap e dell'elettronica ricevano in futuro maggiori finanziamenti e che vengano sostenuti anche festival e locali selezionati.

Affinché Pro Helvetia possa attuare con successo le misure, tuttavia, ha bisogno di finanziamenti significativamente maggiori rispetto a quelli finora disponibili per la promozione musicale. 

È piacevole che anche "l'ulteriore sviluppo di condizioni quadro adeguate nell'ambiente digitale" sia menzionato come obiettivo di politica culturale. Secondo SONART, ciò include misure che incoraggino le grandi piattaforme di streaming orientate al mondo, come Spotify, ad agire più localmente. È fondamentale che le piattaforme di streaming internazionali dispongano di team locali in Svizzera che conoscano la variegata scena musicale elvetica e inseriscano la musica svizzera nelle playlist in Svizzera e all'estero per migliorarne la visibilità.

Quadro finanziario federale per la promozione culturale

I fondi messi a disposizione dal governo federale per il quadriennio non sono sufficienti. Alla luce dell'inflazione e della riduzione generale del budget per la cultura annunciata dal governo federale solo nel 2024, il budget deve crescere più rapidamente del previsto. La crescita del budget per la cultura negli anni 2025-2028 dovrebbe essere di almeno 2,5 % (invece della crescita nominale media prevista di 1,2 %).

L'11 novembre 2023, la Salle Grenette di Friburgo è diventata il luogo di incontro di tutti gli svizzeri interessati a musica e salute. Esperti di accademie musicali, associazioni, fisioterapisti, insegnanti e ricercatori si sono riuniti per discutere l'argomento. Hanno presentato un quadro differenziato di come vengono affrontati i problemi di salute fisica e mentale nella scena musicale svizzera. Una delle domande chiave è stata quella di come si possa migliorare il modo di fare musica a livello individuale senza perdere la motivazione. I recenti risultati della ricerca dipingono attualmente un quadro piuttosto preoccupante. Elena Alessandri, responsabile del Centro di competenza per la ricerca sull'esecuzione musicale della Scuola di musica di Lucerna (HSLU-M), ha presentato studi recenti che indicano, ad esempio, che gli studenti di musica devono fare i conti con deficit fisici e mentali superiori alla media fin dall'inizio degli studi rispetto alla popolazione nel suo complesso. 

Carine Tripet-Lièvre, responsabile del programma di Pedagogia generale presso la Haute école de musique Genève - Neuchâtel, Andreas Cincera, che lavora presso la Scuola Universitaria di Musica della Svizzera Italiana a Lugano (SUM) e presso la Scuola Universitaria Professionale di Berna (BFH/HKB), nonché Oliver Margulies, assistente di ricerca nel campo della fisiologia musicale, della medicina preventiva e del musicista presso il Dipartimento di Musica della ZHdK. Se si dovesse trarre una conclusione comune dalle loro presentazioni, probabilmente sarebbe questa: C'è ancora molto da fare in termini di educazione musicale olistica che non spenga il fuoco interiore degli studenti. Cincera ha illustrato il compito con un libro virtuale che elenca gli innumerevoli progetti di ricerca sul tema che non sono ancora stati affrontati.

I relatori principali sono stati la psichiatra infantile e adolescenziale Anke Grell e la musicologa tedesca Antonia Pfeiffer. La prima ha presentato lo sviluppo cerebrale dei bambini e degli adolescenti e la sua connessione con le abilità e i deficit di autoefficacia. Antonia Pfeiffer si è collegata via video e Zoom a causa di una malattia. Ha spiegato le variazioni delle tecniche di tapping che possono essere utilizzate, ad esempio, per contrastare l'ansia da prestazione. Le tecniche sono familiari alla kinesiologia. Pfeiffer ha presentato ulteriori sviluppi del medico tedesco Michael Bohne.  

Giornata della salute Musica per tutti 

Con la Giornata della salute musicale, Swissmedmusica offre un evento di networking che copre tutti gli aspetti della prevenzione, dell'educazione e della medicina dei musicisti e fornisce una piattaforma informativa orientata alla pratica per le parti interessate di tutti i tipi. La campagna comprende anche un elenco di servizi sanitari offerti dai membri dell'associazione sul sito web Swissmedmusica.ch (alla voce "Offerte"). I membri beneficiano anche di un'ampia newsletter con informazioni su eventi, notizie attuali nel campo della medicina dei musicisti, riferimenti alla letteratura e ai media e altri contenuti interessanti. L'iscrizione è aperta a tutti coloro che considerano il lavoro sulla salute consapevole come un'opportunità per migliorare il proprio modo di fare musica e la qualità della vita in generale.   

La prossima Giornata della salute musicale si terrà il 9 novembre 2024 nel Neubad di Lucerna. In stretta collaborazione con il team HSLU-M, l'obiettivo è quello di fornire ancora una volta una panoramica dei metodi e delle tecniche contemporanee di educazione musicale.  prevenzione e di un sano e ispirato fare musica.  

Link alla relazione di Marianne Wälchli

"Caro dottore, non ha idea di cosa ha fatto con la sua lettera dell'8.1.55 - di cui comunque la ringrazio [sic!]: pretendere che un basilese tenga una conferenza a Berna il lunedì di Carnevale! Scherzi a parte: se tutto il resto non funzionasse, verrei anche a Berna il 28 febbraio, perché non vedo l'ora. [...]" Questo è il primo paragrafo della risposta di Hans Ehinger a Kurt von Fischer, allora presidente della sezione di Berna della SMG, al suo invito a tenere una conferenza. Una lettera umoristica come questa è solo una piccola parte dell'archivio della SMG, che consiste in verbali, elenchi di soci, corrispondenza, programmi di eventi e molti altri documenti. Da alcuni anni la SMG si chiede come conservare correttamente questi documenti della sua storia. Su iniziativa della Presidente centrale Cristina Urchueguía, nel dicembre 2022 è stato stipulato un contratto con la Biblioteca universitaria di Basilea, dove è già conservato il patrimonio del capitolo di Basilea, affinché gli archivi del SMG possano essere trasferiti nel suo patrimonio e resi accessibili per la ricerca. Mentre i fondi della sezione Svizzera italiana sono già conservati presso l'Archivio di Stato del Canton Ticino, i restanti fondi sono stati distribuiti tra le varie sezioni in Svizzera. Il materiale archivistico della SMG era per lo più conservato in cartelle, scatole e buste e ha dovuto essere smistato e riconfezionato per l'archiviazione. 

