Fare musica è appagante, ma non necessariamente redditizio. Quest’ultimo dato emerge dalle cifre pubblicate a fine agosto dall’Ufficio federale di statistica (BfS). L’indagine dell’UST illustra la situazione professionale dei laureati della classe del 2024 a un anno dal termine degli studi. Tra tutte le discipline, il settore «Musica, teatro e altre arti» registra il tasso di disoccupazione più elevato, pari al 10,8 per cento, almeno a livello di laurea triennale (FH). A livello di master delle scuole universitarie professionali la situazione non è molto migliore, anche se in questo caso si registra «solo» il secondo valore più alto, pari all’8,2 per cento (dietro al settore del design).

Il quadro cambia se si considerano solo le professioni musicali, cioè a prescindere dal settore del teatro e dalle altre arti? La pubblicazione del BfS non contiene dati specifici al riguardo; tuttavia, l’Ufficio li ha forniti su richiesta del Giornale musicale svizzero calcolato. Secondo tali dati, il tasso di disoccupazione nelle professioni musicali è pari al 5,4% per i laureati triennali e al 9,0% per i laureati magistrali. L’Ufficio federale di statistica (BfS) fa notare che tali cifre vanno interpretate con cautela a causa degli ampi intervalli di confidenza.

Nel complesso, comunque, la situazione sembra essere più difficile per i musicisti rispetto alla media di tutti i laureati delle scuole superiori specializzate. In questo caso, le percentuali si attestano rispettivamente al 4,9% (laurea triennale) e al 6,2% (laurea magistrale).

Ricerche frequenti: insegnanti di pianoforte in campagna

I risultati della BfS richiedono una spiegazione, in quanto in realtà non mancano posti vacanti per insegnanti di musica. Negli articoli dei media degli ultimi anni si è parlato addirittura di liste d’attesa per i bambini appassionati di musica, poiché in alcune località mancavano gli insegnanti. «È difficile soprattutto per le scuole di musica rurali, in particolare per materie molto richieste come il pianoforte e la chitarra», afferma Philippe Krüttli, presidente dell’Associazione delle scuole di musica svizzere (VMS).

Le ragioni sono complesse. Spesso non mancano le candidature, ma le qualifiche necessarie: «Molti candidati provengono originariamente dall’estero e non padroneggiano a sufficienza le lingue nazionali», afferma Krüttli. A ciò si aggiunge il fatto che i giovani musicisti tendono inizialmente a puntare alla difficile carriera concertistica e scelgono i relativi percorsi formativi presso le università. Krüttli ritiene tuttavia che anche il settore stesso abbia delle responsabilità: l’insegnamento della musica deve diventare nel complesso una professione più attraente, sia in termini di orario, sia di sicurezza del posto di lavoro, sia di carico di lavoro.

In effetti, alcune scuole di musica hanno già preso l’iniziativa di propria iniziativa. «Nei Grigioni collaboriamo bene tra le scuole di musica», afferma Urban Derungs, direttore della scuola di musica di Coira. In questo modo ci si è coordinati con successo per poter offrire ai docenti di strumenti poco richiesti un carico di lavoro complessivamente interessante.

«L»«apprendimento permanente» dovrebbe diventare più accessibile

Valentin Gloor, presidente della Conferenza delle scuole superiori di musica svizzere (KMHS), vede in un progetto comune in corso tra VMS e KMHS «approcci operativi mirati». L«»apprendimento permanente«, afferma Gloor, deve essere »semplificato per consentire il conseguimento di qualifiche aggiuntive in un secondo momento«. Ma anche i musicisti qualificati che decidono di intraprendere la carriera pedagogica solo in una fase successiva »hanno bisogno di opportunità attraverso percorsi di qualificazione complementari». Entrambi questi temi, così come il miglioramento delle condizioni dei tirocini, sono attualmente oggetto di lavoro nell’ambito di una collaborazione tra le due associazioni. Per quanto riguarda le competenze linguistiche degli studenti stranieri, Gloor sottolinea che recentemente, insieme alla VMS, sono stati definiti standard minimi per la conoscenza delle lingue nazionali.

È certo che le imminenti ondate di pensionamenti rischiano piuttosto di aggravare il problema della carenza di personale qualificato nei prossimi anni. Oppure, per dirla in termini positivi: per i musicisti in cerca di lavoro, il mercato del lavoro tenderà a diventare più attraente.

Radio Swiss Pop, Radio Swiss Classic e Radio Swiss Jazz cambiano proprietario: la prima passa a CH Media, le altre due a Digris, come ha reso noto questa settimana la SRG. I nuovi proprietari si impegnano a mantenere l'attuale orientamento musicale e contenutistico delle emittenti, ma solo per due anni.

Per Sonart, l’associazione dei musicisti svizzeri, si tratta di una cocente delusione. «A pochi mesi di distanza dall’impegno profuso dagli operatori musicali contro l’iniziativa per il dimezzamento dei contributi e a favore di una SSR forte, essi devono nuovamente subire un taglio proprio nel settore della musica svizzera», scrive Sonart in un comunicato stampa. Due anni non costituiscono una garanzia duratura, ma si limitano a rinviare l’incertezza. «Radio Swiss Pop, Radio Swiss Classic e Radio Swiss Jazz sono piattaforme importanti per la visibilità della musica svizzera», sottolinea Sonart. Queste emittenti genererebbero anche entrate dirette per i musicisti tramite Suisa e Swissperform.

Sonart chiede a CH Media e Digris di mantenere la quota finora in vigore di almeno il 50 per cento di musica svizzera anche oltre il periodo di garanzia di due anni. Dalla SRG, dal canto suo, ci si aspetta che «compensi concretamente la perdita di queste importanti piattaforme nelle sue restanti offerte radiofoniche, televisive e digitali e che garantisca una visibilità aggiuntiva e duratura alla musica svizzera».

Si comincia prima ancora che inizi. Un’immagine alterata Dies Irae E un’installazione che riprende motivi legati al tema dei ragni accoglie i visitatori davanti al teatro. Seguono, sempre sulla terrazza davanti all’ingresso, piccoli intermezzi e performance dall’aspetto frammentario, presentati da un gruppo di bambini, un duo di musica popolare, attori in costumi da brivido, un giovane con disabilità – il tutto con e senza musica, dal vivo e dagli altoparlanti. Il suono di Parola in codice: Spider è così letteralmente stabilito.

