La soluzione a questi problemi potrebbe consistere nel fare di necessità virtù e trovare forme didattiche in cui gli allievi trascorrano più tempo alla scuola di musica, senza che i docenti debbano insegnare più a lungo, cosa che non è fattibile per motivi di costo. Bisognerebbe quindi smettere di considerare le lezioni individuali come l’unica vera forma di insegnamento. Le lezioni di ensemble sono sicuramente un buon complemento alle lezioni individuali, ma hanno senso solo se i membri dell’ensemble possiedono già un certo livello di competenza. E nelle lezioni di gruppo sussiste il rischio che i singoli allievi siano sovraccaricati o sottostimolati. Come si può quindi creare, senza costi aggiuntivi, una situazione didattica con più ore di presenza, in cui gli allievi possano esprimersi appieno, apprendere in modo duraturo e siano anche stimolati a esercitarsi in modo efficiente?

Intervisto insegnanti di musica che erano in anticipo sui tempi, poiché già anni fa avevano intrapreso nuove strade nel campo della pedagogia musicale.

Lezioni strumentali multidimensionali

Gerhard Wolters è sicuramente noto a molti, poiché hanno già seguito un corso di formazione continua presso di lui in MDU^® hanno frequentato. E anche se non tutti ritengono che il suo metodo sia applicabile nella loro scuola di musica, voglio farmi un’idea di persona e lo incontro per una chiacchierata nella sua Accademia per l’innovazione musicale a Langnau, nell’Emmental.

MW: Caro Gerhard, grazie mille per aver trovato il tempo di presentarmi il tuo metodo. Che cos’è l’MDU?

Gerhard Wolters: Il modello MDU prevede un insegnamento orientato allo studente, che però non va confuso con un insegnamento incentrato sullo studente. Nell’insegnamento orientato allo studente, l’insegnante tiene sempre conto delle esigenze dello studente, ma non gli lascia decidere tutto, poiché ha un vantaggio in termini di conoscenze ed esperienza; piuttosto, fornisce consigli che garantiscano il raggiungimento dell’obiettivo prefissato. È importante che l’alunno riceva insegnamento dall’insegnante solo quando ne ha davvero bisogno, cioè quando apprende qualcosa di nuovo o quando desidera chiarire un dubbio. Una volta raggiunto questo punto, all’alunno non resta che esercitarsi su ciò che ha compreso. Per farlo non ha bisogno dell’insegnante. Ne avrà nuovamente bisogno solo quando sorgerà una domanda o quando si effettuerà un esercizio esemplificativo. A tal fine utilizziamo un sistema a semaforo: il rosso significa che l’allievo ha bisogno di un input da parte dell’insegnante, il giallo che l’allievo ha compreso e il verde che l’allievo padroneggia il brano o una sequenza di esso e l’insegnante non può fare altro che ascoltare e godersi l’esibizione. È importante che, quando è «giallo», l’allievo possa esercitarsi senza essere disturbato, senza che l’insegnante gli stia accanto a commentare. Abbiamo persino coniato un termine per descrivere lo stato d’animo dell’insegnante quando è «giallo»: «EUGAZE» – emotivamente impossibile sopportare il «giallo».

È per questo che per questa modalità didattica servono più aule?

Di sicuro non per il primo passo: in questa fase, il compito dell’insegnante è innanzitutto quello di «esercitarsi» nell’orientamento degli studenti con metodi chiari. In seguito, un contesto organizzativo più ampio sarà di grande vantaggio, soprattutto quando, idealmente, si aggiungono più persone: allievi di età e livelli diversi e persino altri insegnanti. Gli allievi più avanzati imparano mostrando ai principianti come si fa. Oppure si rendono conto che un brano, che in realtà è di un livello inferiore a quello attuale, non è poi così facile da suonare senza ripassarlo. In questo modo consolidano ciò che hanno imparato di recente. I più piccoli a volte preferiscono imparare dai più grandi piuttosto che dall’insegnante, ma possono anche aiutare i più grandi, ad esempio distraendoli durante l’esibizione, consentendo così ai più grandi di allenare la propria capacità di concentrazione in vista dell’esibizione, e tutti si divertono un mondo! Se poi più insegnanti lavorano in team, possono sfruttare consapevolmente i propri punti di forza individuali per determinati compiti.

Ma come si presenta qui la dimensione del tempo?

Nella pratica della MDU osserviamo regolarmente che i nostri allievi trascorrono molto più tempo alla scuola di musica. Entro un arco di tempo prestabilito, seguono lezioni individuali, si esercitano da soli o con gli altri, insegnano ai più piccoli ciò che già sanno fare e imparano dai più grandi. Anche i giochi musicali e le lezioni di teoria trovano spazio in questo programma.

Come risolvi la questione del pagamento di queste lezioni?

In un gruppo fisso di quattro bambini, ad esempio, ognuno paga 30 minuti e tutti possono rimanere lì per due ore. È però possibile aumentare la flessibilità fino al punto in cui gli allievi possano recarsi alla scuola di musica ogni giorno, diciamo tra le 14:30 e le 19:00, quando lo desiderano. Chi paga 60 minuti può farlo ogni giorno; chi paga 40 minuti, in due giorni a scelta; chi paga 30 minuti, in un solo giorno. Naturalmente ci sono poi le ore di punta, in cui sono presenti moltissimi bambini che si esercitano insieme, fanno giochi e suonano brani. Molti bambini apprezzano l’interazione con gli altri e ne traggono un’incredibile motivazione per esercitarsi e suonare. E se in qualche punto non riescono ad andare avanti, c’è l’insegnante che li aiuta. Gli allievi più tranquilli e quelli particolarmente dotati vengono nelle fasce orarie marginali; la cosa si regola da sé. Si rendono presto conto che l’insegnante ha allora molto tempo da dedicare proprio a loro. In questo senso, in questo sistema non c’è nemmeno bisogno di un programma separato di promozione dei talenti. È una cosa che viene da sé.

Anche se si lavora ancora in gruppi fissi, è opportuno introdurre le cosiddette “settimane del caos” o almeno delle “giornate del caos”, in cui le lezioni si svolgono secondo questo modello del tutto flessibile. Affinché ciò funzioni, una buona comunicazione con gli studenti e, soprattutto, con i genitori è fondamentale. Con argomentazioni adeguate e ben preparate, di solito riusciamo a convincere quasi tutti i genitori a lasciare che il proprio figlio provi qualcosa di nuovo, ad esempio per sei settimane, quando si rendono conto che in questo modo il bambino riceve un sostegno migliore e può ottenere molto più tempo di apprendimento a parità di costo. E in più si diverte un mondo! L’esperienza dimostra che in questo caso sono più disposti a accompagnare o a far accompagnare il proprio figlio in una sede didattica leggermente più lontana. Qui, infatti, l’insegnamento decentralizzato è meno praticabile.

Tieni seminari e formi anche insegnanti certificati MDU. Questi insegnanti riescono ad applicare il principio dell’insegnamento simultaneo, anche se la loro scuola di musica si trova magari in una regione con molte valli montane, dove l’insegnamento decentralizzato è la norma?

Sì, assolutamente! Ad esempio c'è Sami Lörtscher, che suona con grande entusiasmo la tromba alla scuola di musica di Interlaken Ost secondo il metodo MDU^® hanno seguito le lezioni. In questa scuola di musica è stato inoltre possibile ricavare spazi adeguati. Durante le «settimane del caos» sono state due bambine di 8 anni di Grindelwald a trascorrere la maggior parte del tempo alla scuola di musica. Tre giorni alla settimana, dopo la scuola, prendevano il treno per Interlaken per recarsi alla scuola di musica.

Sami Lörtscher e Sämi Seiler si divertono un mondo durante la lezione di tromba secondo il metodo MDU^{®
Foto di Gerhard Wolters}

Oppure c'è Andreas Aeppli, insegnante di batteria, che a Winterthur ha investito appositamente in un locale adatto, dotato di cabine di prova integrate, dove tiene le sue lezioni di musica, solo per citarne due.

Grazie mille per l'intervista!

Per ulteriori informazioni e video, visitate il sito: www.mdu.ch

Sviluppo dei talenti

I circa 2% di allievi delle scuole di musica particolarmente dotati necessitano di un sostegno specifico. Oggi esistono programmi di sostegno consolidati, “tessere del talento” e contributi finanziari da parte della Confederazione.
Nel 2017, due colleghe molto impegnate della scuola di musica Bantiger hanno avviato un programma regionale di promozione dei talenti, acquisendo nel corso di questa esperienza conoscenze che possono risultare interessanti per tutti coloro che oggi operano nel campo della promozione dei talenti.

Parlo con Valentina Zürcher, flautista, coach mentale ed ex preside, e con la violinista e compositrice Gabrielle Brunner, che, in qualità di insegnante di violino, ha preparato con successo innumerevoli allievi e allieve a concorsi e agli esami di ammissione all’università.

MW: Come è nato il progetto di promozione dei talenti?

Valentina Zürcher (VZ): In qualità di direttrice della scuola di musica di Wohlen AG, conoscevo altri modelli cantonali di sostegno e, come madre di una figlia che si sta avvicinando allo sport agonistico, ho potuto constatare di persona come viene organizzato il sostegno in quel contesto: gli allenamenti si svolgono più volte alla settimana, fin dall’inizio in squadra. Esistono molteplici forme di sostegno e opportunità per partecipare a manifestazioni regionali, cantonali e nazionali e per ricevere un feedback.
Da qui è nato il mio desiderio di creare qualcosa di simile alla scuola di musica. Ho chiesto ai colleghi se qualcuno volesse collaborare – e Gabrielle si è fatta avanti immediatamente.

Gabrielle Brunner (GB): Mi ero resa conto già da tempo che l’offerta formativa di allora non era sufficiente a sostenere gli studenti dotati e particolarmente curiosi, e per questo mi sono impegnata con grande entusiasmo.

Come avete proceduto?

VZ: All’evento inaugurale si erano iscritti ventiquattro partecipanti (7-15 anni). Nel primo anno abbiamo offerto l’iniziativa gratuitamente, per discutere con i partecipanti quali fossero le loro esigenze e quali orari potessero essere più adatti a loro. Volevano soprattutto incontrarsi con persone che la pensavano come loro, fare musica, scambiarsi idee e suonare in concerti. Da quel momento in poi ci siamo incontrati ogni quattordici giorni.

Hanno potuto partecipare tutti, o avete fatto una selezione?

