È noto che Robert Schumann trovò estremamente difficile mettere su carta i propri quartetti per archi dopo il significativo contributo di Beethoven e Schubert al genere. Ci provò più volte, poiché l'unità d'archi a quattro parti lo affascinava immensamente. Tuttavia, essendo un pianista che non aveva studiato uno strumento ad arco, gli standard stabiliti gli sembrarono a lungo troppo alti, l'obiettivo troppo ambizioso. La motivazione di Clara Schumann e l'esempio di Felix Mendelssohn, che raccolse la sfida con le proprie opere, portarono infine, nel 1842, al triumvirato dell'Op. 41, composto quasi in preda alla frenesia e in un lasso di tempo molto breve. In esso - come nelle sinfonie - Schumann mostra la via d'uscita compositiva dallo stato di shock innescato da Beethoven tra i suoi contemporanei e la generazione di compositori immediatamente successiva. L'orientamento estetico verso il nucleo dell'Alto Romanticismo, che lascia sempre più indietro i vincoli formali, armonici e strutturali, apre al rinascimento del quartetto d'archi che Mendelssohn aveva già audacemente intrapreso prima del 1826.

La versione manoscritta, qui presentata in una nuova edizione da Breitkopf & Härtel, offre uno spaccato del laboratorio compositivo di Schumann. Nel corso della prima prova dei tre lavori da parte del quartetto del violinista Ferdinand David, che richiese il tempo incomprensibilmente breve di cinque giorni fino alla prima in un ambiente privato, Schumann intervenne sulla partitura in numerosi punti per correggere vari squilibri che si erano rivelati insoddisfacenti nel corso del lavoro. Migliorò anche la suonabilità, evitando scomodi doppi stop, inchini, fraseggi e tecniche esecutive. Nel quartetto in la minore sono degni di nota l'uso originale delle sordine nell'Andante espressivo introduttivo, le semicrome raddoppiate annullate nello Scherzo successivo, i suggerimenti ornamentali nell'Adagio e l'accorciamento nel Presto. Schumann accorciò ancora di più nel movimento di variazione del secondo quartetto, il quartetto in fa maggiore, e una ripetizione viene omessa anche nello Scherzo. Interessante nell'op. 41/3 è la cancellazione di una battuta aggiuntiva all'inizio dell'introduzione del primo movimento, che aveva ritardato l'ingresso del primo violino. È stato omesso anche un pizzicato del violoncello nel famoso e difficile tema secondario del primo movimento. Tipicamente per un pianista, Schumann scrive legature impossibilmente lunghe, ma in questa edizione servono come buon modello per un fraseggio intelligente e richiedono semplicemente una divisione più praticabile che tenga conto delle istruzioni del compositore.

Nel complesso, tuttavia, è sorprendente il numero esiguo di deviazioni. Nel caso di Beethoven, le modifiche apportate in collaborazione con il Quartetto Schuppanzigh furono molto più ampie. Dal punto di vista odierno, è difficile capire perché Schumann abbia dovuto insistere più volte con il suo editore affinché venisse pubblicata una partitura accanto alle parti per facilitare la realizzazione di opere complesse e stratificate. I quartetti, che purtroppo furono composti solo in questo anno, rimangono ancora oggi una grande sfida per qualsiasi ensemble.

Robert Schumann: Quartetti per archi op. 41 n. 1-3, versione manoscritta, a cura di Nick Pfefferkorn; set di parti, EB 32032, € 37,90; partitura di studio, PB 32032, € 23,50; Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Rainer Held è sempre pronto a sorprendere. In questo Paese è molto apprezzato come originale direttore di coro che si è fatto conoscere anche nei concerti orchestrali come primo direttore ospite fisso dell'Orchestra Sinfonica della Radio di Minsk (dal 2003 al 2010). Recentemente ha pubblicato due nuove registrazioni.

Il direttore d'orchestra lucernese si è sempre interessato alla storia della musica svizzera. Non si risparmia e le opere su larga scala lo attraggono particolarmente. Ciononostante, la gente è rimasta stupita quando, nel 2019, ha diretto la gigantesca opera Sinfonia n. 4 in sol minore op. 27 (2014/15) del lucernese Alexander Brincken con la Royal Scottish National Orchestra. Il direttore dell'orchestra sottolinea che questa orchestra non ha mai effettuato una registrazione di tale portata, nemmeno con Neeme Järvi.

Brincken, nato a San Pietroburgo nel 1952, si rifà spudoratamente alle sinfonie tardo-romantiche di Strauss e Mahler. Anche se un tale approccio è generalmente inquietante al giorno d'oggi, il compositore ne sa qualcosa di strumentazione. Il grande apparato orchestrale è denso di suoni ma ben equilibrato, e le sue melodie di ampio respiro - come l'accattivante assolo di corno nel movimento lento - hanno una forza portante. Anche la padronanza dell'orchestra da parte di Held e la combinazione di ritmi energici e climax lenti sono impressionanti.

