È la cometa nel cielo della musica classica di Winterthur: Roberto González-Monjas, concertmaster del Musikkollegium locale dalla stagione 2013/2014, che si esibisce anche come direttore d'orchestra. Ricopre lo stesso incarico anche presso l'Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma ed è professore di violino presso la Guildhall School of Music and Drama di Londra. Da quando ha assunto l'incarico, ha dato una scossa alla vita concertistica della città di Zurigo, troppo spesso messa in ombra.

Ora ha pubblicato un CD con il Musikkollegium per l'etichetta svizzera Claves che sprizza vigore e leggerezza. Sono stati registrati i famosi Serenata Haffner KV 250 di Mozart e il Serenata op. 1 di Othmar Schoeck, con González-Monjas in veste sia di direttore che di violino solista. È sorprendente la facilità e l'accentuazione con cui l'orchestra, che a volte sembrava piuttosto ponderosa sotto il precedente direttore principale Douglas Boyd, è ora in grado di suonare.

L'opera in otto movimenti Serenata Haffner è al tempo stesso un capolavoro e la conclusione dell'opera mozartiana delle serenate. Magnificamente segnata (con l'intera sezione dei fiati) e quindi colorata, unisce l'ambizione sinfonica alla divertente leggerezza di questo genere. Come ingegnosa particolarità, Mozart ha concepito i movimenti dal secondo al quarto come un vero e proprio concerto per violino pieno di cantabilità e virtuosismo, un "cibo trovato" per il violinista González-Monjas. Con il suo stile filigranato e il suono meravigliosamente canoro del violino, egli domina la serenata per lunghi tratti, con il tecnico del suono Andreas Werner che enfatizza ancora di più la sua arte. È un po' un peccato, perché l'orchestra ha molto da offrire, come dimostra la spiritosa Serenata di Schoeck. Composta come tesi di laurea a Zurigo e rielaborata a Lipsia, l'opera è piacevole per la sua maestria, l'umorismo e la sensualità del suono: dall'apertura danzante alla magnifica sezione centrale, questo gioiello di otto minuti si fa valere in modo convincente.

Anche 14 anni dopo la fondazione dell'etichetta Ramée, ogni CD è ancora una festa per gli occhi e per le orecchie. Specializzata nella musica antica (in questo caso definita fino a poco oltre la fine del XIX secolo), Ramée non punta sulla quantità, ma porta alla luce molte rarità provenienti dalle profondità della storia della musica con interpretazioni sempre eccezionali, che vengono poi riproposte con un entusiasmo duraturo.

Tra questi tesori c'è anche la musica da camera di Franz Xaver Sterkel (1750-1817), un compositore che durante la sua vita era molto conosciuto come pianista, le cui numerose sonate e trii per pianoforte erano molto apprezzate dagli appassionati e che tuttavia (come molti della sua generazione) è stato dimenticato troppo presto con l'ascesa del romanticismo musicale. Oltre a un viaggio artistico attraverso l'Italia, i centri della sua attività non furono naturalmente Vienna, Berlino, Parigi o Londra, ma piuttosto Magonza, Ratisbona, Aschaffenburg e Würzburg - luoghi in cui Sterkel ebbe un ruolo decisivo nell'instaurare una vivace vita musicale, ma in cui rimase fedele a se stesso nonostante i cambiamenti stilistici di cui era ben consapevole: Sterkel disprezzava le presunte "arti indegne", cercando invece la "nobile semplicità", il "ritmo puro" e "l'armonia e la melodia" (1808).

Questa selezione di sonate, apparse a stampa tra il 1785 e il 1817, dimostra che egli riuscì a farlo con un linguaggio straordinariamente unico. Esse combinano una rinfrescante inventiva con un pronunciato senso della drammaturgia cameristica (sia dal punto di vista tonale che armonico). Els Biesemans (fortepiano) e Meret Lüthi (violino) mostrano quanto spazio di manovra ci sia nella loro interpretazione perfettamente eseguita. Esse chiariscono in modo affascinante il vero contenuto delle opere di Sterkel.

