Il modello di Lubecca per la salute dei musicisti comprende diversi elementi che mirano a offrire assistenza e profilassi: Presso l'UzL verrà istituita un'ora di consultazione pubblica con l'obiettivo di contrastare questi disturbi con strategie di apprendimento e formazione sul tema della consapevolezza corporea. Non solo i musicisti professionisti sono colpiti da problemi di salute, ma anche i bambini e i giovani, per i quali la prevenzione e l'educazione dovrebbero essere al centro dell'attenzione.

Presso il MHL si sta sviluppando un programma di insegnamento teorico e pratico sulla salute dei musicisti e sulla medicina musicale. La cattedra offre inoltre consulenza e formazione continua non solo a studenti e docenti, ma anche al pubblico. Anche la ricerca sulla medicina musicale e sulla fisiologia musicale sarà condotta in entrambe le università.

Il modello di Lubecca è caratterizzato dal fatto che non si rivolge solo ai membri delle università, ma anche agli insegnanti di scuole di musica, agli insegnanti di musica freelance, ai musicisti d'orchestra e ai cantanti e musicisti dilettanti, offrendo formazione e consulenza. Si basa su una stretta collaborazione tra il MHL, l'UzL e l'UKSH con le sue cliniche. Altre istituzioni culturali di Lubecca sono partner della cooperazione, come le scuole di musica di Lubecca e l'Orchestra Filarmonica della città anseatica di Lubecca.

Articolo originale:
https://www.uni-luebeck.de/universitaet/aktuelles/artikel/erste-gemeinsame-luebecker-professur-fuer-musikergesundheit.html
 

Importanti format culturali verrebbero cancellati senza essere sostituiti e non esiste un progetto di sviluppo orientato al futuro nel settore musicale, scrive l'associazione. Per la scena culturale, già in difficoltà, che aveva sostenuto in modo significativo la SSR nella campagna NoBillag, questo taglio senza prospettive è un duro colpo ed equivale a "un tradimento dei molti sostenitori di quasi tre anni fa".

I tagli arrivano davvero al momento sbagliato, nel bel mezzo della crisi del coronavirus. Sonart è fondamentalmente aperta allo sviluppo di formati contemporanei, ma chiede un riorientamento dell'informazione culturale e il coinvolgimento delle associazioni di categoria. L'associazione chiede inoltre che la SSR continui a rispettare le condizioni di concessione e adempia al suo mandato legale di promozione della cultura.

Per saperne di più: www.sonart.swiss
 

Il video di "Power" è stato diretto da Mei Fa Tan di Losanna. Muthoni Drummer Queen è cresciuta a Nairobi e si è fatta un nome come rapper, cantante, produttrice e imprenditrice in collaborazione con la scena musicale della Svizzera occidentale. Lo stile musicale dei suoi tre album contiene elementi sia hip-hop che electro.

Bastien Bron e Laetitia Gauchat vincono il premio del pubblico con il loro film agency. Il pubblico ha votato "Une autre Chanson" di My name is Fuzzy come miglior videoclip svizzero 2021. I premi sono dotati di 5000 franchi svizzeri ciascuno e saranno consegnati in formato digitale. Sono state presentate 195 candidature per il "Miglior videoclip svizzero" 2021.

Articolo originale:
https://www.m4music.ch/de/best-swiss-video-clip/winner-2021

Lo studio valuta il rischio di infezione in base alla dose inalata. Questa dipende a sua volta da fattori quali il tasso di emissione, l'attività respiratoria, la concentrazione di aerosol e la durata del soggiorno. Nella valutazione della probabilità di infezione, i ricercatori hanno ipotizzato la presenza di una persona infetta in tutti gli spazi chiusi analizzati. In sintesi, il valore R relativo alla situazione nei luoghi di cultura è inferiore a quello delle aule o degli uffici.

Lo studio conclude, a titolo di esempio, che una visita a teatro è "solo la metà del rischio che si corre in una sala con un'occupazione di 30% e indossando una maschera, anche quando si è seduti, rispetto a un supermercato". Il grafico illustrativo mostra anche che il rischio di infezione è più basso al chiuso nelle sale da concerto, nei teatri, nei cinema e nei musei. 

Il Neue Zürcher Zeitung ha presentato lo studio in dettaglio il 15 febbraio. Diversi esempi sono analizzati in dettaglio.
Link all'articolo della NZZ

I membri di un team creativo hanno orizzonti temporali diversi e lavorano secondo ritmi e cicli diversi. Finora la ricerca sulla creatività e sull'organizzazione ha ipotizzato che la sincronizzazione, nota come trascinamento, sia la strategia più promettente: per essere il più efficienti possibile, i tempi sono definiti con precisione. In un tale lasso di tempo, tuttavia, c'è poco spazio per la creatività.