Il Capriccio per pianoforte e orchestra da camera op. 11, che si può ascoltare anche in questo CD, è stato scritto da Brincken nel 1985, quando viveva ancora in Unione Sovietica. Interamente incentrato sul pianista Brincken, questo concerto per pianoforte e orchestra, decisamente "russo", dispiega un dialogo vitale tra solista e orchestra, con timbri impressionistici alternati alla gioia concertante di Hindemith. Rainer Held sa come realizzare le intenzioni del compositore e del solista Brincken con uno spirito attento.

Poco dopo il progetto Brincken, Held ha realizzato un primo CD con opere di Heinrich Sutermeister (1910-1995) per la stessa etichetta, Toccata Classics. Il 2020 segna il 25° anniversario della sua morte. Sutermeister divenne noto soprattutto come compositore di opere. Ha fatto il suo ingresso nel 1940 - in piena guerra nella Germania nazista - con la prima mondiale di Romeo e Giulietta alla Semperoper di Dresda sotto la direzione di Karl Böhm. L'opera è stata successivamente tradotta e rappresentata in diverse lingue. Herbert von Karajan e Wolfgang Sawallisch ne hanno diretto la musica.

Sutermeister si interessò anche ai nuovi media di allora, la radio e la televisione. Il melodramma qui registrato Le Alpi. Fantasia su canzoni popolari svizzere per orchestra e voce recitante è stata scritta per una produzione radiofonica. Quello che a prima vista sembra "antiquato", come il pathos di casa nostra, si rivela un impressionante gioco di colori per orchestra che non ha nulla da invidiare alla Sinfonia delle Alpi di Richard Strauss. Bruno Cathomas recita con piacevole semplicità il potente poema naturalistico dell'autore Albrecht von Haller (1708-1777).

Vivace e drammaturgicamente avvincente è l'opera Suite Romeo e Giulietta per grande orchestra, con la quale Sutermeister ha costruito il grande successo dell'opera a Dresda. La prima della suite ebbe luogo il 9 aprile 1941 a Winterthur, con Karl Böhm e la Filarmonica di Berlino. La luce Divertimento n. 2 (1959/60) è un ottimo esempio dell'estro francese di Sutermeister: musica danzante e melodicamente inventiva con un uso vario delle percussioni, che ricorda il Groupe des Six.

L'etichetta Toccata è specializzata in opere importanti di compositori meno noti e collabora anche con la Royal Philharmonic Orchestra di Londra. È così che Held, che da tempo si occupa della musica orchestrale e corale di Sutermeister, è arrivato a questa nota orchestra - ancora una volta un entusiasmante progetto "Swissness" che Rainer Held ha lanciato a Londra. Sono previste altre registrazioni in CD di questa serie.

La compositrice, flautista e direttrice d'orchestra svizzera Caroline Charrière (1960-2018) ha vissuto e lavorato principalmente a Friburgo dopo aver studiato con Aurèle Nicolet, Jean Balissat e René Klopfenstein. Ha composto quest'opera di dodici minuti nel 2015 Feux per flauto, clarinetto, marimba, percussioni, violino, viola e violoncello. Il compositore si è ispirato ai vari stadi e aspetti del fuoco: piccola fiamma, fuoco che divampa, fuoco che brucia sotto la cenere, volontà, calore, distruzione, eccitazione, agonia, purificazione, amore, cenere e desolazione, rinascita e gioia. Qua e là vengono inserite alcune note di una canzone popolare islandese. Questo concetto programmatico diventa comprensibile all'ascoltatore, il brano è vario ed emozionante.

Per quanto riguarda il cast Feux per esempio con l'opera di Schönberg Pierrot Lunaire e/o con il Canzoni popolari di Luciano Berio (il primo richiede un pianoforte al posto delle percussioni, il secondo un'arpa, entrambi inoltre un cantante o una diseuse). Senza dimenticare il direttore d'orchestra, che è necessario per Feux esigenze in ogni caso! Marimba e percussioni possono essere suonate dalla stessa persona. Tutti gli strumenti hanno parti facilmente realizzabili con tecniche di esecuzione versatili. Un attraente brano di musica nuova di un compositore svizzero morto troppo presto!

Su Youtube c'è un Registrazione di Feux da ascoltare e vedere con l'Ensemble Contrechamps (vedi sotto).