«Community Opera» è il titolo dello spettacolo che ha debuttato mercoledì alla «Manufacture: TOBS!» di Bienne. È il risultato di una collaborazione tra il Junges Theater Biel e l’Università delle Arti di Berna, con Isabelle Freymond alla regia, Pascal Viglino come direttore musicale e Leo Dick come direttore generale e compositore. Con il termine «Community Opera» si intende solitamente un’opera rappresentata congiuntamente da dilettanti e professionisti; il team di Parola in codice: Spider va ben oltre. Come giustamente sottolineato nel comunicato stampa, «riunisce persone che nella vita quotidiana spesso non si incontrerebbero»: persone con e senza disabilità, un’orchestra amatoriale composta da anziani, attori dilettanti di tutte le età, tra cui diversi bambini, alcuni artisti di teatro professionisti e solisti strumentali.

Musica folk, contemporanea, medievale e da film

La massima eterogeneità possibile, quindi – di cui la musica di Leo Dick tiene pienamente conto. Essa combina elementi folcloristici di diversa provenienza con echi della modernità, del Medioevo e delle colonne sonore. L’elemento unificante è rappresentata dalla festa di paese di Il ragno nero di Jeremias Gotthelf. Nel romanzo breve, la festa funge semplicemente da cornice narrativa per la trama interna, che costituisce la parte principale del libro. In Parola d'ordine: Spider L’ambientazione, invece, fa da cornice a una lunga serie di spettacoli che uniscono teatro, opera e danza. Il sesto atto funge da culmine di tutto ciò Presentazione del teatro del paese, in cui – per così dire come “teatro nel teatro” – viene riproposta gran parte della trama del racconto di Gotthelf.

Parola in codice: Spider è composto da un totale di otto atti, che il pubblico può vedere sul palco in forma elencata per tutta la durata dello spettacolo: un’idea registica ben riuscita, che facilita notevolmente l’orientamento in quest’opera dalla struttura decisamente collage. A garantire l’uniformità, però, nonostante o proprio grazie alla sua eterogeneità, è l’eccezionale cast. Meritano una menzione speciale i bambini coinvolti, che non solo brillano dal punto di vista recitativo, ma passano anche con disinvoltura dal francese al tedesco e viceversa. L’entusiastico applauso del pubblico della prima è stato probabilmente rivolto, più che alle prestazioni individuali, al virtuosismo con cui qui sono stati superati i confini di età, formazione e altro ancora.

Altre rappresentazioni il 18, 19 e 20 settembre.

La seconda edizione di Between Mountains si è svolta nell’arco di tre giorni, dal 4 al 6 settembre. Circa 800 persone hanno visitato l’area di Holdenweid presso Hölstein (BL); secondo gli organizzatori, rispetto alla prima edizione sono stati venduti il doppio dei biglietti. Soliste e ensemble di musica classica si sono esibiti insieme a live act elettronici e DJ; il programma prevedeva sia concerti in sale che esibizioni all’aperto e negli spazi di un ex sanatorio. I diversi format si susseguivano spesso a ritmo serrato: prima un recital pianistico, subito dopo una pista da ballo nell’area dei garage.

Between Mountains si propone come variante svizzera del Detect Classic Festival di Berlino, che si tiene dal 2019 e che cerca di creare legami tra musica classica, musica elettronica e altre scene musicali. All’Holdenweid, tra un concerto e l’altro, si mangia, si discute e si balla; i concerti e la vita del festival non sono volutamente separati in modo netto.

Altri approcci alla musica

Baldur Brönnimann, che è corresponsabile delle sezioni del programma dedicate alla musica classica, descrive l’idea alla base di questa scelta come una ricerca di approcci alternativi alla musica. L’interesse per la musica classica non è affatto scarso. Molte persone oggi la ascoltano tramite servizi di streaming e playlist personalizzate, ma nonostante ciò non vanno ai concerti.

È proprio in questo che Brönnimann vede un’interessante intersezione: persone che potrebbero sicuramente interessarsi a questa musica, ma per le quali il contesto tradizionale dei concerti rappresenta una barriera. «In fondo è proprio questa l’idea di base: che ci sia una porta», afferma. All’Holdenweid questa porta dovrà essere spalancata il più possibile.

Il pubblico si sposta tra le diverse sale e si imbatte così in musica che forse non avrebbe mai cercato di propria iniziativa. Per Brönnimann non si tratta semplicemente di unire musica elettronica e classica. Ciò che conta, piuttosto, è rendere le categorie stesse meno importanti. Idealmente, non si dovrebbe nemmeno pensare se ciò che si sta ascoltando sia nuovo o vecchio, classico o elettronico. Nel migliore dei casi, è semplicemente musica.

Franz Liszt con i campanacci

Il programma ha dimostrato più volte quanto questo concetto possa tradursi in realtà in modi diversi. La pianista e compositrice vallesana Beatrice Berrut si è esibita ben due volte, prima all’aperto alla luce del giorno, poi in uno degli spazi interni. Le sue due esibizioni si sono quindi svolte in condizioni diverse e hanno messo in evidenza quanto la percezione di un concerto sia influenzata anche dallo spazio in cui si svolge. Un’opera di Franz Liszt, eseguita in modo impeccabile, su un piccolo palco del festival con i campanacci delle mucche in sottofondo diventa improvvisamente un’esperienza uditiva davvero speciale. Nel suo programma variegato, Berrut ha saputo fondere in modo sorprendente arrangiamenti di Mahler, classici del pop e originali composizioni proprie.

Anche la Junge Kammerorchester Baselland ha lasciato il segno. Questi giovanissimi musicisti si sono esibiti più volte, talvolta anche insieme a un protagonista del calibro del trombettista Simon Höfele, dimostrando una sicurezza di sé davvero notevole. Anche altri interventi sembravano inserirsi perfettamente nell’apertura di questo formato. L’esibizione dei Los Sara Fontan è stata uno dei momenti più riusciti del festival, così come quella di AFAR & Kai Schumacher. È qui che è emersa quella naturalezza che il festival cerca: la musica non doveva essere definita in base alla propria appartenenza stilistica, ma poteva affermarsi nel momento e nello spazio specifici.

L’esibizione congiunta di Acid Pauli e del Detect Ensemble ha messo in luce in modo particolarmente evidente quanto possano essere diverse le aspettative nei confronti di un incontro di questo tipo. L’unione tra un artista elettronico e un ensemble di formazione classica lasciava inizialmente supporre una forte interazione musicale. Il concerto si è poi sviluppato soprattutto come un’improvvisazione aperta, in cui Acid Pauli ha lasciato ampio spazio all’ensemble, mantenendosi piuttosto in secondo piano.

