La sua musica è piena di umorismo, ingegno frizzante e finezza ritmica: Stiamo parlando di Jean Françaix, una figura unica del XX secolo. Nato a Le Mans nel 1912, il compositore francese era tutt'altro che un avanguardista; la sua musica si orienta verso il neoclassicismo di Stravinskij, ma interiorizza anche l'eleganza e la finezza di Francis Poulenc e del Groupe des Six in generale. Françaix rimase fedele alla sua linea fino alla sua morte, avvenuta a Parigi nel 1997.

Sebbene abbia raggiunto il suo successo internazionale nel 1936 a Baden-Baden con un Concertino per pianoforte e orchestra, si distingue soprattutto per la sua vasta opera per strumenti a fiato. L'insolita strumentazione della sua divertente musica per fiati è probabilmente il principale ostacolo alla sua diffusione. Ne sono un esempio i suoi noti Caratteristiche dei nuovi pezzi che sono state composte per dieci strumenti a fiato e sono quindi raramente ascoltate in sala da concerto.

La sezione di fiati dell'Orchestre de chambre de Lausanne sotto la direzione di Nicolas Chalvin pone ora rimedio a questo, almeno su CD. Ci si meraviglia della precisione ritmica nella progressione motoria del Presto introduttivo e della profondità dell'elegiaco e affascinante Amoroso che segue. È un forte appello per una musica poco conosciuta dal pubblico.

La sequenza del programma è strutturata in modo intelligente, e inizia in modo sensato con un Musica per divertirsi di Poulenc-Françaix, che ci mette al centro di questo raro, arguto ed eloquente "idioma musicale" con due flauti, oboi, clarinetti, fagotti e corni. Molti dei brani presentati sono arrangiamenti, come le tre Écossaises di Chopin o la Cortège burlesque di Chabrier.

La registrazione si conclude con Trois marches militaires di Schubert-Françaix, che a volte ricordano le serenate per fiati del primo periodo classico, ma che appaiono anche un po' lunghe, nonostante l'ensemble sia stilisticamente sicuro del proprio impegno nei confronti dei brani. Come avvertenza, va notato che le "miniature", la maggior parte delle quali non dura più di due minuti, possono risultare stancanti per un pubblico non esclusivamente affine agli strumenti a fiato.

I genitori devono esserlo, ma non sempre sono i migliori consiglieri. Ci sono papà e mamme elicottero, ci sono dubbiosi e preoccupati che a volte privano i figli delle loro esperienze. Questo è ciò che viene in mente ascoltando il meraviglioso CD Struwwelpeter - una storia (pelosa) ascolta. Quattro membri dell'Orchestra da Camera di Basilea hanno spesso suonato la storia e la musica nelle classi.

Il libro per bambini Struwwelpeter dello psicologo Heinrich Hoffmann fu pubblicato nel 1845. Originariamente Hoffmann lo aveva pensato come regalo di Natale per il figlio di tre anni. Ma ecco che quando l'autore morì, il libro aveva già venduto 950.000 copie ed era diventato un evergreen. Chi non le conosce, le talvolta crudeli Racconti della zuppa, da Hanns sbircia nell'aria o dal Succhiatore di pollice?

Eva Miribung (violino), Georg Dettweiler (violoncello), Konstantin Timokhine (corno) e Jan Wollmann (tromba) non si limitano a raccontare storie. Scelgono e suonano anche la musica con grande gusto. Storia del malvagio Friederich estratti dal cupo concerto per violoncello di Dmitri Shostakovich. La storia dei ragazzi neri accompagnata da ritmi reggae e ska senza peli sulla lingua. Al Philipp, il Fidgety il quartetto intona arrangiamenti di musica da camera di brani tratti dall'opera di Richard Strauss Gli scherzi divertenti di Till Eulenspiegel.