Mai più Bostitch: la materialità dell'archivio 

In risposta all'appello della SMG, si è riunita un'agguerrita squadra di archivisti composta da Cristina Urchueguía, Tim Bösiger, Dominic Studer, Gabrielle Favre e Helen Gebhart. A luglio, il team ha accettato l'invito di Iris Lindenmann (specialista di musica) e Lorenz Heiligensetzer (responsabile delle collezioni dell'archivio) alla Biblioteca universitaria di Basilea, dove è stata offerta loro un'introduzione all'arte dell'archiviazione. Per la grande gioia del team dell'archivio, sono stati forniti anche dei camici bianchi. È apparso subito chiaro che nel lavoro di archiviazione è necessario prendere costantemente delle decisioni: Quali documenti devono essere archiviati e quali possono essere tranquillamente gettati via? Una pagina di grandi dimensioni deve essere imballata in un formato speciale o deve essere archiviata piegata? Qual è il modo migliore per imballare i documenti in modo che l'ordine originale possa essere riconosciuto dai ricercatori? Dopo il workshop, il team si è messo al lavoro per ordinare e reimballare gli archivi delle sezioni di Basilea, Zurigo, Berna e della sede centrale. Nelle settimane successive, il team ha lottato intensamente contro graffette arrugginite, pagine incollate e molta polvere di diversi secoli. Dominic Studer, che inizialmente trovava il lavoro piuttosto monotono, racconta la sua esperienza: "Non c'era niente di così noioso come togliere la sottile carta autocopiante dalle graffette Bostitch, a volte arrugginite. Era ancora più bello quando si trovava una cartella relativamente "priva di metallo" per l'archiviazione. Anche l'effetto a lungo termine del nastro adesivo sulla carta era piuttosto sorprendente. Penso che siano cose a cui non si pensa quasi mai quando si archiviano i propri file. Non ho più usato una Bostitch dopo lo stage!". 

L'archiviazione ha rivelato molti documenti interessanti: tessere associative disegnate in modo calligrafico, lettere scritte a mano su un'ampia varietà di carta,  Il programma degli eventi comprendeva una conferenza-concerto presso la Sezione di Zurigo di Wanda Landwoska "Clavicembalo e Clavicordo con J.S. Bach" del 1922. È stato particolarmente emozionante scoprire quali noti musicologi avevano già tenuto conferenze alla SMG in passato. 

Sulle tracce della famiglia 

Oltre alla storia della SMG, nell'archivio della SMG si possono rintracciare anche tracce personali, come spiega Gabrielle Favre: "I miei genitori erano entrambi musicologi e membri della SMG; mio padre era anche coinvolto nel consiglio della sezione di Berna e mia madre ha lavorato per diversi anni come revisore dei conti nella stessa sezione. Naturalmente, entrambi partecipavano spesso agli eventi organizzati dalla SMG e io li accompagnavo spesso. Da qui è nato il mio interesse storico per l'archiviazione dei documenti della SMG, e durante il lavoro del progetto sono stata particolarmente soddisfatta quando nel team abbiamo trovato documenti che contenevano "tracce dei miei genitori"".

Tra i possibili esempi vi sono i diritti personali per l'utilizzo dell'immagine di un artista, i diritti di marchio per l'utilizzo del logo di una band per la produzione di merchandising, i diritti d'autore per lo sfruttamento di una canzone o i diritti di protezione affini per lo sfruttamento di una registrazione. Il contratto di licenza regola quindi chi può utilizzare quale diritto in quale ambito (in termini di contenuto, tempo e territorio) e a quali condizioni.

Praticamente tutti i musicisti, nel corso della loro vita professionale, si trovano ad affrontare contratti che riguardano i diritti sulle loro composizioni (diritti d'autore) o i loro diritti come esecutori (diritti connessi). Dolly Parton ha una canzone Ti amerò sempre ha composto e scritto il testo ed è quindi l'autore della canzone. La canzone è diventata un successo commerciale mondiale quando Whitney Houston l'ha incisa. Whitney e i suoi colleghi musicisti ne detenevano i diritti di protezione in qualità di interpreti. 

Un musicista o un'etichetta che vuole pubblicare delle registrazioni assume regolarmente dei "musicisti di sessione" per lavorare in studio come supplemento. Per poter sfruttare successivamente la registrazione, il musicista o l'etichetta hanno bisogno di una licenza per i diritti dei musicisti di sessione. A tal fine, le parti coinvolte firmano regolarmente una ricevuta d'artista, che è una forma molto semplice di accordo di licenza. Con la ricevuta dell'artista, i musicisti di sessione vendono tutti i diritti sulla registrazione per una somma unica. Conservano solo i diritti che non possono cedere per legge (ad esempio, i diritti di remunerazione per la trasmissione o l'esecuzione delle registrazioni, che sono gestiti da Swissperform in Svizzera). La vendita dei diritti è generalmente valida per sempre, per tutto il mondo e per tutti i tipi di utilizzo. 

Per portare una registrazione al pubblico, gli artisti di solito stipulano i cosiddetti "contratti d'artista", "contratti di trasferimento su nastro" o "contratti di distribuzione" con un'etichetta, un distributore o un aggregatore. Il tipo di contratto più adatto dipende in particolare da chi si assume il rischio economico per la produzione e la commercializzazione della registrazione. Con un contratto d'artista, l'etichetta si fa carico della maggior parte dei costi, dalla produzione alla commercializzazione e alla distribuzione. In cambio, l'artista deve impegnarsi personalmente con l'etichetta per diversi anni e trasferisce i diritti sulle registrazioni per decenni. Inoltre, l'etichetta riceve la maggior parte dei proventi dello sfruttamento. Nel caso di un accordo di trasferimento su nastro, l'artista paga la produzione e consegna le registrazioni mixate finite, in alcuni casi con l'artwork, ecc. Con un contratto di distribuzione, il distributore o l'aggregatore si occupa solo della logistica (digitale/fisica), mentre tutti gli altri compiti organizzativi e finanziari sono a carico dell'artista.

Il contratto di trasferimento su nastro viene spesso confuso con il contratto di edizione. Mentre l'editore dovrebbe occuparsi dell'utilizzo dei diritti d'autore della composizione (indipendentemente da una specifica registrazione), il contratto di trasferimento del nastro regola i diritti su una specifica registrazione. Con la canzone Ti amerò sempre una casa editrice sarebbe stata responsabile dei diritti di Dolly Parton come compositrice e paroliera e una casa discografica dei diritti di Whitney Houston sulla registrazione.