Il titolo dell'ultimo CD di Lisette Spinnler, Suoni tra le foglie che cadonosembra essere una chiara reminiscenza dell'autunno. Anche l'umore malinconico delle sette canzoni sarebbe in linea con questo. In un'intervista con il Badische Zeitung Tuttavia, la cantante jazz si è lasciata sfuggire che il titolo dell'album si riferisce ad altro, a un periodo di ricerca e di silenzio: "Il titolo dell'album è in realtà una metafora del periodo in cui l'ho scritto", ha spiegato.

Chiunque ascolti il CD si troverà di fronte al lavoro più introverso del musicista basilese. Le canzoni suonano come contemplazioni messe in musica, ma alcune di esse si rivelano anche contemplazioni della natura. Questo vale anche per Il sole è tramontatobasato su una poesia di Emily Brontë (1818-1848), che parla di erba che ondeggia sognante nella brezza della sera. La 41enne usa questo modello per utilizzare la sua voce con parsimonia, ma in modo molto efficace. Allunga le parti vocali, tende a sussurrare e sa come dare ulteriore peso alle parole con le sue sfumature.

Anche pezzi come La notte si sta oscurando intorno a me o Sogno silenzioso sembrano calmi, quasi del tutto gentili e tranquilli. Solo il brano scritto da Mongo Santamaria Afro Blue, l'unica cover del disco, segna la contemplazione prevalente con ritmi finemente filati di jazz latino. Le melodie giocose, uno dei marchi di fabbrica della Spinnler, non sono più così dominanti come un tempo. Invece, la musicista e i suoi tre accompagnatori al pianoforte, al basso e alla batteria si abbandonano a un suono che mira a essere virtuosistico ed equilibrato. Questo riesce e fa sì che Suoni tra le foglie che cadono non solo improvvisato, ma presentato in modo quasi artistico.

L'Istituto di Medicina Musicale di Friburgo ha pubblicato un DVD-ROM estremamente informativo. Non solo viene esaminato l'apparato vocale vero e proprio in brevi presentazioni chiare e ben strutturate, ma molti dettagli correlati sono chiaramente presentati in brevi sequenze cinematografiche. Vedere i processi coinvolti nella respirazione, nel canto e nella parola su un filmato è molto più chiaro e facile da capire rispetto allo studio di disegni e illustrazioni fisiologiche, che possono mostrare il complesso modello tridimensionale delle vie respiratorie e della laringe solo in misura limitata e, soprattutto, non nella sua funzione.

Il DVD-ROM è essenzialmente diviso in tre sezioni principali: La prima si occupa della "voce strumentale". Qui ci sono sottosezioni sulla respirazione, la laringe e il tratto vocale. Ciascuna di queste sezioni è nuovamente suddivisa in diversi sottocapitoli. Tutti i processi rilevanti sono illustrati in modo dettagliato e vivido grazie alla risonanza magnetica e a modelli 3D animati. Per esempio, possiamo osservare i cantanti mentre cantano, mentre vengono commentati e spiegati vari aspetti, impariamo i dettagli sulla formazione delle consonanti e delle vocali e sulla loro propagazione sonora nello spazio. Vengono inoltre presentate in modo realistico informazioni sulla respirazione nel parlato e nel cantato, sulla messa die voce, sulla pressione subglottica e su molti altri dettagli interessanti associati alla produzione vocale.

Il capitolo successivo è dedicato alle "forme di espressione vocale". Qui impariamo a conoscere meglio la prosodia (gli elementi musicali del discorso), i diversi generi vocali e i diversi stili di canto, dallo jodel al canto d'autore, dal pop al musical. Troviamo sottocapitoli sul canto infantile e corale, nonché sulle espressioni vocali quando si ride o si piange.
In un capitolo finale, la scienza della voce dice la sua: presenta metodi di esame, processi di misurazione della voce e programmi informatici.

Questo DVD-ROM è uno strumento utile per i cantanti e i dilettanti interessati, nonché per gli insegnanti di canto e gli studenti di didattica, in quanto fornisce informazioni complete e chiare in tedesco o in inglese in 160 minuti!