I genitori e le loro ammonizioni non vengono recepiti nel CD. Hanns alza gli occhi al cielo, ma i genitori - non meglio - si ostinano a guardare il cellulare. Almeno così dicono i bambini, che hanno anche la possibilità di dire la loro. I loro commenti rinfrescanti dimostrano che i genitori non devono preoccuparsi della potenziale crudeltà delle storie. Forse non dovrebbero metterle su un bambino di quattro anni per farlo addormentare. Ma per tutti i bambini dalla prima alla quarta elementare è un CD fantastico e soprattutto musicalmente educativo. "Spaventoso, ma emozionante", commenta una ragazza. La triste storia dell'accendino.

L'anno scorso, tre clarinettisti e un pianista hanno fatto tesoro della crisi del coronavirus e hanno registrato un concerto con opere di quattro compositori svizzeri dal periodo romantico ai giorni nostri. L'ascolto è estremamente divertente e stimolante perché vengono utilizzati sei diversi strumenti della famiglia dei clarinetti, più un pianoforte in tre brani. E: tutti i musicisti sono maestri del loro mestiere.

La primissima opera, Fantasia e Capriccio op. 13 per clarinetto e pianoforte del dimenticato compositore romantico August Walter, è accattivante: Il Fantasia ricorda Carl Maria von Weber, l'autore di Capriccio a Schumann. In questa prima registrazione, sono presentati da Bernhard Röthlisberger (clarinetto) e Benjamin Engeli (pianoforte).

Röthlisberger interpreta anche il bellissimo Canto per clarinetto basso (2012) di David Philip Hefti (*1975), in cui compaiono multifonici che ricordano la polifonia medievale. Il suo trio interiorizzato mostra come Hefti combini sapientemente elementi barocchi con quelli contemporanei Contrappunti su Vieni, dolce morte (2000, dopo il corale di Bach Vieni, dolce morte), interpretato con sensibilità da Röthlisberger, Nils Kohler ed Ernesto Molinari. Due clarinetti bassi in dialogo permettono a Röthlisberger e Kohler di creare un'atmosfera nel brano di Hefti (T)raum-Ze(n)it (2008), il cui titolo complesso e contorto lascia già intendere ciò che interessa al compositore: le connessioni tra spazio e tempo, che possono portare a immagini oniriche irreali.

Othmar Schoecks Andante Il WoO 35 in mi bemolle maggiore per clarinetto e pianoforte viene presentato da Röthlisberger ed Engeli come prima registrazione. È sorprendente che un'opera così affascinante del 1916 abbia dovuto attendere così a lungo per essere registrata. Il repertorio, d'altra parte, comprende i brani di Schoeck Sonata op. 41 per la stessa strumentazione, nella zona di confine tra tardo romanticismo e tonalità estesa, ottimamente interpretata.

Il compositore bernese Jean-Luc Darbellay (*1946) è rappresentato con due opere caratteristiche: Frasi, scritto nel 2009 come brano obbligatorio per il Concours National d'Exécution Musicale de Riddes e arrangiato per clarinetto basso nel 2020, nove brani, alcuni dei quali molto brevi, che invitano all'ascolto e alla riflessione sulla musica. Lo stesso vale per Darbellay Canto di ringraziamento (1998), che ha presentato per la prima volta come clarinettista insieme alla moglie Elisabeth al castello di Wartburg, vicino a Eisenach: una musica meravigliosamente calma e delicata, che si vorrebbe ascoltare ancora e ancora.

"Mai sprecare una buona crisi": questa citazione di Churchill è stata la risposta di uno dei musicisti coinvolti quando il violinista jazz olandese Tim Kliphuis gli ha chiesto di unirsi al suo trio (con Nigel Clark alla chitarra e Roy Percy al contrabbasso) per questa produzione. Il progetto è stato creato durante la prima serrata nella primavera del 2020, quando le agende dei musicisti si sono svuotate e tutti i loro concerti sono stati cancellati. L'album è stato prodotto in studi nei Paesi Bassi, in Irlanda e in Scozia, utilizzando in gran parte il metodo del playback. I cinque elementi è una riflessione sul modo in cui trattiamo il nostro pianeta e un'espressione della speranza di poter preservare la Terra come habitat per noi stessi e per i nostri discendenti. Il quinto elemento, la "quintessenza", rappresenta la cultura, in particolare la musica, che raggiunge il nostro essere più profondo e ci insegna a vivere in armonia con il nostro ambiente vulnerabile.