GB: Tutti! È sempre un miracolo vedere come i bambini si realizzano, nel loro sviluppo umano e artistico, qualunque sia il risultato finale. Anche un bambino di grande talento non deve necessariamente diventare un musicista professionista; forse diventerà un medico eccezionale, e la formazione musicale gli avrà dato tantissimo nel suo sviluppo personale come persona, preparandolo a intraprendere questa strada.

Com'era il programma?

VZ: Gli elementi principali del programma sono stati il confronto in plenaria, la musica da camera e l’accompagnamento. I partecipanti hanno imparato, in contesti guidati, a riflettere in modo mirato su ciò che desideravano sperimentare musicalmente. Abbiamo formato gruppi adeguati, in cui spesso si sono mescolate fasce d’età diverse.

GB: E abbiamo portato con noi pile di spartiti, in modo che potessero scoprire cosa gli piacesse. E naturalmente abbiamo avuto anche il supporto di alcuni docenti di materie principali, che ci hanno fornito i loro consigli sui brani.

Gli insegnanti delle materie principali sono stati coinvolti anche in altri contesti?

VZ: Certo, alcuni hanno collaborato all’insegnamento oppure erano presenti durante le sessioni di promozione dei talenti e ai concerti.

GB: Il programma non consisteva solo in musica da camera, audizioni e discussioni su questi argomenti, ma comprendeva anche il lavoro con i pianisti accompagnatori, esercitazioni con accompagnamento, mini-masterclass, lezioni di teoria e storia della musica, improvvisazione e workshop su temi specifici. In questi casi abbiamo sempre coinvolto dei colleghi.

E, almeno all’inizio, a titolo volontario?
GB: Non l'ho considerata un'attività di volontariato, ma parte integrante del mio incarico formativo, e col tempo abbiamo anche ricevuto un parziale compenso.

VZ: Sì, in gran parte. Ma ne è valsa la pena sotto ogni punto di vista.

Su quali aspetti vi siete concentrati in questo lavoro e cosa vi portate dietro di questo periodo?

VZ: Oltre all’organizzazione nel suo complesso, mi sono concentrato sull’allenamento mentale e sulla creazione di una cultura del feedback. È stato affascinante osservare come i bambini e gli adolescenti si assumessero sempre più la responsabilità dei propri processi di apprendimento artistico. Essendo una persona uditiva, ci si occupa dell’ascolto interiore ed esteriore e si cerca di differenziare – con costante dedizione – le abilità cognitive, motorie e strumentali. Si impara molto presto che da ciò derivano nuove domande e nuovi compiti. Far risuonare la musica insieme a persone che condividono la stessa passione ed esplorare come si potrebbe plasmarla o percepirla in modo diverso è incredibilmente motivante.

GB: Quando uno studente dimostra passione, è mio dovere fare di tutto affinché il progetto abbia successo. Sono piuttosto severo ed esigo molto dai miei studenti dal punto di vista sonoro, tecnico e musicale. Per suonare bene occorre un impiego olistico della tensione corporea, la volontà di esprimere qualcosa, un’elevata presenza nel momento e abilità tecnica. Durante i corsi abbiamo potuto approfondire questi aspetti e metterli in pratica nelle esibizioni. Lavorando insieme agli altri, hanno fatto progressi nel pensare con la propria testa, nel percepire le proprie emozioni e nel tradurre con precisione le loro sensazioni. E le esibizioni che abbiamo organizzato li hanno naturalmente motivati a esercitarsi molto di più. «Put the music first» era il nostro motto.

 

Avete anche voi avuto esperienze con metodi e progetti che inducono bambini e adolescenti a frequentare più a lungo e/o più spesso le scuole di musica e li motivano a esercitarsi con piacere? In tal caso, mi piacerebbe scriverne in un prossimo numero. ScrivetemiMi dice: marianne.waelchli@smpv.ch                        

 

Dal 2023, il conto economico del Canton Turgovia chiude con un'eccedenza di spesa.
Nonostante ciò, il Parlamento cantonale ha respinto un aumento delle tasse nel 2024, ma allo stesso tempo sono necessari importanti investimenti.. Nell'aprile 2025, il governo del Canton Turgovia ha quindi deciso di avviare un piano di riduzione dei compiti e dei servizi (AVP 2025-2027) con l'obiettivo di risparmiare 40 milioni di franchi nel 2027 e almeno 80 milioni di franchi all'anno a partire dal 2028. Ha incaricato l'Istituto di gestione delle amministrazioni pubbliche ZHAW e publicXdata AG di esaminare criticamente tutti i compiti e i servizi dell'amministrazione cantonale, di confrontarli con quelli di altri cantoni e di redigere un rapporto di consulenza.
I consulenti esterni propongono 50 misure: ad esempio, il parlamento cantonale dovrebbe avere solo 100 seggi invece di 130, si dovrebbe risparmiare sui trasporti pubblici, sull'assistenza, sulle scuole, sulla promozione delle energie rinnovabili e persino sull'agricoltura, e naturalmente non si dovrebbe risparmiare sul settore culturale: qui propongono di rinunciare al pagamento della perequazione degli oneri culturali al Cantone di San Gallo, cioè di non sostenere più il teatro municipale di San Gallo e di ridurre il contributo alle scuole di musica da 50% a 33%. I 17% risparmiati dal Cantone sui costi salariali e operativi delle scuole di musica potrebbero essere sostenuti dai genitori.

La SMPV Turgovia, insieme all'Associazione delle scuole di musica della Turgovia (VMTG) e all'Associazione svizzera delle scuole di musica (VMS), sta conducendo una campagna contro questo provvedimento. Le tre associazioni hanno presentato una risposta alla consultazione e la SMPV Thurgau ha lanciato una petizione al governo cantonale, raccogliendo in breve tempo 1862 firme a favore delle sue preoccupazioni.

Gli autori del rapporto consultivo basano la loro proposta di tagliare i contributi cantonali alle scuole di musica sul rapporto statistico 2025 della VMS sulle scuole di musica in Svizzera. Scrivono testualmente: „Il contesto è che l'attuale finanziamento cantonale è generoso rispetto ad altri cantoni“. In questo modo, hanno completamente ignorato il fatto che i modelli per la misura in cui i cantoni, i comuni e le scuole elementari contribuiscono al finanziamento dei costi delle scuole di musica variano notevolmente da cantone a cantone. Nel Canton Turgovia, i Comuni sono liberi di contribuire o meno alle rette delle scuole di musica. Ciò significa che solo l'8% dei costi è coperto dai comuni. Un attento esame delle statistiche del VMS mostra che gli altri cantoni, in cui i comuni sostengono meno di 10% dei costi della scuola di musica, si fanno carico di 60-69% dei costi stessi. Sono quindi molto più generosi del Canton Turgovia.

Se analizziamo l'attuale onere per i genitori del Canton Turgovia, possiamo notare dalle statistiche che solo i genitori dei Cantoni Ticino, Svitto, Argovia e Sciaffusa devono pagare una percentuale più alta di quelli del Canton Turgovia. Se ora dovessero pagare 17% in più dei costi della scuola di musica, cioè i contributi dei genitori aumentassero in media di 35% o più, il Canton Turgovia sarebbe il cantone con i contributi medi dei genitori più alti.

Le statistiche possono essere viste da tutti i punti di vista, ma per i genitori il fattore decisivo è l'importo in franchi e centesimi della retta della scuola di musica e se possono permettersi di mandare i figli a scuola di musica. Nel Canton Turgovia, se si ha la fortuna di vivere in un comune che dà un piccolo contributo, attualmente si pagano tra i 450 franchi (Aadorf) e i 640 franchi (Weinfelden) per 18 lezioni private di 30 minuti e tra i 600 e gli 820 franchi per 40 minuti di lezione.
Per fare un confronto: presso la scuola di musica del Conservatorio di Zurigo, la retta semestrale per 30 minuti di lezione costa 640 franchi e 850 franchi per 40 minuti. Tuttavia, il livello salariale del Cantone di Zurigo è nettamente superiore a quello del Cantone di Turgovia. Ciò significa che l'onere delle tasse scolastiche per i genitori del Canton Turgovia è già più alto di quello di Zurigo. Se confrontiamo le tariffe con quelle del Cantone di San Gallo, vediamo che Niederhelfenschwil (400 franchi), Uzwil (410 franchi) e Rorschach-Rorschacherberg (420 franchi) hanno scuole di musica con tariffe più favorevoli.

Dal punto di vista politico, naturalmente, si potrebbe sostenere che le lezioni di musica non sono così importanti e che i bambini potrebbero giocare a calcio se le lezioni di musica sono troppo costose, se non fosse per l'articolo 67a della Costituzione federale e per l'articolo 12a della Legge federale sulla promozione della cultura (KFG). L'articolo 67a stabilisce che la Confederazione e i Cantoni promuovono l'educazione musicale, in particolare per i bambini e i giovani, e l'articolo 12a della LKF stabilisce che le scuole di musica sostenute dai Cantoni e/o dai Comuni devono offrire a tutti i bambini e i giovani fino al livello secondario superiore tariffe significativamente inferiori a quelle degli adulti e che devono tenere conto della situazione economica dei genitori nel fissare tali tariffe.
Sappiamo quanto le lezioni di musica siano importanti per lo sviluppo cerebrale, per la motricità fine, per lo sviluppo del linguaggio e per la capacità di concentrazione dei bambini e dei giovani, e quanto influenzino positivamente il loro comportamento sociale; ecco perché per noi è molto importante che anche i bambini provenienti da famiglie a basso reddito possano beneficiare di queste lezioni. E naturalmente, come associazione professionale, non vogliamo che i nostri colleghi della Turgovia, che già devono accettare stipendi inferiori a quelli degli insegnanti di musica dei vicini cantoni di Zurigo e San Gallo, subiscano una riduzione del carico di lavoro perché le alte tasse scolastiche scoraggiano sempre più genitori dal mandare i figli a scuola di musica.

Nella sua petizione al governo cantonale, l'SMPV Thurgau avanza due proposte su come il Cantone potrebbe risparmiare una parte dei sussidi senza dover aumentare in modo così massiccio i contributi dei genitori. In primo luogo, propone che il Cantone e i Comuni si dividano i 17% da risparmiare, obbligando i Comuni a versare un contributo fisso. In secondo luogo, suggerisce di prendere in considerazione tasse scolastiche per la musica legate al reddito.