Per tutti questi contratti, i musicisti dovrebbero innanzitutto pensare a chi sta investendo quanto denaro e quanto impegno nella realizzazione della registrazione. La ripartizione del rischio dovrebbe poi riflettersi nella ripartizione dei ricavi del contratto: più alto è il rischio economico di una parte, più alta dovrebbe essere la sua quota di ricavi. Occorre inoltre considerare attentamente la durata del contratto e la durata del trasferimento dei diritti. Anche in questo caso, maggiore è il rischio economico, minore è la durata. Frasi come "per la durata della protezione" si traducono in "per 70 anni". Infine, ma non per questo meno importante, è necessario esaminare con attenzione la quota di ricavi. Dovrei utilizzare
del contratto nel modo più semplice possibile per calcolare quanto denaro riceverò dalla valutazione della registrazione. Il fattore decisivo non è solo l'ammontare della percentuale, ma anche la sua base: frasi come "... al netto dei costi ..." senza che questi costi siano definiti nel contratto, non sono regolarmente accettabili.
una fonte di spiacevoli discussioni.

Pertanto, la mia raccomandazione finale: Prendetevi il tempo necessario per le trattative e chiedete consiglio a uno specialista.

Chantal Bolzern
... è avvocato, mediatore e co-presidente di Helvetiarockt.

La storia della musica in Svizzera è uno scrigno pieno di gemme da scoprire. Ma troppo spesso questi gioielli possono essere trovati solo rovistando negli archivi e nelle biblioteche o non sono ancora stati portati alla luce. Ad esempio, chi conosce il compositore ed editore musicale Emil Ruh o la compositrice e psicanalista Elisabeth Spöndlin? Mentre sarebbe necessario consultare i discendenti di Emil Ruh, la ricerca di informazioni su quest'ultima non è difficile: l'affascinante compositrice Elisabeth Spöndlin è già elencata nell'MLS. La moderna e-enciclopedia rende la caccia al tesoro molto più facile e apre l'accesso alla storia della musica svizzera con un semplice clic del mouse. 

Scientificità, multilinguismo, accessibilità

Il MLS è un progetto della Società Musicologica Svizzera (SMG). È sostenuta da un Consiglio di fondazione dell'Accademia svizzera di scienze umane e sociali (SAHS) composto da Irène Minder-Jeanneret (Presidente), Caiti Hauck (Vicepresidente, Università di Berna), Cristina Urchueguía (Università di Berna), Sandra Tinner (Consiglio svizzero della musica), Marco Jorio (ex caporedattore del Dizionario storico della Svizzera), Pio Pellizzari (ex direttore della Fonoteca nazionale svizzera), Christiane Sibille (Politecnico di Zurigo), Stefanie Stadler Elmer (Università di Zurigo), Moritz Kelber (Università di Augusta). Fin dall'inizio, il Consiglio di amministrazione ha concepito l'MLS come un'opera di riferimento moderna e ha formulato quattro obiettivi. Il primo è quello di catalogare e documentare la cultura e la storia della musica; il secondo è quello di fornire articoli scientifici contenenti testi, suoni e immagini accessibili in varie lingue. Il terzo obiettivo è l'accessibilità pubblica illimitata e la conservazione sostenibile del patrimonio culturale, mentre il quarto è la cooperazione con varie istituzioni. Per introdurre la MLS e risvegliare il desiderio di scrivere, il Consiglio di fondazione sta organizzando una conferenza e un workshop a novembre.

Conferenza: L'MLS come e-Lexicon 

La conferenza "La musica in Svizzera nel passato e nel presente: il lessico musicale svizzero per il XXI secolo" si svolgerà dal 23 al 24 novembre e offrirà un programma molto vario. I rappresentanti di oltre 15 diverse enciclopedie, banche dati e progetti di informazione digitale come RISM, Memoriav, Wikipedia, Oesterreichisches Musiklexikon online e molti altri presenteranno il loro lavoro e discuteranno le sfide e le opportunità delle opere di consultazione musicale nel XXI secolo. Oltre alla conferenza, alla quale tutti gli interessati sono invitati a partecipare, il MLS offre anche un workshop sulla redazione di articoli lessicografici. Nel workshop del 25 novembre a Berna, l'équipe della MLS insegnerà come elaborare, ad esempio, le informazioni provenienti dagli archivi di club e di famiglia per trasformarle in un articolo della MLS. Nello spirito della partecipazione culturale, la MLS invita a partecipare alla stesura degli articoli: Suo nonno componeva? Sua zia era un'editrice musicale? Tutte queste testimonianze, e molte altre ancora, fanno parte della storia musicale della Svizzera e possono entrare a far parte dell'MLS grazie alla loro partecipazione (cfr. pag. 53). 

Il Dizionario della musica in Svizzera dà accesso alla storia della musica in Svizzera a tutti gli interessati. Per presentare il DMS e incoraggiare le persone a contribuire con articoli, il suo team editoriale sta organizzando una conferenza e un workshop a novembre. La conferenza "La musique en Suisse, hier et aujourd'hui : Le Dictionnaire de la musique en Suisse pour le XXIe siècle" si terrà il 23 e 24 novembre, con relatori che rappresenteranno un quintetto di lessici, banche dati e progetti di informazione digitale. Il 25 novembre, il team MLS organizzerà un workshop per imparare a scrivere articoli di dizionario; tutti gli interessati sono invitati a partecipare.

l Dizionario della musica in Svizzera apre l' accesso alla storia della musica svizzera a tutte le persone interessate. Per presentare la MLS e soddisfare il desiderio di scrivere, il Consiglio di fondazione organizza una conferenza e un workshop dal 23 al 25 novembre. La conferenza avrà un programma vario, con la partecipazione di rappresentanti di oltre 15 organizzazioni, banche dati e progetti di informazione digitale. Nel workshop, il team MLS insegnerà come scrivere articoli per l'enciclopedia.

Quest'autunno non si sono tenute solo elezioni a livello federale. È stato necessario occupare due nuovi posti nel consiglio del Consiglio svizzero della musica: Karin Niederberger, presidente dell'Associazione svizzera di jodel, e Patrizia Lais, dell'Associazione svizzera di musica scolastica, si sono dimesse dalle loro cariche nel Csm. Prima di procedere alle nuove elezioni, la Presidente Rosmarie Quandranti ha ringraziato i membri uscenti per il lavoro svolto nel Consiglio dell'SMR. Diverse persone si sono candidate per entrambi i posti nel Consiglio, rendendo l'elezione molto interessante.