Ne vogliamo ancora!

Per Brönnimann, questa sperimentazione va comunque ben oltre il semplice risultato di alcuni concerti più o meno riusciti. L’apertura verso nuove idee caratterizza anche il suo lavoro con giovani direttrici e direttori d’orchestra nel programma di direzione contemporanea della Lucerne Festival Academy. Il mondo della formazione classica è ancora fortemente influenzato dalle tradizioni, afferma. Per questo sono tanto più importanti i luoghi in cui non tutto è ancora prestabilito e dove si possano sperimentare nuove idee. La musica classica lo ha sempre affascinato, aggiunge Brönnimann. Allo stesso tempo, però, a volte gli è sembrata una sorta di «società chiusa». Oggi cerca quindi di creare spazi per esperienze diverse: «Il nostro obiettivo principale è, in realtà, che tu non ti accorga nemmeno di ciò che stai ascoltando.»

Between Mountains persegue con coerenza questo obiettivo, anche se i diversi universi musicali non sempre si intrecciano in modo naturale. All’Holdenweid si incontrano pubblici e abitudini di ascolto diversi: ciò che ne risulterà è ancora da vedere. E se, alla chiusura del festival, anche il violoncello di Dobrawa Czocher riecheggia nei boschi circostanti della regione di Basilea, viene spontaneo dire: ne vorremmo ancora.

Oltre alla Chesa Planta nel centro del paese, a Zuoz colpisce soprattutto la Chesa Poult, con il corpo centrale a forma di torre e le due ali laterali. La casa-torre passò nel XVIII secolo nelle mani del generale Gian Battista Planta, per poi passare, intorno al 1762, a Jachem Pult, il cui padre Cla era sposato con la sorella del generale. Sia Gian Battista Planta che Cla e Jachem Pult prestarono servizio militare nei Paesi Bassi, ricoprendovi cariche di alto livello. Diversi furono i motivi che li spinsero a partecipare alle Compagnie grigionesi dei Paesi Bassi, fondate nel 1693. Oltre alle affinità confessionali e politiche con le Tre Leghe, erano soprattutto le opportunità commerciali coloniali offerte dalla potenza marittima, con base in città portuali come Amsterdam, a promettere l’accumulo di un patrimonio considerevole.

A seguito della vendita e della ristrutturazione della Chesa Poult, nell’autunno del 2023 Mathias Gredig e Kurt Gritsch ricevettero l’incarico di trasferire i documenti scritti storici nell’Archivio Culturale dell’Alta Engadina (KAOE). Contrariamente alle aspettative, nell’edificio sono state rinvenute solo poche tracce documentarie relative al mondo dei mercenari. Della famiglia di militari Pult provenivano invece numerose partiture, sparse in diverse stanze e scatole, che insieme costituivano una notevole biblioteca musicale. Inoltre, nella stalla, nascosta tra pezzi di legno e cappelli, è stata rinvenuta anche un’antica flauto traverso.

La biblioteca musicale è stata quest'anno ordinata e catalogata da Claudio Bacciagaluppi ed è ora interamente consultabile sui sistemi di catalogazione del RISM e del KAOE. Con 281 unità bibliografiche – dove ogni unità comprende di norma una raccolta di brani musicali – essa si annovera, insieme a quella di Lukas Sarasin presso la Biblioteca universitaria di Basilea e a quella della regina Hortense de Beauharnais nel Museo napoleonico di Arenenberg, tra le più grandi biblioteche musicali private svizzere del XVIII e dell’inizio del XIX secolo. Per il suo repertorio, la selezione dei generi e delle formazioni strumentali, la provenienza e l’elevato numero di stampe (66 unità), nonché per la presenza di brani musicali sconosciuti, la Biblioteca di spartiti musicali di Zuoz costituisce tuttavia un caso a sé stante nel panorama musicale svizzero.

Musica del reggimento grigionese a Maastricht

A parte alcune collezioni del XIX secolo e del periodo barocco, oltre a due libri di canti salmodici retoromanci e un frammento del Breve introduzione alla musica (1554) di Johannes Frisius, la biblioteca musicale di Pultsche comprende prevalentemente opere profane della seconda metà del XVIII secolo: brani di musica da camera, danze, sinfonie e concerti, nonché arie d’opera per soprano e orchestra.

Le arie, ad esempio di Pasquale Anfossi o Giuseppe Gazzaniga, sono state copiate, probabilmente in Svizzera o nella Germania meridionale, su carta prodotta a Basilea e rimandano soprattutto alla musica dell’opera veneziana. Il maggiore Jachem Pult le aveva acquistate, così come numerosi duetti per due flauti e due violini o per formazioni insolite quali due fagotti, due clarinetti o violoncello e contrabbasso. Inoltre, Jachem Pult acquistò diversi brani musicali a stampa, probabilmente spesso anche nei Paesi Bassi stessi. Lo dimostrano opere di compositori come Friedrich Schwindl, alcune sedi editoriali o il timbro di un negozio di articoli musicali dell’Aia. Inoltre, il maggiore compare in un elenco di sottoscrittori che un organista della Basilica di San Servasio di Maastricht fece redigere per l’edizione di una raccolta di trii di Luigi Boccherini. Per i membri del corpo di comando delle compagnie grigionesi, di stanza a Maastricht, era vantaggioso esercitarsi con il violino o il flauto durante la pausa invernale, per ottenere più facilmente, grazie alla pratica musicale, l’accesso all’élite aristocratica.

La musica dei pietisti di Herrnhut a Neuwied

Nicolo Pult acquistò un numero di opere musicali ancora maggiore rispetto a suo padre Jachem. A Neuwied, vicino a Coblenza, ad esempio, sembra che abbia acquistato in un colpo solo una raccolta di musica da camera, sia a stampa che manoscritta, della scuola di Mannheim, proveniente dalla Germania e dalla Boemia. Secondo una nota riportata sul frontespizio delle sonate per clavicembalo a stampa di Johann Christian Bach, già nel 1773, all’età di undici anni, Nicolo si procurò degli spartiti dalla Comunità dei Fratelli di Herrnhut.

Come altri bambini dell’Engadina nella seconda metà del XVIII secolo, tra cui non di rado quelli della cosiddetta nobiltà (Albertini, Frizzoni, Perini, Planta), probabilmente anche Nicolo fu mandato a Neuwied per imparare lì il tedesco e la musica. I pietisti di Herrnhut coltivavano con grande dedizione la musica da camera e quella orchestrale, e ciò era forse anche legato alla diaspora boemo-morava, particolarmente affine alla musica. Un’altra parte della biblioteca di spartiti, per lo più per strumenti a tastiera e in parte anche per arpa, proveniva dal patrimonio di Uorschla Perini di S-chanf, terza moglie di Nicolo.

