Quando è stata l'ultima volta che ho ascoltato una musica così intima? L'amorevole unione è, per così dire, il prerequisito per la maggior parte dei brani di questo CD, perché il compositore spesso scrive per il violoncellista con cui ha condiviso la sua vita per lungo tempo, Roland Moser scrive per Käthi Gohl Moser.

Tuttavia, non c'è nulla di rappresentativo o che voglia essere rappresentativo, nessun album fotografico sonoro. Piuttosto, due musicisti ci danno una visione, Einhorch, del loro dialogo musicale. Volentieri a due voci, dove il violoncello solo diventa un duo. Qui insieme al violino di Helena Winkelman, là insieme al flautista dolce Conrad Steinmann, all'oboista Matthias Arter o al pianista Anton Kernjak. Ci sono anche brevi soliloqui in cui Gohl canta e canticchia al violoncello. Intorno a lui ci sono altri ospiti, compositori come Schubert o Offenbach, poeti come James Joyce, Paul Éluard o Arthur Rimbaud, a volte ben nascosti, a volte evidenti. La musica di Moser ama l'allusione, le piace trattare con le parole, in modo ponderato e attento, senza fretta. Di tanto in tanto inizia a cantare con sentimento romantico, persino con una sottile e struggente devozione. E in ... come un valzer sul vetro ... il violoncello danza "intricatamente semplice" negli armonici, come scrive Roman Brotbeck nel bellissimo testo del libretto. Altri brani si inoltrano nei sentieri di confine dei microtoni.

Per quanto la maggior parte dei brani sia breve, ognuno ha un proprio carattere. Solo una composizione del 1998 ha qui un peso maggiore e viene eseguita in due versioni: prima nella versione più recente per violino e violoncello, e alla fine nella versione originale con oboe d'amore e violoncello. ... e torna l'aria della sera... si basa su una ballata impercettibile di Pier Paolo Pasolini e cambia leggermente carattere anche con la strumentazione. Questa canzone serale suona a volte arcadica, a volte quasi tristaniana. Si muove liberamente e persistentemente, ma senza ostinazione, e così facendo sfugge a qualsiasi pressione troppo comune per innovare. La musica respira naturalmente in queste interpretazioni.

Roland Moser: Violoncello solo e in duo. Käthi Gohl Moser, violoncello; Anton Kernjak, pianoforte; Helena Winkelman, violino; Conrad Steinmann, flauto, aulos; Matthias Arter, oboe d'amore. Registri Olinard

Anche molti musicisti professionisti non sanno che i numeri BWV utilizzati per identificare le composizioni di Bach risalgono all'anno bachiano 1950. All'epoca, Wolfgang Schmieder classificò le opere di Johann Sebastian Bach in base al genere e assegnò i numeri secondo l'ordine dei singoli brani nella vecchia edizione di Bach (1851-1899). Il risultato epocale di Schmieder è stato aggiornato nel 1990. Già nel 1998 i ricercatori bachiani Alfred Dürr e Yoshitake Kobayashi hanno presentato la loro alternativa abbreviata.

Da allora sono successe molte cose nella ricerca su Bach: sono emerse nuove fonti, sono stati sollevati o dissipati dubbi sull'autenticità, sono state confermate o corrette le date, e così via. La letteratura bachiana è cresciuta a dismisura e Internet fornisce testi completi, bibliografie e persino stampe e manoscritti originali. Un nuovo BWV rivisto e aggiornato non poteva più essere completato da una sola persona; un intero istituto, il Bach Archive Leipzig, ha affiancato i tre autori principali e il lavoro ha richiesto più di dieci anni. Il risultato è un volume di 880 pagine che segue ancora le categorie di genere di Schmieder, adotta i numeri stabiliti da tempo e colloca le opere appena scoperte in ordine consecutivo al loro posto in base alla funzione e alla strumentazione. Sono nuovi anche una panoramica sistematica dell'intera opera di Bach, che non segue coerentemente i numeri BWV, e varie concordanze e cataloghi, ad esempio della biblioteca musicale (ricostruibile) di Bach. Una novità di questo catalogo è la suddivisione in diverse versioni di una stessa opera. La storia dell'opera della cantata è quindi divisa in Dondolare gioiosamente verso l'alto in stadi da 36.1 a 36.5, e le due versioni della cantata 82 per basso e soprano sono etichettate rispettivamente come 82.1 e 82.2. In questo modo si intende porre fine alla proliferazione delle denominazioni a, b e r aggiunte ai numeri di BWV.