Chiunque liquidi questo programma come roba esoterica non riconosce l'impegno sincero dei musicisti coinvolti e il loro alto livello di professionalità. Utilizzando il vocabolario del jazz, della musica minimale e degli elementi classici, hanno creato una musica che cattura l'ascoltatore per tutta la sua durata. Ostinati passaggi di tutti si alternano a fantasiosi assoli e a riff groovy. Tim Kliphuis, conosciuto in Svizzera anche come insegnante stimolante grazie ai suoi workshop all'ESTA, alla ZHdK, alla Konsi Bern e alla Swiss International Music Academy, si muove con grande abilità in questa area crossover e scopre costantemente nuovi modi di combinare la musica classica, il jazz e la world music per creare composizioni stimolanti. Il fatto che sia un violinista virtuoso e che si circondi di musicisti altrettanto eccezionali porta davvero il suo messaggio musicale oltre la rampa. Il pezzo Threnody (Lament) è un'improvvisazione sulla Ciaccona di Bach per quartetto d'archi, che segue essenzialmente l'originale e vi riflette più volte in uno stile prevalentemente barocco. Anche in questo caso, l'esecuzione è virtuosistica e impeccabile.

"La tradizione non è il culto delle ceneri, ma la trasmissione del fuoco". - Una citazione attribuita a Gustav Mahler e a Tommaso Moro. Sulla copertina della prima registrazione delle Sinfonie n. 1 e 2 di Joseph Lauber, il compositore svizzero è raffigurato mentre aggiunge ramoscelli al fuoco con un forcone. Il direttore d'orchestra Kaspar Zehnder ha scoperto le opere sinfoniche di Lauber nella Biblioteca Universitaria di Losanna e ha ora pubblicato una registrazione tecnicamente esemplare con la sua Orchestra Sinfonica di Biel Solothurn (ingegnere del suono: Frédéric Angleraux) sulla nuova etichetta Schweizer Fonogramm. Altri due album con le Sinfonie n. 3-6 seguiranno nel corso dell'anno. Qui non vengono dissotterrate ceneri, ma braci ardenti. Sebbene Joseph Lauber (1864-1952) non si presenti come un innovatore nelle sinfonie composte nel 1895/96, il suo trattamento della tradizione ha certamente un carattere proprio.

Ispirato musicalmente dai suoi maestri Joseph Rheinberger e Jules Massenet, unisce il tardo romanticismo tedesco alla raffinatezza francese nell'uso del colore. Le sue sinfonie sono caratterizzate da eleganza, sottile differenziazione e una struttura piuttosto bidimensionale. E occasionalmente anche dal colore locale svizzero, quando inizia la prima sinfonia con una melodia a due voci di corno alpino nei corni, che due flauti ripetono come un'eco e continuano sinfonicamente. La prima sinfonia presenta molti momenti di calma lirica e manca di un vero e proprio dramma. Il suono caldo degli archi dell'Orchestra Sinfonica di Biel Solothurn, come nella bella apertura all'unisono dell'Andante espressivo, è la base della coerente interpretazione di Zehnder. La flessibilità agogica e le sfumature dinamiche sono altre caratteristiche di qualità. Nelle veloci ripetizioni, come nel finale, Felix Mendelssohn guarda anche dietro l'angolo. La Seconda Sinfonia in la minore combina temi incantevoli, ad esempio nel movimento di apertura, con sviluppi più drammatici. L'Andantino, quasi Allegretto, ricorda Antonín Dvořák nella sua dolce malinconia. Boemia in Svizzera - questo si può scoprire anche nella musica di Joseph Lauber.

Büchelbox. Balthasar Streiff e Yannick Wey. Zytglogge, EAN 7611698043694

Il libro di musica per il CD è pubblicato da Müllrad-Verlag di Altdorf (Art.Nr. 1064, Fr. 34.00).