Yvonne Glur, presidente di accordeon.ch, è stata eletta come successore di Karin Niederberger. Sarà quindi lei a rappresentare il settore della musica amatoriale nel Consiglio della musica. Yvonne Glur è fisarmonicista e insegna presso la scuola regionale di musica di Zofingen e presso l'Università di Lucerna per la formazione degli insegnanti. È anche attiva come animatrice e formatrice di giovani e musica. Gestisce due formazioni di giovani fisarmonicisti su base volontaria. 

Rico Gubler, direttore del Dipartimento di Musica dell'Università delle Arti di Berna, è stato eletto alla seconda posizione del Consiglio di Amministrazione della SMR (Istruzione/Ricerca/Scienza). Rico Gubler è un musicista professionista (sassofono) e un avvocato qualificato e da quest'anno è membro della Conferenza svizzera delle università musicali (KMHS). 

Per restare in tema di elezioni: Non sappiamo ancora chi sarà il nuovo ministro della Cultura in Svizzera... - anche se il consigliere federale Alain Berset diceva: "La Svizzera non ha un ministro della Cultura, ma solo un ministro dell'Interno". È noto che è molto legato alla musica e che nella vita privata ama suonare il pianoforte. In occasione della cerimonia degli Swiss Music Awards, a settembre, ha colto l'occasione per esibirsi,
di duettare con il vincitore principale, il trombettista Erik Truffaz! Quale strumento suonerà il futuro Ministro della Cultura svizzero? 

Come ogni anno, a settembre, il Consiglio svizzero della musica si è incontrato con i colleghi dei consigli musicali di Germania e Austria per uno scambio di idee. Quest'anno l'incontro si è svolto a Regensburg, in Germania. Nella "Dichiarazione di Regensburg" congiunta, si invitano i parlamenti e i governi di tutti i livelli federali delle regioni DACH a definire le misure che intendono adottare per realizzare l'attuazione della Dichiarazione di Mondiacult dell'UNESCO del 2022.

In qualità di membro del consiglio di amministrazione dell'Enciclopedia musicale svizzera (MLS), il SMR partecipa alla conferenza "La musica in Svizzera nel passato e nel presente: l'Enciclopedia musicale svizzera per il XXI secolo", che si terrà il 23-24 novembre presso l'Università di Berna, e invita il maggior numero possibile di persone interessate alla musica a partecipare al workshop del 25 novembre, che aiuterà gruppi e singoli a documentare la cultura musicale locale con parole, immagini e suoni. 

Oggi quasi tutto è digitale, mentre nel 1923 la maggior parte delle cose era ancora meccanica. I cambiamenti tecnologici hanno portato a ripetute modifiche della legge sul diritto d'autore. La storia movimentata della SUISA inizia poco dopo l'entrata in vigore, nel 1922, della prima modifica della legge svizzera sul diritto d'autore del 1883.

Sia i compositori che i musicisti dell'epoca erano preoccupati che gli automi musicali potessero competere con le loro esibizioni dal vivo. Il compito più importante della MECHANLIZENZ AG, fondata nel giugno del 1923, fu quello di autorizzare la produzione di supporti sonori. I dischi erano ancora agli albori e quindi erano soprattutto i carillon a fare il giro del mondo, soprattutto nelle zone di Yverdon e Sainte-Croix. 

Tutto per la musica

Un anno dopo viene fondata la GEFA, la Società svizzera per i diritti di esecuzione. In seguito all'introduzione della nuova legge sullo sfruttamento, la GEFA si trasforma da associazione a cooperativa e inizia la sua attività il 1° gennaio 1942 con un nuovo nome: SUISse Auteurs - o SUISA.

Nel 1946, il Consiglio di amministrazione decide di aprire un ufficio a Losanna per servire meglio i soci e i clienti della Svizzera francese. La sede di Losanna diventa anche il punto di contatto per tutti i cinema, i produttori cinematografici e gli inserzionisti televisivi della Svizzera. Nello stesso anno, un piccolo team si trasferisce nella Torre Bel-Air, all'epoca il più grande grattacielo della Svizzera. Nel 1954, l'azienda si trasferisce nella futura "Casa della Musica" di Losanna. Dal 2002 ci sarà anche una filiale a Lugano per i clienti e i musicisti del Ticino.

Aumento del consumo di musica

Nel dopoguerra si consuma sempre più musica e se ne compone sempre di più. Tra il 1942 e il 1960, il numero di membri della SUISA si triplica. Nel 1958, la MECHANLIZENZ AG si affilia alla SUISA, ma per il momento rimane giuridicamente indipendente. 22 anni dopo, viene decisa la fusione completa delle due società.

Nel 1961 Ulrich Uchtenhagen prese le redini della SUISA e la guidò per 28 anni attraverso i cambiamenti del boom economico. Durante il suo mandato è stato istituito il Registro mondiale degli autori e degli editori. La SUISA è incaricata dalla Confederazione Mondiale delle Società di Autori ed Editori (CISAC) di compilare una "lista" di tutti i compositori, parolieri ed editori musicali che sono registrati presso una società di copyright. Il risultato è la CAE Directory of Composers, Authors and Editors che copre tutti i generi come musica, letteratura, cinema e arti visive. In breve tempo sono stati elencati più di un milione di autori ed editori.

La SUISA offre questo repertorio come servizio a tutte le società di gestione collettiva del mondo dietro pagamento di una licenza d'uso. Dalla fine degli anni '90, il CAE è diventato l'IPI (Interested Parties Information), accessibile online a tutti i titolari di diritti nel mondo. 

Negli anni '60 e '70 si approfondisce la collaborazione con utenti importanti come la SSR e l'industria della ristorazione. L'aumento del consumo di musica e il crescente numero di opere registrate richiedono un sistema informatico dedicato per elaborare l'enorme quantità di dati dell'epoca. Anche a causa dell'enorme spazio necessario per l'informatica dell'epoca, la SUISA costruisce l'attuale sede nella Bellariastrasse a Zurigo Wollishofen, dove si trasferisce nell'autunno del 1968.