E cari politici del Canton Turgovia, quando pensate se le scuole di musica debbano essere tagliate, non pensate al figlio del vicino che una volta vi ha disturbato con i suoi primi tentativi al violino o al flauto dolce con note ancora storte, ma ai tanti studenti di musica che, grazie alle lezioni della scuola di musica, in seguito rafforzano l'orchestra amatoriale, cantano nel coro misto alla festa del paese o fanno la serenata al novantenne giubilare con la banda di ottoni. Senza dimenticare le persone di talento che continueranno a studiare musica, a tenere grandi concerti e a formare la prossima generazione di musicisti di dopodomani.

Se siete soci della SMPV, leggete le nostre e-mail e newsletter e visitate occasionalmente la nostra homepage. smpv.ch probabilmente non troverete molte nuove informazioni in questo articolo. O forse sì?

Chi è un socio SMPV e chi può diventarlo?

Capita spesso che i non soci vogliano una consulenza dalla SMPV o vogliano beneficiare di tariffe di formazione vantaggiose riservate ai soci perché sono convinti di essere soci della SMPV. „Ma io lavoro in una scuola di musica, sicuramente sono un membro“, dicono.
Se si vuole far parte della SMPV e beneficiare dei suoi servizi, è necessario iscriversi esplicitamente e pagare una quota associativa ogni anno. L'adesione è aperta a chiunque abbia conseguito un master in educazione musicale o un diploma di insegnamento secondo la vecchia legge.
Per gli insegnanti di musica dipendenti, i servizi più importanti di cui possono beneficiare gli iscritti sono la rappresentanza sindacale in situazioni difficili sul posto di lavoro da parte dell'équipe operativa nazionale o dei presidenti di sezione, la consulenza iniziale da parte dell'avvocato dell'associazione e il lavoro politico della SMPV, che si batte per il miglioramento delle condizioni di lavoro nelle scuole di musica, per salari equi e per soluzioni di assicurazione sociale adeguate alla professione. Come i lavoratori autonomi, anche loro beneficiano delle due piattaforme dell'associazione, rent-a-musician.ch, dove possono pubblicizzare le loro attività concertistiche e my-music-lessons.ch, dove possono pubblicizzare le loro lezioni private di musica. Per i lavoratori autonomi, le raccomandazioni tariffarie della SMPV sono molto importanti, così come i modelli di contratto per le lezioni private e la possibilità di assicurare il proprio reddito presso la Cassa pensioni per la musica e l'istruzione.

Entrambi i gruppi beneficiano del programma di perfezionamento professionale scontato e pertinente alla pratica, di offerte dipendenti dalla sezione come lezioni di musica e concerti per insegnanti e, infine, della rete SMPV.
Su iniziativa di un congresso di insegnanti, la SMPV di Berna ha creato la possibilità, in occasione della sua ultima assemblea generale, di accettare i congressi degli insegnanti delle scuole di musica bernesi come membri collettivi. Sebbene i singoli insegnanti non siano membri della SMPV se non si iscrivono all'associazione, la direzione del convento riceve consulenza e sostegno, e le preoccupazioni politiche (culturali) del convento possono essere prese in considerazione dal consiglio direttivo in politica, e sono incluse nel lavoro politico e sindacale dell'associazione.

Domande sui (non) possibili studi musicali privati

Capita spesso che qualcuno chiami perché vuole studiare musica alla SMPV o vuole formare uno studente particolarmente talentuoso attraverso la SMPV.

Purtroppo questa opportunità di formazione non esiste più.
Nel 2005, la SMPV ha deciso di esternalizzare o di rinunciare alla formazione professionale. Le ragioni erano due: Sebbene i diplomi della SMPV fossero di fatto riconosciuti e le scuole di musica li equiparassero spesso ai diplomi di insegnamento dei conservatori cantonali, non erano riconosciuti dallo Stato. Questo è diventato un vero problema con la riforma di Bologna. Era prevedibile che i diplomi della SMPV rilasciati dopo il conseguimento dei primi diplomi di bachelor e master in musica avrebbero perso notevolmente valore. In secondo luogo, la SMPV ha dovuto rendersi conto di non poter più finanziare gli studi professionali. Nel 2007, la responsabilità degli studi musicali privati è stata trasferita alla Fondazione Accademia Svizzera di Musica e Formazione Musicale (SAMP), che ha trovato in Jakob Limacher e nell'Università di Scienze Applicate di Kalaidos i partner ideali per la cooperazione. Nel 2009, la SAMP e l'Università di Scienze Applicate di Kalaidos hanno fondato insieme la Scuola di Musica della SAMP AG, che è diventata l'Università di Musica di Kalaidos dopo l'accreditamento dei corsi di laurea e di master. Durante un periodo di transizione, gli studenti della SMPV hanno potuto completare i loro studi e sostenere gli esami per il diploma di insegnamento o di concerto della SMPV. In cambio, la SMPV ha sostenuto il giovane conservatorio con un contributo annuale di base e il „Förderkreis der privaten musikalischen Berufsausbildung in der Schweiz“ (Circolo per la promozione della formazione musicale professionale privata in Svizzera), fondato da cinque membri della SMPV, ha raccolto piccole donazioni per sostenere il conservatorio.
Nel 2019, l'Università di Scienze Applicate di Kalaidos è stata venduta al Gruppo Klett. Quest'ultimo ha deciso di chiudere l'Università di Musica Kalaidos nell'estate del 2027. Ciò significa che la storia degli studi musicali privati in Svizzera si concluderà la prossima estate dopo centoquattordici anni.

Ammetto che quando sento parlare della carenza di personale qualificato nelle scuole di musica, a volte piango silenziosamente questa opportunità di formazione privata. Ma no, non vedo alcun modo per riportarla in vita.

Al termine del Master in Pedagogia, gli insegnanti hanno acquisito conoscenze e competenze sufficienti in campo artistico e pedagogico per essere perfettamente attrezzati per la loro professione di insegnanti di musica. I tirocini, in particolare, sono una parte importante del programma. A questo proposito, vale la pena di seguire il progetto pilota della HKB con la scuola di musica di Oberemmental, che inizierà nell'autunno del 2026: gli studenti insegneranno a tre-cinque bambini presso la scuola di musica di Oberemmental per tutta la durata del Master. Saranno accompagnati da docenti di didattica della HKB e da insegnanti di tirocinio della scuola di musica. Riceveranno una retribuzione conforme alle norme cantonali in materia di stipendi e agli studenti di musica potranno essere offerte lezioni a tariffa ridotta. È possibile che un progetto di questo tipo aumenti l'attrattiva di un master in pedagogia. Perché vediamo un problema: oggi si formano troppi studenti di master, nessuno dei quali avrà mai una carriera valida, mentre la carenza di insegnanti di musica specializzati (soprattutto di chitarra e pianoforte) è già una realtà. Anche gli insegnanti di rock/pop e jazz sottolineano ripetutamente che le università musicali offrono troppo pochi posti di studio in quest'area e che questi corsi di laurea dovrebbero essere più aperti alla diversità stilistica, il che potrebbe in ultima analisi giovare anche agli studenti del Master in Educazione musicale classica, che spesso devono insegnare pop/jazz nel loro lavoro quotidiano nelle scuole di musica.

Vita lavorativa quotidiana

I giovani insegnanti di musica non sono preparati al fatto che è praticamente impossibile lavorare 100% come insegnante di musica se non si lavora in un liceo o in un istituto di formazione per insegnanti. Nemmeno se si insegna uno strumento popolare come il pianoforte.
Il Curriculum 21 prevede periodi di blocco e il numero di lezioni settimanali è stato aumentato. Anche se nel Cantone di Berna, ad esempio, è possibile, a determinate condizioni, chiedere ai genitori di esonerare i propri figli dalle lezioni scolastiche per consentire loro di frequentare le lezioni della scuola di musica durante questo periodo, la realtà è che gli insegnanti della scuola di musica sono spesso in grado di iniziare l'insegnamento solo nel tardo pomeriggio. Possono quindi insegnare dalle 15.30 alle 21.00, possibilmente senza pause, in modo da poter insegnare al maggior numero possibile di alunni. A seconda del cantone, un carico di insegnamento completo consiste in 37 lezioni settimanali di 40 minuti ciascuna, fino a 58 lezioni di 30 minuti ciascuna, come nel caso del cantone dei Grigioni, ad esempio. Ciò è aggravato dal fatto che l'insegnante deve spesso spostarsi da un luogo all'altro in questo stretto lasso di tempo per le lezioni.
Il capitolo 1 della ricetta per una buona lezione di musica descrive ciò che un insegnante di musica ideale dovrebbe ottenere, e allora mi chiedo se „l'occhio attento e l'orecchio analitico“ non si stancano se sentono e vedono solo 10-11 allievi per mezz'ora di fila ogni giorno, senza una breve pausa tra l'uno e l'altro per consentire loro di elaborare brevemente le loro impressioni. Tanto di cappello agli insegnanti di musica che riescono a rendere le lezioni di musica divertenti per la maggior parte del tempo: nei 30 minuti di lezione, l'allievo deve arrivare per primo, disfare il suo strumento, magari raccontare qualcosa molto velocemente o sbadigliare molto perché la giornata è già stata lunga e impegnativa. Poi bisogna fare domande, spiegare qualcosa, introdurre un nuovo brano, duettare e improvvisare. Tutto questo in 30 minuti e sempre di buon umore, rispondendo sempre a ogni allievo individualmente e facendo in modo di non sottoporlo o sovraccaricarlo.
A volte la situazione si alleggerisce un po' se si insegna anche a qualche allievo adulto che ama seguire le lezioni al mattino o all'ora di pranzo. Oppure lavorate ancora come insegnanti di musica nella scuola primaria, dove le lezioni sono integrate nell'orario. Forse vi esibite come musicisti solisti o in un'orchestra. Le prove per i concerti possono essere programmate per la mattina, ma i concerti, se non si svolgono nel fine settimana, rientrano nel tempo prezioso in cui si potrebbe insegnare. È inoltre difficile organizzare la vita familiare con i figli quando si lavora praticamente tutte le sere e nei fine settimana.
Fortunatamente, i musicisti sono creativi e resistenti e di solito trovano un modo per organizzare le loro vite complicate con la professione più bella del mondo.