Luciano Berio è stato un compositore eccezionale. Già negli anni Sessanta fece scalpore la sua "estetica aperta", che portò a opere fondamentali come la composizione citazionista Sinfonia (1968/69). "Prendo in prestito citazioni dal museo", ha detto una volta, "e le mescolo con la mia musica". Il CD registrato dall'Orchestra Sinfonica di Basilea sotto la direzione di Ivor Bolton, dal semplice titolo Trasformazione offre ora delle intuizioni speciali. Berio è davvero "aperto": aperto a Johann Sebastian Bach, a Gustav Mahler, ma anche a classici dei Beatles come Michelle, Ticket to Ride o Ieri.

Si potrebbe discutere a lungo sui termini arrangiamento, orchestrazione o strumentazione. In ogni caso, Berio non si impegna nella decostruzione tipica dell'avanguardia nei suoi riarrangiamenti. Bach Contrapunctus XIX dal L'arte della fuga La inserisce in un caldo arrangiamento per fiati. Le voci si presentano ora in modo elegante, non con la "visione a raggi X" che era ancora cara alla scuola di Schönberg, strutturalmente orientata. In altri adattamenti, Berio si mostra anche da un lato musicale non dogmatico e completamente lussurioso. La Spagna ardente si riflette nelle trascrizioni dei brani di Manuel de Falla Siete Canciones populares Españolas echi. Egli orchestra le canzoni, a volte sfacciate, a volte molto intime, con un'enorme sensibilità sonora, lasciando intatta la parte del mezzosoprano.

La Sonata op. 120 n. 1 per clarinetto (o viola) e pianoforte, scritta da Johannes Brahms nel 1894, sembra scritta di getto. Nel 1986, Berio ha orchestrato la musica da camera in cinque movimenti in una vera e propria sinfonia romantica. Gli adattamenti dei Beatles devono essere classificati come opere occasionali stravaganti e divertenti. Tuttavia, l'opera stranamente barocca, completamente nello spirito dei Beatles, è un'altra cosa. Concerto Brandeburghesevalori I classici dei Beatles. Probabilmente si tratta più di una questione privata che di un contributo speciale all'onorevole storia della musica. Cathy Berberian, la cantante americana e poi moglie di Luciano Berio, era "pazza dei Beatles" - e allora perché non un saluto d'amore barocco con "I love you, I love you, I love you" da Michelle? Beh, tutto sommato un doppio CD piacevole, che tra l'altro ha anche un buon sapore quando si cucina.

Come insegnante di teoria e composizione, ha lasciato il segno su diverse generazioni di musicisti in Svizzera; come autore di opere corali, ha creato qualcosa di duraturo; la sua musica da camera, altrettanto indipendente, deve ancora essere riscoperta: Paul Müller-Zürich (1898-1993) fu un insegnante di talento e, come compositore, un maestro del contrappunto. I suoi primi lavori per strumenti ad arco lo testimoniano.

Formatosi a Zurigo, Parigi e Berlino, tra gli altri, con Philipp Jarnach e Volkmar Andreae, e conoscendo la musica dei suoi contemporanei, prese le distanze dalle avanguardie, preferendo orientarsi verso Brahms e Reger piuttosto che verso Schoenberg o Webern. Paul Müller-Zürich ha fatto molta strada come consulente e organizzatore, entrando a far parte del Consiglio della Fondazione Pro Helvetia nel 1957 prima di essere nominato Presidente dell'Associazione Svizzera dei Musicisti nel 1960.

Gli esordi espressivi del compositore, insignito del Premio per la Musica della Città di Zurigo nel 1953, sono dimostrati in modo impressionante dal Quartetto Casal con Razvan Popovici (viola) in tre opere dalla partitura diversa. Il Quintetto per archi op. 2 in fa maggiore (1919) salta agli occhi dell'ascoltatore fin dalla prima battuta, quando un accordo in fortissimo è seguito da un motivo ostinato iniziale in pianissimo e si ascolta il tema principale, che si slancia verso l'alto carico di tensione. Inquietanti interiezioni di ronzio presto offuscano il dolce fluire della musica leggermente malinconica del terzo movimento, un intermezzo che inizia dolcemente. Ostinati caratterizzano anche il finale, che è intensificato da interiezioni fugate e termina bruscamente in re minore.