La voce. Approfondimenti sui processi fisiologici coinvolti nel canto e nella voce, Istituto di medicina dei musicisti di Friburgo (Bernhard Richter, Matthias Echternach, Louisa Traser, Michael Burdumy, Claudia Spahn), DVD-ROM, 160 minuti, Fr. 45.40, Helbling, Esslingen, ISBN 978-3-86227-258-7

Il termine "altfrentsch" si riferisce a una strumentazione di musica popolare: il trio di violino, dulcimer e bassetto (strumento a corda tra il violoncello e il contrabbasso). Questo ensemble è stato raffigurato come vignetta nella "Sammlung von Schweizer=Kühreihen und Volksliedern" del cabarettista bernese Franz Niklaus König nel 1826. La stessa raccolta contiene anche due danze appenzellesi per questo ensemble. "Altfrentsch" significa "all'antica" e deriva letteralmente dall'espressione "vecchio francone".

Nel 1998 è stato scoperto a Gonten (Appenzello Interno) un manoscritto contenente 54 danze della fine del XVIII secolo, che il Centro per la musica popolare dell'Appenzello e del Toggenburgo ha pubblicato nel 2008 con il titolo Altfrentsch pubblicato. Questa raccolta di danze, ora disponibile in una nuova edizione, contiene anche melodie straniere che sono state indubbiamente apportate da violinisti e altri musicisti itineranti.

Sul nuovo album Altfrentsch in viaggio i sei musicisti della Landstreichmusik, sotto la direzione del violinista Matthias Lincke, hanno scelto solo la metà delle 16 melodie di danza registrate dal suddetto manoscritto. I pezzi rimanenti sono registrazioni di danze alpine conservate su dischi di gommalacca della prima metà del XX secolo. Sono stati adottati non solo i vecchi brani, ma anche gli stili esecutivi storici (strumentazione, tempi, direzione della voce, intonazione, fraseggio e giri finali). Il risultato è sorprendentemente vitale e si differenzia dalle vecchie danze popolari svizzere monofoniche che sono state arrangiate appositamente per più voci, come è diventato di moda nella nuova musica popolare.

Ma l'ascolto di questa registrazione è piacevole anche perché Dide Marfurt mescola le melodie con l'arpa ebraica e altri strumenti musicali storici, Christine Lauterburg contribuisce con il suo violino e la sua voce e il musicista folk austriaco Matthias Härtel (contrabbasso), Elias Menzl (dulcimer) e Simon Dettwiler (Schwyzerörgeli) aggiungono atmosfera.

Il pianista svizzero Timon Altwegg e la violista moscovita Hana Gubenko, noti per il loro amore per la scoperta, hanno al loro attivo una nuova pubblicazione che sorprende esclusivamente con opere sconosciute di compositori ebrei. Dalla versione non datata Poesia sefardita A parte Aaron Yalom (1918-2002), sono stati tutti composti nel breve periodo dal 1972 al 2012 e sono impegnati nella forma sonata in modi molto diversi.

Le due composizioni più recenti, la 2ª Sonata di Frank Ezra Levy (nato nel 1930) e la Sonata ebraica di Graham Waterhouse (nato nel 1962), recano dediche ai due interpreti, che vanno elogiati per l'impegno profuso in tutti i brani con la stessa dedizione e convinzione.

Il brano di apertura del CD, pubblicato quest'anno da Edition Kunzelmann, è già uno dei preferiti, Poesia sefardita di Yalom, ha un grande potenziale di sorpresa. Il compositore, nato nei pressi di Ginevra da immigrati polacco-ebraici e morto a New York, ha creato un pezzo di forte individualità basato su un tema lirico e arricchito da una grande brillantezza pianistica. Anche la sonata per viola 1 di Ernst Levy, compositore, pianista e didatta nato a Basilea, ha questo carattere, poiché non ci sono indicazioni verbali di tempo o marcature di esecuzione in nessuno dei quattro movimenti.