Possibilità di miglioramento

È molto importante che le scuole di musica e le scuole primarie lavorino bene insieme, in modo che le lezioni individuali di musica non siano viste come una concorrenza dirompente alle lezioni della scuola primaria, ma come un'importante aggiunta che deve essere integrata. Se i bambini si dedicano a un'attività complessa come le lezioni di canto strumentale o solista una volta alla settimana - preferibilmente non dopo un'intera giornata di scuola, quando sono già stanchi - questo favorisce la loro creatività, la loro capacità di concentrazione e la fiducia in se stessi, con effetti positivi sul loro comportamento e sulla loro capacità di apprendere durante le lezioni scolastiche.
I politici dovrebbero aumentare il budget per le sovvenzioni alle lezioni di musica, invece di tagliarlo, in modo che il maggior numero possibile di bambini provenienti da famiglie a basso reddito possa prendere lezioni di musica e che la durata delle lezioni sia tale da consentire anche lezioni significative. Le lezioni di musica non devono degenerare in una catena di montaggio.
Siamo in attesa del Canton Argovia, dove il messaggio sulla prima lettura della revisione dell'insegnamento strumentale andrà in autunno al Gran Consiglio.
Quanto possa essere dannoso risparmiare sulle lezioni di musica lo si può vedere nella città di Coira, dove la scuola elementare di musica si svolgeva al mattino durante gli orari di blocco in lezioni a metà classe. Tutti i bambini ci andavano volontariamente, perché altrimenti avrebbero dovuto essere seguiti privatamente durante le ore di blocco. Oggi le lezioni si svolgono nel pomeriggio e i bambini devono essere iscritti, cosa che spesso le famiglie con un basso livello di istruzione non fanno. In questo modo Coira risparmia 40.000 franchi, ma molti bambini perdono il sostegno di base, mentre gli insegnanti di musica primaria non hanno più uno stipendio.

La direzione di una scuola di musica ideale sostiene gli insegnanti di musica impiegati nel loro lavoro quotidiano, comunica in modo trasparente quando deve assegnare del lavoro supplementare e si assicura che gli insegnanti possano comprendere l'assegnazione dei carichi di lavoro. Riconosce quando qualcuno si sente svantaggiato e cerca il dialogo con l'insegnante interessato.
La direzione della scuola di musica è consapevole del fatto che la maggior parte degli insegnanti non ha un posto fisso nella propria scuola, il che significa che deve svolgere diversi lavori, sia come insegnante di musica, sia come musicista o in un'area disciplinare completamente diversa. Capisce quindi che l'insegnante non può essere sempre disponibile per tutti i compiti scolastici al di fuori dell'insegnamento vero e proprio, perché questo può portare a scontrarsi con gli impegni per altri lavori. Riconosce che chi ha un carico di lavoro molto ridotto non può assumersi tanti compiti aggiuntivi (riunioni, presentazione di strumenti, convegni, conferenze con i genitori) come chi ha un carico di lavoro elevato.
La direzione della scuola di musica mette a disposizione aule piacevoli con luce naturale e pianoforti accordati nella scuola di musica, ma anche in aule esterne come le aule della scuola primaria, oltre a un'infrastruttura adeguata in generale.
Facilita varie forme di esibizione degli studenti, crea le basi per le lezioni e le esibizioni d'insieme e assiste al maggior numero possibile di concerti degli studenti. Il suo feedback è benevolo e costruttivo, in modo che l'insegnante possa accettare le critiche che riceve perché si sente apprezzata.
La direzione della scuola di musica pensa in modo strategico, è fantasiosa quando si tratta di creare nuove aree didattiche aggiuntive e accoglie anche le idee creative degli insegnanti, verificando se possono essere realizzate. In particolare, per le lezioni agli adulti, propone offerte di abbonamento flessibili che potrebbero attirare altri allievi.

La direzione della scuola di musica è ben collegata in rete e cerca di migliorare la situazione lavorativa dei suoi dipendenti in collaborazione con le associazioni delle scuole di musica, facendo campagne per rendere possibili le lezioni di musica durante il normale orario scolastico e per far sì che la progettazione di nuovi modelli scolastici tenga conto del fatto che deve esserci spazio per le lezioni di musica in termini di tempo e luogo. In generale, in politica sostiene che le lezioni di musica non devono essere viste come un hobby poco importante, ma come una parte importante di un'educazione completa.
Collabora con altre scuole di musica, con le associazioni delle scuole di musica e con le associazioni professionali degli insegnanti di musica per creare una base legale che permetta di ottenere sovvenzioni sufficienti per la più ampia gamma possibile di lezioni.

Politica

Questo ci porta alla politica e alla questione di come possa sostenere buone lezioni di musica: I politici che sostengono l'educazione musicale sanno che un ambiente favorevole all'educazione musicale non è economico. Resistono alla tentazione di tagliare i fondi per le lezioni di musica perché sanno che diversi studi hanno dimostrato che le lezioni di musica sono estremamente benefiche per lo sviluppo del cervello, anche se i primi tentativi con uno strumento suonano ancora male. Capiscono che le lezioni di musica sono quindi un importante investimento per il futuro. E riconoscono che i bambini e i giovani che ricevono una formazione musicale hanno maggiori probabilità di entrare a far parte di un club musicale o di un coro in seguito, cioè di club che arricchiscono la vita culturale della comunità. Per questo motivo, prevedono un budget ragionevole per le lezioni di musica e, nell'ambito della politica educativa, si impegnano a garantire che lo spazio per le lezioni di musica non venga dimenticato nella pianificazione delle lezioni della scuola dell'obbligo. Nella politica dell'istruzione superiore, si impegnano a garantire la formazione di un numero sufficiente di insegnanti di musica in tutte le materie classiche e pop/jazz, e forniscono le risorse finanziarie per questi corsi di laurea.

Ringrazio i colleghi che hanno risposto così numerosi al mio primo sondaggio all'inizio di novembre e al secondo all'inizio di gennaio. Il grande interesse per la „ricetta per una buona educazione musicale“ e la qualità delle risposte dimostrano il grande potenziale che esiste nella SSPM e che gli insegnanti di musica non si limitano a insegnare come un profano potrebbe immaginare, ma che pianificano il loro lavoro di educazione musicale con attenzione, mettendoci cuore e anima e riflettendo regolarmente sul loro atteggiamento verso di esso e quello degli altri coinvolti.
Se cito un membro della SMPV, il suo nome appare tra parentesi.

Gli alunni

All'insegnante di musica ideale si aggiungano due o tre manciate di studenti di età diverse. L'ideale è che siano tutti curiosi di conoscere la musica e lo strumento, e che lo abbiano scelto consapevolmente e non solo perché lo volevano i genitori. Hanno una mentalità aperta e rispondono a ciò che l'insegnante dice loro, ma non si fidano ciecamente dell'insegnante, bensì sono in grado di capire cosa è giusto per loro e cosa no. Gli studenti adulti, in particolare, dovrebbero rispettare i loro insegnanti ma non „guruzzarli“. „Sono onesti con l'insegnante e gli dicono se hanno praticato o meno. Così l'insegnante può adattarsi alla situazione“. (Nadia Minder)
È un vantaggio se hanno talento e musicalità. Non importa se sono nati con questo talento o se sviluppano un senso per i toni pesanti e leggeri, per il fraseggio e per le agogiche e le dinamiche appropriate a un particolare stile ascoltando un'ampia varietà di musica in diversi stili e lavorando con l'insegnante di musica.

Hanno aspirazioni e obiettivi musicali e una certa ambizione di raggiungere questi obiettivi e quindi la motivazione a esercitarsi senza sviluppare un malsano accanimento. A seconda dell'età, imparano a lavorare in modo indipendente e a chiedere aiuto all'insegnante quando raggiungono i propri limiti. „Gli alunni contribuiscono alla qualità dell'insegnamento attraverso il loro impegno attivo, la loro capacità di lavorare in modo indipendente e la loro volontà di impegnarsi in un processo impegnativo, a volte scomodo.“ (Hekmat Homsi)
Hanno il coraggio di provare cose diverse, di improvvisare e di interpretare sempre i singoli passaggi in modo leggermente diverso per scoprire quale interpretazione sembra più appropriata in un determinato momento - il tutto nell'ambito delle loro attuali capacità tecniche. Capiscono che senza una sana dose di diligenza le loro capacità tecniche non miglioreranno, ma che se le amplieranno avranno a disposizione molti più strumenti per creare i colori e i suoni desiderati.
Si divertono a fare musica, da soli ma anche in collaborazione con altri, sia in orchestre e cori che in formazioni più piccole. Idealmente, provano o sviluppano più gioia nel partecipare alle audizioni piuttosto che paura e hanno il coraggio di abbandonare gli spartiti e di cantare e suonare a memoria.

Sono pazienti se qualcosa non funziona subito e provano ancora e ancora.
„Vorrei che genitori e studenti sviluppassero una maggiore comprensione del fatto che l'apprendimento non è un download istantaneo come un prompt di ChatGPT, ma un processo che richiede pazienza, perseveranza e pratica ripetuta“. (Kateryna Timokhina)

L'educazione musicale ha particolare successo se i ragazzi hanno voglia di suonare, sono un po' sfacciati, testardi, ma anche sensibili e appassionati, e se sanno non solo suonare ma anche ascoltare se stessi e gli altri.

 

I genitori

I genitori ideali sono quelli che sostengono i figli nei loro sforzi musicali senza metterli sotto pressione con obiettivi inutilmente alti.
Tuttavia, possono richiedere ai loro figli una certa dose di perseveranza durante la pratica.
„Mi ha colpito quello che mi ha raccontato la ciclista Marlen Reusser: da bambina voleva davvero imparare il violino. I suoi genitori le dissero che avrebbe potuto farlo se si fosse impegnata per due anni e se si fosse esercitata per 20 minuti al giorno. Così fece, si esercitò ancora di più e si iscrisse alla classe speciale di musica. In seguito ha deciso di dedicarsi al ciclismo, ma la musica rimane una risorsa“. (Ursula Krummen Schönholzer)

È motivante per gli allievi quando i genitori li ascoltano, a casa ma anche alle audizioni. Gli elogi sinceri sono utili e, se qualcosa non va, anche le critiche benevole e le parole di incoraggiamento possono aiutare. È utile che le lezioni di musica e le esercitazioni abbiano un posto fisso nel programma settimanale del bambino, che non venga toccato, e che i genitori mostrino al bambino il rispetto per l'insegnante di musica.
Da continuare

Gli ultimi anni sono stati dedicati alla ristrutturazione dell'associazione, nel corso della quale la SSPM si è ridefinita come organizzazione puramente professionale dopo aver esternalizzato la collaudata formazione musicale professionale privata. Ora, con la conferma dell'adesione all'USS, è stata posta un'ulteriore pietra miliare che avrà un impatto duraturo sulla nuova immagine della SSPM. La SSPM è ora giovane, attiva, combattiva e piena di idee.
I primi frutti sono già evidenti: ad esempio, la SSPM è stata invitata alle audizioni sul Messaggio culturale 2029 - 2032 - cosa che sarebbe stata inimmaginabile solo pochi anni fa! La SSPM si è trasformata in un partner attivo, affidabile, comunicativo e forte nel settore culturale e si è definitivamente lasciata alle spalle l'introspezione.