Secondo il team, la libertà dei processi creativi spesso nasce dalle tensioni temporali e dai tempi morti, ad esempio quando l'improvvisazione inizia in studio durante le pause di registrazione ed emerge qualcosa di nuovo e imprevisto. I ricercatori vogliono indagare sistematicamente questa interdipendenza tra trascinamento e distrazione da un lato e creatività dall'altro. La Fondazione tedesca per la ricerca (DFG) e il Fondo austriaco per la scienza (FWF) finanziano il progetto con circa 225.000 euro ciascuno.

Per saperne di più:
https://www.hcu-hamburg.de/fileadmin/documents/01_Startseite_HCU_Website/Presse_News/2021/210128_PM_HCU_Hamburg_DFG-Forschungsprojekt_Welche_zeitlichen_Strukturen_beguenstigen_kreative_Prozesse.pdf

Il 21° Congresso annuale del GMTH, che si terrà a Basilea dall'1 al 3 ottobre 2021, inviterà i partecipanti a ripensare il suono e i sistemi di accordatura. Secondo il comunicato stampa, più ampio sarà lo spettro di argomenti e aree, meglio sarà. Sono stati invitati come relatori principali la compositrice Catherine Lamb, il teorico musicale Alexander Rehding e lo specialista di teoria musicale araba e turca Michalis Cholevas.

L'Università della Musica ipotizza attualmente che il congresso possa essere organizzato di persona a Basilea. Tuttavia, si stanno valutando anche formati online, qualora se ne presentasse la necessità.

Ulteriori informazioni e convocazione:
https://www.gmth.de/veranstaltungen/jahreskongress.aspx

Max Nyffeler: il 27 agosto ricorre il 500° anniversario della morte di Josquin Desprez, e ora, a marzo, il Festival di musica antica di Zurigo eun focus sul programma. Quali considerazioni vi hanno guidato nella realizzazione del programma?
Roland Wächter: Le giornate commemorative attirano sempre molta attenzione. È logico che un organizzatore risponda a questa esigenza. Non sarebbe stato necessariamente necessario con Beethoven, che tutti conoscono. Ma con il più grande compositore del Rinascimento, che è poco conosciuto nella vita musicale di oggi, è una questione diversa.

Come si riflette questo aspetto nel programma?
Naturalmente, non si può realizzare un programma di festival solo con la musica di Josquin. Per questo motivo, nell'ambito limitato dei nostri concerti, abbiamo anche delineato il suo ambiente e, per esempio, la Missa "Et ecce terrae motus" di Antoine Brumelcontemporaneo di Josquin. Con le sue dodici voci - la norma all'epoca era di quattro - è una delle opere più spettacolari del Rinascimento e ricorda talvolta la musica minimale americana. Steve Reich, per esempio.

Un paragone azzardato.
Questo non è così inverosimile se si considera che Reich si riferisce esplicitamente alla terzo Agnus Dei dalla Missa di Josquin "L'homme armé sexti toni"  dove le quattro voci superiori sono condotte a coppie in canone e il tenore e il basso cantano la melodia della chanson L'homme armé contemporaneamente in avanti e a granchio. Tali prodezze canoniche ispirarono Reich.

Max Nyffeler: Il suo programma comprende anche numerose chansons di Josquin e altri.
Roland Wächter: Queste canzoni polifoniche profane sono un ramo importante dell'opera di Josquin. Compositori francesi come Clément Janequin e Claude Le Jeune lo seguirono e portarono il genere della chanson polifonica al suo apice.

Qual è il tanto citato significato storico di Josquin?
Da un lato, si basa su predecessori come Guillaume Dufay e Johannes Ockeghem, che hanno caratterizzato la struttura allora inedita di un movimento armonico a voci uguali. Dall'altro, arricchisce questo movimento vocale con un'espressività mai esistita prima. Dufay e Ockeghem enfatizzavano ancora l'aspetto costruttivo, come la conduzione canonica delle voci, mentre Josquin ora enfatizzava anche il significato delle parole. In molte opere si può osservare una connessione diretta tra parole e musica. Questo lo avvicina a noi. Ma la domanda è, ovviamente, fino a che punto oggi abbiamo ancora orecchio per queste valenze espressive.

Max Nyffeler: La musica di Josquin è anche molto più consonante di quella dei suoi predecessori e le armonie diventano più bidimensionali..
Roland Wächter: Con Dufay e Ockeghem, l'armonia ha ancora qualcosa di aspro e duro. Josquin ha trascorso molti anni in Italia e l'influenza italiana ha probabilmente apportato un nuovo tipo di trasparenza e morbidezza alla sua musica. A volte ha qualcosa di decisamente dolce, cosa che non si può dire di Dufay o Ockeghem. Per esempio Tu solus qui facis mirabilia o Ave Maria virgo serenaTali pezzi hanno un effetto immediato, e la Frottola Il Grillo  è quasi un successo.