Caroline Charrière: Feux, per ensemble da camera (fl, cl, marimba, perc., vl, vla, vc), partitura e parti MCX80, Fr. 40.00, Éditions Bim, Vuarmarens

Esistono molti libri specializzati per organisti e amanti dell'organo. Ma finora nessuno che parta dal Medioevo e arrivi fino a J. S. Bach. Ora ne ha scritto uno Matthias Schneider, docente all'Università di Greifswald e direttore dei relativi corsi estivi di vacanza. In un secondo volume, il libro proseguirà fino al XX secolo. Dopo un'introduzione sulla notazione, le diteggiature storiche, ecc: Medioevo-Rinascimento, intavolature d'organo della Germania settentrionale, musica italiana, Sweelinck e i suoi allievi, Samuel Scheidt, Dieterich Buxtehude, musica d'organo della Germania meridionale, iberica e francese, e infine Bach.

Si raccomanda a tutti gli utenti del libro di utilizzarlo come opera di riferimento. Leggete il compositore su cui state lavorando. Un vantaggio del metodo di Schneider è che scrive in modo approfondito su alcune opere selezionate. Ciò che si impara qui può essere applicato ad altre opere dello stesso genere.

Buxtehude è una delle specialità di Schneider; è uno dei due redattori della rivista annuale Studi di Buxtehude. Qui discute il compositore in 27 pagine.
Buxtehude non usava ancora la nostra notazione musicale, ma le lettere (la cosiddetta notazione in intavolatura). Non è sopravvissuto un solo autografo. La situazione del tutto insoddisfacente delle fonti ha portato editori di musica validi e non autorizzati a raggiungere risultati molto diversi. Tra quelli non autorizzati, Klaus Beckmann si distingue negativamente per la sua cosiddetta "critica testuale interna". Schneider omette di mettere in guardia da queste edizioni; i problemi possono essere facilmente riconosciuti, ad esempio, confrontandole con l'ultima e migliore edizione di Michael Belotti (anche se queste ultime sono estremamente costose).

La forma non corale nord-tedesca più comune è chiamata toccata o preludio (ma non preludio e fuga, come in seguito accadrà a Bach e ai suoi contemporanei). Consiste in una serie di sezioni libere e fugate alternate. Schneider analizza in modo approfondito un singolo esempio in quasi cinque pagine, la Toccata in re BuxWV 155, per quanto riguarda la segnatura del tempo (la notazione in intavolatura non presenta linee di battuta), la distribuzione tra pedale (raramente etichettato Ped.) e manuale e tra le due mani, la separazione articolatoria dei motivi, la libertà del superlegato e la libertà di inserire ornamenti di vario tipo. La scelta delle registrazioni e dei cambi manuali è una questione di interpretazione. Se e in quale forma le parti organo pleno è appropriato. Le orecchie del pubblico non devono essere affaticate da strumenti dell'epoca del "movimento organistico", che spesso suonano in modo eccessivamente acuto e forte.

All'epoca di Buxtehude, dei suoi predecessori e successori, tali forme erano generalmente improvvisate nelle funzioni religiose e nella musica serale. Le composizioni scritte sono quindi solo dei modelli? L'aspetto più interessante del resoconto di Schneider è l'ampia gamma di libertà. Da ciò si evince che egli non solo è corretto nella sua presentazione musicologica, ma attinge anche alla sua esperienza di direttore di corsi.

Schneider presenta esempi di tre forme di ostinato e parti di ostinato di toccate per la discussione. Le opere corali ricevono un trattamento altrettanto libero. - Schneider descrive l'organo principale di Buxtehude nella chiesa di Santa Maria a Lubecca, costruito nel 1518 e naturalmente accordato su un tono medio, ampliato nel 1561 e nel 1598. Il famoso organaro Friederich Stellwagen lavorò indipendentemente a Lubecca dal 1634. La sua ricostruzione della chiesa di Santa Maria durò fino al 1641. Presumibilmente nel 1684, cioè durante il periodo di Buxtehude, l'organo fu dotato di un'accordatura di compromesso nello stile di Werckmeister III. In questo modo è stato possibile creare chiavi con molte accidentali. Questo aiuta a datare intere composizioni (ad esempio il Preludio in fa diesis minore BuxWV 146) o parti di esse (Preludio in do maggiore BuxWV 137 con triadi in si maggiore).

Per le diteggiature storiche è necessario tenere conto delle seguenti limitazioni: ae voci per mano, sezioni di scala ascendente e discendente, tasti con scarso utilizzo dei tasti superiori. Inoltre, non si applicano a più voci polifoniche per mano. Va inoltre ricordato che tutto l'insegnamento degli strumenti a tastiera avveniva sul clavicordo (ad eccezione dei clavecinisti francesi del XVIII secolo). Sul clavicordo sensibile, ogni dito deve premere sui tasti il più vicino possibile alla parte anteriore. Questo è anche lo scopo delle tastiere in cui i tasti inferiori si estendono solo da 2 a 2,5 cm oltre i tasti superiori, rispetto alle odierne tastiere per pianoforte con 4,5 cm. Infine, nella maggior parte dei Paesi le dita "buone" 1 e 3 sono relativamente enfatizzate, mentre le "cattive" 2 e 4 sono relativamente poco accentuate; in Francia questa situazione è invertita a causa del "jeu inégal".