La biblioteca musicale della Chesa Poult contiene un numero sorprendente di brani sconosciuti, composti da autori famosi e, in parte, meno noti. Questi brani verranno eseguiti per la prima volta nell’estate del 2028 a Zuoz, nell’ambito dell’Engadin Festival.

Mathias Gredig svolge attività di ricerca presso l’Università di Basilea e lavora per l’Archivio culturale dell’Alta Engadina a Zuoz. Claudio Bacciagaluppi è collaboratore del RISM Digital Centre di Berna.

 

Bibliografia:

Bundi, Martin, I servizi militari dei Grigioni in Olanda intorno al 1700. Uno studio sui rapporti tra l’Olanda e i Grigioni dal 1693 al 1739, (= collana Historia retica, vol. 3), Coira: Calven Verlag 1972.

Finze-Michaelsen, Holger (a cura di), Gian Battista Frizzoni (1727–1800). Un parroco e autore di inni dell’Engadina nell’epoca del pietismo. In collaborazione con Gion Gaudenz-Ganzoni e Hans-Peter Schreich, Coira: Casa editrice Bündner Monatsblatt 1999.

Kaiser, Dolf, Compatrioti in terre straniere. Esempio di documentazione sull’emigrazione grigionese – con particolare riferimento all’Engiadina e alle zone limitrofe, Samedan: Stampara engiadinias S. A., 1968.

Kaiser, Dolf, «Genealogia Pult/Poult. Famiglia da Sent, ramo di Zuoz», in: Archivio culturale dell’Alta Engadina, sig. 29.9.2017, scatola 18.

Servizio cantonale per la tutela dei monumenti dei Grigioni (a cura di), Zuoz. Inventario degli edifici storici nel centro di Zuoz: dagli albori fino al 1920 circa, Coira: Ufficio cantonale per la tutela dei monumenti dei Grigioni 1993.

Kopp, Peter, «La Comunità dei Fratelli e la sua musica: da Herrnhut al mondo – e ritorno», in: herrnhuter. Rivista della Comunità dei Fratelli di Herrnhut in Svizzera 23 (2022), pp. 2–4.

Elenco dei nomi degli ufficiali dell'esercito, del Capitano Generale e del Feldmaresciallo. Generali, tenenti generali, generali di divisione, colonnelli, tenenti colonnelli, maggiori, capitani, tenenti e soldati semplici della cavalleria, dragoni, fanteria, artiglieria, genieri, minatori, ecc. sulle truppe delle Province Unite […] al servizio di Sua Altezza. Modificato e migliorato per l’anno 1779, Leida: Hendrik van der Deyster 1779 [Esemplare conservato presso: Archivio culturale dell’Alta Engadina, sig. 30.10.2023].

Planta, Peter Conradin von, Cronaca della famiglia von Planta. Insieme a varie notizie sul passato della Regio Rhaetia, Zurigo: Orell Füssli 1892.

Schmidt, Töna, Le vecchie donne di Sent, Sent: Archivio comunale di Sent 1998.

Si passeggiava per l’edificio mentre in ogni stanza risuonava contemporaneamente una musica diversa. Chi voleva ascoltare doveva scegliere. «3×5 ore di musica» era il titolo dell’evento; si trattava di una di quelle iniziative stimolanti e entusiasmanti con cui Armin Brunner rivoluzionò la scena musicale negli anni ’70. Le abitudini di consumo venivano messe alla prova, le abitudini di ascolto messe in discussione, il formato del concerto stravolto, in modo tanto divertente quanto provocatorio. La musica nuova e quella più classica entravano talvolta in dialogo con la musica pop – una conseguenza dei turbolenti anni ’60. L’ascolto devoto dell’assoluto musicale non era nelle intenzioni di Brunner. Si trattava di impulsi importanti anche per la nostra generazione, allora giovane, che si recava in pellegrinaggio a questi eventi.

Nato nel 1933 a Zollikon, Brunner aveva studiato al Conservatorio di Zurigo. Ben presto divenne assistente di Hans Rosbaud al Teatro dell’Opera, uno dei più importanti direttori d’orchestra di musica contemporanea dell’epoca. Brunner, infatti, era interessato al nuovo, ma anche alla dimensione scenica – o, più in generale, al connubio tra musica e immagini. Dopo alcune esperienze con le opere da camera, nel 1971 fondò il «Musikszenisches Studio Zürich», che diresse fino al 1983. Allo stesso tempo si impegnò a favore di ciò che andava controcorrente. Diresse, ad esempio, lo spettacolo di Hans Werner Henze Il lungo percorso verso l’appartamento di Natascha Ungeheuer in cui un'auto incidentata fungeva da strumento a percussione.

Successivamente è passato alla televisione della Svizzera tedesca, dove dal 1979 al 1998 ha diretto il dipartimento «Musica e balletto». Mai prima né mai dopo si è registrata in quel contesto una tale effervescenza nel campo della musica classica. Era un periodo di rinnovamento e di sperimentazione. Registi come Fred Bosman, Peter Schweiger o Werner Düggelin realizzarono film musicali insoliti; l’ultimo, ad esempio, un’impressionante Passione di San Giovanni. È nato così un ciclo di balletti di Heinz Spoerli. Mauricio Kagel, una delle figure di riferimento di Brunner nel rapporto con la musica e i media, ha realizzato film musicali di grande impatto.

Una collaborazione innovativa con Adrian Marthaler

Ma soprattutto le innovative produzioni con Adrian Marthaler hanno riscosso un enorme successo anche oltre i confini nazionali: la vita concertistica è stata commentata e raccontata in chiave critica, fino a sfiorare la parodia. Le opere classiche sono state riproposte in un contesto moderno. Gershwin’s Rapsodia in blu Ad esempio, ne è stato girato uno in un bar. In seguito, però, sono seguiti anche adattamenti cinematografici «più seri» di Mozart o della Sesta di Mahler, sotto forma di film epico. La televisione svizzera non trasmette più nulla di tutto ciò da molto tempo, sebbene si tratti di una delle creazioni più gloriose della sua storia.