Anche il Quartetto per archi in mi bemolle maggiore op. 4 (1921) è caratterizzato da una forte spinta espressiva e da una tempesta, con il cromatismo dell'Adagio che costituisce il maggior contrasto con l'armonia meno complicata del rondò finale, simile a una danza popolare.

Il Trio per archi op. 46, composto intorno al 1950, è calmo fin dall'inizio, con il suo movimento di apertura lirico che porta dal do minore al do maggiore. I membri del Quartetto Casal si lanciano nel vigoroso finale con grande intensità di suono ed esprit musicale.

Paul Müller-Zürich: Quartetto per archi op. 4, Trio per archi op. 46, Quintetto per archi op. 2, CasalQuartet (Felix Froschhammer, Rachel Späth, Markus Fleck, Andreas Fleck), Razvan Popovici, viola. Solo Musica SM 287

La melodia malinconica del preludio di apertura di questo CD ricorda quasi la colonna sonora di un film minimalista. Un valzer accenna a Chopin, ma è anche intriso di un colore completamente diverso e idiosincratico. Il successivo gioco impressionistico di colori in Due estampes permeato da uno stile personale finora poco conosciuto e molto individuale...

Durante i suoi studi negli Stati Uniti, il pianista svizzero Christian Erny si è imbattuto nell'opera di Arthur Lourié, il cui nome suona poco "russo" come la sua musica. È proprio per questo che Lourié, nato nel 1891 nell'attuale Bielorussia, vissuto a lungo a Parigi e poi negli Stati Uniti, dove è morto nel 1966, è in gran parte scomparso nell'oscurità?

Nel suo secondo CD da solista, Christian Erny affronta questo mondo di suoni e pensieri nel modo più disinvolto possibile. Erny sa come fondere sottilmente i registri e i colori come se fossero voci umane. Non a caso, Erny è molto ambizioso come direttore dei suoi Cantanti da Camera di Zurigo e, per sua stessa ammissione, questo porta con sé molti effetti di sinergia per la composizione pianistica.

Così, alcuni tratti neoclassici si dispiegano nella musica di Lourié in modo enfaticamente privo di peso e nitidamente dettagliato, così come una meditativa Intermezzo e in seguito un'usurata Notturno profondamente commovente. Ma Lourié e il suo appassionato interprete contemporaneo possono anche fare le cose in modo molto diverso: un furioso Gigue diventa uno studio ritmico e sonoro scatenato che ricorda molto di più uno Stravinskij ribelle e per nulla i modelli barocchi. L'ambiguità delle circostanze in cui si trova Lourié è incarnata da una Ninna nannaPur essendo ancora profondamente radicato nel Romanticismo, un secondo scritto anticipa inequivocabilmente l'inizio del modernismo.

È la cometa nel cielo della musica classica di Winterthur: Roberto González-Monjas, concertmaster del Musikkollegium locale dalla stagione 2013/2014, che si esibisce anche come direttore d'orchestra. Ricopre lo stesso incarico anche presso l'Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma ed è professore di violino presso la Guildhall School of Music and Drama di Londra. Da quando ha assunto l'incarico, ha dato una scossa alla vita concertistica della città di Zurigo, troppo spesso messa in ombra.

Ora ha pubblicato un CD con il Musikkollegium per l'etichetta svizzera Claves che sprizza vigore e leggerezza. Sono stati registrati i famosi Serenata Haffner KV 250 di Mozart e il Serenata op. 1 di Othmar Schoeck, con González-Monjas in veste sia di direttore che di violino solista. È sorprendente la facilità e l'accentuazione con cui l'orchestra, che a volte sembrava piuttosto ponderosa sotto il precedente direttore principale Douglas Boyd, è ora in grado di suonare.