L'autore gli dedica 49 pagine. Vale la pena di leggere la descrizione dettagliata di Schneider degli organi suonati da Bach durante la sua vita e le istruzioni di registrazione dell'epoca. Ad esempio, tratta l'indicazione "pro organo pleno" con attenzione e differenziazione: Non tutti i preludi e le fughe possono tollerare un suono forte. Schneider avrebbe potuto aggiungere condizioni acustiche fondamentalmente diverse e gli effetti dei climi marittimi e continentali: Mentre nella Germania settentrionale predominavano le grandi chiese gotiche in mattoni, con un riverbero lungo, le chiese della Turingia, paese natale di Bach, avevano molti infissi in legno, quindi un riverbero breve. Ciò consentiva a Bach di comporre rapidi cambiamenti armonici senza risultare incomprensibile per la congregazione. Il clima ebbe gravi conseguenze sulle disposizioni dell'organo: molte canne nella Germania settentrionale, solo poche nella Germania centrale e miscele di canne contenenti terze come sostituto. Il principio di base si applica ancora oggi: suonare lentamente con un lungo riverbero e utilizzare il minor numero possibile di stop e il più silenzioso.

Molti organi all'epoca di Bach non avevano una fila cromatica completa nell'ottava maggiore. Schneider parla della cosiddetta "ottava corta", dell'"ottava spezzata" e del do diesis quasi universalmente mancante in tutte le parti del suo libro. Solo la chiesa del castello di Weimar aveva il Do diesis nei due manuali e nel pedale (contrariamente alla descrizione imprecisa di Hermann J. Busch, corretta da Jean-Claude Zehnder). Bach soggiornò a Weimar per 6 mesi a partire dal gennaio 1703, impiegato a corte come "Laquey". Nel penultimo brano della serie di partite su Oh, cosa devo fare peccatore BWV 770 contiene l'infido Do diesis una volta nella mano sinistra. Ciò consente di datare l'opera a questo periodo. Schneider discute meritatamente in dettaglio quest'opera deliziosamente giovanile.

Molte opere organistiche di Bach sono state scritte durante il periodo di Weimar: la Libretto d'organoi 17 grandi arrangiamenti di corali (leggermente rivisti dopo il 1740 come Corali di Lipsia etichettati), più della metà dei suoi preludi e fughe e gli arrangiamenti di concerti dopo la L'estro armonico op. 3. Ogni genere è trattato in dettaglio con alcuni esempi. Mancano tre preludi: La maggiore BWV 536, Fa minore BWV 534 e Do minore BWV 546, le cui fughe sono state messe in dubbio da David Humphreys e Peter Williams. Tuttavia, sono riuscito a dimostrare che sono stati scritti molto tempo prima e che la fuga in la maggiore deve essere suonata manualmente, con il pedale aggiunto solo poco prima della fine (in: L'annuario dell'organo 2008).

Schneider ha certamente ragione quando scrive nelle 6 sonate da camera per trio BWV 525-530, composte per il figlio maggiore Wilhelm Friedemann, che è sufficiente una battuta per voce, che la mano sinistra può essere diteggiata un'ottava più bassa con quattro piedi per una più comoda suonabilità e, soprattutto, che un sedicesimo piede è superfluo per il pedale. Schneider avrebbe potuto citare le cantate con organo obbligato del ciclo del 1726/27, anch'esse scritte per Wilhelm Friedemann prima di lasciare Lipsia.

Cosa si dovrebbe aggiungere in una seconda edizione di questo manuale fondamentale: casi di temporalizzazione nella "proportio sesquialtera". Ecco solo due esempi impressionanti: Preludio e fuga in la minore BWV 543: le crome del misurato e stridente preludio, carico di molte dissonanze, occupano lo stesso tempo di tre crome della fuga in contralto. Il preludio e la fuga in sol maggiore BWV 541 si comportano al contrario: battute intere nello stesso periodo delle mezze battute della fuga. Questo è l'unico modo in cui il preludio con la marcatura Vivace può sviluppare la necessaria effervescenza senza un tempo esagerato nella fuga impegnativa.