Brunner, che per lungo tempo ha diretto il Coro dell’Oratorio di Frauenfeld, voleva però anche interrogarsi sulle grandi opere della musica sacra. Ha così realizzato un totale di 21 «Meditazioni musicali», in cui contemporanei critici «predicavano» quasi dal pulpito su un’opera classica. Wolfgang Hildesheimer, ad esempio, formulò pensieri eretici sul Requiem di Mozart: «Signore, non concedere loro il riposo eterno!» A lui fecero seguito scrittori e teologi come Dorothee Sölle, Günter Wallraff, Hans Küng, Peter Bichsel, Martin Walser, Wolf Biermann e Adolf Muschg.

Infine, Brunner nutriva un amore particolare per il cinema muto: esempi famosi come Nosferatu, Corazzata Potemkin o Metropolis Ne ha realizzato la colonna sonora, non componendo però musica nuova ad hoc, bensì raccogliendo opere già esistenti e accompagnando le immagini con esse. Col passare del tempo, in questo approccio si è fatta strada anche una certa diffidenza nei confronti dell’elitarismo della musica contemporanea. Una musica che non voleva farsi comprendere divenne, con il passare degli anni, sospetta agli occhi di Brunner. Arvo Pärt rappresentava per lui un brillante controesempio.

Era affascinato dal legame tra l'orecchio e l'occhio

In qualità di responsabile dei concerti dei “Migros-Klubhauskonzerte”, dopo l’esperienza televisiva ha proseguito la sua attività di mediatore. Dopo otto anni l’ha conclusa con un concerto partecipativo: il variegato programma degli ultimi concerti era stato definito sulla base di un questionario. In quegli anni, tuttavia, riprese anche i formati concertistici insoliti di un tempo, sebbene su scala molto più ampia. Già nel 1990 aveva realizzato un Sonoptikum su larga scala per l’Alte Oper di Francoforte. Anche in quel caso si trattava nuovamente del connubio tra udito e vista, il tema che lo ha affascinato e stimolato fino all’ultimo.

Il 12 agosto è venuto a mancare Armin Brunner, uno spirito critico che, tra l’altro, sapeva apprezzare lo spirito critico anche negli altri. Considerava un grande impoverimento il fatto che, ad esempio, la critica musicale fosse andata in declino negli ultimi decenni. In effetti, e questo è motivo di malinconia, gran parte di ciò che ha creato è oggi difficilmente immaginabile, soprattutto in televisione.

Questo breve volume suscita interesse per l’ultimo periodo della vita di Šostakovič, probabilmente quello meno documentato. La sua terza moglie, Irina Antonovna, più giovane di lui di 28 anni, lo ha accompagnato negli ultimi 13 anni della sua vita. Ancora oggi, a 91 anni, si occupa del suo lascito. Per questo vale la pena leggere queste interviste condotte con lei dalla giornalista russa Elena Yakovich nel 2021, che in pochi paragrafi accennano anche alla storia precedente.

Irina aveva tre anni quando suo padre fu arrestato dagli scagnozzi di Stalin e condannato a otto anni di carcere; quello stesso anno morì sua madre. Sono impressionanti le sue descrizioni dell’infanzia trascorsa nella Leningrado assediata, che rimase sotto assedio per più di due anni. Il fatto che, all’età di sette anni e ormai orfana, fosse accolta nella casa in cui viveva il compositore Šostakovič, fu una strana coincidenza, che si ripeté quando, vent’anni dopo, in qualità di redattrice letteraria presso la Casa editrice dei Compositori Sovietici, curava i testi dei libretti e partecipava a riunioni in cui era presente anche Šostakovič. In seguito le fu affidato l’incarico di redigere il testo della sua operetta Mosca, Cheryomushki (op. 105, 1958): curarne la redazione e, se necessario, apportare le opportune correzioni.

Matrimonio poco romantico

Irina racconta con discrezione, senza idealizzazioni, come sia nato il loro matrimonio nel 1962. Per lei si trattò di un avvicinamento realistico, poco poetico e incentrato sugli aspetti tecnici, di cui si rese conto solo gradualmente dal punto di vista emotivo. Assistette con lui ad alcune prime assolute e quindi anche alle difficoltà legate alla 13ª Sinfonia Babi Jar. Infatti il «disgelo», il periodo dell’ondata di destalinizzazione di Krusciov, stava volgendo al termine. Gli anni che precedettero la morte di Šostakovič furono nuovamente segnati da una repressione di stampo stalinista. Irina era ormai per lui un’aiuto paziente nella sua vita quotidiana, compromessa da infarti e cadute, ma comunque gravata da incarichi pubblici, viaggi e apparizioni in pubblico.

Alcuni eventi, noti grazie alla letteratura specialistica, vengono chiariti grazie alle testimonianze riportate – come ad esempio la firma contraffatta apposta sulla lettera aperta degli oppositori di Sacharov. Tuttavia, non si mette mai in primo piano e, dalla morte di Dmitri nel 1975, si impegna intensamente per l’ordinamento del lascito e per la realizzazione di un’edizione completa delle sue opere.

Elena Yakovich: In due. Irina Antonovna Šostakovič – La mia vita con Dmitrij Šostakovič, 120 pagine, € 20,00, Jaron, Berlino 2025, ISBN 978-3-89773-185-1

Nel centro storico di Lucerna si sentono dei rintocchi sordi. «È l’orologio della torre?», chiede una turista al suo accompagnatore, proseguendo poi verso il Weinmarkt. Da ogni parte, i curiosi si riversano nella piazza, dove si è già formato un cerchio di persone e un percussionista sta accordando i suoi bonghi. Sul selciato sono disposti anche due vibrafoni e due marimbe. Il concerto gratuito, nell’ambito del festival di nuova concezione «In den Strassen: City Stage», può avere inizio.

Il nuovo direttore artistico Sebastian Nordmann desidera portare il Lucerne Festival ancora di più tra la gente della città. I quattro giovani partecipanti alla Lucerne Festival Academy riescono a entusiasmare i passanti al Weinmarkt. Si tirano fuori i cellulari, alcune persone si muovono al ritmo delle note groovy e ritmicamente sfalsate di Steve Reich Quartetto Mallet.

A poche strade di distanza, sulla Kapellplatz, l’esperienza diventa ancora più interattiva. Al «Symphonic Jukebox», gli ascoltatori possono scegliere tra oltre 30 brani, che vengono poi eseguiti dal vivo dalla Lucerne Festival Contemporary Orchestra. Brani popolari come il valzer tratto da Šostakovič Suite Jazz risuona proprio come il brano ritmicamente complesso Un breve viaggio in una macchina veloce di John Adams. Il direttore d’orchestra Joseph Sieber illustra brevemente i brani scelti e, in alcuni casi, commenta anche un brano tratto da Giove di Gustav Holst I pianeti consegna la bacchetta a un volontario.