Molti sindacati si riuniscono nell'USS e discutono di obiettivi comuni senza perdere di vista i propri obiettivi individuali. È come un'orchestra in cui ogni singolo strumento conta individualmente, ma solo la totalità di tutti produce un suono complessivo piacevole. Questa unione crea una forza che va ben oltre i risultati che i singoli sindacati e le singole organizzazioni professionali possono raggiungere. È per questo che vale la pena di essere membri, perché le nostre questioni, che per la maggior parte degli svizzeri non sono importanti, grazie a questo organismo acquistano un peso che la SSPM non potrebbe mai dare da sola.
L'adesione è persino utile quando vengono trattati argomenti che non riguardano direttamente noi insegnanti di musica. Ci riguardano perché il nostro vicino potrebbe ottenere migliori condizioni di lavoro, essere più felice e salutarci più amichevolmente. Oppure ci riguardano perché possiamo seguire le nostre preoccupazioni in una seconda fase.

Siamo una comunità e stiamo tutti bene solo se stanno i più poveri e i più deboli tra noi. È come un'orchestra, che vale quanto il suo membro più debole. Rafforzare i deboli significa rafforzare la comunità e quindi tutti.

Nella nostra epoca di individualizzazione, la comunità è un contrappeso molto prezioso che deve essere coltivato, anche se non è in voga. È la solidarietà con gli altri, la compassione, che rende forte la comunità e crea un senso di unione. E questo è probabilmente il miglior rimedio contro l'invidia, l'odio e la solitudine che purtroppo oggi incontriamo troppo spesso.
Questo è un motivo molto importante per far parte di un'associazione: unisce persone con interessi simili o addirittura uguali, crea una rete, una sensazione di unione, di sostegno, che contrasta l'isolamento collettivo. Oggigiorno può essere „"poco cool" essere organizzati in un'associazione o addirittura svolgervi un'attività di volontariato e di consiglio non retribuito, ma è proprio ciò di cui c'è bisogno al giorno d'oggi. Siamo creature sociali che hanno bisogno di stare insieme per essere felici.

La SSPM vive questa comunità, ne coltiva la rete ed è aperta a tutti gli insegnanti di musica professionisti che vogliono farne parte. Perché solo insieme siamo forti.

Con queste premesse, la SSPM vi augura un nuovo anno ricco di successi e di soddisfazioni! Insieme alle altre associazioni del settore musicale e all'USS, la SSPM continuerà a difendere gli interessi degli insegnanti di musica! Che tutti insieme possiamo essere forti!

Cominciamo dai genitori:
Zoltan Kodaly aveva già capito che l'educazione musicale inizia 9 mesi prima del parto della madre.
Tuttavia, anche le madri che non hanno avuto il beneficio di un supporto musicale prenatale possono spezzare la catena. È importante che genitori, nonni e altri luoghi dedicati cantino e facciano musica con i bambini. Pertanto, oltre ai programmi di musica precoce offerti dalle scuole di musica, è importante che si faccia molta musica a casa. Non è necessario che sia di alto livello; i giochi ritmici con cucchiaio e forchetta possono avere un grande impatto.

E naturalmente cantare, cantare, cantare. Non è necessario che siano canzoni composte. Perché non cantare spontaneamente i giochi di parole invece di pronunciarli?
In genere ai bambini piccoli piace muoversi e cantare spontaneamente. Bisogna solo lasciarli fare e sperare che i vicini siano tolleranti.

Man mano che i bambini crescono, ci si rende conto che pochissimi bambini sono dotati di tutti i tipi di talento e che i genitori devono decidere insieme al bambino in quale area deve ricevere un sostegno speciale. Questo dovrebbe corrispondere alle inclinazioni e alle capacità del bambino. È difficile, ma non impossibile, incoraggiare sia la musica che lo sport, perché entrambe le aree possono essere coltivate con successo solo con un alto livello di impegno. Ciò richiede una buona gestione del tempo e la definizione delle priorità. Finora la teoria è stata quella di sostenere il maggior numero possibile di aree. Tuttavia, la maggior parte dei bambini è molto sovraccarica di queste sfide. Inoltre, spesso devono trascorrere due o tre ore al giorno a contatto con i media elettronici. C'è da stupirsi che gli psicologi infantili siano così pieni di lavoro?

Quando per un bambino arriva il momento di imparare uno strumento, è estremamente importante che l'ambiente in cui vive elogi l'attività musicale e lo motivi a migliorare sempre di più in questa attività. Le società sportive se ne sono rese conto da tempo e offrono sessioni di allenamento più volte alla settimana. Va da sé che i genitori sono tenuti a sostenere pienamente le attività dei loro figli. Se le scuole di musica guardano ai club sportivi, è assolutamente chiaro che una lezione individuale di 30 minuti a settimana non è sufficiente. Sono necessarie soluzioni personalizzate. Un allievo sarà motivato se potrà suonare in un ensemble; un buon allievo di pianoforte sarà meglio supportato con una seconda o addirittura terza lezione settimanale di pianoforte. Non bisogna dimenticare, tuttavia, che gli obiettivi dell'allenamento in un club sportivo possono essere di solito raggiunti meglio nella musica con un allenamento mirato a casa, se l'allenamento viene effettivamente svolto. È importante che gli obiettivi giornalieri (compresi i tempi) vengano raggiunti sia quando ci si esercita sia quando si fanno i compiti a scuola. Il tempo libero da scuola deve essere pianificato il più spesso possibile. Questo dovrebbe includere anche finestre di tempo libero o di gioco all'aperto.

Dato che la settimana scolastica di cinque giorni è di solito rigorosamente programmata e che anche le varie attività del tempo libero dovrebbero avere il loro posto, è certamente sensato non stipare anche i fine settimana.

Torniamo alle attività musicali: I benefici del Curriculum 21 sono discutibili. Tuttavia, uno dei punti focali di questo curriculum è che gli alunni (SuS) non acquisiscono principalmente conoscenze, ma sviluppano competenze. Applicato alla musica, ciò significa che gli alunni si sviluppano come esperti nel campo della musica. In altre parole, non imparano a suonare un pezzo in una certa misura, ma imparano - idealmente grazie a un'auto-realizzazione guidata - perché suonano il pezzo su cui hanno lavorato proprio in questo modo. Questo aiuta la motivazione intrinseca ad ampliare le proprie capacità musicali. Va da sé che l'insegnante dovrebbe essere piuttosto cauto con le correzioni vere e proprie. Dovrebbe invece discutere il motivo per cui un passaggio potrebbe suonare meglio in questo modo piuttosto che in un altro.

Man mano che progrediscono nello strumento, le scuole di musica, ma anche i genitori autorizzati (e obbligati!), dovrebbero dare agli allievi l'opportunità di esibirsi in vari concerti. Entrare a far parte di un'orchestra o di un gruppo di fiati è un grande vantaggio.

Con Yvonne Naef perdiamo un'artista e un'insegnante straordinaria, il cui operato ha lasciato un segno indelebile in molte persone.

Yvonne Naef ha trascorso gran parte della sua vita sul palcoscenico. Mezzosoprano di fama internazionale, ha cantato nei più importanti teatri lirici e festival, tra cui il Metropolitan Opera di New York, la Scala di Milano, l'Opera di Zurigo, l'Opéra Bastille e il Festival di Bayreuth. Sul palcoscenico la sua presenza artistica si esprimeva con grande autorevolezza e chiarezza. Ruoli come Fricka (Die Walküre), Brangäne (Tristan und Isolde), Didon (Les Troyens) o Eboli (Don Carlos) non erano mai per lei semplici dimostrazioni di abilità, ma prendevano vita grazie alla sua particolare musicalità e forza creativa. Tuttavia, la sua influenza andava ben oltre il palcoscenico e si manifestava anche nel suo pensiero artistico, nel suo lavoro pedagogico e nella sua attività umana.

Al centro della sua comprensione musicale c'era sempre la musica stessa. Per lei cantare non era un semplice atto interpretativo, ma un coinvolgimento consapevole nell'opera, nel testo e nel momento. Possedeva una grande padronanza tecnica, ma non l'ha mai considerata qualcosa che dovesse essere in primo piano. Per lei era fondamentale l'atteggiamento di aprire uno spazio alla musica e lasciarla agire. Da ciò derivavano quella profondità e quella presenza che molti consideravano inconfondibili.

Yvonne Naef era una figura autorevole. La sua presenza era chiara, imponente e di notevole intensità. Non aveva bisogno di affermare nulla né di aggiungere nulla. Il suo rapporto con l'arte era caratterizzato dall'umiltà, non nel senso di modestia, ma come rapporto serio con qualcosa di più grande di sé.

Questo atteggiamento ha influenzato anche la sua attività pedagogica. Yvonne Naef lavorava con la persona nella sua totalità, con un'attenzione sempre calorosa, che allo stesso tempo stimolava e sosteneva, e in cui trovava spazio anche il suo sottile umorismo. Suono, linguaggio, corpo e postura costituivano per lei un'unità indivisibile. Sapeva come guidare il corpo in modo da liberare la voce e come la tecnica potesse diventare una base affidabile che rendesse possibile la dedizione. Il suo insegnamento non mirava agli effetti, ma alla sincerità e alla capacità.

Come insegnante era molto esigente, ma sempre animata dal rispetto per l'arte e per le persone che si affidavano a lei. Aveva un occhio attento allo sviluppo dei talenti e ha accompagnato molti giovani cantanti nelle fasi decisive della loro crescita artistica e personale.

Yvonne Naef lascia un segno nelle voci e nei percorsi di vita e ha suscitato in molti una profonda comprensione di ciò che significa dedicarsi alla musica con dedizione e sincerità. Per molti è diventata una figura di riferimento, che ha reso possibile lo sviluppo e ha fatto crescere la fiducia nel proprio percorso.