Matthias Schneider: Handbuch Aufführungspraxis Orgel, Volume 1: Dal Medioevo a Bach. 267 p. copertina rigida € 49,95, Bärenreiter, Kassel 2019, ISBN 978-3-7618-2338-5

Louis Spohr (1784-1859) è stato il più famoso violinista, compositore, direttore d'orchestra e pedagogo tedesco del suo tempo. La sua scuola di violino (1832), la Metodo di violone del francese Baillot (insieme a Rode e Kreutzer, 1793) e quello del belga Bériot (1858) erano le opere pedagogiche più importanti dell'epoca. Poiché Spohr accompagnava sempre gli allievi con il suo violino durante l'insegnamento, tutti i brani di esercitazione della sua scuola sono concepiti come duetti - la prima parte per l'allievo, la seconda per l'insegnante - armonicamente molto stimolanti, poiché Spohr voleva anche trasmettere valori musicali.

Kolja Lessing ne ha ora ripubblicato una selezione in due volumi con Breitkopf und Härtel. Libro 1: i primi dodici duetti, prima a corde vuote, poi in prima posizione, sono tutti in do maggiore con note intere e mezze, spesso ancora legate; mi chiedo se questa tonalità difficile e i lunghi colpi d'arco siano adatti ai principianti. La seconda dozzina di selezioni di Lessing progredisce da altre quattro in do maggiore, ma con un maggiore movimento ritmico, a pezzi in varie tonalità maggiori e minori che sono davvero degni di nota. Il secondo libro è un fuoco d'artificio di dodici duetti che coprono molti aspetti tecnici e musicali: due pezzi in seconda posizione in do e la bemolle maggiore, uno in terza posizione in do diesis maggiore, uno zigzag veloce, una cantilena, tre pezzi in quattro parti per due, arpeggio, polacca con staccato volante e come bouquet finale un tema con undici variazioni, vicino a Paganini - certamente non solo prezioso per lo studio, ma anche per l'esecuzione.

I libretti sono organizzati in modo tale da non dover sfogliare le pagine dei duetti di tre pagine. Testi dettagliati di Spohr (autografi con trascrizioni), dell'editore Kolja Lessing e di Karl Traugott Goldbach, direttore del Museo Spohr di Kassel, forniscono informazioni interessanti.

I popolari duetti per principianti di Ignaz Pleyel sono stati pubblicati da Henle. Il libretto contiene la partitura dell'Urtext e due parti con archi e diteggiature. Molti sono superflui, ma sono utili alcuni suggerimenti per escursioni volontarie nella seconda e terza posizione. L'operoso e affermato compositore, editore e costruttore di pianoforti Pleyel fu costretto a pubblicare nel 1809 dei duetti facili in gradi di difficoltà crescente. Il primo duetto non è il più facile, proprio perché inizia con lunghe note sostenute ed è in do maggiore, che non è facile per i principianti del violino. Si tratta di sonate leggere in due o tre movimenti, che spesso cambiano nella parallela tonalità maggiore o minore. Sono adatte anche come esercizi di lettura a vista, per i quali è consigliabile suonare dalla partitura.

Louis Spohr: 36 duetti per 2 violini della scuola violinistica, a cura di Kolja Lessing; libretto 1, 24 duetti facili, EB 8976, € 21,90; libretto 2, 12 duetti virtuosi, EB 8977, € 24,90; Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Ignaz Pleyel: Sei piccoli duetti op. 8 per due violini, a cura di Norbert Gertsch, HN 1378, € 16,00, G. Henle, Monaco di Baviera

Non è insolito che una scuola di chitarra introduca prima le note con il tocco del pollice. Caratteristiche del lavoro didattico Suonare la chitarra - Giochi di chitarra è che il pollice è sempre posizionato sulla corda successiva quando si suona, cioè si suona apoyando. La scuola di Frank Hill, rivista e autopubblicata, è caratterizzata da una grande quantità di materiale basato su questa idea di base. Dopo molte melodie suonate sulle corde più basse, compaiono anche l'indice, il medio e l'anulare della mano destra, inizialmente solo in combinazione con il pollice. Rimane stranamente poco chiaro dove inizi la pennata alternata tra indice e medio. Il fatto che non ci siano praticamente diteggiature contribuisce a una partitura dignitosa. Numerosi brani con accompagnamento scritto possono essere eseguiti anche come musica da camera e completano il primo volume.

Il volume II, pubblicato nello stesso periodo, offre un'ulteriore ricca selezione di brani attraenti con oltre 200 numeri ed è ideale anche per l'insegnamento da parte di insegnanti che non condividono la concezione tecnica dell'autore. L'ambizioso libro di testo in sette volumi si compone ora di una terza parte. Il sottotitolo è "Musica per ogni occasione - Solo".

Il corso è molto più commerciabile Oggi abbiamo toccato le corde! per bambini dai 6 anni in su di Norbert Roschauer. Chiunque apra il nuovo libro di giochi supplementare e dia un'occhiata più da vicino alle canzoni e ai pezzi rimarrà piacevolmente sorpreso. Apoyando o no? - Non è il caso di affrontare questo argomento in questa sede. Tuttavia, i brani sono chiaramente impostati, con chiare indicazioni del ritmo di accompagnamento e degli schemi di pizzicamento. Si va dalle melodie popolari tradizionali tedesche e dai canti natalizi alle canzoni folk, gospel e rock. Tuttavia, chi è alla ricerca di letteratura per chitarra classica troverà di meglio in altri libretti.