L'opera in otto movimenti Serenata Haffner è al tempo stesso un capolavoro e la conclusione dell'opera mozartiana delle serenate. Magnificamente segnata (con l'intera sezione dei fiati) e quindi colorata, unisce l'ambizione sinfonica alla divertente leggerezza di questo genere. Come ingegnosa particolarità, Mozart ha concepito i movimenti dal secondo al quarto come un vero e proprio concerto per violino pieno di cantabilità e virtuosismo, un "cibo trovato" per il violinista González-Monjas. Con il suo stile filigranato e il suono meravigliosamente canoro del violino, egli domina la serenata per lunghi tratti, con il tecnico del suono Andreas Werner che enfatizza ancora di più la sua arte. È un po' un peccato, perché l'orchestra ha molto da offrire, come dimostra la spiritosa Serenata di Schoeck. Composta come tesi di laurea a Zurigo e rielaborata a Lipsia, l'opera è piacevole per la sua maestria, l'umorismo e la sensualità del suono: dall'apertura danzante alla magnifica sezione centrale, questo gioiello di otto minuti si fa valere in modo convincente.

Anche 14 anni dopo la fondazione dell'etichetta Ramée, ogni CD è ancora una festa per gli occhi e per le orecchie. Specializzata nella musica antica (in questo caso definita fino a poco oltre la fine del XIX secolo), Ramée non punta sulla quantità, ma porta alla luce molte rarità provenienti dalle profondità della storia della musica con interpretazioni sempre eccezionali, che vengono poi riproposte con un entusiasmo duraturo.

Tra questi tesori c'è anche la musica da camera di Franz Xaver Sterkel (1750-1817), un compositore che durante la sua vita era molto conosciuto come pianista, le cui numerose sonate e trii per pianoforte erano molto apprezzate dagli appassionati e che tuttavia (come molti della sua generazione) è stato dimenticato troppo presto con l'ascesa del romanticismo musicale. Oltre a un viaggio artistico attraverso l'Italia, i centri della sua attività non furono naturalmente Vienna, Berlino, Parigi o Londra, ma piuttosto Magonza, Ratisbona, Aschaffenburg e Würzburg - luoghi in cui Sterkel ebbe un ruolo decisivo nell'instaurare una vivace vita musicale, ma in cui rimase fedele a se stesso nonostante i cambiamenti stilistici di cui era ben consapevole: Sterkel disprezzava le presunte "arti indegne", cercando invece la "nobile semplicità", il "ritmo puro" e "l'armonia e la melodia" (1808).

Questa selezione di sonate, apparse a stampa tra il 1785 e il 1817, dimostra che egli riuscì a farlo con un linguaggio straordinariamente unico. Esse combinano una rinfrescante inventiva con un pronunciato senso della drammaturgia cameristica (sia dal punto di vista tonale che armonico). Els Biesemans (fortepiano) e Meret Lüthi (violino) mostrano quanto spazio di manovra ci sia nella loro interpretazione perfettamente eseguita. Esse chiariscono in modo affascinante il vero contenuto delle opere di Sterkel.

Il titolo dell'ultimo CD di Lisette Spinnler, Suoni tra le foglie che cadonosembra essere una chiara reminiscenza dell'autunno. Anche l'umore malinconico delle sette canzoni sarebbe in linea con questo. In un'intervista con il Badische Zeitung Tuttavia, la cantante jazz si è lasciata sfuggire che il titolo dell'album si riferisce ad altro, a un periodo di ricerca e di silenzio: "Il titolo dell'album è in realtà una metafora del periodo in cui l'ho scritto", ha spiegato.

Chiunque ascolti il CD si troverà di fronte al lavoro più introverso del musicista basilese. Le canzoni suonano come contemplazioni messe in musica, ma alcune di esse si rivelano anche contemplazioni della natura. Questo vale anche per Il sole è tramontatobasato su una poesia di Emily Brontë (1818-1848), che parla di erba che ondeggia sognante nella brezza della sera. La 41enne usa questo modello per utilizzare la sua voce con parsimonia, ma in modo molto efficace. Allunga le parti vocali, tende a sussurrare e sa come dare ulteriore peso alle parole con le sue sfumature.