Questa procedura raggiunge i suoi limiti quando alcuni concerti "brandeburghesi" puramente scritti devono essere designati come BWV 1046.2, ad esempio, perché per essi esiste una prima versione 1046.1, mentre per altri si applica semplicemente un numero di quattro cifre, come BWV 1047. Ciò che è stato completamente omesso sono i riferimenti alle singole opere, poiché i cataloghi online sono ora in grado di intervenire qui. Tuttavia, la riduzione delle spiegazioni che vale la pena di conoscere è tale che nei casi più complicati, e quindi anche più interessanti, è necessaria una conoscenza approfondita per poterli comprendere del tutto. Non è certo che siano stati fatti progressi in termini di facilità d'uso. Non è chiaro come sia stata realizzata l'"interconnessione con le banche dati online pertinenti" annunciata nella pubblicità dell'editore.

Così anche questo BWV rimane³ Considerato il suo prezzo di acquisto, è probabilmente una questione per pochi specialisti, mentre i praticanti oggi possono facilmente identificare le opere con l'aiuto di Internet o delle consuete edizioni di opere.

Christine Blanken, Christoph Wolff, Peter Wollny: Bach-Werke-Verzeichnis. Terza edizione ampliata (BWV³), XLIV + 835 p., € 459,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2022, ISBN 978-3-7651-0400-8

Hans Georg Nägeli (1773-1836) è considerato un il Padre svizzero dei cantanti. Il mondo della musica si è confrontato con questa idea per quasi due secoli. L'attribuzione di dubbio patriottismo gli è stata data dalle società di canto svizzere, creando un'immagine del vivace Nägeli che non regge a un esame serio. Da molti anni si attende una biografia, una correzione a questa rappresentazione unilaterale e non veritiera del "pioniere in tutti i vicoli".

Nell'ambito di un progetto della National Science Foundation, la giovane musicologa Miriam Roner si è assunta il compito quasi impossibile di far luce sull'oscurità. La sua tesi di laurea, accettata dall'Università di Berna nel 2016, è stata ora accuratamente rivista e pubblicata in un libro di oltre quattrocento pagine. Dopo una breve lettura, appare chiaro il compito mastodontico che si nasconde dietro di essa, perché a parte alcuni articoli lessicali e pubblicazioni commemorative, non esiste nulla di completo su Nägeli.

Roner non presenta una biografia, ma mostra in modo impressionante quanti matrimoni Nägeli abbia ballato: Fu editore, gestì una biblioteca (di prestito) musicale, compose musica popolare, fondò e diresse un istituto di canto che doveva contribuire all'istruzione secondo le regole pestalozziane e che dava anche la possibilità alle ragazze e alle donne di partecipare.

Questa diversità dimostra da sola la completezza del pensiero di Nägeli. Roner cerca di capire come funzionava il "sistema Nägeli" in questa selva. Intorno al 1800 non esistevano canali di distribuzione, né banche attraverso le quali effettuare i pagamenti. Nägeli sviluppò quindi diverse procedure: vendeva spartiti di editori francesi o tedeschi come contropartita per l'accettazione delle proprie opere, ordinava spartiti per la vendita, come editore su commissione o in prestito per prestarli ai cittadini.

Nägeli non ebbe mai una formazione completa come musicista, compositore o uomo d'affari. Oltre alle guerre napoleoniche, fu probabilmente a causa di questa circostanza che ispirò molto, ma anche che fallì: la sua casa editrice andò in bancarotta ed egli la vendette ad Adolf Hug. Nacque così la casa editrice Hug.

Ciononostante, il pioniere Nägeli raggiunse risultati impressionanti, come sottolinea Roner. Nel campo dell'istruzione, introdusse sistematicamente i giovani alla musica con libri di testo sapientemente strutturati, tenendo conto anche delle classi inferiori. Spesso si dimentica che Nägeli prestò attenzione alle donne tanto quanto agli uomini.