Frank Hill: Gitarrespielen - Gitarrenspiele, nuova versione con disegni di David Marian, 2 volumi, € 24,80 ciascuno, Musica Longa, Berlino

Norbert Roschauer: Oggi si suona con le corde! Playbook per il metodo bestseller, libro, CD e file online, n. art. 20278G, € 19,95, Alfred Music, Colonia

Quando improvvisazione e composizione, mescolate a curiosità e ispirazione, lavorano insieme durante le lezioni, può nascere un dialogo fruttuoso. - Timon Altwegg è concertista e insegnante di pianoforte. Vive e lavora nel Canton Turgovia. Nella sua raccolta di brani è riuscito a emozioni 14 accattivanti brani per pianoforte per il livello elementare superiore. La prefazione rivela che alcuni brani sono stati scritti direttamente durante le lezioni. Il punto di partenza era spesso costituito da semplici improvvisazioni armoniche o melodiche, che Timon Altwegg ha poi aggiunto per formare pezzi ben strutturati. I semplici elementi ritmici e armonici invitano l'ascoltatore a improvvisare con loro.

Mi piace il fatto che le esigenze musicali e tecniche vadano di pari passo e che presto i musicisti possano vivere un'esperienza musicale. In ogni brano viene ripreso un nucleo tecnico e/o musicale, in modo che i pezzi abbiano il carattere di piccoli studi. Il fatto che l'autore, scrivendo, rinunci deliberatamente alle diteggiature e ai segni di pedale apre un'ulteriore area di lavoro nelle lezioni.

Timon Altwegg: emozioni, 14 pezzi vivaci per pianoforte, N 2769, € 11,90, Heinrichshofen e Noetzel, Wilhelmshaven

Il bando di gara è il seguente:

"La Fondazione Nico Kaufmann assegna ogni anno una borsa di studio a favore di personalità del mondo della musica che non abbiano ancora compiuto 35 anni nell'anno del bando e che siano residenti in Svizzera". È richiesto un alto livello musicale che soddisfi gli standard internazionali. La borsa di studio 2021, del valore di 20.000 franchi svizzeri, sarà assegnata a una donna o a un progetto che sostiene la promozione delle donne nella scena musicale svizzera. Possono presentare domanda solo le persone fisiche.

Le candidature saranno esaminate da una giuria composta da Ruth Bieri, Michael Eidenbenz e Nicole Johänntgen per il 2021. Le candidature devono essere inviate entro il 31 marzo 2021, preferibilmente via e-mail a
Fondazione Nico Kaufmann, Azurstrasse 2, 8050 Zurigo
office@stiftungnicokaufmann.net

Sono attesi i seguenti documenti:
- Documentazione di un progetto pianificato da finanziare con 20.000 franchi svizzeri o documentazione di attività precedenti
- Curriculum vitae del candidato
- Documentazione della precedente esperienza professionale
- Certificati e referenze

La giuria selezionerà il vincitore sulla base dei documenti presentati. Il premio sarà consegnato dal sindaco di Zurigo nel corso di un evento organizzato dal vincitore".
 

Nel novembre 2020, il Cantone ha esteso il suo sostegno al settore culturale firmando un accordo di prestazione con la Confederazione per 10,4 milioni di franchi (50% federale, 50% cantonale). Come misura sussidiaria, il Consiglio di Stato ha inoltre deciso di indennizzare tutte le associazioni canore e musicali che ne facciano richiesta; l'indennizzo corrisponde all'80% degli stipendi (esclusi gli oneri sociali) per la perdita di ore di lavoro del loro direttore o organista per il periodo dal 26 settembre al 31 dicembre 2020, a condizione che la retribuzione sia normalmente pagata dall'associazione e non dal Comune, dalla parrocchia o da terzi.

Entro la fine del 2020, il Cantone del Vallese e il governo federale avranno stanziato circa 11,5 milioni di franchi a sostegno delle imprese culturali, degli artisti creativi e dei leader della società musicale. Il progetto cantonale "Sovvenzioni per la ricerca e lo sviluppo" ha permesso di sostenere 70 progetti con l'obiettivo di incoraggiare i professionisti della cultura a continuare la loro ricerca personale nonostante la chiusura delle istituzioni culturali.

Per saperne di più: https://www.vs.ch/web/culture/coronavirus-culture

Quando sono stata assunta alla Scuola di Musica di Basilea nel 2016, volevo che i miei studenti di pianoforte avessero un inizio il più possibile agevole nell'affascinante mondo della letteratura pianistica. L'obiettivo era quello di mantenere i principianti motivati e, cosa ancora più importante, di accendere le passioni. Ma come affrontare il compito, spesso noioso ma importante, di leggere la musica? Ho inventato un gioco.