Promuovere e richiedere 

Alla fine degli anni '80 è stata fondata la "Fondazione SUISA per la musica", l'attuale FONDATION SUISA. L'iniziatore fu il compositore e scrittore della Svizzera francese Michel Bühler e la sua idea di una struttura centralizzata per sostenere la chanson. La missione della FONDATION SUISA è quella di promuovere la creazione musicale contemporanea in Svizzera e all'estero, per la quale oggi stanzia circa 2,5 milioni di franchi all'anno.

L'inizio della distribuzione di musica online alla fine degli anni '90 ha segnato l'inizio di cambiamenti di vasta portata e duraturi. Nel 2006, la Commissione UE ha emanato una raccomandazione volta a massimizzare la concorrenza tra le aziende per la gestione dei diritti online. I titolari dei diritti nel mercato interno dovrebbero poter decidere, senza confini territoriali, a quale società affidare la gestione dei propri diritti. Di conseguenza, i grandi editori anglo-americani stanno ritirando i diritti di riproduzione dalle società di gestione collettiva europee nella speranza di poterli concedere in licenza direttamente ai fornitori di musica online a condizioni migliori. In risposta a ciò, la SUISA è la prima società di gestione collettiva ad aver sviluppato un sistema adeguato che separa le quote di lavoro dei grandi editori (il cosiddetto "carve out") e può così regolare correttamente le licenze per l'uso online.

Dopo la revisione è prima della revisione

"La Svizzera ha bisogno di una legge contro il download illegale di musica?". Questo postulato di Géraldine Savary, allora membro del Consiglio degli Stati, è stato l'impulso per l'ultima revisione del copyright nel 2010. La revisione della legge sul diritto d'autore, entrata in vigore il 1° aprile 2020, tenta di sancire per legge la realtà del commercio online. Tuttavia, gli interessi degli utenti e dei creatori sono molto distanti sotto molti aspetti. Anche i consumatori sono in una posizione di forza e difendono il permesso di copiare musica privatamente con un compenso attraverso la tassa sui supporti vergini. Si tratta quindi di un compromesso in cui entrambe le parti vengono a patti. Da allora, la tecnologia è cambiata di nuovo rapidamente: La musica viene ascoltata in streaming sempre più spesso. Un regolamento per il download di musica arriva troppo tardi per i film. 

Non c'è dubbio che questa revisione della legge svizzera sul diritto d'autore non sia l'ultima, ma piuttosto il preludio alla prossima. Il rapido avanzamento della digitalizzazione e gli sviluppi tecnologici emergenti, come l'intelligenza artificiale e l'apprendimento automatico, comporteranno una nuova revisione degli standard legali.

Grandi passi verso il futuro

L'attuale Direzione generale della SUISA è in carica dal 2010. Il CEO Andreas Wegelin, il suo vice Vincent Salvadé e il COO e prima donna nel Consiglio Direttivo della SUISA Irène Philipp Ziebold non solo guidano le sorti della SUISA, ma anche il rinnovamento tecnologico dei sistemi informatici e la razionalizzazione e automazione dei processi.

La SUISA è ben posizionata per competere a livello internazionale, non da ultimo grazie alla sua infrastruttura informatica ben sviluppata e in costante evoluzione. Nel 2017 ha fondato, insieme all'organizzazione statunitense per i diritti musicali SESAC, la joint venture Mint Digital Services, che da allora viene utilizzata per il regolamento e l'amministrazione delle attività di licenza musicale transfrontaliera con i fornitori online. Nello stesso anno è stata fondata la società SUISA Digital Licensing, con sede nel Liechtenstein, che si occupa delle licenze delle piattaforme musicali online internazionali. Entrambe le società offrono i loro servizi anche ad altre società di gestione collettiva ed editori musicali e lo scorso anno hanno gestito l'attività online di oltre 22 società di gestione collettiva e 4000 editori in tutto il mondo.

Chi poteva prevedere questo cambiamento 100 anni fa? E chi osa fare previsioni per il futuro? L'uso della musica continuerà a cambiare: si sposterà ancora di più su Internet e la concessione di licenze per l'uso della musica in TV o per i concerti non si baserà più necessariamente sul principio territoriale, ma su chi offre il servizio migliore e le condizioni più favorevoli. La SUISA è pronta ad affrontare le sfide e desidera ringraziare tutti i collaboratori attuali e passati, tutti i compositori, i parolieri e gli editori per il loro impegno e la loro fiducia. Insieme abbiamo reso possibile la musica per cento anni.

www.suisa100.ch
www.suisablog.ch/tag/100-jahre

Come musicista di formazione e direttore di scuola di musica di lunga data, porta con sé una preziosa esperienza in ambito artistico, pedagogico e strategico-organizzativo. 

Caro Christian, congratulazioni per la tua elezione! Potresti spiegare brevemente ai nostri lettori quali sono i compiti del Consiglio SUP?
Grazie mille, non vedo l'ora di ricoprire questa variegata posizione. Il Consiglio dell'Università di Scienze Applicate è responsabile della supervisione dell'Università di Scienze Applicate accreditata dallo Stato in materia di diritto dell'istruzione superiore e anche della gestione strategica. È l'organo interno più alto della nostra scuola universitaria professionale ed è responsabile, tra l'altro, dell'accreditamento istituzionale. 

Nel nostro lavoro quotidiano all'Università di Musica Kalaidos, il nome del Consiglio dell'Università di Scienze Applicate viene solitamente menzionato quando vengono modificati i regolamenti o vengono lanciati nuovi corsi di laurea.
Esattamente. Uno dei compiti più frequenti del Consiglio della SUP è quello di esaminare gli adeguamenti dei piani di studio, ad esempio in relazione all'accreditamento istituzionalizzato. Inoltre, discute i nuovi programmi di laurea presentati dai dipartimenti e valuta parametri quali la strategia, la fattibilità, il contesto di mercato e l'ambito professionale. 

Questo vale anche per il Dipartimento di Musica, che ha aggiunto ai corsi di laurea triennale e magistrale moduli come self-marketing, fundraising e argomentazione/negoziazione. Né il vostro corso di laurea in musica né il mio prevedevano tali materie. Ciononostante, oggi riusciamo ancora a cavarcela. Cosa ne pensa di questi adeguamenti?
Come tutte le professioni, anche quella del musicista oggi non è più la stessa di 20 anni fa. L'argomentazione "una volta si poteva fare a meno" non regge più di tanto. Dobbiamo aspirare non solo a formare i futuri musicisti per farli diventare professionisti del loro strumento, ma anche a prepararli a fondo per una vita da musicista. Nella maggior parte dei casi, il loro lavoro quotidiano non consiste in un impiego a tempo pieno. Sono in realtà imprenditori con un'ampia gamma di offerte. Devono continuare a spiegare alla società perché sono necessari loro e il loro lavoro. Non possono aspettare che il lavoro venga da loro.