Alla Schirmerturm, il «giardiniere del suono» Andres Bosshard accoglie un gruppo di venti persone per una «Sound Walk». Insieme si ascolta la pioggia, si avvicina il naso al Museggmauer canticchiando, si scoprono gli effetti sociali positivi del «Murmelstrom» e si rimane impressionati dagli echi prodotti, che fanno sussultare persino le mucche al pascolo nel prato adiacente.

Beethoven, visto in una prospettiva del XVIII secolo

Una volta acquisita questa sensibilità, si scendono le scale verso la città con una percezione mutata. E si apprezzano le sfumature che si possono ascoltare nel concerto della Royal Concertgebouw Orchestra di Amsterdam nel KKL gremito. Il suono beethoveniano dell’orchestra nel 5° Concerto per pianoforte in mi bemolle maggiore è arioso. Gli archi suonano con poco vibrato, il timpanista utilizza bacchette di legno. Anche il pianista islandese Víkingur Ólafsson, che in primavera curerà a Lucerna il nuovo Pulse Festival, interpreta Beethoven in chiave più settecentesca: nella cadenza fa risuonare il pianoforte a coda Steinway quasi come un pianoforte a martelli. I pizzicati degli archi sono perfettamente calibrati; del resto, gli musicisti di Amsterdam deliziano con un’interazione perfetta. Ólafsson interpreta l’Adagio in modo del tutto etereo. Per poi inondare di energia il finale e, anche se non tutte le trioli sono tecnicamente perfette, trasformarlo, in stretta sintonia con l’orchestra, in una danza travolgente.

Anche nella Quinta Sinfonia di Sergej Prokofiev, rappresentata per la prima volta nel 1945, la Royal Concertgebouw Orchestra, diretta dal direttore ospite finlandese Santtu-Matias Rouvali, si presenta come un’orchestra vivace, i cui singoli gruppi strumentali sono perfettamente integrati tra loro. Nel secondo movimento i contorni diventano più netti e i ritmi più incisivi: l’Adagio è carico di tensione e urgenza. Solo quando i violini, come qui all’inizio del movimento, suonano in modo molto in evidenza nei registri acuti, l’intonazione risulta leggermente offuscata.

Hadelich, l'esteta del suono

Anche la Filarmonica di Berlino ha in programma una composizione russa raramente eseguita: la Sinfonia n. 3 in do minore op. 43 di Aleksandr Skrjabin. Come l’orchestra saprà plasmare quest’opera orchestrale ricca di timbri, complessa e a tratti anche pomposa, come nel sensuale secondo movimento Voluptés È inebriante sentire i legni cinguettare come uccelli e gli ottoni creare picchi emotivi. Il direttore principale Kirill Petrenko fa emergere l’estroversione dall’introversione, controllando l’equilibrio con la mano sinistra e garantendo il flusso musicale con la destra. Purtroppo, gli attacchi del tutt'insieme dopo le pause generali e i cambi di accordo alla fine del primo movimento non risuonano del tutto all'unisono.

Anche nel concerto per violino di Beethoven il primo intervento dei legni suona un po« sferragliante – ma poi l’orchestra trova un suono caldo, pienamente vibrante negli archi, e un ritmo fluido. E stende il tappeto su cui Augustin Hadelich, al violino, fa il suo ingresso con delicate ottave. L»«artista in residenza» di quest’anno del festival è un esteta del suono. Da lui non si sente alcun cambio d’archetto, ogni figurazione viene suonata fino in fondo. La Filarmonica di Berlino lo segue a ruota, lasciandogli spazio per esprimersi. Nel Larghetto, Petrenko fa suonare gli archi smorzati a un volume estremamente basso, mentre il clarinettista Wenzel Fuchs e il fagottista Stefan Schweigert creano incantesimi cantabili – e Hadelich impreziosisce la melodia con abbellimenti artistici.

Nel corso di un mese, al Lucerne Festival si potranno ascoltare complessivamente 20 orchestre. Anche con le 12 prime assolute, il nuovo direttore artistico Sebastian Nordmann porta avanti il lavoro di lunga data di Michael Haefliger. Intende attirare un nuovo pubblico con un'immagine più pop, nuovi formati come «Mittendrin», in cui il pubblico siede sul palco, ed eventi gratuiti come l’Open Air all’inizio della manifestazione.

Con Jörg Widmann fino al limite dell'udibilità

Con Jörg Widmann, Nordmann ha nominato alla guida della Lucerne Festival Academy un compositore carismatico, successore del defunto Wolfgang Rihm, che opera anche come direttore d’orchestra e clarinettista – particolarmente impressionante nel quarto concerto dell’Academy. Insieme alla Lucerne Festival Contemporary Orchestra e allo SWR Experimentalstudio di Friburgo (regia del suono: Michael Acker, Joachim Haas, Daniel Miska), Widmann, sotto la direzione di Peter Rundel, Informazioni su del compositore francese Mark Andre, che nascono dal respiro, riproducono delicati accordi e sommesse note di clarinetto al limite dell’udibilità.

La prima rappresentazione di La lingua della terra (Roche Commissions) della compositrice australiana Liza Lim viene accolta con una standing ovation. Il carnyx, strumento celtico riscoperto e ricostruito (solista: Marco Blaauw), è al centro di questa composizione sensuale e teatrale. Con l’esecuzione trascinante Sinfonia "Doctor Atomic" Nel concerto dell’Academy, l’opera di John Adams riflette anche il motto di quest’anno, «American Dreams», che è stato oggetto di accese discussioni nei giorni precedenti. Una composizione che critica la bomba atomica? Anche questo è possibile nella musica americana.

Festival di Lucerna, fino al 13 settembre. www.lucerne-festival.ch

I Malummí, trio fondato nel 2018, devono tutto a Larissa Rapold. La frontwoman non solo è responsabile della composizione dei brani, ma anche della voce rasserenante. La formazione è completata dal polistrumentista Giovanni Vicari, che ricopre anche il ruolo di produttore dell’album, e dal batterista Lucas Zibulski. Con “Damaged By Their Silence”, nel terzo album, la band – il cui nome si ispira a un’isola immaginaria in cui rifugiarsi – rimane fedele al proprio sound, a metà strada tra l’indie-folk e il pop sognante, arricchendolo con testi estremamente personali. Mentre nell’ultimo disco c’era ancora spazio per l’improvvisazione, il quadro sonoro appare ora meno giocoso, ma in compenso più mirato.