Esiste un parallelo con le arti visive del suo tempo, che svilupparono anch'esse un'aura sensuale completamente nuova, anche con motivi religiosi.
Assolutamente sì. Anche i suoi discendenti diretti hanno fatto questo riferimento e hanno detto: Josquin, con la sua sensualità ed espressività, è il Michelangelo della musica, per così dire.

Lo sviluppo artistico di Josquin fu lineare o irregolare? Condusse una vita piuttosto irregolare.
È difficile rispondere a questa domanda, poiché solo poche opere possono essere datate. Le edizioni stampate da Ottaviano Petrucci a Venezia, che appaiono a partire dal 1502, forniscono un indizio. Tuttavia, poiché non contengono le date di origine delle opere, siamo più o meno al buio. I musicologi cercano quindi di ricostruire lo sviluppo stilistico sulla base dei dati disponibili. Secondo questi, Josquin iniziò nella tradizione dei suoi predecessori Dufay e Ockeghem: c'è un cantus firmus nel tenore, costituito da un frammento di canto gregoriano o da una chanson, e i canoni delle altre voci si intrecciano intorno a questa struttura. Questa tecnica del canone, con le sue varianti della melodia originale - cancellazioni, inversioni, cancellazioni di inversioni, accorciamenti, allungamenti, ecc. Josquin se ne discosta ovviamente nella fase centrale, perché qui il cantus non compare solo nel tenore, ma può anche vagare tra le altre voci, dando luogo a processi imitativi. Le voci partecipano così a un motivo comune. Nella fase creativa finale, tutto questo si sviluppa in direzione di una tecnica compositiva relativamente libera, in cui organizza il materiale secondo criteri più soggettivi.

Max Nyffeler: Josquin Desprez (o des Prez) nacque probabilmente nel 1450 vicino a Saint-Quentin, nell'attuale Francia settentrionale, e morì nel 1521. Visse nel cosiddetto Alto Rinascimento, un'epoca di estremi: da un lato un periodo di massimo splendore delle arti e delle scienze, dall'altro un'epoca di grandi sconvolgimenti e guerre. Nel 1477, i Confederati sconfiggono il duca Carlo il Temerario a Nancy, facendo crollare il potente impero borgognone, una grande potenza economica e musicale. Nel 1492 Colombo scopre l'America e nel 1517 Lutero formula le 95 tesi che segnano l'inizio della Riforma. Sorge quindi la domanda: questi conflitti riecheggiano nella musica di Josquin? O è semplicemente "senza tempo"?

Roland Wächter: La musica religiosa riguarda le verità eterne e non il temporale con guerre, pestilenze e carestie. Al massimo, il temporale si riflette nella sua musica profana, soprattutto nelle chansons. Esse hanno un tono decisamente malinconico e trattano per lo più di dolore emotivo e di amore insoddisfatto. Lo si vede già dai titoli: Mille rimpianti  e Adieux mes amours. O Fortuna disperataun destino disperato e senza speranza. Josquin scrisse anche una messa parodia sulla melodia di questa chanson, oltre che sulla chanson Malheur me bat di Ockeghem.

Max Nyffeler: La malinconia sembra essere stata davvero un fenomeno di costume, basti pensare all'incisione di Dürer "Melencolia I" del 1514.
E poi c'è la canzone che era popolare in quel periodo L'homme armé, che si riferisce alla guerra e che è stato utilizzato da Josquin e da molti altri come modello per le messe con cantus firmus. Non dobbiamo dimenticare: A quei tempi, il compito dei principi era quello di fare la guerra, per quanto possa sembrare strano oggi. Si trattava di garantire ed espandere la propria sfera di potere.

E il controllo delle rotte commerciali, cioè il potere economico. Questo ha giocato un ruolo importante soprattutto per la Borgogna. Si trattava già di una forma di economia borghese precoce, sviluppatasi nei possedimenti olandesi dei duchi nel XV secolo.

Roland Wächter: È notevole che quasi tutti i principali compositori rinascimentali, i cosiddetti "olandesi", provenissero da un'area centrale di queste terre borgognone, vale a dire da quella che oggi è la regione di confine tra Francia e Belgio, l'Hainaut, o Hainaut in tedesco. Ciò si spiega con la ricchezza di questa regione all'epoca, di cui probabilmente beneficiavano anche le scuole di canto ecclesiastiche, le cosiddette maîtrises. I musicisti formati qui venivano spesso ingaggiati in Italia. Ockeghem fu una delle poche eccezioni. Ma Dufay faceva la spola tra la sua patria e l'Italia, Josquin trascorse molto tempo in Italia nei suoi primi anni, e compositori come Adrian Willaert vi soggiornarono e avevano persino un nome italianizzato come Cipriano de Rore.