Le parti più interessanti della ricerca di Roner sono la seconda parte, dedicata a "Nägeli come commerciante ed editore di musica", e la terza parte sul "Sing-Institut". L'ampia appendice con una cronaca dettagliata e un indice completo delle fonti è preziosa. Sono state gettate le basi per ulteriori ricerche e per il rilancio di questo pioniere.

Miriam Roner: L'arte autonoma come pratica sociale. La teoria della musica di Hans Georg Nägeli, 427 p., € 73,00, Franz-Steiner-Verlag, Stoccarda 2020, ISBN 978-3-515-12701-1

Il violinista belga Eugène Ysaÿe (1858-1931), dapprima allievo del padre, vinse un premio all'età di nove anni, studiò con Wieniawski a Bruxelles e Vieuxtemps a Parigi e suonò la Sonata in do minore di Beethoven con Clara Schumann nella sua prima tournée concertistica in Germania nel 1878. Nel 1882, Anton Rubinstein lo portò in tournée in Russia e Norvegia. Al ricevimento di nozze con la cantante Louise Bourdeau, suonò la sonata di César Franck a lui dedicata e poi si trasferì a Bruxelles come professore, dove insegnò fino al 1898 (allievi famosi: Gingold, Primrose, Persinger). Durante la Prima guerra mondiale visse a Londra, poi negli Stati Uniti, prima di tornare finalmente a Bruxelles, dove lavorò come direttore d'orchestra, pedagogo e direttore di concerti fino alla sua morte.

Per tutta la vita, la composizione fu per lui una fonte di energia e un rifugio. Il suo lascito più importante sono le sei sonate solistiche op. 27, composte nel 1923. Questo libretto fa luce sulle opere dal 1882 al 1905, scritte nei suoi diversi luoghi di attività. Il libretto mostra il suo stupendo virtuosismo spiritualizzato. Delle otto opere stampate, la Lingua norvegese una prima pubblicazione degna di nota. La prefazione di Marie Cornaz (d/f/e) racconta l'appassionante storia dei brani. Nelle note dettagliate (d/e), il violinista giapponese Ray Iwazumi, docente alla Juilliard School e specializzato nella musicologia di Ysaÿe, offre il suo aiuto. Inusuale: nella parte del violino, le diteggiature e i segni di battuta originali di Ysaÿe sono stampati in nero, quelli di Iwazumi in grigio.

Eugène Ysaÿe: Poème élégiaque op. 12 e altre opere per violino e pianoforte, a cura di Ray Iwazumi, HN 1201, € 42,00, G. Henle, Monaco di Baviera  

Al suo debutto Lottare o giocare (2007), Five on Fire si concentrava su un jazz facilmente digeribile con interiezioni funk. Sei anni dopo, tuttavia, la formazione che ruota attorno a Daniel Gubelmann si è reinventata e ha iniziato a collaborare con un quartetto d'archi. Per l'ultimo album Movimento eterno questo approccio è stato ulteriormente sviluppato e si è riunito un grande ensemble d'archi del Musikkollegium Winterthur.

L'obiettivo di Gubelmann era quello di combinare il jazz con la musica classica e l'improvvisazione, alla ricerca di melodie potenti e della massima espressività possibile. Il musicista e compositore, formatosi a Berna, Zurigo e Buenos Aires e noto in particolare per il suo sassofono lirico, permette al suo quartetto jazz di suonare alla pari con l'orchestra d'archi. Il risultato è un suono quasi simbiotico che ignora i confini di genere.

Il titolo del disco, "Ewigkeit der Bewegung" ("Eternità del movimento"), suggerisce che il progetto non è sinonimo di understatement, anzi. Di conseguenza, ciò che viene offerto è impressionante e pieno di dramma. Dove il preludio, il delicato Preludio di Buenos Airesche è interamente di competenza dell'orchestra d'archi, all'inizio è sorprendentemente contenuta. Segue il Il rio degli angeliche è caratterizzato da una sublime conversazione tra sassofono e pianoforte e si presenta con colori sonori malinconici. Con Il fiore dell'amore Il talento di Gubelmann per il tango si fa finalmente sentire, con grande passione e ritmi a volte furiosi.