Anche pezzi come La notte si sta oscurando intorno a me o Sogno silenzioso sembrano calmi, quasi del tutto gentili e tranquilli. Solo il brano scritto da Mongo Santamaria Afro Blue, l'unica cover del disco, segna la contemplazione prevalente con ritmi finemente filati di jazz latino. Le melodie giocose, uno dei marchi di fabbrica della Spinnler, non sono più così dominanti come un tempo. Invece, la musicista e i suoi tre accompagnatori al pianoforte, al basso e alla batteria si abbandonano a un suono che mira a essere virtuosistico ed equilibrato. Questo riesce e fa sì che Suoni tra le foglie che cadono non solo improvvisato, ma presentato in modo quasi artistico.

L'Istituto di Medicina Musicale di Friburgo ha pubblicato un DVD-ROM estremamente informativo. Non solo viene esaminato l'apparato vocale vero e proprio in brevi presentazioni chiare e ben strutturate, ma molti dettagli correlati sono chiaramente presentati in brevi sequenze cinematografiche. Vedere i processi coinvolti nella respirazione, nel canto e nella parola su un filmato è molto più chiaro e facile da capire rispetto allo studio di disegni e illustrazioni fisiologiche, che possono mostrare il complesso modello tridimensionale delle vie respiratorie e della laringe solo in misura limitata e, soprattutto, non nella sua funzione.

Il DVD-ROM è essenzialmente diviso in tre sezioni principali: La prima si occupa della "voce strumentale". Qui ci sono sottosezioni sulla respirazione, la laringe e il tratto vocale. Ciascuna di queste sezioni è nuovamente suddivisa in diversi sottocapitoli. Tutti i processi rilevanti sono illustrati in modo dettagliato e vivido grazie alla risonanza magnetica e a modelli 3D animati. Per esempio, possiamo osservare i cantanti mentre cantano, mentre vengono commentati e spiegati vari aspetti, impariamo i dettagli sulla formazione delle consonanti e delle vocali e sulla loro propagazione sonora nello spazio. Vengono inoltre presentate in modo realistico informazioni sulla respirazione nel parlato e nel cantato, sulla messa die voce, sulla pressione subglottica e su molti altri dettagli interessanti associati alla produzione vocale.

Il capitolo successivo è dedicato alle "forme di espressione vocale". Qui impariamo a conoscere meglio la prosodia (gli elementi musicali del discorso), i diversi generi vocali e i diversi stili di canto, dallo jodel al canto d'autore, dal pop al musical. Troviamo sottocapitoli sul canto infantile e corale, nonché sulle espressioni vocali quando si ride o si piange.
In un capitolo finale, la scienza della voce dice la sua: presenta metodi di esame, processi di misurazione della voce e programmi informatici.

Questo DVD-ROM è uno strumento utile per i cantanti e i dilettanti interessati, nonché per gli insegnanti di canto e gli studenti di didattica, in quanto fornisce informazioni complete e chiare in tedesco o in inglese in 160 minuti!

La voce. Approfondimenti sui processi fisiologici coinvolti nel canto e nella voce, Istituto di medicina dei musicisti di Friburgo (Bernhard Richter, Matthias Echternach, Louisa Traser, Michael Burdumy, Claudia Spahn), DVD-ROM, 160 minuti, Fr. 45.40, Helbling, Esslingen, ISBN 978-3-86227-258-7

Il termine "altfrentsch" si riferisce a una strumentazione di musica popolare: il trio di violino, dulcimer e bassetto (strumento a corda tra il violoncello e il contrabbasso). Questo ensemble è stato raffigurato come vignetta nella "Sammlung von Schweizer=Kühreihen und Volksliedern" del cabarettista bernese Franz Niklaus König nel 1826. La stessa raccolta contiene anche due danze appenzellesi per questo ensemble. "Altfrentsch" significa "all'antica" e deriva letteralmente dall'espressione "vecchio francone".