Max Nyffeler: I compositori seguivano presumibilmente le rotte commerciali installate attraverso il continente dalle principali case commerciali e monetarie in Borgogna, dai Medici a Firenze e da altri. È quindi ragionevole concludere che i loro mecenati li inviassero in viaggio come bonus culturale alle loro relazioni commerciali..
Molti di questi compositori - nell'accezione dell'epoca erano in realtà cantanti, la professione di compositore non esisteva ancora - erano anche segretari di alto rango di principi ed ecclesiastici e spesso viaggiavano in missioni diplomatiche per i loro mecenati. D'altra parte, alle corti reali italiane c'era molto denaro, che veniva utilizzato per soddisfare il bisogno di rappresentazione culturale.

Max Nyffeler: Nella sua opera fondamentale "La cultura del Rinascimento in Italia", Jacob Burckhardt sottolinea che c'era una vera e propria competizione tra i principi nell'esibizione dello splendore. Gli artisti famosi venivano attirati a corte con alti compensi e privilegi.

Roland Wächter: C'è un aneddoto sul principe Ercole I di Ferrara, che cerca un nuovo musicista e manda i suoi agenti in giro per l'Europa. Uno di loro gli scrive: "Poiché solo il meglio è abbastanza buono, solo Heinrich Isaac o Josquin Desprez sono in discussione. Isaac è molto socievole con i musicisti, compone ciò che gli si ordina e viene per 120 ducati. Josquin, invece, è un tipo difficile, compone solo quando vuole e si fa pagare 200 ducati". Per il principe, tuttavia, era chiaro che doveva avere Josquin. Allora la musica aveva una funzione rappresentativa che oggi non possiamo più immaginare. Oggi i super-ricchi sono proprietari di squadre di calcio.

A giudicare dai pagamenti degli stipendi, egli rimase a Ferrara solo per un breve periodo, dal 1503 al 1504. Prima di allora, fu a lungo membro della cappella papale a Roma, forse a Milano presso gli Sforza e probabilmente al servizio del re di Francia per due anni a partire dal 1501. Molte date della vita di Josquin sono incerte. Probabilmente lasciò Ferrara nel 1504 a causa della peste e tornò in patria, a Condé-sur-l'Escaut nell'Hainaut, dove ricoprì un'alta carica ecclesiastica fino alla morte nel 1521.

Max Nyffeler: Come fu percepito Josquin dopo la sua morte?
Roland Wächter: Per le successive due o tre generazioni di compositori è stato un'autorità indiscussa.

Ricorda quasi l'impatto di Beethoven nel XIX secolo.
Il paragone è certamente azzeccato. Tuttavia, Beethoven aveva un effetto intimidatorio sulle generazioni successive. Nel caso di Josquin, è vero il contrario: la qualità esemplare attribuita alle sue opere ha sfidato le generazioni successive a imitarle.

La musica stampata di Petrucci ha avuto un ruolo importante in questa affermazione come "classico".
Josquin è il primo compositore nella storia della musica ad avere un intero volume dedicato esclusivamente a lui; la stampa di Petrucci risale al 1502, Missae Josquincontiene cinque sue messe. Ciò dimostra l'importanza che gli veniva attribuita già durante la sua vita. Josquin fu indubbiamente coinvolto nel progetto e utilizzò il nuovo mezzo della musica stampata per diffondere la sua musica. Il volume di messe passò attraverso tre edizioni, il che significa che fu venduto e trovò un pubblico. Josquin compare anche negli scritti di teorici come Glarean, che lavorava a Basilea e vedeva nella polifonia sciolta di Josquin un modello compositivo esemplare.

Già Martin Lutero disse di lui: "Josquin è il maestro della musica; devono farla come vuole lui".
Josquin è celebrato come grande compositore anche da autori esterni al mondo della musica. La sua influenza si estende fino a Palestrina, Orlando di Lasso e Tomás Luis de Victoria, cioè fino alle soglie del Barocco.