Nel Sonata ebraica di Waterhouse, che dà il nome al CD, presenta la canzone popolare yiddish citata nel movimento centrale simile al Kaddish Oyfn Pripetshik il riferimento ebraico più chiaramente udibile al titolo dell'opera.

Le due composizioni del figlio di Ernst Levy, Frank Ezra, si rivelano un'aggiunta particolarmente gratificante al repertorio. Dal primo movimento Sonata Ricercare con i suoi frequenti cambi di tempo, la seconda Sonata si distingue per la sua eleganza francese, per il fluire fluido della melodia più accattivante e per i maggiori contrasti: punti sonori dell'organo e attacchi martellati implacabili si alternano efficacemente a ripetizioni meravigliosamente delicate di note nella viola e a ritmi jazz argutamente intercalati.

Sonata ebraica (composizioni di Aaron Yalom, Ernst Levy, Frank Levy, Graham Waterhouse). Hana Gubenko, viola; Timon Altwegg, pianoforte. Guild GMCD 7419

Questa musica difficilmente può essere ridotta a un comune denominatore. Martin Jaggi compone in modo impulsivo, persino maniacale fino all'esplosività, poi di nuovo discreto, meditativamente introverso. La diversità corrisponde a un'enorme ricchezza di mezzi. Jaggi prende ciò che aiuta ed è utile - sia che si tratti di suoni armonico-tonali, sia che si tratti del vocabolario dissonante-complesso del XX e XXI secolo, sia che si tratti della ripetizione, che il basilese, nato nel 1978, conosce bene dal minimalismo o dal rock e dal pop.

La trasformazione camaleontica non è compatibile con le esigenze di uno stile personale e distintivo. Ma chi può ancora pretenderlo? Oggi, quando il mondo è così complesso come questo Girgache Jaggi ha scritto per l'Orchestra Sinfonica di Lucerna nel 2014. Le percussioni sono dominanti, mentre gli ottoni ruvidi si mescolano agli attacchi degli archi. Ancora e ancora, ci sono cesure abissali - proprio in quei punti in cui il materiale non offre più molto. Non c'è dubbio: Jaggi ha il senso della forma.

Sono sei le opere contenute in questo divertentissimo CD ritratto di Musiques Suisses. Oltre a due brillanti lavori orchestrali, Jaggi mostra il suo lato cameristico in quattro pezzi d'insieme composti tra il 2006 e il 2013. Plod on per violino, viola, violoncello e pianoforte (2007) presenta il Mondrian Ensemble, in cui Jaggi stesso suona il violoncello. Come descrive Michael Kunkel nel libretto, c'è un "tono di fondo malinconico". In effetti, il tema sembra essere l'estinzione. Ancora e ancora, la musica raccoglie forza per poi crollare con rassegnazione. Jaggi si dimostra ancora una volta un artista dal cambio rapido, e in effetti un musicista a tutto tondo. Oltre al cupo, al rauco, al brutale e al sottile, c'è qualcos'altro: il virtuosismo, sia da parte degli esecutori che del compositore.

Ritratto Martin Jaggi; Musiques Suisses (ritratto Grammont), CTS-M 146

Hans-Jürg Sommer ha insegnato chitarra come insegnante di musica professionista per circa quarant'anni, ma è anche un rinomato suonatore di corno alpino, compositore di oltre 500 opere per corno alpino - tra cui il famoso Moss-Ruef -È noto anche come concertista, insegnante e scrittore di musica. Nel 2002 è stato premiato per i suoi meriti musicali con la Ciabatta d'oro e nel 2006 con il Premio musicale del Cantone di Soletta per i suoi risultati culturali.

Nel 2010, Sommer ha pubblicato un documentario di 154 pagine intitolato Valutazione e interpretazione delle fonti storiche sulle melodie per corno alpino (autopubblicato da Oensingen). Il suo obiettivo era quello di modificare vecchi brani non dal punto di vista di un etnomusicologo, ma di un suonatore alla ricerca di melodie tradizionali. Ha raccolto vecchie notazioni di file di canti dalla letteratura itinerante del XVIII e XIX secolo, come già pubblicato nel libro di Alfred Leonz Gassmann Alphornbüechli del 1938 e in altre pubblicazioni, ma li ha integrati con vecchie registrazioni sonore disponibili dagli anni '30 e ora trascritte.