Vicinanza e distanza

Il risultato è che le nove canzoni si presentano a volte crude e provocatorie, a volte tranquille e ariose. L’album inizia con il lento Terapista, una ballata tanto malinconica quanto fragile, dai ritmi scintillanti e dai testi spietati, interpretata con grande calore. La canzone, con il suo piacevole ronzio, Silent Baby, che racconta delle preoccupazioni dei genitori e del continuo gioco di equilibrio tra distanza e vicinanza, lascia invece intravedere la ribellione, altrimenti ben nascosta, della cantante. Non meno diretto è il brano successivo Adrian. Il suo soft rock riprende a tratti i classici della chanson di Joe Dassin L'estate indiana – tanto più che entrambe le canzoni evocano sentimenti di nostalgia. I tre membri della band dimostrano di avere un debole anche per il pop cinematografico con il brano della durata di 56 secondi Consumo, che sembra un mix breve ma quasi perfetto tra una pagina di diario del 2026 e il classico musical di Judy Garland Over the Rainbow risale al 1939.

La conclusione? Con Danneggiati dal loro silenzio Malummí è riuscita a realizzare un’opera che affronta l’onnipresente vulnerabilità con forza interiore e dignità. Il risultato è delicato, ricco di sfaccettature e davvero commovente.

Malummí: Damaged By Their Silence. Mouthwatering Records

La spedizione del flauto del flautista ungherese Gergely Ittzés contiene una raccolta di studi contemporanei pensati per esplorare lo strumento con curiosità. Particolare attenzione è riservata ai suoni e alle tecniche esecutive che, pur non rientrando nella pratica classica del flauto, fanno comunque parte dello spettro sonoro complessivo. Con 42 studi in miniatura ricchi di fantasia, raccolti in due volumi, Ittzés offre un’introduzione graduale a tecniche quali i multifonici, effetti respiratori speciali, glissandi, microtonalità e timbri insoliti, che ampliano i confini delle possibilità di questo strumento. Ogni brano è accompagnato da una legenda esaustiva contenente spiegazioni dettagliate e indicazioni di notazione.

Ittzés ha ideato La spedizione del flauto come ponte tra la tecnica tradizionale del flauto e l’esecuzione moderna/sperimentale. Come egli osserva nella prefazione, grazie a questo approccio i musicisti acquisiscono inoltre conoscenze dalle quali trarranno beneficio – direttamente o indirettamente – anche nell’esecuzione di opere tradizionali. Anziché trattare separatamente i suoni «normali» e quelli «estesi», l’opera li presenta come parte di un linguaggio musicale unitario.

«Un numero insolitamente elevato di prese»

Il primo volume presenta nuove tecniche di esecuzione e contiene, ad esempio, il n. 2 Preludio di armonici e n. 5 "Spezzaorecchie", che alternano armoniche su note fondamentali uguali o diverse. N. 24 Elegia in Do si basa anch’esso sugli armonici, quelli al di sopra del Do grave, e utilizza esclusivamente intervalli che rientrano nella struttura armonica. Nel n. 7 Picchiettare-strimpellare Vengono utilizzati diversi effetti di valvole e pizzicato. Una combinazione interessante è la n. 10 Il corale di Gregor, in cui la voce e le «pseudo-multifoniche» vengono utilizzate in ottave per creare linee polifoniche che ricordano i canti gregoriani. N. 28 Tremore è dedicato ai trilli timbrici e utilizza trilli microtonali e la tecnica del flutter tongue, mentre il n. 29 Branchie introduce la tecnica della respirazione circolare.

L’autore raccomanda vivamente ai musicisti di iniziare il secondo volume solo dopo aver completato il primo, poiché non tutte le spiegazioni vengono ripetute. Per il secondo volume sono necessari un flauto traverso con fori aperti e un piedino in Si bemolle. Ittzés utilizza, come egli stesso scrive, «un numero insolitamente elevato di diteggiature» e diverse notazioni di diteggiatura: oltre alla notazione numerica, ricorre anche alla notazione acustica e a quella grafica. I due volumi sono adatti sia a flautisti di livello avanzato che a compositrici che desiderino esplorare le possibilità sonore dello strumento.

Gergely Ittzes, The Flute Expedition, 42 studi fantasiosi alla scoperta di tecniche avanzate e suoni insoliti al flauto; Vol. 1, nn. 1–21, ED 23693; Vol. 2, n. 22–42, ED 23843; € 29,00 ciascuno, Schott, Magonza

Anche se il suo peso massimo Sonata eroica (1930) o la Toccata (1937) compaiono occasionalmente nei programmi dei concerti d’organo oppure, con un po’ di fortuna, capita anche di ascoltare la sua Sinfonia concertante (1926) per organo e orchestra in una sala da concerto: la maggior parte dell’opera organistica del compositore belga Joseph Jongen (1873–1953) è probabilmente noto solo a pochi specialisti. Grazie a questa edizione completa in tre volumi, pubblicata in modo esemplare da Bärenreiter e commentata in modo approfondito da John Scott Whiteley, è ora possibile avere una visione completa dell’opera per organo e armonium di Jongen, che in precedenza era dispersa tra diverse case editrici (anche sotto forma di ristampe o addirittura di edizioni pirata). – La relazione critica ne fornisce un resoconto meticoloso.

Dopo aver completato con ottimi risultati gli studi di organo, pianoforte e composizione, Jongen ottenne già in giovane età importanti successi come compositore (tra cui, nel 1897, il premio belga Premio di Roma) ed entrò in contatto con molti grandi nomi della musica del suo tempo (oltre a Richard Strauss, dal quale prese per un breve periodo lezioni di composizione, anche Fauré, d’Indy, Arthur Rubinstein, Joseph Joachim e molti altri). Dopo aver insegnato inizialmente a Liegi, Jongen trascorse gli anni della guerra in esilio a Londra e dal 1920 lavorò al Conservatorio di Bruxelles, di cui in seguito assunse anche la direzione. La sua variegata produzione compositiva comprende una ricca produzione di musica da camera e orchestrale.

Anche la gamma della musica pubblicata in questi tre volumi è estremamente ampia: oltre a brevi versetti e preludi (spesso composti da poche battute) e ad altri brani liturgici, vi si trova una grande varietà di brani caratteristici per la liturgia e il concerto, di diverso grado di difficoltà, fino a raggiungere un brillante virtuosismo. Mentre le prime opere sono stilisticamente ancora fortemente legate a Schumann, Brahms e, soprattutto, César Franck e della sua cerchia, Jongen si evolve poi in una direzione che assorbe anche influenze dell’impressionismo e sfocia infine in un linguaggio musicale che il curatore descrive nella prefazione come «uno stile onirico di astratta, sinestetica», al quale ha dedicato diverse pubblicazioni e sul quale avremmo gradito trovare qualche informazione in più anche in questa edizione.