Allora la sua ricezione perde ovviamente il suo potere. Perché? Non è stato così per i suoi contemporanei nelle arti visive, come Leonardo, Raffaello e Michelangelo.
Le ragioni sono probabilmente due. Intorno al 1600 si verificò un importante cambiamento di paradigma: dalla polifonia al canto solista accompagnato, alla monodia, dove l'espressione appassionata del soggetto è al centro della scena, e al basso continuo. Monteverdi, che comunque padroneggiava entrambi gli stili, è esemplare di questo cambiamento. L'altra ragione risiede nella natura fugace della musica stessa. Un quadro, una volta dipinto, rimane a lungo. Ma una partitura scompare semplicemente in un cassetto se non viene riportata in vita più volte. Perché non dimentichiamolo: In passato si eseguiva solo "musica nuova", cioè brani composti per il presente. Il fatto che Orlando di Lasso abbia composto il famoso (e ora programmato anche da noi) Missa "Et ecce terrae motus" di Antoine Brumel è un'importante eccezione. Così facendo, egli salvò l'opera per i posteri, dato che la sua copia rimane l'unica fonte a tutt'oggi.

Max Nyffeler: Sono stati i compositori a mantenere vivo il ricordo della musica di Josquin.
Roland Wächter: Ma le sue opere, come la musica rinascimentale in generale, non furono più eseguite. Il pubblico sempre più vasto della nuova epoca ovviamente non poteva o non voleva sopportarlo. Solo nel XIX secolo, con l'affermarsi dello storicismo, questa musica tornò lentamente in auge.

Oggi Josquin sembra essere ancora un caso per ensemble specializzati e per un pubblico specializzato.
Assolutamente sì. L'intero periodo rinascimentale è ancora un'area marginale della vita musicale. L'ultima grande appropriazione della musica antica ha riguardato Monteverdi negli anni Settanta e Ottanta del XX secolo. Ciò è avvenuto soprattutto attraverso l'opera lirica, che ne ha facilitato il riconoscimento. Ma la musica prima del 1600 è ancora un campo specializzato. Gli esecutori devono prima familiarizzare con essa.

Per quanto riguarda la prassi esecutiva, molte cose non sono ancora chiare e probabilmente lo saranno ancora. Recentemente si è spesso parlato di partiture miste vocali-strumentali, ma i dettagli non sono ovviamente così chiari.
Conosciamo queste opere in versioni puramente vocali grazie ai più vecchi interpreti di spicco, come l'Hilliard Ensemble, i Tallis Scholars o Philippe Herreweghe. Questa è certamente la possibilità principale, ma non l'unica. Probabilmente esistono anche diverse tradizioni locali, ad esempio la Sistina a Roma era sempre cantata a cappella. In altri luoghi si usavano strumenti; ci sono illustrazioni e riferimenti corrispondenti nelle fonti. Ma non si sa come venissero utilizzati nel dettaglio. Oggi gli ensemble più giovani lavorano con una strumentazione mista, ad esempio i gruppi thélème o The Earle His Viols di Elisabeth Rumsey, che si esibiscono anche qui.

Anche il pubblico deve prima sviluppare un orecchio per questa musica.
A parte alcuni brani, di solito non abbiamo accesso diretto ad esso, a meno che non ci piaccia semplicemente la sua melodiosità e ne siamo soddisfatti. Ma dove oggi si trova più spesso Josquin, interpretato in modi eccellenti e diversi, è nelle registrazioni. L'offerta è molto ampia.

E questo ovviamente vende. Quindi, dopo tutto, c'è un pubblico più vasto.
Non è sufficiente per una serie di concerti continui. Ma il mercato dei CD sta funzionando. Nelle ultime settimane sono usciti almeno una mezza dozzina di CD con musiche di Josquin, in concomitanza con il 500° anniversario della sua morte, che ricorre quest'estate.

Max Nyffeler: Fortunatamente, anche i compositori del XX e del XXI secolo stanno mostrando un crescente interesse per la musica rinascimentale.
Roland Wächter: Uno dei primi fu Anton Webern, che nel 1906 scrisse la sua tesi di dottorato su Heinrich Isaac, che senza dubbio ebbe un impatto sul suo pensiero strutturale nelle successive opere dodecafoniche. Va menzionata anche la grande opera corale di Ernst Krenek, Lamentatio Jeremiae Prophetae, composta nello spirito dell'antica polifonia vocale.

Klaus Huber ha fatto riferimento ai compositori del Rinascimento insolitamente spesso: 1979 in "Beati pauperes II", una - a suo dire - "contraffazione" dei mottetti "Beati pauperes" e "Beati pacifici" di Orlando di Lasso, 1992 in "Agnus Dei cum recordatione", un "Hommage à Jehan Okeghem", basato sulla sua "Missa prolationum", 1997 in "Lamentationes Sacrae et Profanae ad Responsoria Iesualdi" con riferimento a Gesualdo e 2006 con "Miserere hominibus", eseguito in prima assoluta a Lucerna, che non solo utilizza scale arabe, ma si rifà anche in modo riconoscibile a Josquin con il suo movimento polifonico misto strumentale/vocale. Queste sono solo alcune delle opere di Klaus Huber influenzate dalle tecniche rinascimentali.