Nel 1998 è stato scoperto a Gonten (Appenzello Interno) un manoscritto contenente 54 danze della fine del XVIII secolo, che il Centro per la musica popolare dell'Appenzello e del Toggenburgo ha pubblicato nel 2008 con il titolo Altfrentsch pubblicato. Questa raccolta di danze, ora disponibile in una nuova edizione, contiene anche melodie straniere che sono state indubbiamente apportate da violinisti e altri musicisti itineranti.

Sul nuovo album Altfrentsch in viaggio i sei musicisti della Landstreichmusik, sotto la direzione del violinista Matthias Lincke, hanno scelto solo la metà delle 16 melodie di danza registrate dal suddetto manoscritto. I pezzi rimanenti sono registrazioni di danze alpine conservate su dischi di gommalacca della prima metà del XX secolo. Sono stati adottati non solo i vecchi brani, ma anche gli stili esecutivi storici (strumentazione, tempi, direzione della voce, intonazione, fraseggio e giri finali). Il risultato è sorprendentemente vitale e si differenzia dalle vecchie danze popolari svizzere monofoniche che sono state arrangiate appositamente per più voci, come è diventato di moda nella nuova musica popolare.

Ma l'ascolto di questa registrazione è piacevole anche perché Dide Marfurt mescola le melodie con l'arpa ebraica e altri strumenti musicali storici, Christine Lauterburg contribuisce con il suo violino e la sua voce e il musicista folk austriaco Matthias Härtel (contrabbasso), Elias Menzl (dulcimer) e Simon Dettwiler (Schwyzerörgeli) aggiungono atmosfera.

Il pianista svizzero Timon Altwegg e la violista moscovita Hana Gubenko, noti per il loro amore per la scoperta, hanno al loro attivo una nuova pubblicazione che sorprende esclusivamente con opere sconosciute di compositori ebrei. Dalla versione non datata Poesia sefardita A parte Aaron Yalom (1918-2002), sono stati tutti composti nel breve periodo dal 1972 al 2012 e sono impegnati nella forma sonata in modi molto diversi.

Le due composizioni più recenti, la 2ª Sonata di Frank Ezra Levy (nato nel 1930) e la Sonata ebraica di Graham Waterhouse (nato nel 1962), recano dediche ai due interpreti, che vanno elogiati per l'impegno profuso in tutti i brani con la stessa dedizione e convinzione.

Il brano di apertura del CD, pubblicato quest'anno da Edition Kunzelmann, è già uno dei preferiti, Poesia sefardita di Yalom, ha un grande potenziale di sorpresa. Il compositore, nato nei pressi di Ginevra da immigrati polacco-ebraici e morto a New York, ha creato un pezzo di forte individualità basato su un tema lirico e arricchito da una grande brillantezza pianistica. Anche la sonata per viola 1 di Ernst Levy, compositore, pianista e didatta nato a Basilea, ha questo carattere, poiché non ci sono indicazioni verbali di tempo o marcature di esecuzione in nessuno dei quattro movimenti.

Nel Sonata ebraica di Waterhouse, che dà il nome al CD, presenta la canzone popolare yiddish citata nel movimento centrale simile al Kaddish Oyfn Pripetshik il riferimento ebraico più chiaramente udibile al titolo dell'opera.

Le due composizioni del figlio di Ernst Levy, Frank Ezra, si rivelano un'aggiunta particolarmente gratificante al repertorio. Dal primo movimento Sonata Ricercare con i suoi frequenti cambi di tempo, la seconda Sonata si distingue per la sua eleganza francese, per il fluire fluido della melodia più accattivante e per i maggiori contrasti: punti sonori dell'organo e attacchi martellati implacabili si alternano efficacemente a ripetizioni meravigliosamente delicate di note nella viola e a ritmi jazz argutamente intercalati.

Sonata ebraica (composizioni di Aaron Yalom, Ernst Levy, Frank Levy, Graham Waterhouse). Hana Gubenko, viola; Timon Altwegg, pianoforte. Guild GMCD 7419