Secondo Gubelmann, le sue otto composizioni affermano di poter fare a meno delle immagini. Tuttavia Movimento eterno una suite cinematografica che fa riferimento ad Astor Piazzolla, Stan Getz e John Coltrane, tra gli altri. Il risultato è un album tanto audace quanto eloquente, che va per la sua strada e sa come stupire.

Five on Fire feat. Musikkollegium Winterthur: Eternal movement. Solo Musica SM407

In qualità di redattore per la Nuova Musica presso la Südfunk di Stoccarda e di fondatore e direttore della Schola Cantorum di Stoccarda, è stato in dialogo produttivo con i suoi contemporanei Pierre Boulez, Mauricio Kagel, György Ligeti, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e molti altri che hanno fondato la Nuova Musica. Con la sua Schola Cantorum, un ensemble vocale da camera a 16 voci, Gottwald ha svolto un ruolo decisivo nel plasmare la cultura corale a cappella di oggi al più alto livello tecnico. Le sue trascrizioni di brani pianistici o strumentali per coro polifonico a cappella, che stabiliscono i più alti standard musicali nel loro stile ispirato a Ligeti, sono apprezzate dai cori di tutto il mondo.

Clytus Gottwald è stato più volte premiato per i suoi risultati, tra cui il Premio della Cultura del Baden-Württemberg nel 2009, il Premio Europeo per la Musica da Chiesa nel 2012 e la Croce al Merito della Repubblica Federale Tedesca nel 2014. La sua importanza per lo sviluppo della musica corale contemporanea non può essere sopravvalutata.

Con la perdita di Clytus Gottwald, la Casa editrice Carus uno dei suoi autori più importanti.

Dopo che negli ultimi anni sono apparse numerose nuove edizioni e registrazioni di sinfonie e musica da camera tratte dalla sua penna, la compositrice Emilie Mayer (1812-1883) probabilmente non è più del tutto sconosciuta. Naturalmente, questo va visto anche come un segno dei tempi: Sebbene il patrimonio musicale fosse già accessibile al pubblico nel XX secolo nel luogo migliore (Staatsbibliothek zu Berlin), l'interesse è rimasto piuttosto basso all'epoca. Oggi, naturalmente, c'è un'inutile esuberanza in molti titoli sensazionalistici come "La donna Beethoven" (NDR) - o nel sottotitolo della biografia di Barbara Beuys appena pubblicata: "La più grande compositrice donna d'Europa". Che cosa costituisca questa "grandezza" è oggetto di dibattito: È l'ampiezza della sua opera? O è il focus del suo lavoro, che si concentra su generi importanti come il quartetto d'archi e la sinfonia? E come classificare queste opere rispetto a quelle di Louise Farrenc?

Barbara Beuys non risponde a queste domande, ma non sono il suo obiettivo. Nella sua "Ricerca di tracce", l'autrice racconta la vita di Emilie Mayer e le rappresentazioni delle sue opere con numerosi riferimenti storici e storico-culturali. Questa visione d'insieme è forse il punto di forza della presentazione; per quanto riguarda le date e i dettagli, l'autrice si basa principalmente sull'ampia ricerca intrapresa da Almut Runge-Woll per la sua tesi di laurea su questa straordinaria allieva di Loewe, pubblicata nel 2003. Anche se il pubblico a cui si rivolge la presente biografia potrebbe non essere esclusivamente quello degli appassionati di musica, è comunque sorprendente che manchi una caratterizzazione rudimentale della produzione compositiva di Emilie Mayer, così come un elenco sommario delle sue opere. D'altra parte, ci sono ridondanze ("Ehefessel", pp. 52 e 195), imprecisioni ("Streichquartett" invece di Streichquintett, p. 138) e formulazioni talvolta troppo disinvolte: "Tromboni e strumenti a corda - non c'era qualcosa?". E così questo ritratto è solo un'altra puntata della serie di biografie storico-culturali dell'autore, senza alcuna ricerca "musicale" di indizi.