Ci mancherà come artista, insegnante e persona straordinaria. Le siamo grati per tutto ciò che ha dato.

 

La SMPV piange la scomparsa di Yvonne Naef, che per molti anni è stata fedele all'associazione e che un tempo aveva conseguito il diploma di insegnante proprio presso la SMPV.

Il 29 marzo, i delegati hanno deciso di ritirare la SSPM dalla federazione sindacale perché i contributi dell'USS erano semplicemente troppo onerosi per il bilancio. Alcuni delegati hanno criticato il fatto di non vedere alcun beneficio concreto nell'adesione. Tuttavia, i delegati hanno anche dato mandato al Comitato centrale di negoziare condizioni migliori con l'USS.
Il risultato di questi negoziati è stato presentato al AD dell'8 novembre:

La SSPM può passare allo status di associato. In concreto, ciò significa che le quote associative saranno ridotte di circa 50%, ma il rappresentante dell'associazione perderà il diritto di voto alle riunioni del Consiglio direttivo dell'USS.

Durante le trattative, tuttavia, il Comitato centrale si è concentrato non solo sul prezzo, ma anche sulla questione dei vantaggi concreti che la SSPM avrebbe tratto dal continuare a far parte dell'USS. Insieme all'USS, ha elaborato un programma di lavoro per gli anni a venire: "Naturalmente, il lavoro del sindacato deve essere svolto in primo luogo dalla SSPM e soprattutto del comitato centrale stesso. Deve individuare e analizzare i problemi più urgenti e raccogliere il materiale necessario. Tuttavia, l'USS deve sostenerla con consigli su quale approccio sia più promettente in ciascun caso. Deve informarli quando è il momento ideale per un'iniziativa su questo o quel tema e quali sono i punti di contatto migliori per farlo. Deve inoltre fornire loro i contatti diretti con i politici che prendono le decisioni in materia.

Quali punti contiene il programma di lavoro?

L'obiettivo principale è quello di migliorare lo status della professione di insegnante di musica. Il Comitato centrale ritiene quindi molto importante che si arrivi a una tutela del titolo per questa professione. Soprattutto perché nei prossimi anni molti insegnanti di scuole di musica andranno in pensione, è fondamentale che la professione sia regolamentata e che insegnanti poco preparati o con una formazione solo artistica ma non pedagogica non assumano questi incarichi. Questo dovrebbe evitare che la qualità dell'insegnamento nelle scuole di musica diminuisca. Tuttavia, si tratta anche di una misura contro l'abbassamento dei salari. Gli insegnanti poco preparati guadagnano meno e i cantoni, i comuni e le organizzazioni promotrici potrebbero abituarsi a questo.

In questo senso, è anche importante che ci siano più posti di formazione Master of Arts in educazione musicale per quegli strumenti in cui la carenza di lavoratori qualificati è imminente o è già un dato di fatto. Allo stesso tempo, devono esserci nuovi e significativi programmi di formazione per i musicisti con una formazione puramente artistica, che consentano loro di ottenere una post-qualificazione completa per il lavoro di educazione musicale senza dover studiare nuovamente il loro strumento principale in un normale programma di master in pedagogia, in cui sono già qualificati da tempo. Il CSUMS e l'ASSM stanno già cercando soluzioni concrete in questo senso, ma anche l'appoggio della SSPM e il sostegno politico dell'USS non possono certo nuocere.

Per la SSPM e per tutte le altre associazioni che rappresentano i professionisti della cultura che insegnano musica, danza, teatro o arti visive, è importante per due motivi che siano riconosciute in tutta la Svizzera come "organizzazioni di professionisti della cultura". In primo luogo, ciò consentirebbe loro di avere voce in capitolo in futuro, ad esempio quando verrà negoziato un nuovo messaggio culturale, e in secondo luogo, dovrebbero essere prese in considerazione al momento dell'assegnazione dei finanziamenti KUOR. Il secondo punto in particolare è il motivo per cui ci viene sempre detto "Voi siete l'istruzione, non la cultura". È qui che abbiamo bisogno che l'USS si metta in contatto con i politici.

Questi sono i tre compiti principali che sono difficili da risolvere e richiedono tempo.

Il programma comprende anche compiti minori, ma ugualmente importanti, come garantire che anche le scuole di musica private di ogni tipo paghino i contributi sociali e che non ci sia un falso lavoro autonomo. È necessario affrontare il problema dei contratti di lavoro a catena, vale a dire che le università non dovrebbero assumere in modo permanente docenti che insegnano gli stessi corsi da anni con un carico di lavoro inferiore a 10%. Inoltre, è necessario abbassare la soglia d'ingresso per i lavoratori autonomi che possono iscriversi al Fondo pensioni per la musica e l'istruzione. L'insegnamento della musica diventerà un settore prioritario per poter intervenire contro il dumping salariale nelle regioni periferiche con molti pendolari transfrontalieri.

Non abbiamo dimenticato l'importante problema della strisciante riduzione del personale delle scuole di musica, che potremo affrontare in modo significativo solo con la prossima revisione della legge sull'assicurazione contro la disoccupazione.

"Sarebbe un paradiso per gli insegnanti di musica in Svizzera!", ha dichiarato Wolfgang Pailer, che si è battuto contro la permanenza della SSPM nell'USS perché dubita che la SSPM riceva davvero questo sostegno dall'USS.

Il comitato centrale si impegna ad affrontare con determinazione i suddetti compiti e a responsabilizzare l'USS affinché gli fornisca il supporto negoziato.
E invita voi, cari insegnanti di musica qualificati in Svizzera, che purtroppo non fate ancora parte dell'associazione, ad aderire alla SSPM perché con ogni adesione aumenta il peso delle iniziative della SSPM per gli insegnanti di musica dipendenti e autonomi in Svizzera, affinché un giorno prevalgano davvero "condizioni paradisiache".

Nel breve periodo di dieci giorni sono stati ricevuti circa settanta testi molto diversi tra loro in risposta a questo sondaggio. Questa meravigliosa ricchezza di risposte dimostra quanta conoscenza e competenza in materia di educazione musicale confluisca nella nostra associazione, e quanti punti focali individuali siano stati fissati dai singoli membri.
I membri della SMPV concordano sul fatto che l'insegnante debba avere una buona padronanza del proprio strumento, che debba esibirsi il più spesso possibile e che debba riconoscere le sottili differenze stilistiche. Ci si aspetta che l'insegnamento sia piacevole. Più della metà delle risposte afferma che le lezioni di musica dovrebbero essere divertenti.

I membri sono in disaccordo sul fatto che la responsabilità di una buona lezione di musica ricada esclusivamente sull'insegnante o su quanto gli allievi debbano contribuire, su quanto siano importanti le buone condizioni quadro fornite dalla scuola di musica e se anche l'atteggiamento e la collaborazione dei genitori abbiano un'influenza decisiva sulla qualità delle lezioni per bambini e ragazzi.

Le qualità che i singoli insegnanti considerano particolarmente importanti dipendono molto dalla loro situazione, se insegnano a bambini in età scolare in una scuola di musica o se la loro classe è composta quasi esclusivamente da adulti, o se si concentrano sull'educazione musicale precoce. Chi impartisce solo lezioni individuali avrà un'attenzione diversa rispetto a chi impartisce lezioni di gruppo e insegna musica da camera. Anche lo strumento insegnato influisce sull'attenzione: per un pianista è particolarmente importante uno strumento buono e ben accordato, mentre per un cantante è più importante una buona acustica in classe.

Cercherò ora di mettere insieme i tanti punti di vista in una ricetta per la lezione di musica ideale, senza dimenticare che un buon insegnante di musica ripensa costantemente e talvolta cambia il proprio punto di vista.

Se cito dei colleghi, i loro nomi sono tra parentesi.

Una ricetta per una buona educazione musicale

Parte 1 L'insegnante di musica

Per ottenere buone lezioni di musica, è necessario un insegnante di musica ben preparato sul proprio strumento e appassionato di musica, del proprio strumento e dell'insegnamento.
È molto abile tecnicamente sul suo strumento ed è in grado di insegnare questa tecnica a un'ampia varietà di allievi in modo personalizzato. Ha una "scatola magica" da cui può sempre tirare fuori dei trucchi per risolvere facilmente problemi tecnici presumibilmente molto difficili. Grazie al suo orecchio analitico e ai suoi occhi attenti, riconosce i problemi tecnici fin dall'inizio e poi costruisce ponti sui punti pericolosi insieme agli allievi. È sicura di sé dal punto di vista stilistico ed è brava a trasmettere le sottigliezze stilistiche, permettendo agli studenti di sperimentare da soli quali sono gli accenti, le dinamiche e le agogiche migliori per entrare nel flusso di uno stile particolare. "Le lezioni di musica che aprono le orecchie a diversi stili musicali permettono ai musicisti di scoprire le proprie preferenze. È importante offrire una gamma di musica il più ampia possibile nelle lezioni di musica". (Susanna Fröhlich-Baumann)
L'insegnante di musica è empatica, benevola, paziente e spiritosa e tratta gli allievi come pari, dando sempre loro la sensazione di essere rispettati e apprezzati e che quando critica qualcosa, si riferisce sempre al problema e non alla persona. Per lei è importante "che i suoi studenti si sentano a proprio agio in classe. Per questo affronta le tensioni e poi consiglia loro di cambiare insegnante o strumento". (Elisabeth Buess) "Impacchetta tutto in piccoli e minuscoli passi in modo che gli alunni abbiano un senso di realizzazione". (Agathe Jerie) "Aiuta gli studenti a superare i blocchi che impediscono loro di esprimere la musica che sentono nel profondo". (Irene Abrigo) Guida gli studenti a staccarsi ripetutamente dal testo musicale e a improvvisare, e insegna loro ad ascoltare con attenzione. Prepara le lezioni con cura, ma è in grado di deviare dal concetto se la situazione lo richiede. Le sue lezioni sono personalizzate per i singoli studenti e si assicura "che gli studenti non la copino, ma che trovino il loro modo personale di suonare". (Barbara Wappmann)

Si muove con sicurezza tra il sotto e il sovraffaticamento degli studenti e presta costantemente attenzione alla respirazione, alla postura e al rilassamento, insegnando tecniche per migliorarli. Rimane curiosa e stimola la curiosità degli studenti nei confronti della musica. Comunica in modo trasparente le sue aspettative nei confronti degli studenti, mostrando loro cosa si aspetta da loro e infondendo loro fiducia. "Insieme agli allievi, discute regolarmente di ciò che hanno già raggiunto, di ciò su cui vogliono lavorare e di quali potrebbero essere i prossimi obiettivi". (André Lottaz) Inoltre, dà loro compiti chiari e realistici su cui esercitarsi. Nel caso dei bambini, coinvolge anche i genitori, se possibile. Incoraggia i suoi allievi a fare musica con gli altri e mostra loro che l'audizione non è un esame in cui bisogna fare tutto bene, ma è un'opportunità per condividere la propria musica con gli altri e che è divertente.