Molti dei brani sono corredati da indicazioni dettagliate sui registri e richiedono un organo dotato dei timbri essenziali del romanticismo francese (archi, Voix céleste, Hautbois ecc.); i brani per armonium presentano registrazioni relativamente generiche, il che consente senza problemi un adattamento a un tipo di organo simile. Conclusione: chi è interessato alla musica per organo del primo Novecento, raramente eseguita, apprezzerà questa edizione completa presentata in modo esemplare.

Joseph Jongen: Opere complete per organo e armonium, a cura di John Scott Whiteley, 3 volumi, BA11255–11257, 54,00 € ciascuno, Bärenreiter, Kassel

Friedrich Theodor Fröhlich, nato nel 1803 a Brugg, incontrò a Berlino importanti musicisti che lo spinsero a passare dagli studi di giurisprudenza a quelli di musica. A partire dal 1826, oltre a cori, Lieder e quartetti d’archi, compose otto sonate per violino; le ultime due sono state ora pubblicate per la prima volta. Entrambe sono facili da eseguire, ben adattate allo strumento e musicalmente ancora del tutto nello stile classico-scolastico: 1° movimento: esposizione – sviluppo – ripresa – coda, scherzo con trio, adagio, rondò finale. I temi sono accattivanti, arricchiti da numerosi passaggi allegri e virtuosistici in entrambi gli strumenti. I bruschi cambi di tonalità risultano naturali nel contesto.

L'Ottava Sonata, composta nel giugno 1826, è molto estesa: l'esecuzione con il mio collega è durata quasi un'ora e ci siamo divertiti moltissimo. Nello Scherzo c’è persino una piccola fuga. La Settima Sonata, composta nel maggio 1826, è molto più densa, le idee si susseguono a un ritmo più serrato. Al posto dello scherzo c’è una marcia con una parte centrale cantabile; il passaggio dall’Adagio al Finale è un ritorno al tema principale del primo movimento – viene spontaneo un paragone con le sonate di Carl Maria von Weber.

La stampa delle prime edizioni è pulita, ma molto estesa e non tiene conto delle possibilità di inversione: bisogna saltare alcune battute per andare avanti, il che, pur essendo fattibile grazie alla semplicità della struttura e per i concerti intimi in casa, risulta impossibile nelle esibizioni pubbliche.

Suicidio a 33 anniguidare

Nel 1830 Fröhlich tornò in Svizzera, lavorò alla scuola cantonale di Aarau, sposò Ida von Klitzing, dalla quale ebbe due figlie; le sue numerose composizioni non ottennero alcun riconoscimento, la disperazione, la mancanza di speranza e i problemi finanziari lo portarono al suicidio nel 1836, all’età di 33 anni.

Le sue 700 composizioni, quasi tutte manoscritte, sono conservate presso la Biblioteca universitaria di Basilea. Nel 2017 sono state fondate a Brugg la Società Internazionale Friedrich-Theodor-Fröhlich e l’associazione culturale Fröhlich-Konzerte Brugg, che si occupano della pubblicazione delle opere e dell’organizzazione di concerti pubblici.

Friedrich Theodor Fröhlich: Duo per pianoforte e violino obbligato (7ª Sonata per violino), IFTFG-05, Fr. 30.00, a cura di Johannes Vigfusson, prima edizione, partitura e parte, Associazione Internazionale Friedrich-Theodor-Fröhlichsocietà, Brugg, mail@froehlich-gesellschaft.comId.: 8ª Sonata per pianoforte e violino, IFTFG-06, Fr. 35.00, froehlich-gesellschaft.com/

C’è l’aspirante flautista professionista che sogna già Vienna, Berlino e Parigi («Lì ci sono gli dei!»). La giovane violinista che, come musicista dilettante, è felice del suo «hobby fantastico». Lo studente liceale che forse vuole studiare violino, forse composizione, «qualcosa che abbia a che fare con la musica», in ogni caso. Nell’Orchestra Sinfonica Giovanile dell’Argovia tali differenze non hanno alcuna importanza, come dimostra in modo impressionante il nuovo film di Georges Gachot. Unisono - Dall'amore per la musica è il titolo del documentario della durata di un’ora e mezza realizzato da Gachot nell’estate del 2020. Per una settimana, il regista, oggi 63enne, che in gioventù aveva realizzato ritratti di personaggi famosi come Martha Argerich e Beat Richner, ha seguito il workshop dell’orchestra a Boswil.

Fin dal primo momento, la professionalità e la serietà con cui i giovani musicisti si dedicano al loro lavoro catturano l’attenzione. Sono proprio loro, con le loro dichiarazioni entusiaste sulla musica e sul lavoro in orchestra, ad essere al centro dell’attenzione di Gachot per tutta la prima metà del film. Persino il direttore d’orchestra e direttore artistico Hugo Bollschweiler, con le sue apparizioni discrete, appare come un primus inter pares.

E all’improvviso entra in scena il carismatico solista

La seconda parte del film segna una svolta, in quanto qui entra in scena il solista Iiro Rantala: una personalità artistica carismatica, dotata di un’immensa maestria pianistica e di opinioni decisamente provocatorie (Bach Variazioni Goldberg? Tutte improvvisate e che il compositore ha «gentilmente» trascritto per noi). Le composizioni di Rantala, influenzate dal jazz, costituivano una parte del programma impegnativo che l’orchestra aveva preparato quell’estate. Gli intermezzi improvvisati di Rantala in duetto spontaneo con volontari dell’orchestra sono tra i momenti più suggestivi del film.

Quest’ultimo, a sua volta, rinuncia quasi del tutto alle scene «private» della comunità giovanile del campo. Anche le tensioni interpersonali, che in un contesto del genere sarebbero pur sempre ipotizzabili, non vengono affrontate: tutto appare letteralmente in armonia, Unisono - Dall'amore per la musica prende molto sul serio il proprio nome. Il risultato, per lo spettatore, è che viene voglia di ascoltare dal vivo l’Orchestra Sinfonica Giovanile dell’Argovia. Ma anche, e forse ancora di più, che verrebbe voglia di farne parte.

Unisono – Dall’amore per la musica. Regia: Georges Gachot. Distribuzione: Gachot-Films. Dal 27 agosto 2026 al cinema.

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