Barbara Beuys: Emilie Mayer, la più grande compositrice europea. Una ricerca di tracce, 220 p., € 22,00, Dittrich, Weilerswist-Metternich 2021, ISBN 978-3-947373-69-7

La vena artistica di Viola von Scarpatetti ha iniziato a emergere fin da piccola: Da bambina ha frequentato una scuola di circo e successivamente ha studiato alla European Film Actor School di Zurigo. Da tempo si è affermata con il suo lavoro davanti alla macchina da presa - grazie al suo ruolo di protagonista nella commedia 20 regole per Sylvie (2014) -, l'attrice, cresciuta tra Friburgo e la Francia, vuole ora dedicarsi a un'altra forma d'arte, la chanson.

L'album di debutto del 34enne, Fais un pont, ruota attorno alle sue esperienze ed emozioni. È anche giusto che abbia creato il brano che dà il titolo alla canzone, leggermente malinconico, da adolescente, originariamente come rap. Oggi la sua musica combina il folk con la chanson francofona e il pop. Di conseguenza, solo la canzone conclusiva Hong Kong con testi in inglese anziché in francese.

Ciò che caratterizza il disco in particolare è la sua leggerezza. Ciò si manifesta anche nella produzione sobria, che non mira alla perfezione ma alla coerenza. Questo riesce e fa sì che il frinire delle cicale durante le registrazioni nel sud della Francia si senta anche sul disco. Mentre Lasciar correre con licks di chitarra che sembrano buttati lì e una breve melodia fischiettata, e si abbandona a reminiscenze, giri di parole, ecc. La canzone di Momo Il film ruota attorno al personaggio del romanzo di Michael Ende e si avvale di suoni delicati di fisarmonica e di passaggi di fiati morbidi.

Altri brani, come l'elegiaca Marin, il vortice giocoso Viaggio nel deserto o la disposizione sparsa Je te sens è chiaro che il materiale di Viola von Scarpatetti è stato concepito per offrire momenti di relax duraturi. È riuscita a creare dodici gemme sonore che rinunciano allo sfarzo e allo splendore e affascinano invece con fascino e sobria eleganza.

Viola von Scarpatetti: "Fais un pont" (autodistribuzione) www.violavonscarpatetti.com

Si chiama "Sellière", è stato costruito da Antonio Stradivari nel 1680 ed è stato suonato dal leggendario Wolfgang Schneiderhan, co-fondatore del Festival Strings Lucerne, dal 1934 fino alla fine degli anni Settanta. Il pregiato strumento è poi scomparso nella cassaforte della banca dei proprietari fino al 2019. Da allora è in prestito permanente al Festival Strings e a Daniel Dodds.

Dodds utilizza ora questo "dono del cielo" per un'incisione, registrata al KKL di Lucerna. È sorprendente che gli autori del programma non abbiano optato per i concerti per violino, ma abbiano scelto i concerti di Mozart. Serenata Haffnerche nel libretto del CD viene descritto con un po' di understatement come "quasi dimenticato". Basti pensare ai concerti con Ton Koopman o Thomas Zehetmair, per citarne solo due.

Comunque sia, si tratta di una scelta saggia, poiché questa serenata non solo mette in mostra il violino in numerosi assoli, ma dà anche agli Archi del Festival ampie opportunità di dimostrare la loro bravura. Il risultato è più che degno di essere ascoltato, anche se i tempi a volte richiedono un po' di tempo per abituarsi.

L'esecuzione è quasi sempre priva di vibrazioni, avvincente e veloce. Non ci si può liberare dal sospetto che le interpretazioni dei direttori sopra citati siano servite da modello per distinguersi. Naturalmente Dodds può brillare con assoli virtuosi nella sua "Sellière", ad esempio nel Rondò. Tuttavia, i movimenti, piuttosto lenti e fondenti, sono purtroppo un po' "affrettati"; un minuetto è, dopo tutto, una danza di grido. Tuttavia, la Serenata di Mozart è anche la migliore musica di intrattenimento degli Archi del Festival, che è un piacere ascoltare.