Fine della prima parte della ricetta per buone lezioni di musica. Da continuare!

Il SSPM come associazione professionale di insegnanti di musica, è l'associazione dei dipendenti e dei lavoratori autonomi, mentre la VMS rappresenta le associazioni cantonali e le loro scuole di musica, ovvero i datori di lavoro. Entrambe le associazioni si impegnano per un'elevata qualità dell'educazione musicale in Svizzera, ma sanno che questa qualità ha anche un costo e si impegnano quindi politicamente per l'utilizzo di risorse finanziarie sufficienti per l'educazione musicale a tutti i livelli.
Parlo con Philippe Krüttli, Presidente del VMS, del rapporto tra le nostre due associazioni, di come si è sviluppata la nostra collaborazione e di quali sono i punti in cui vede ancora margini di miglioramento in questa collaborazione:

Caro Philippe, congratulazioni per il vostro anniversario e grazie per aver trovato il tempo di parlare con noi in questo periodo frenetico! Come vede il rapporto tra le nostre due organizzazioni?
Philippe Krüttli: Per lo più perseguiamo gli stessi obiettivi per quanto riguarda le buone condizioni quadro per l'insegnamento della musica, che sono sancite dalle leggi sulle scuole di musica, dalle ordinanze culturali e dalle loro modifiche. Entrambe le associazioni si battono contro il dumping salariale nel campo dell'insegnamento della musica; tuttavia, dobbiamo ammettere che la struttura salariale varia ancora molto da cantone a cantone. E ci battiamo per un migliore riconoscimento della nostra professione a tutti i livelli della società.
Naturalmente, alcuni dei vostri membri fanno concorrenza alle nostre scuole di musica con le loro lezioni private. Tuttavia, se queste attività sono regolamentate e monitorate, non è tutto negativo. La concorrenza stimola gli affari.

È vero, la nostra piattaforma di lezioni private, my-music-lessons.chfunziona abbastanza bene, ma sono soprattutto gli adulti a cercare lezioni. A parte il cantone di Sciaffusa, non possiamo offrire lezioni sovvenzionate. Ritengo che le lezioni private siano interessanti se si vogliono lezioni con un insegnante molto specifico o se non si vuole basare le proprie vacanze sulle vacanze scolastiche, ad esempio. Le lezioni private consentono una maggiore flessibilità.
È proprio questo che intendo: la vostra offerta (così come l'intero sviluppo sociale, del resto) sta costringendo le scuole di musica a ripensare la loro offerta e a diventare più flessibili. Oggi le scuole di musica propongono anche abbonamenti flessibili, corsi di musica da camera per adulti, altre forme di musica d'insieme e simili. E almeno, a differenza di altri gestori di piattaforme, avete i nostri stessi standard di qualità: i vostri insegnanti sono formati come insegnanti di musica, e con le tariffe SMPV date anche il buon esempio contro il dumping salariale.

Dove la nostra collaborazione sta già funzionando bene?
Per esempio, siamo entrambi membri fondatori dell'associazione Fondo pensione Musica e istruzione e lavoriamo in collaborazione con i programmi Giovani e musica e Giovani talenti della musica. Per esempio, abbiamo incontrato il membro della SMPV Markus Hochuli in una commissione di esperti incaricata dal governo federale di sviluppare criteri di valutazione per gli studenti di talento, e ricordo anche che la co-presidente della SMPV Annette Dannecker ha partecipato allo sviluppo del profilo professionale della VMS "inspire - accompany - empower". Lavoriamo anche a stretto contatto quando si tratta di mantenere la Schweizer Musikzeitung.

In quali ambiti abbiamo divergenze di opinione rispetto ai nostri compiti di organizzazione dei datori di lavoro e dei lavoratori?
Non vedo grandi differenze di opinione. Lei svolge il suo ruolo sindacale e noi ci assicuriamo che gli interessi delle nostre scuole di musica e dei loro dipendenti siano salvaguardati nei limiti dei nostri contratti. Non credo che come Presidente della SMPV di Berna sia dovuto intervenire spesso in gravi conflitti nelle nostre scuole di musica, vero?

Solo di recente, ma hai ragione, di solito ci sono solo problemi individuali dei singoli membri con la direzione della loro scuola di musica, che di solito possono essere facilmente risolti.
Cosa ne pensa del CLA? Negoziare un CLA è molto impegnativo, ma creerebbe una maggiore comprensione tra la dirigenza scolastica e il personale docente della posizione reciproca e risolverebbe problemi come la mancanza di un ufficio del difensore civico.
Se ne discute ripetutamente. Il Cantone di Vaud ha negoziato un CCL con il personale docente delle scuole di musica nel corso di due anni. Ma nei cantoni in cui le leggi sulle scuole di musica sono ben ponderate e i regolamenti del personale delle scuole di musica definiscono con precisione i diritti dei loro dipendenti, un CCL non è necessariamente un'opzione.

So che la carenza di personale qualificato nelle scuole di musica è un problema che preoccupa anche il VMS. Come possiamo contrastare questo problema?
I vari sondaggi che abbiamo condotto e i feedback ricevuti da numerose scuole di musica mostrano una situazione preoccupante, soprattutto per materie come il pianoforte o la chitarra. Siamo in contatto con la KMHS per trovare delle soluzioni: La formazione complementare alla formazione di base, la questione di come le persone che non hanno un master in pedagogia possano acquisire qualifiche specifiche o l'elaborazione di moduli di tirocinio che facilitino il passaggio dallo studio al lavoro sono i nostri prossimi punti di partenza per migliorare la situazione.

Philippe Krüttli, Presidente del VMS ©️VMS

Il 7 settembre alle ore 17.00, quasi trenta ascoltatori attendono con eccitazione e trepidazione il concerto organizzato dalla SMPV Schaffhausen nella magnifica sala delle corporazioni in stile Luigi XVI del Sorell Hotel Rüden di Schaffhausen. Forse è il fatto che si tratta forse dell'ultimo fine settimana bello e caldo dell'anno, forse è anche il fatto che le due giovani cantanti, Albina Asadullina, soprano, ed Elena Dietrich, mezzosoprano, sono ancora sconosciute a Sciaffusa, ma sia i musicisti che il pubblico si impegnano a tal punto che la breve delusione iniziale per la scarsa affluenza scompare quasi subito.

Il presidente del capitolo di Sciaffusa della SMPV inizia informando brevemente il pubblico che le due cantanti hanno vinto un premio speciale al concorso di canto Elvirissima di quest'anno e perché il concerto in onore della maestra di canto Elvira Lüthi-Wegmann, che altrimenti si tiene ogni anno nella chiesa del monastero di St. Katharinental vicino a Diessenhofen, quest'anno si tiene nella Zunftsaal della Zunft zum Rüden, ma poi le prelibatezze musicali iniziano subito. I cantanti danno prova della loro abilità con il Fledermaus di Johann Strauss, brillantemente e sensibilmente accompagnato al pianoforte da Maja Wüthrich. Seguono opere di Schubert, Mendelssohn, Massenet, Bellini, Vaughn Williams e molti altri - a volte canta uno, a volte l'altro, a volte le due voci molto diverse si fondono in una meravigliosa armonia per formare un duetto, ad esempio nel famoso "Duetto dei fiori" dall'opera "Lakmé" di Léo Delibes o nel piccolo pezzo spiritoso "L'arte del bacio" di Andreas Hammerschmidt. Le voci flessibili della coppia combinano senza sforzo i registri alti e bassi, i pianoforti accattivanti sono seguiti in un momento successivo da forzati che riempiono la sala, e i due danzano sul palco, passando da un ruolo all'altro con umorismo e grazia.

Uno dei momenti salienti dell'esibizione della tartara di origine siberiana Albina Asadullina è la canzone popolare tartara "Alla madre". L'intimità del brano a cappella, la leggerezza della voce della Asadullina in tutti i registri e l'immensa potenza della sua espressione lasciano il pubblico così incantato che si sarebbe potuto sentire cadere uno spillo. Anche il mezzosoprano svizzero Elena Dietrich ha questi momenti: In "Tell me the Truth about Love" di Britten o in "Der genügsame Liebhaber" di Schönberg, la ventiseienne ex studentessa di chimica dell'ETH dimostra il suo grande talento recitativo e la sua capacità di manovrare la voce senza sforzo dallo Sprechgesang attraverso morbidi passaggi lirici fino alle più alte vette. Il terzo membro del gruppo, la pianista e accompagnatrice Maja Wüthrich, proveniente dal villaggio vinicolo di Wilchingen, a Sciaffusa, non può assolutamente mancare. In questa serata, fa ciò che rende un eccellente accompagnatore al pianoforte: spesso scompare sullo sfondo, brilla nelle introduzioni, negli intermezzi e nei passaggi finali, sostiene i cantanti, li accompagna e vive con loro, e mostra le sue abilità pianistiche anche nei passaggi più impegnativi.

Il pubblico ha ringraziato i tre musicisti con un fragoroso e prolungato applauso. Dopo due bis meravigliosamente spiritosi e virtuosi, la serata del concerto si conclude. Una delizia musicale che permane a lungo e che fa desiderare di più.

Martha Gmünder è nata il 4 luglio 1937 a Teufen AR. Dopo un'infanzia felice a Teufen e Sankt Gallen, ha completato la sua formazione come insegnante di scuola primaria a Rorschach nel 1957.
Il suo desiderio di studiare musica la portò poi alla Schola Cantorum Basiliensis, dove si diplomò come clavicembalista nel 1966. È stato naturale per lei entrare a far parte dell'associazione professionale corrispondente, la SMPV, nello stesso anno e rimanere un membro attivo fino al 2016, cioè per 50 anni.
Ha insegnato clavicembalo e basso continuo alla Schola Cantorum Basiliensis e al Conservatorio di Zurigo. È stata anche un'appassionata e ricercata musicista da camera.