Anche Steve Reich, con il suo riferimento all'opera di Josquin Missa "L'homme armé sexti toni" è opportuno ricordare ancora una volta. Egli considera i metodi praticati qui come esemplari per la musica minimale.

In Inghilterra sono stati i compositori della cosiddetta Scuola di Manchester, soprattutto Peter Maxwell Davies, a studiare le partiture dei maestri del Rinascimento e a farle fruttare per la propria musica. In questo caso, però, si tratta di compositori inglesi del XVI secolo come John Taverner e Thomas Tallis.

Anche Ralph Vaughan Williams ha fatto riferimento direttamente a Tallis. Probabilmente si potrebbero trovare molti altri riferimenti alla tradizione nella musica del nostro tempo. Questo dimostra che il Rinascimento non è affatto un'epoca storicamente morta.

Ci sono modi diversi di affrontare la pandemia nel mondo della musica. Mentre alcuni non fanno nulla e lottano contro il blocco, altri cercano di sfruttare al meglio le opportunità rimaste. Il Mosaico, l'orchestra giovanile svizzera di successo, è una di queste ultime. Si è unita all'orchestra partner CMC (Chamber Music Center of New York), con la quale aveva ripetutamente organizzato programmi di scambio negli ultimi anni, e non solo ha approfittato dell'occasione per unirsi a loro. Egmont-ma anche elaborato il particolare La storia della sua creazione è online come video con il titolo Un'orchestra virtuale dall'altra parte dell'oceano. L'idea è stata di Mary Jo Pagano, direttrice del CMC.

Nel suo Egmont la lotta per la libertà degli olandesi contro la Spagna nel XVI-XVII secolo. L'idea di ribellarsi a un oppressore si adatta bene all'attuale lotta dell'umanità contro il virus. Il violinista Hermann Ostendarp, fondatore e direttore di Mosaico da 31 anni, afferma: "Non sono un grande fan di questi formati online, ma i giovani devono avere un obiettivo. Si tratta di non lasciare che la musica taccia in questi tempi difficili". L'anno scorso era previsto un tour di concerti in Ucraina, ma l'inaspettata serrata di marzo ha cancellato i piani. L'inattività non era un'opzione, poiché i giovani musicisti rimangono nell'orchestra in media solo per tre o quattro anni, quindi un anno di assenza pesa molto.

Registrato in aprile/maggio. INel video finito si vedono e si sentono gli orchestrali americani e svizzeri che suonano le loro voci da soli nelle loro stanze. Come è possibile che tutto sia assolutamente sincronizzato e che il suono sia ottimo? Ostendarp spiega: "Quando l'Orchestra del Concertgebouw, ad esempio, realizza una produzione come questa, prende una registrazione precedente del brano e la esegue insieme a questa". Il Mosaico o la CMC non avevano una propria registrazione dell'Ouverture di Egmont. Sibylle Johner, direttrice del CMC, ha quindi inserito gli inizi e le transizioni di un'altra registrazione esistente, in modo da rendere possibili inserimenti puliti - non era quindi necessario un direttore d'orchestra. "I nostri orchestrali hanno contribuito con grande entusiasmo e si sono esercitati molto bene sulle parti, spesso impegnative, con grande dedizione. Hanno trovato la collaborazione digitale entusiasmante e arricchente". Dopo un mese - ogni settimana venivano registrati due minuti - le registrazioni sono state inviate a New York e integrate dall'esibizione dei ragazzi americani. L'ingegnere audio e il montatore video Sean Brekke si sono occupati del resto, correggendo gli errori, ottimizzando il suono e facendo coincidere immagini e suoni del video. Il video musicale vero e proprio è stato integrato da un making-of, realizzato dal cameraman Martin Taube, pluripremiato agli Emmy. Egli è riuscito a creare un ritratto altamente emotivo, con immagini intense e interviste strazianti, sullo sfondo di una New York devastata dall'epidemia.

Hermann Ostendarp ha fondato l'orchestra Il Mosaico nel 1990 e l'ha concepita fin dall'inizio come un progetto comune tra la scuola di musica e la scuola cantonale di Wattwil. All'epoca lavorava già come insegnante in entrambe le scuole e ha costruito strutture ben funzionanti e armonizzate. Oggi ci sono in totale cinque ensemble di diverso livello. Le tre formazioni di base sono dirette da un collega della scuola di musica. Oltre all'orchestra principale, che conta circa 60 elementi, di cui 35 suonatori d'archi, Ostendarp stesso è responsabile dell'ensemble d'archi Vivaldissimo, in cui suonano dai 15 ai 25 giovani. I requisiti per entrare a far parte dell'orchestra si basano sulla scala dei test di livello. Per Vivaldissimo è richiesto un livello da 4 a 5, mentre per Il Mosaico è richiesto un livello 6.