Tuttavia, l'autore non ha raggiunto tutti i circa 5000 suonatori di corno alpino in Svizzera con questa importante raccolta, perché molti di loro possono imparare le melodie solo ad orecchio. Da questa constatazione è nata l'idea di Hans-Jürg Sommer e di uno dei suoi collaboratori alphorn, Thomas Juchli, di registrare le melodie Kühreihen di questa raccolta e di ambientarle in paesaggi montani svizzeri accuratamente selezionati. L'obiettivo dell'educatore musicale non era semplicemente quello di visualizzare nel film il noto legame tra paesaggio, musica e allevamento di bestiame da latte, ma di presentare le singole parti di sei filari di mucche ricorrenti del XVIII e dell'inizio del XIX secolo nella loro funzione originale. Inizialmente, i motivi di invocazione si sentono in melodie ascendenti. Dopo queste introduzioni, le parti dei richiami e delle file mostrano che le mucche che pascolano sulle Alpi li seguono ancora oggi in modo tradizionale. La discussione sul significato del termine "file di mucche" si conclude con questo fenomeno naturale: quando viene suonato l'alphorn o altra musica, le mucche si allineano una dopo l'altra in una lunga fila. In ulteriori sequenze, che Sommer chiama cesure, tutti riconoscono passaggi di musica tranquilla durante i quali il mandriano alpino aspettava le mucche davanti alla stalla. Dopo altre sezioni di richiamo e di fila, le file di mucche terminano con la ripetizione dell'introduzione e con un fischio.

Ciò che sembra facile da capire in un commento sorprendentemente semplice in tedesco, francese o inglese, e che è anche splendidamente presentato, è il risultato di anni di lavoro minuzioso per raggiungere un pubblico generale e, soprattutto, i bambini delle scuole.

Gli interpreti locali non sembrano molto interessati al Romanticismo svizzero, importato principalmente dalla Germania, né alle opere dei tardoromantici nati qui. Le opere pianistiche di Theodor Kirchner del periodo svizzero sono state registrate da Irene Barbuceanu; l'Orchestra Sinfonica di Bamberg ha sostenuto il sinfonista Joachim Raff, nato a Lachen (SZ). Le principali opere orchestrali di Hans Huber sono state registrate dalla Filarmonica di Stoccarda, quelle di Fritz Brun sono disponibili in registrazioni con l'Orchestra Sinfonica di Mosca. La prima registrazione completa dei tre quartetti per archi di Hermann Suter è stata effettuata dal Quartetto Beethoven, fondato a Bonn. Non sorprende quindi che sia stato un pianista tedesco, Christof Keymer, a salire alla ribalta con la prima registrazione completa delle opere per pianoforte solo di Hermann Goetz (1840-1876), la maggior parte delle quali furono composte a Winterthur e Zurigo.

Le sue interpretazioni sono tanto più apprezzate dall'etichetta tedesca cpo, in quanto si inseriscono bene nel repertorio spesso insolito di questo produttore che ama le scoperte. Si tratta in effetti di scoperte, in quanto comprendono non solo i brani di Foglie sciolte op. 7 e i due Sonatine op. 8, che si ascoltano occasionalmente negli esercizi di recital, ci sono diverse rarità nei due CD. Christof Keymer aveva già pubblicato nel 2013 con Amadeus-Verlag di Winterthur le prime edizioni di quattro brani della tenuta: il primo Polka di Alwinen dai tempi in cui era studente a Königsberg, un tempestoso Fantasia in re minore, un'opera costellata di staccati Scherzo in fa maggiore e quella in forma sonata Fiaba nel bosco in si minore (BP 1497).

Di particolare interesse è la parte in tre parti Scherzo. Il brano, composto mentre studiava ancora con Hans von Bülow a Berlino nel 1862, fa supporre che Goetz abbia preso l'etude, annotata solo un tono più bassa, dall'opera di Hans von Bülow. Vingt exercices et préludes della precorritrice polacca di Chopin Maria Szymanowska-Wołowska (1789-1831).