In primo luogo, ho disegnato su carta un paesaggio montano, con un ampio fiume in primo piano, contenente pentagrammi e chiavi di basso e di violino. Poi vi ho disegnato delle note. Adagiate nell'"acqua", sembravano pietre rotonde in un ruscello di montagna. Nel complesso, l'immagine corrispondeva sia al sistema di notazione sia a un paesaggio fantastico. Non tardò ad arrivare un personaggio simpatico: Tuny. Ritagliai immediatamente l'omino finemente vestito e lo attaccai a un sottile bastoncino per farlo muovere lungo il fiume. Il primo prototipo analogico era pronto e il gioco poteva iniziare: Il principiante di sei anni suona le note sul pianoforte e Tuny, guidato dalla mano dell'insegnante di pianoforte, salta di conseguenza da una pietra all'altra. Come tutti sappiamo, trovare le note non è sempre facile, quindi Tuny e il suo bel vestito da concerto a volte finiscono in acqua invece che su una pietra. L'allievo ride a questa vista e il gioco continua: il fiume lava di nuovo il ragazzo bagnato fradicio e il salto deve essere tentato ancora una volta. Nella loro ansia di giocare, i bambini quasi non si rendono conto che non stanno facendo altro che leggere musica. Proseguono allegramente il compito, che non di rado scatena il loro disappunto alla vista di note "normali".

Gli effetti positivi dello strumento sull'apprendimento sono diventati presto evidenti e il prototipo analogico è stato sviluppato nell'app come parte di un progetto di ricerca presso la Scuola di Musica della FHNW tra il 2018 e il 2020. TunyStones - Pianoforte sviluppato. Oggi, l'applicazione è un insieme sofisticato di metodi che utilizza compiti di improvvisazione e composizione per fornire ulteriore motivazione, educazione e stimolare la creatività. Il suo scopo è quello di promuovere e mantenere la motivazione degli alunni da un lato e di supportare gli insegnanti dall'altro. Gli studenti possono utilizzarla per esplorare e imparare a comprendere il sistema di notazione in modo ampiamente indipendente, poiché l'applicazione riconosce i suoni acustici reali di un pianoforte e sposta automaticamente la figura esecutiva in base alle note suonate. La tavoletta sta sul leggio come un foglio di musica. Il pianoforte diventa una sorta di "controller di gioco" e rimane allo stesso tempo uno strumento musicale.

Per utilizzare l'applicazione non è necessaria alcuna conoscenza preliminare, poiché il gioco non è verbale e si spiega da sé. Un orientamento approssimativo nel sistema di notazione viene introdotto prima con l'improvvisazione, poi gli intervalli musicali appaiono gradualmente in melodie familiari e nella lettura di esercizi composti appositamente per il gioco. L'applicazione è anche un libro di musica interattivo senza precedenti. Durante le lezioni, consiglio di utilizzare l'app "come dessert", cioè verso la fine della lezione. La lettura degli spartiti in questo modo è molto apprezzata dai bambini dai cinque ai dodici anni e può rinfrescare anche le menti più stanche, in modo che possano superare gli ostacoli cognitivi. È un arricchimento particolarmente gradito per la pratica quotidiana e indipendente a casa.

Il paesaggio di gioco, un mondo fantastico simile alle Alpi, è stato progettato da Adorabelle Tan e Cindy Chuang. Tre mappe forniscono una panoramica dei progressi compiuti. Nelle prime due, le melodie sono disposte in base al loro contenuto didattico e al livello di difficoltà. Più ci si avvicina alle vette, più i compiti diventano impegnativi. Una volta conquistata la prima montagna, si può scalare la seconda con le sue caratteristiche due cime.

Il fiore all'occhiello del gioco è il terzo - la montagna della composizione: qui, ognuno diventa un compositore e può creare le proprie melodie e i propri livelli. Ma attenzione: Tuny sta per apparire e deve padroneggiare ciò che avete composto, compresi tutti i salti! Si verifica un processo di apprendimento che va oltre la semplice lettura della musica e ha molto a che fare con la creatività, ma anche con l'autovalutazione. Gli insegnanti possono anche utilizzare il richiestissimo monte di composizione con miniature personalizzate per gli alunni. Queste possono essere suonate direttamente in classe o utilizzate come compiti a casa.

Lo sviluppo dell'applicazione è stato sostenuto in modo decisivo dal Fondo Nazionale Svizzero per la Ricerca Scientifica e da Innosuisse. Il campus della Musik Akademie Basel è stato il luogo ideale per la ricerca e lo sviluppo, in quanto ha fornito un ambiente stimolante per l'interazione sinergica tra il lavoro pratico della scuola di musica e la ricerca della FHNW School of Music.