I giovani trascorrono molto tempo insieme durante le prove settimanali, i campi musicali annuali e le tournée di concerti. Fanno qualcosa che li unisce, scoprono la musica e provano emozioni insieme. Ostendarp ritiene che questa sia la cosa più importante: "L'aspetto sociale è molto importante, quasi più importante dell'aspetto musicale. L'ho visto nei miei figli, che fanno tutti musica". Per molti degli oltre 300 ex allievi, fare musica è un impegno che dura tutta la vita. Due o tre all'anno decidono di studiare musica. Oltre all'integrazione sociale, l'assunzione di responsabilità è molto importante per il leader dell'orchestra. I membri più esperti si prendono cura dei nuovi arrivati, si occupano delle prove di sezione o, in caso di assenza del direttore, anche dell'intero lavoro di prova.

La pianificazione è difficile in questi tempi. Il doppio concerto di Brahms con Esther Hoppe, violino, e Christian Poltéra, violoncello, è previsto per il prossimo giugno. Il rinomato duo di solisti offrirà ai giovani un workshop prima del concerto. La data di una tournée di concerti a Firenze è ancora in forse, così come quella del viaggio in Ucraina annullato lo scorso anno.

I tre musicisti zurighesi Florian Kolb (*1991), Pablo Lienard (*1994) e Philipp Saner (*1991) uniscono una varietà di background stilistici e approcci artistici nel collettivo "#workoutjazz" (ex White Pulse). Il trio è caratterizzato da una miscela di elementi di improvvisazione libera, nuova musica, jazz, rock sperimentale e punk, creando così un proprio linguaggio musicale.

"#workoutjazz" è una delle giovani formazioni jazz più interessanti della scena zurighese, scrive il Cantone. I membri agiscono anche come networker e organizzano concerti come la leggendaria maratona White Pulse: circa sessanta musicisti di tutti gli stili diversi suonano set di tre minuti in rapida successione. Il concetto di compressione radicale attraverso musica di alta qualità di generi diversi rende l'esperienza musicale affascinante. Il premio è dotato di 30.000 franchi.

Articolo originale:
https://www.zh.ch/de/news-uebersicht/medienmitteilungen/2021/02/christian-herdeg-erhaelt-den-kulturpreis-des-kantons-zuerich.html

Nel suo comunicato stampa dell'11 febbraio, il Consiglio della Musica scrive: "La vita culturale e il settore della musica dal vivo in particolare sono ufficialmente in letargo. Non è ancora del tutto chiaro quando questo finirà. È proprio in questa situazione già estremamente precaria e incerta che la SRF sta adottando misure di riduzione dei costi, in particolare nei settori della musica classica, del jazz e del cinema.

Sembra che si sia completamente dimenticato che il settore culturale svizzero, e in particolare le associazioni culturali, hanno svolto un ruolo fondamentale affinché il voto NoBillag non si trasformasse in un disastro per la SSR. Il ruolo centrale della SSR nella diffusione e nella produzione della cultura svizzera è stato riconosciuto dagli operatori del settore culturale dell'epoca e onorato dal loro impegno nell'opporsi all'iniziativa.

Il Consiglio della Musica ritiene incomprensibile che la SRF non coinvolga le parti interessate del settore prima di adottare misure di riduzione dei costi così drastiche. Un'azienda con un mandato di servizio pubblico non dovrebbe agire senza gli interessati. Rosmarie Quadranti, presidente del Consiglio svizzero della musica, ha commentato: "È offensivo quando le parti interessate vengono informate di decisioni così importanti solo a posteriori. Questo è molto dannoso per una partnership".
 

Riccardo Chailly è ospite regolare del Lucerne Festival dal 1988, come direttore principale della Royal Concertgebouw Orchestra e della Gewandhausorchester Leipzig. Dal 2016 è alla guida della Lucerne Festival Orchestra.

Fondata nell'agosto 2003, l'orchestra è composta da solisti, cameristi e professori di musica di fama internazionale, nonché da membri della Mahler Chamber Orchestra e della Filarmonica della Scala. Claudio Abbado è stato il direttore artistico di questa "orchestra di amici", come lui stesso la definiva, fino alla sua morte nel gennaio 2014.