Lei mostra questa realtà della vita lavorativa quotidiana ai nostri studenti di Bachelor nel modulo "Professional Field Studies" e ne discute con loro. Dopo aver assunto questo modulo come docente, ne ha riorganizzato il contenuto. Quali sono state le motivazioni che l'hanno spinta a modificare il modulo?
Non ero credibile, perché il docente aveva parlato solo di scuole di musica e di lavori in orchestra. Il nostro obiettivo era quello di dare agli studenti una visione il più possibile reale dell'ampiezza dei campi professionali. Il nuovo modello lo rende possibile: Incontriamo i musicisti sul loro posto di lavoro, discutiamo con loro e con gli studenti della vita quotidiana, della motivazione, dei "destinatari delle offerte", del fascino e del loro futuro. 

In queste discussioni è emerso spesso il tema della digitalizzazione. Soprattutto per quanto riguarda la musica classica, ho spesso riscontrato una certa riluttanza nei confronti di questo argomento. L'Università di Musica Kalaidos è decentrata
e si basa quindi in parte sulla comunicazione digitale. Come vivete questo argomento?
Il modulo di studi professionali, in particolare, mostra come l'apprendimento a distanza e in loco possano essere combinati in modo significativo: Ciò che viene presentato in classe con una lezione, una discussione e un proiettore può essere fatto altrettanto bene online. I nostri studenti non devono recarsi a Zurigo da tutta Europa per una lezione. Quando andiamo a trovare il musicista d'orchestra in sala prove o il musicista freelance alle prove della band, lo facciamo sul posto. 

Applichiamo questo approccio anche nei restanti moduli e in tutti i nostri corsi di laurea. L'insegnamento delle materie principali, della didattica specialistica e delle materie secondarie si svolge in loco. Questo vale anche per alcuni moduli in cui la presenza fisica ha senso. Le lezioni di teoria, invece, si svolgono interamente a distanza. Ciononostante, non tardano ad arrivare critiche sul fatto che "l'insegnamento a distanza non può sostituire l'insegnamento in loco dei moduli".  Qual è il confine tra remoto e in loco?
È importante capire che l'insegnamento a distanza non è un insegnamento in loco su uno schermo. I nostri docenti hanno il difficile compito di costruire il loro insegnamento a distanza dalle fondamenta sulla struttura digitale e di utilizzare gli strumenti forniti a questo scopo.  metodi di insegnamento (che diventano ogni giorno più diversi). A mio avviso, non è opportuno contrapporre i due tipi di insegnamento. Piuttosto, è importante sondare le possibilità e i limiti in dialogo con tutte le persone coinvolte e determinare un'applicazione provvisoria basata sull'esperienza. Oggi la vita (lavorativa) si svolge quasi ovunque in un misto di remoto e in loco, con i confini che vengono discussi e adattati di volta in volta a seconda delle necessità. Perché dovrebbe essere diverso nella musica? 

Il SMM trasformerà il suo 19° simposio in una "Giornata della salute musicale" e offrirà una panoramica unica e ampia dei concetti più innovativi e delle diverse pratiche di assistenza sanitaria preventiva nel mondo della musica. La giornata sarà introdotta dal programma di musica per bambini e  La psichiatra degli adolescenti Anke Grell, che rappresenta anche la medicina dei musicisti presso il Centro di Zurigo per il trattamento dell'ansia e della depressione.  

Secondo Anke Grell, la tensione psicologica dei musicisti professionisti è cambiata in molti modi a seguito della pandemia. A seconda della loro situazione personale, molti hanno sofferto e continuano a soffrire di paure esistenziali molto specifiche per il futuro prossimo e remoto. I sondaggi hanno rivelato un aumento dei sintomi di ansia e depressione. L'identità professionale è stata improvvisamente percepita in modo diverso in termini politici e sociali. Molti si sono posti la domanda sul significato e, in alcuni casi, hanno scoperto altri campi di attività, che hanno mantenuto per vari motivi anche dopo la pandemia.

Le situazioni di sovraccarico continuo possono portare all'esaurimento e alla perdita di interesse in attività altrimenti quotidiane e piacevoli, tra cui il fare musica a livello professionale. La capacità di reagire emotivamente agli eventi diminuisce, possono verificarsi anche disturbi del sonno e perdita di appetito. Anche le paure e le ansie sono più frequenti, in particolare la paura di esibirsi e di fallire in un contesto musicale. 

Illuminazione e rimozione dei tabù

Le orchestre, i conservatori e le scuole di musica possono prevenire il burnout dei dipendenti fornendo informazioni, istruzione ed eliminando i tabù, spiega ancora lo psichiatra. Possono creare un ambiente di apprendimento e di lavoro in cui sia possibile affrontare le difficoltà come un dato di fatto, senza dover temere conseguenze negative. Possono trasmettere conoscenze su come un corpo e una mente sani funzionano quando si fa musica e si impara e su quali sono i segnali di allarme del sovraccarico fisico e mentale e della malattia. Tutto questo può  ad esempio in lezioni, workshop, gruppi di discussione, supervisioni e sessioni di consulenza individuale.

Sono importanti anche i punti di contatto per le persone con disturbi preesistenti. In questo ambito è stata creata una rete diversificata di specialisti, organizzata nelle associazioni professionali competenti in Svizzera (Swissmedmusica), Germania (Società tedesca di fisiologia musicale e medicina dei musicisti) e Austria (Società austriaca di musica e medicina). Un esempio positivo è la collaborazione tra l'Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) e il Centro di Zurigo per il trattamento dell'ansia e della depressione (ZADZ), dove lavora. Il centro fornisce a studenti e dipendenti della ZHdK consulenza e trattamento psicosociale.

Benevoli con se stessi

Secondo Grell, purtroppo non esiste una formula magica per mantenere viva la gioia e la spinta interiore del fare musica. La cosa più importante, spiega lo psichiatra, è concentrarsi su ciò di cui si tratta veramente: la musica e la gioia di fare musica. Questo è certamente più facile a dirsi che a farsi in determinate circostanze esterne e interne. Essere gentili con se stessi, con le proprie capacità e con il proprio stato di forma, liberarsi un po' dal perfezionismo e affrontare le aspettative esterne con una sana distanza può essere molto utile. Quando i segni di stanchezza si fanno sentire: Non esitate a chiedere supporto! Riconoscere i propri limiti e agire di conseguenza è un punto di forza!