Martha si è sempre vista come una donna politica. La lotta per la giustizia sociale e l'uguaglianza ha caratterizzato i suoi pensieri e le sue azioni. In qualità di rappresentante del corpo docente, si è regolarmente battuta per migliorare le condizioni di lavoro al Conservatorio di Zurigo. A Pfäffikon ZH, è stata l'unico membro SP del consiglio scolastico a battersi per un insegnamento musicale professionale e di alta qualità. Per molti anni ha lavorato per la SMPV all'offerta di interessanti corsi di perfezionamento. È stata anche delegata della sezione di Zurigo alle riunioni dei delegati della SMPV.
Dopo il suo pensionamento, Martha ha assunto la presidenza della sezione di Zurigo dell'associazione dal 1999 al 2004.

Era un periodo di grandi sconvolgimenti nel panorama dell'istruzione superiore, soprattutto per i conservatori, che stavano formando nuove università insieme ad altre discipline artistiche. Quando un suggerimento del MUV/VPOD le offrì l'opportunità di concludere il primo contratto collettivo di lavoro (CLA) in una scuola di musica svizzera, presso il Conservatorio di Zurigo, non esitò un attimo. Insieme a Sybille Schuppli del MuV/VPOD, ha portato a termine questo accordo innovativo nel 2002. Un modello di contratto di lavoro e le relative norme salariali per le scuole di musica hanno fatto scalpore anche nel Cantone di Zurigo. Da allora, in molte scuole di musica sono state introdotte garanzie sul carico di lavoro degli insegnanti di musica.

Chiunque sia stato testimone del pensiero dettagliato di Martha può forse immaginare quanto l'abbia resa impotente il fatto che negli ultimi anni perdesse sempre più la memoria. È morta il 7 agosto 2025 in seguito a un ictus. Che il suo calore, il suo impegno, il suo senso della giustizia, ma anche il suo lavoro pionieristico per migliorare le condizioni di lavoro nel settore dell'educazione musicale rimangano nei nostri ricordi.

Bethli Maurer

Quando Elvira Lüthi-Wegmann fece un generoso lascito alla SMPV per la creazione di una fondazione a sostegno dei giovani cantanti in Svizzera, non immaginava che una riforma di Bologna avrebbe messo fine al programma di studi professionali della SMPV. Decretò che i premi potevano essere assegnati solo agli studenti degli insegnanti della SMPV. Oggi, possiamo almeno ammettere cantanti che siano già membri della SMPV. Tuttavia, questo esclude spesso gli studenti dei corsi di laurea in interpretazione, perché sempre meno professori universitari aderiscono alla SMPV, il che significa che purtroppo non possono inviare i loro studenti al concorso e perché per entrare a far parte della SMPV bisogna avere un master in educazione e solo gli studenti del master in educazione possono essere accettati come soci studenti.
Forse è proprio a causa di questa ristretta cerchia di persone che possono partecipare al concorso che le due giurie hanno ritenuto che il livello del concorso fosse chiaramente inferiore rispetto alle edizioni precedenti. Di conseguenza, non è stato assegnato nemmeno un primo premio! Tuttavia, potrebbe anche essere dovuto al fatto che, per caso, non si sono registrati talenti eccezionali come la grande Chelsea Zurflüh (vincitrice del 2021) o il talentuoso Evan Gray (vincitore del 2023).
Una particolarità del concorso 2025 è stata la presenza di due giurie, poiché la sezione SMPV di Schaffhausen ha donato un premio speciale sotto forma di concerto e Thomas Weiss, presidente della SMPV di Schaffhausen, si è recato a Schaffhausen insieme al pianista Jean-Charles Reber e alla cantante Daniela David come seconda giuria.

La giuria principale, presieduta da me, era composta dai membri del consiglio di fondazione, la dott.ssa Lena-Lisa Wüstendörfer e il dott. Bernhard Hunziker, dalla direttrice dell'opera del Teatro di Lucerna, la dott.ssa Ursula Benzing, e dal vice direttore dell'International Opera Studio di Zurigo, Thomas Barthel.
È piacevole ma anche sorprendente che i giudizi di entrambe le giurie coincidano ampiamente.
Parlo con Thomas Weiss (Thomas) e Thomas Barthel (Tom) di Elvirissima 2025:

Caro Thomas, caro Tom, quali sono le tue impressioni su Elvirissima 2025?

Tom BarthelPurtroppo non ero presente nel 2023, ma posso dire chiaramente che il livello tecnico del 2025 era significativamente inferiore a quello del 2021. Molti avevano problemi di intonazione, mancavano le basi della tecnica e il controllo del respiro non funzionava.

Quindi hai provato la stessa cosa? Questa volta sono rimasto molto deluso. Per nove candidati su diciassette, una delle cose che ho scritto sulle schede di valutazione è stata "L'intonazione non è facoltativa!".

Thomas Weiss:. Ho trovato anche che le basi tecniche fossero carenti. Tuttavia, quasi tutti si sono impegnati molto come attori e hanno coperto le carenze tecniche con effetti di spettacolo - ma in modo molto affascinante. Come non partecipante al pubblico, se non avessi ascoltato così attentamente, avrei trovato molte cose "abbastanza belle".
Thomas BarthelSì, in generale è stata un'annata debole. Mi chiedo se ciò sia dovuto alla pandemia di coronavirus. Questi cantanti hanno iniziato gli studi cinque anni fa o erano al primo semestre. Forse è per questo che non hanno la stabilità di una formazione di base seria.
Thomas Weiss: Ho notato un eccessivo nervosismo e tensione in molti di loro, evidente, ad esempio, nelle posture ausiliarie con le mani. E in qualche modo mancava la gioia di cantare.

Esattamente, è quasi questo che mi ha infastidito di più. Durante il feedback ho chiesto ad alcuni candidati: "Ti piace davvero cantare?".

Thomas Barthel: Lo sviluppo è sbagliato. Stiamo raggiungendo un'impasse in cui la spettacolarità è più importante delle basi tecniche, della naturalezza e della spontaneità artistica. Ciò richiede una guida chiara da parte dei docenti per farli uscire da questa impasse!

Tom, alle audizioni per lo IOS (International Opera Studio, Teatro dell'Opera di Zurigo; n.d.t.) si sentono molti cantanti provenienti da tutte le nazioni. Questo problema si riscontra soprattutto tra i giovani cantanti svizzeri o è un problema internazionale?

Tom Barthel: .Purtroppo una internazionale.

Quali consigli darebbe ai giovani cantanti e ai loro allenatori?

Tom Barthel: È necessario lavorare meglio sulle basi. Abbiamo bisogno di un'intonazione sicura, di vocali chiare e di un equilibrio vocale pulito. E poi auguro loro di avere più pazienza! Oggi, tutti vogliono avere successo e un impegno stabile entro i 22-24 anni, anche se non hanno le basi. È uno sviluppo molto malsano.

Cosa ne pensate della scelta del programma e del soggetto? Nel giro di feedback, ho chiesto ad alcune persone che non è saggio proporre per un concorso arie tratte da una vasta gamma di soggetti, e mi sono reso conto che hanno una conoscenza sorprendentemente scarsa della letteratura e sanno poco delle materie vocali.

Tom Barthel: .A un concorso o a un'audizione per un'agenzia o una casa, ci si presenta chiaramente con un unico soggetto, anche se si stanno provando diversi soggetti nel corso del proprio sviluppo e della propria formazione. Il fattore decisivo non è se si sa cantare un'aria, ma se la voce arriva all'orchestra nel punto più alto della parte a cui l'aria appartiene.

Ora abbiamo criticato molto, ma non è stato tutto negativo: abbiamo trovato cinque vincitori e, sebbene le differenze qualitative tra i cantanti fossero minori rispetto agli altri anni, entrambe le giurie sono giunte a decisioni molto simili indipendentemente l'una dall'altra. Thomas, come avete scelto?

Thomas Weiss:. Per noi era chiaro che volevamo due gamme vocali diverse per il concerto, altrimenti avremmo potuto scegliere i due mezzi che hanno vinto il secondo premio del concorso principale. Poi, naturalmente, l'espressione era molto importante per noi. E le due voci dovevano andare bene insieme.
Tom Barthel: Quello che c'è è il materiale vocale di base e il volume, anche se spesso generato dalla pressione. E la genuina espressione musicale ha anche determinato i vincitori dei premi, non è vero?

Esattamente, la musicalità e l'espressione sono state decisive. Grazie per questa intervista!

E questo è il nostro augurio per i potenziali candidati di Elvirissima 2027: lavorare sulle basi tecniche, informarsi sulle discipline vocali, ascoltare tanti colleghi professionisti, conoscere musica meravigliosa e lasciarsi ispirare senza copiarla. Dopo tutto, le basi tecniche sono solo il mezzo per raggiungere il fine di trasmettere l'espressione musicale per poter toccare il pubblico (e a volte anche la giuria) con essa.

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Da sinistra a destra: Elena Dietrich, Ambra Biaggi, Aline Brechbühl, Albina Asadullina e Valérie Fleur Ryser.
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Vincitori Elvirissima 2025

Anche se la giuria non è stata del tutto soddisfatta dello standard di Elvirissima 2025 e non ha assegnato un primo premio, questo non deve in alcun modo sminuire il successo dei nostri cinque vincitori. Essi meritano davvero i premi che abbiamo assegnato loro:
Ambra Biaggi (mezzosoprano, 2° premio ex aequo) ha colpito la giuria per la sua presenza, espressività e sicurezza stilistica, mentre la giuria ha elogiato la sua collega mezzosoprano, Elena Dietrich (2° premio ex aequo), per la sua energia, il coraggio di raggiungere una grande differenziazione dinamica e una grande espressività. Aline Brechbühl, soprano (3° premio), ha impressionato la giuria per il suo bel timbro caldo, l'espressività e gli acuti radiosi. Valérie Fleur Ryser (soprano, 4° premio ex aequo) ha fatto centro con la sua interpretazione dell'aria di Juliette di Gounod "Je veux vivre" e con il suo canto fervente, e Albina Asadullina (soprano, 4° premio ex aequo) con il suo suono dolce e la sua espressione accorata.
Il premio speciale della sezione di Schaffhausen, sotto forma di un recital in duo a Schaffhausen, è andato a Elena Dietrich e Albina Asadullina.

Congratulazioni!