"I tempi e le situazioni di crisi sono esperienze umane, sociali, scientifiche e artistiche essenziali. Sebbene siano situazioni eccezionali, sono tuttavia permanentemente presenti, non solo in aree costantemente afflitte da fame, guerre e malattie, ma anche in società ricche. Le crisi si manifestano in un'ampia varietà di forme e vengono percepite ed elaborate in modi diversi.

Data la natura fondamentale delle crisi, è logico chiedersi quale sia il loro rapporto con la musica. La fondamentale condizionalità sociale dei due fenomeni della musica e della crisi permette già di affermare che musica e crisi hanno una complessa relazione reciproca. (...)

Le proposte di contributi della lunghezza massima di 300 parole (in tedesco, italiano, francese, romancio o inglese) devono essere inviate a info(at)smg-ssm.ch entro il 1° marzo 2021. Il feedback con la decisione di accettazione è previsto per l'inizio di aprile 2021, mentre l'invio dei contributi finiti è richiesto entro il 15 luglio 2021".

Ulteriori informazioni:
https://www.smg-ssm.ch/smg-ssm/aktuell/newsarchiv/details/news/call-for-contributions-musik-in-krisenzeiten-schweizer-jahrbuch-fuer-musikwissenschaft-sjm-2021/
 

Le nostre orecchie si trovano ai lati opposti della testa e la maggior parte dei suoni raggiunge i padiglioni auricolari in tempi leggermente diversi. Sebbene le due metà ricevano le informazioni in tempi diversi ed elaborino caratteristiche diverse del parlato, il cervello integra ciò che sente in un unico suono vocale.

Finora non si conosceva l'esatto meccanismo alla base di questo processo di integrazione. Tuttavia, le cosiddette onde gamma svolgono un ruolo importante. I neurolinguisti sono ora riusciti a dimostrare un legame diretto tra l'integrazione di ciò che si ascolta e la sincronizzazione attraverso le onde gamma. Oltre all'UZH, hanno partecipato al progetto anche ricercatori olandesi e francesi.

I risultati supportano l'idea che la sincronizzazione mediata dalle onde gamma tra diverse aree cerebrali sia un meccanismo fondamentale per l'integrazione neuronale. Studi precedenti hanno dimostrato che i disturbi della connessione tra i due emisferi del cervello sono associati a percezioni uditive fantasma, come acufeni e voci. La stimolazione elettrica del cervello potrebbe quindi rappresentare una strada promettente per lo sviluppo di interventi terapeutici.

Letteratura:
Preisig BC, Riecke L, Sjerps M, Kösem A, Kop BR, Bramson B, Hagoort P, Hervais-Adelman A. La modulazione selettiva della connettività interemisferica mediante stimolazione transcranica a corrente alternata influenza l'integrazione binaurale. PNAS. DOI: 10.1073/pnas.2015488118

I compositori devono attualmente affrontare molte sfide nel ristretto mercato della musica classica. Oltre alle considerazioni musicali interne alle loro opere, c'è la questione di come i loro pezzi trovano la strada per i potenziali esecutori. Allo stesso tempo, devono occuparsi delle necessità amministrative e della gestione dei diritti.

Universal Edition ha risposto a questa situazione con Scodo: Con questo strumento di pubblicazione, l'editore musicale internazionale viennese offre a tutti i compositori l'opportunità di comparire nel suo catalogo affermato a livello mondiale tra i grandi della musica come Gustav Mahler, Arnold Schönberg, Pierre Boulez e Arvo Pärt.

I compositori hanno a disposizione un nuovo strumento web, facile da usare e flessibile, per pubblicare i loro spartiti. Con pochi clic, i musicisti possono pubblicare in qualsiasi momento una nuova opera, che può essere ottenuta in tutto il mondo attraverso il sito web di Universal Edition. Tutti gli spartiti pubblicati tramite Scodo non solo possono essere stampati, ma sono anche disponibili in formato digitale tramite UE.

Con Scodo, l'editore musicale con oltre 100 anni di storia tiene il polso della situazione e offre tutta la varietà della distribuzione musicale moderna.

Per ulteriori informazioni, consultare il sito www.universaledition.com/scodo
 

Il centro di ricerca "Corte - Musica - Città" ha iniziato i suoi lavori all'inizio dell'anno. Sotto l'egida del centro congiunto, i musicologi indagheranno su come la musica di corte e quella urbana si siano sviluppate e influenzate reciprocamente nella Germania sud-occidentale.

Una componente centrale delle attività del centro è anche l'ulteriore sviluppo dell'insegnamento universitario nel campo della musicologia, ad esempio nel settore delle edizioni digitali. Il centro di Schwetzingen è diretto da Christiane Wiesenfeldt (Heidelberg) e Panja Mücke (Mannheim).

Per saperne di più:
http://www.hofmusikstadt.de/