La Giornata della salute musicale è aperta a tutti come piattaforma informativa ed evento di networking.

Ulteriori informazioni e iscrizioni: 

swissmedmusica.ch/news-symposium

Centro per il trattamento dell'ansia e della depressione di Zurigo: 

www.zadz.ch

Al più tardi dalla fine del XVII secolo, i canonici dell'abbazia di San Michele a Beromünster (LU) celebravano la festa di San Michele (29 settembre) e la successiva consacrazione della chiesa (30 settembre) con la più grande quantità di musica sacra dell'anno ecclesiastico. Il cerimoniale prevedeva una doppia o tripla messa in entrambi i giorni di festa. Non sorprende che i festeggiamenti attirassero non solo fedeli da vicino e da lontano, ma anche musicisti che si erano riuniti a Beromünster giorni prima per provare la musica. 

Nel 1749 fu eseguita una messa festiva a tre voci composta da Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee (1720-1789) appositamente per i festeggiamenti. Mentre Markus Lutz (1772-1835) descrisse il patrizio lucernese come il "più famoso compositore svizzero del suo tempo", Meyer von Schauensee è oggi in gran parte dimenticato. Ciò è dovuto anche al fatto che le edizioni moderne delle sue opere sono quasi del tutto assenti. Per farsi un'idea dello splendore musicale tardo barocco del monastero di Beromünster e per poter studiare la musica di Meyer von Schauensee in modo più approfondito, Raphael Eccel, Grégory Rauber, Luc Vallat e Christoph Riedo si sono posti l'obiettivo di raccogliere la musica composta per il monastero di Beromünster. Messa Solenne a 3 Cori in un'edizione storico-critica e di pubblicarla nella collana di edizioni della Società Svizzera di Ricerca Musicale.

Il progetto del musicologo ginevrino ha ricevuto un impulso quando la serie di concerti della chiesa del monastero di Muri/AG e l'Early Music Festival di Zurigo hanno mostrato interesse per l'esecuzione della messa festiva a tre cori. L'opera di Meyer von Schauensee verrà ora eseguita sia il 22 settembre a Zurigo che il 24 settembre a Muri/AG sotto la direzione di Jakob Pilgram. Gli interpreti sono l'ensemble vocale larynx (3 quartetti solisti) e il Capricornus Consort Basel (3 quintetti d'archi, 3 organi, 6 trombe, 2 corni, 1 timpano). Il secondo concerto sarà filmato, registrato e reso disponibile sul sito web del Festival Alte Musik Zürich. In questo modo si potrà avere in futuro un'impressione dello splendore musicale di Beromünster, che era alla pari di numerose altre chiese religiose svizzere.

In effetti, i partecipanti alla funzione hanno potuto godere di un'esperienza d'ascolto unica. I cantanti e gli strumentisti, divisi in tre gruppi sonori, hanno offerto uno spettacolo polifonico senza pari nella chiesa collegiale. Nella messa in 24 movimenti, Meyer von Schauensee ha utilizzato tutto ciò che la policoralità può offrire: dal suono completo a tre cori a tutte le combinazioni possibili dell'interazione dei tre gruppi sonori e dei vari effetti di eco. La partitura trascritta illustra per la prima volta in modo impressionante quanto Meyer von Schauensee, che aveva studiato con Ferdinando Galimberti (?-1751) a Milano dal 1740-42, fosse in grado di riconoscere lo stile musicale dei primi sinfonisti milanesi intorno a Giovanni
Battista Sammartini (1700/1-1775) ha interiorizzato. 

Informazioni sui concerti

Venerdì 22 settembre 2023 alle 19.30 al Fraumünster di Zurigo nell'ambito del Festival Alte Musik Zürich. Introduzione al concerto alle 18.15 nel Centro Karl der Grosse (Kirchgasse 14).

Domenica 24 settembre 2023 alle ore 17.00 nella Chiesa Abbaziale di Muri/AG nell'ambito della rassegna di concerti Musica nella chiesa del monastero.

Informazioni sull'edizione 

Franz Joseph Leonti Meyer von Schauensee (1720-1789): Messa Solenne a 3 Coria cura di Raphael Eccel, Grégory Rauber, Luc Vallat
e Christoph Riedo, 7° volume della serie di edizioni Musica dei monasteri svizzeri, Berna: Peter Lang (in preparazione). 

Gli editori sono ancora alla ricerca di fondi per realizzare l'edizione. 

Contatti christoph.riedo@unige.ch

Silke Kruse-Weber è docente presso l'Università di Musica Kalaidos ed è stata docente di Pedagogia strumentale e vocale presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Graz fino a settembre 2022. Dall'autunno del 2023 sarà vice-professore ad Augsburg. I suoi interessi di ricerca includono lo sviluppo della pedagogia strumentale e vocale come disciplina scientifica e il trasferimento di conoscenze tra teoria e pratica attraverso la pratica riflessiva. È stato appena pubblicato il suo nuovo strumento di riflessione Reflect!

Silke, hai appena pubblicato i risultati di una nuova ricerca sull'educazione musicale, puoi riassumerli brevemente?
Grazie per l'interessamento! Al momento sono molto felice delle mie pubblicazioni. Mentre la teoria e la pratica sono spesso viste come opposte nell'educazione musicale, Reflect!, uno strumento di osservazione e riflessione per l'insegnamento strumentale e vocale, le unisce. Una serie di carte ludiche e artistiche ispira un atteggiamento basato sulla ricerca e uno scambio autodeterminato sulla qualità dell'insegnamento e dell'apprendimento strumentale e vocale.

Il mio studio Reflective Practice in Innovative Music Schools è un progetto di trasferimento di conoscenze in cui gli insegnanti delle scuole di musica, il team di ricerca e gli insegnanti di un'università sono in stretto dialogo. Anche in questo caso, l'attenzione si concentra sul rapporto tra teoria e pratica, nella misura in cui gli ultimi sviluppi della ricerca vengono trasferiti nella pratica - ad esempio, l'attenzione per la centralità dello studente o un'impostazione di tipo "atipico".
Apertura a diverse forme sociali di insegnamento.