Molti genitori, alunni e, soprattutto, insegnanti hanno svolto un ruolo decisivo come cavie. Le loro idee hanno influenzato direttamente lo sviluppo del metodo. Il feedback degli utenti è ben accetto anche dopo il lancio. Per il momento TunyStones è disponibile per i tablet iOS (iPad) nell'App Store - gratuitamente per gli insegnanti in Svizzera (creare un account nell'app, l'autorizzazione all'accesso viene concessa entro pochi giorni) e in abbonamento per gli alunni. È previsto un ulteriore sviluppo per altri strumenti e per Android.

Da questi 3.840 franchi vengono detratti tutti i pagamenti che i professionisti della cultura ricevono da altre fonti, ad esempio dalla compensazione del reddito. I professionisti della cultura dichiarano essi stessi queste cifre. Tuttavia, il Centro specializzato per la cultura effettuerà controlli a campione. Le false dichiarazioni hanno conseguenze penali.

Il modello è efficiente, scrive il Cantone, perché mantiene basso l'impegno amministrativo e i costi di valutazione delle domande. I controlli casuali e la minaccia di sanzioni sono strumenti efficaci per prevenire eventuali abusi.

Il modello crea anche giustizia: assicura che chi guadagna poco nel settore culturale possa sopravvivere. I pochi professionisti della cultura che guadagnano molto se ne vanno a mani vuote, a meno che non abbiano cancellato degli eventi. Questi continueranno a essere compensati. Per inciso, le prestazioni sostitutive del reddito in questo gruppo sono superiori a 4800 franchi.

In risposta all'invito a presentare proposte sono pervenute 29 domande. Una giuria ha assegnato sovvenzioni d'impulso a undici progetti in base al potenziale di sviluppo del progetto e alla sua sostenibilità. I progetti selezionati rappresentano l'intero spettro della musica corale, dai grandi cori orientati alla comunità alle formazioni alternative più piccole e ai cori professionali di alto livello. Le misure previste comprendono il lavoro sul programma, la formazione vocale, i cambiamenti strutturali e le collaborazioni.

Sono sostenuti Association Chœur à Cœur, Bévilard (CHF 15.000), Bern Minster Children's and Youth Choir (CHF 25.000), Chœur de Biu, Biel (CHF 25.000), DERmännerchor, Bern (CHF 15.000), Ensemble vocal d'Erguël, St-Imier (CHF 24.000), Frauenchor Reitschule Bern (CHF 25.000), JazzChorBern (CHF 25.000), Konzertchor Oberaargau (CHF 20.000), Konzertchor Rapperswil (CHF 25.000), Verein ensemble ardent (CHF 25.000) e Vokalensemble Novantiqua (CHF 24.000).
 

Laura Müller, nata a Zugo, ha scoperto il clarinetto all'età di cinque anni e da allora lo suona, secondo un comunicato della HKB. Dopo aver conseguito il Bachelor in clarinetto classico con Fabio di Càsola (clarinetto in mi bemolle con Heinrich Mätzener) presso l'Università delle Arti di Zurigo, ha conseguito un Master in Music Performance con Ernesto Molinari (clarinetto basso con Bernhard Röthlisberger) e un Master in Specialised Performance con specializzazione in Music in Context con Barbara Balba Weber presso la HKB con lode.

Nei suoi progetti, Laura Müller cerca nuovi formati di concerto per il pubblico del XXI secolo. Oltre all'attività musicale, studia linguistica e letteratura tedesca, storia dell'arte e psicologia all'Università di Berna e danza classica da oltre 20 anni. I suoi sforzi per unire diverse discipline in un insieme più ampio sono radicati in questi interessi diversi.

Le strutture culturali, sportive e ricreative restano chiuse. Negozi e mercati saranno chiusi. Sono esclusi i negozi e i mercati che vendono beni di uso quotidiano. È ancora possibile ritirare la merce ordinata in loco. Tuttavia, la norma secondo cui i negozi, i distributori di benzina e i chioschi devono rimanere chiusi dopo le 19.00 e la domenica può essere nuovamente revocata.

I datori di lavoro sono tenuti a organizzare il lavoro a domicilio ogniqualvolta ciò sia possibile per la natura dell'attività e possa essere realizzato con uno sforzo ragionevole. Il datore di lavoro non deve al dipendente alcun compenso per spese come quelle per l'elettricità o per l'affitto, in quanto l'accordo è solo temporaneo.

Tutte le misure nel comunicato stampa del Consiglio federale:
https://www.admin.ch/gov/de/start/dokumentation/medienmitteilungen/rss-feeds/nach-dienststellen/medienmitteilungen-und-reden.msg-id-81967.html