Keymer crea tutte queste opere, un movimento di sonata in sol maggiore e pezzi più piccoli, con una grande attenzione ai dettagli tonali per creare un'atmosfera lirica nelle parti liriche della Foglie sciolte con un caldo espressivo e una meravigliosa compostezza.

I tributi spesso si concludono con un rigido rispetto. Non così l'album Un omaggio ad Adolphe Sax del gruppo klapparat, come suggerisce il nome. Fondato nel 2011 e ampliato con un batterista nel 2012, il quintetto di sassofoni onora l'inventore del sassofono, nato 200 anni fa, con umorismo, diversità stilistica e interplay accattivante. I sei musicisti, che suonano anche in gruppi noti come Picason, Traktorkestar e Hildegard lernt fliegen, dimostrano le molteplici possibilità espressive di questo strumento con diverse variazioni fino al sassofono sub-contrabbasso Tubax. Nell'interesse dell'accessibilità musicale, tuttavia, non si ostinano a utilizzare occasionalmente flauto, clarinetto e xilofono oltre alla batteria.

La diversità stilistica dell'album riflette il background dei musicisti, dal jazz e dalla musica classica al folklore, al rock e agli stili cubani come la rumba. In questo modo, klapparat rende anche giustizia alla storia moderna dello strumento, inventato nel 1840. Il gruppo osa suonare una breve versione del brano di Maurice Ravel Boléro del 1928, che già nell'originale contiene variazioni con il sassofono, ma che in realtà trae gran parte della sua tensione dal cambio di strumentazione; tanto più impressionante è l'arrangiamento divertente e sonicamente emozionante di Daniel Zumofen. Con un'interpretazione del brano di Sidney Bechet Petite Fleur sottolinea anche il fatto che il sassofono è diventato uno strumento indispensabile in questo genere con la nascita del jazz e lo caratterizza ancora oggi.

Con due composizioni del compositore e pianista cubano Ernesto Burgos, klapparat non solo richiama l'attenzione sull'importanza del sassofono negli stili afro-caraibici, ma riporta anche agli inizi del gruppo, quando suonava principalmente brani di Burgos e Marcos A. Fernandez. I due pezzi Arrabiata e Bolla sono composizioni di membri del gruppo e, con i loro approcci insoliti, indicano un certo potenziale per un ulteriore sviluppo indipendente.

Dopo una panoramica sulla pedagogia elementare della musica e della danza (EMTP), il primo DVD si concentra sulla riflessione sotto forma di una sintesi tematica di interviste con esperti e discussioni con i residenti della casa di riposo, un assistente e gli studenti dell'Istituto Carl Orff. Il libro si conclude con le testimonianze di due residenti che hanno partecipato al programma musicale settimanale per molti anni.

La discussione delle domande "Perché la musica? Qual è il valore intrinseco della musica?", sempre in relazione alle scoperte scientifiche e all'importanza dell'emotività. Viene affrontato il legame tra la musica e la memoria a lungo termine ("le canzoni più conosciute vengono memorizzate con più versi anche in età avanzata") e l'effetto psicosomatico della musica, ovvero le domande: "Che significato aveva la musica nella vita precedente, che effetto ha la musica oggi?". Viene mostrato come l'EMPT si adatta alle storie di vita delle persone e trae conclusioni per la pratica. Le dichiarazioni dei cittadini anziani spiegano la rilevanza pratica: "La musica è accessibile a tutti. La musica solleva l'umore. Si può sentire che si è vivi. Ognuno è quello che è". In questo senso, la musica fa parte del lavoro biografico, della riscrittura della propria storia. Ma è anche imparare cose nuove e mettersi alla prova.

Il forte riferimento all'importanza della musica nella vita pone le basi per la formazione e l'aggiornamento presso l'Istituto Carl Orff nel campo della geragogia musicale e definisce chiaramente la differenza rispetto all'educazione musicale elementare: Non è necessaria un'educazione, ma un'educazione che tenga conto della biografia, senza mettere in scena un'infantilizzazione della musica.