Si tratta quindi di riflettere sulle proprie conoscenze in materia di educazione musicale e di capire come trasmetterle agli studenti.
La riflessione può essere appresa e non deve essere necessariamente solitaria, ma funziona meglio come pratica collaborativa in cui i colleghi imparano gli uni dagli altri. È importante creare tempo e spazio per la riflessione. Nei seminari e nelle sessioni di formazione mostro spesso estratti di video didattici e chiedo di descrivere la situazione. Quasi sempre, invece, vengono valutati. Le descrizioni senza giudizio sono difficili. Agli insegnanti piace concentrarsi sui deficit degli studenti. Consideriamo gli effetti delle valutazioni negative e scopriamo che gli studenti spesso si mettono sulla difensiva e perdono la loro disponibilità ad apprendere.  

Quali competenze sono fondamentali per riflettere e ampliare le proprie conoscenze?
Penso che siano competenze che si fondano l'una sull'altra: ricerca, riflessione e scienza. Un atteggiamento di ricerca costituisce la base per la riflessione. Le competenze riflessive richiedono curiosità, apertura ed empatia per poter adottare nuove prospettive e penetrare una questione. Si esprimono in domande differenziate. L'orientamento scientifico è un'altra competenza di base. Consente di effettuare una selezione plausibile e coerente di scoperte e teorie per uno scopo specifico. La ricerca scientifica, ad esempio nelle tesi di Master, si basa in ultima analisi su un lavoro maggiormente basato sulle regole.

Queste competenze sono importanti anche per gli studenti di performance?
Gli studenti di performance, in particolare, traggono beneficio dalle pratiche riflessive! Quando ci si esercita e si fa musica, è importante sviluppare costantemente nuove azioni alternative. Una pratica stereotipata non è efficiente. Gli studi hanno dimostrato che più si analizzano i propri obiettivi e si valutano i processi di pratica, più si pratica in modo efficiente. È importante anche essere aperti nella propria carriera. I campi professionali cambiano rapidamente e i musicisti devono essere in grado di gestire la complessità e l'imprevedibilità. La pratica riflessiva può favorire il cambiamento e l'adattamento alle situazioni. Questo è entusiasmante per ogni persona, artista ed educatore.

In che modo la capacità di riflettere, la curiosità e il pensiero scientifico ci aiutano a essere buoni artisti o insegnanti?
La pratica riflessiva è una competenza chiave per un buon insegnamento, un'azione pedagogica e una pratica creativa di successo. Oggi abbiamo particolarmente bisogno di musicisti e
Educatori che pensano in modo critico, sono responsabili e flessibili.

Le scoperte scientifiche, d'altra parte, non possono essere trasferite direttamente alla pratica dell'insegnamento o del suonare. Ogni situazione didattica e ogni situazione musicale è sociale e quindi imprevedibile. Le scoperte scientifiche forniscono solo una prospettiva su come illuminare la pratica.

Da quando lei è docente di ricerca, i nostri studenti si sono divertiti a seguire un corso di ricerca altrimenti spesso impopolare, e la qualità delle tesi di Master è aumentata: qual è il suo segreto?
Questo corso si propone di appassionare gli studenti alla ricerca. Ad esempio, imparano a porsi domande di ricerca e a svolgere ricerche scientifiche per conto proprio. Imparano un certo tipo di riflessione e di apprezzamento per quanto riguarda la presentazione dei risultati.
risultati scientifici, ma anche come affrontare le idee e le scoperte di una comunità scientifica e come imparare da esse. Non è raro che un articolo scientifico apra agli studenti nuove prospettive sulla direzione che può prendere la loro formazione. All'inizio del corso, gli studenti si chiedono sempre perché dovrebbero imparare a scrivere articoli scientifici. Ma non lo vedo come un problema, bensì come un invito a sviluppare nuove prospettive.

Informazioni dettagliate sulle nuove uscite sono disponibili su questo sito web: www.kruse-weber.com

Per il 2022 è stato sviluppato un nuovo concetto di masterclass in collaborazione con l'OSI (Orchestra della svizzera italiana) e il CSI (Conservatorio della svizzera italiana). Fino a 10 studenti del Pre-College del CSI saranno seguiti e istruiti da Robert Kowalski, primo concertatore dell'OSI, per una settimana ad Arosa.

Quest'anno la masterclass si è svolta dal 26 al 29 giugno, seguita da tre concerti ad Arosa, Cham e Lugano. I quattro giovani musicisti, Adelaide Chiaradonna, Leon Bekaj, Gianluigi Sartori e Ares Midiri, tutti di età compresa tra i 14 e i 17 anni, hanno trascorso un periodo istruttivo ad Arosa. I quattro giorni di prove e i tre concerti sono stati intensi e istruttivi e, grazie alla direzione esperta, professionalmente e personalmente riconosciuta di Robert Kowalski e all'accompagnamento di Redjan Teqia, hanno potuto acquisire una preziosa esperienza.

La prossima masterclass si terrà nel giugno 2024 e il breve tour di concerti porterà i giovani musicisti a Zurigo e Berna, oltre che ad Arosa, Cham e Lugano.

Il "Premio Hans Schaeuble" e il Festival di musica classica di Arosa

Dal 2015, il "Premio Hans Schaeuble" viene assegnato ogni anno a diversi partecipanti dell'Accademia musicale di Arosa. L'Accademia musicale di Arosa è una masterclass internazionale organizzata da Musik-Kurswochen Arosa per violino, viola, violoncello, sassofono e fisarmonica. Come negli anni precedenti, quest'autunno almeno otto partecipanti all'accademia riceveranno il "Premio Hans Schaeuble". Il premio comprende un invito a partecipare attivamente al Festival di musica classica di Arosa nell'inverno successivo. Sotto la direzione di Markus Fleck (violino) e Lars Mlekusch (sassofono), una  programma di musica da camera e successivamente si è esibito ad Arosa, Coira e Zurigo. 

A Coira, i concerti sono organizzati in collaborazione con klibühni, Das Theater; a Zurigo, un concerto si svolge nell'ambito della serie di concerti "Mittagsmusik im Predigerchor" presso la Biblioteca Centrale di Zurigo.

Il Festival di Musica Classica di Arosa 2024 si svolgerà dal 14 al  30 marzo in varie sedi concertistiche di Arosa. Oltre ai concerti di musica da camera dei vincitori del Premio Hans Schaeuble, si esibirà un ensemble del Conservatorio della Svizzera. I visitatori possono aspettarsi un ampio programma musicale con musica classica, jazz e folk. 

Le informazioni sul festival saranno  Fine novembre www.arosaklassik.ch accesa.