Il DVD 2 è dedicato alla pratica e, dopo un'introduzione, mostra numerosi esempi, suddivisi in tre aree principali con un'ulteriore suddivisione in 15 aree tematiche. Gli esempi pratici sono esteticamente profondi, la selezione di canzoni e brani musicali è varia e i materiali sono ben bilanciati. La docente Christine Schönherr e gli studenti partecipanti colpiscono per la loro musicalità performativa e professionale. Questa qualità artistica di base, caratterizzata da design estetico, rispetto e comprensione teorica, fornisce una base unica per l'adesione di tutti i partecipanti.

"Ich bin wieder jung geworden" - Musik, Sprache, Bewegung, Künstlerisch-pädagogische Angebote für Menschen in hohem Alter, ideazione e realizzazione Christine Schönherr / Coloman Kallós, doppio DVD, € 30,00, Università Mozarteum e Istituto Carl Orff per la pedagogia della musica e della danza elementare, Salisburgo 2013, ISBN 978-3-9502713-4

Opere più recenti sulla pedagogia Orff:

Manuela Widmer, Die Pädagogik des Orff-Instituts, Entwicklung und Bedeutung einer einzigartigen kunstpädagogischen Ausbildung, 540 p., € 59,95, Schott, Mainz 2011, ISBN 3-7957-0748-4

Studientexte zu Theorie und Praxis des Orff-Schulwerks, Band 1: Basistexte aus den Jahren 1932-2010, Schriftenreihe des Orff-Schulwerk Forums Salzburg, a cura di Barbara Haselbach, collaborazione: Esther Bacher, 350 p., tedesco/inglese, € 11,99, Schott, Mainz 2011, ISBN 3-7957-0756-9

Se si guarda con attenzione, si riconoscono subito le differenze tra il rapido (e spesso legale) download di spartiti da internet e le nuove edizioni acquistate dai rivenditori di musica: Da un lato ci sono le vecchie edizioni di pubblico dominio, alcune delle quali risalgono al XIX secolo, con tutte le loro inadeguatezze grafiche e gli errori non corretti; dall'altro ci sono le edizioni rielaborate sulla base delle fonti e corrette nel migliore dei modi, che quindi ripuliscono anche gli errori che si sono perpetuati allegramente nel corso dei decenni. E se le edizioni stampate su buona carta (con una prefazione informativa a tutto tondo) sono anche disponibili a un prezzo equo rispetto alle nostre svolazzanti ed effimere "stampe" - come le partiture di studio qui presentate - allora la decisione orientata alla qualità dovrebbe essere facile.

Con le sue partiture di studio Urtext, la casa editrice Breitkopf non si limita a costruire una tradizione consolidata, ma guarda evidentemente con ottimismo al futuro. Oltre a Beethoven, Brahms, Schumann e altri, anche Čajkovskij è ora rappresentato nel catalogo - con due delle sue opere più importanti e più frequentemente eseguite, il Capriccio italiano e il Concerto per violino. Ed è proprio la familiarità, la leggerezza Capriccio mostra in dettaglio ciò che un'edizione di questo tipo è in grado di realizzare. A differenza della prima edizione del novembre 1880, molto densa (che si trova ancora riprodotta nell'edizione gialla di Eulenburg), la nuova incisione, identica nella paginazione, è graficamente molto più spaziosa e rilassata, e sono stati aggiunti segni mancanti e corrette note errate (ad esempio, battuta 590, fl. III). Il Concerto per violino diventa molto più leggibile nello schema di incisione così caratteristico di Breitkopf e guadagna in rigore visivo. Spero che questa serie, destinata sia a chi ha un budget limitato sia a chi è curioso di studiare da solo, continui presto!

Peter Tchaikovsky, Capriccio italiano op. 45, a cura di Polina Vajdman, partitura di studio, PB 5515, € 10,50, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2006

id., Concerto per violino e orchestra op. 35, a cura di Ernst Herrtrich, partitura di studio, PB 15116, € 11,50, 2011