La prima registrazione mondiale di un'opera di Vincenzo Righini (1756-1812) alla fine è un po' ambivalente. I quasi sei minuti di musica da balletto di Gerusalemme liberata è composto per fagotto, corno, violoncello e violino solo, con conseguenti colori strumentali idiosincratici. Di per sé si tratta di una nuova entusiasmante scoperta, ma dopo la Serenata Haffner ha perso qualcosa.

Mozart: Serenata Haffner. Festival Strings Lucerne, Daniel Dodds, violino e direzione, Sony Classical 0196587250621

Il Libro della chitarra di Sigi Schwab si distingue dalle solite edizioni di spartiti per molti aspetti. 100 pagine di carta robusta in un grande formato di circa 26 x 37 centimetri con rilegatura a spirale; ognuno dei 30 brani su un'unica doppia pagina e, cosa altrettanto facile da usare, le indicazioni degli accordi sono stampate in rosso, le diteggiature e altre informazioni tecniche in verde, accanto alle note ordinatamente disposte. Il risultato è una partitura informativa e differenziata, ma non sovraccarica.

Ma perché 100 pagine per 30 brani? Perché l'ormai settantaduenne poliedrico musicista di studio, chitarrista jazz, classico e world, inframmezza ampi commenti, oltre a immagini e storie della sua vita. Sigi Schwab celebra se stesso in modo simpatico, cercando di trasmettere il suo entusiasmo per la chitarra polifonica. Sostiene la massima apertura stilistica e interpretativa. I suoi brani e gli arrangiamenti devono essere variati e improvvisati. Afferma: "Ascolto i consigli di un'autoproclamata polizia del gusto e ci penso su. Come artista creativo, devo andare per la mia strada".

La prima parte del libro di musica è costituita da arrangiamenti di standard jazz come Ninna nanna di Birdland o Take Five, con sequenze armoniche sempre estremamente sonore. Ogni nota è scritta: se sapete leggere bene la musica, siete avvantaggiati. Se siete esperti di jazz, potete anche improvvisare sugli accordi. Tuttavia, si consiglia di familiarizzare con le diteggiature per capire le intenzioni di Schwab. Le dita si muovono spesso in registri alti su tutte le corde. Questo vale anche per i numeri pop della seconda sezione centrale, che contiene principalmente canzoni dei Beatles e di Michael Jackson.

Infine, Sigi Schwab ci presenta brani "dal mio mondo musicale": per lo più composizioni originali, ma anche vangeli e un preludio di Bach. I brani scritti in proprio sono a metà strada tra il jazz e la world music, alcuni con influenze indiane e africane. Sono in qualche modo più facili da suonare rispetto agli arrangiamenti degli altri titoli. Sigi Schwab ci permette così di condividere alcune tappe della sua pluridecennale carriera - con questa edizione dal design generoso di una selezione di brani per lui importanti.

Sigi Schwab: Libro per chitarra, 30 arrangiamenti dalla musica classica al jazz, ED 23369, € 35,00, Schott, Mainz

Il poema sinfonico Tapiola op. 112 è l'ultima grande opera che Sibelius riuscì a completare e pubblicare. Fu commissionata dalla New York Symphony Society e presentata per la prima volta nel 1926. Secondo la mitologia finlandese, la foresta nordica è abitata da dei e dee, sui quali Tapio regna come re della foresta. La sua casa, nascosta nelle profondità della foresta, si chiama "Tapiola".

Nella sua opera, Sibelius dispiega la sua visione della foresta con ostinati incredibilmente suggestivi e delicate magie sonore. Chiunque abbia ascoltato questi colori orchestrali difficilmente può immaginare che un'interpretazione pianistica possa in qualche modo tenerne il passo. Tutti quei lunghi punti dell'organo, i numerosi tremoli degli archi e i ricchi suoni dei fiati... Come si può trasferire tutto questo su uno strumento a tastiera? Peter Lönnqvist si è assunto questo compito coraggioso e Tapiola per pianoforte a quattro mani (o per due pianoforti). Secondo l'editore, questa versione, pubblicata da Breitkopf und Härtel nel 2021, si basa su una copia precedente della partitura di Einar Englund (1916-1999), anch'egli compositore prolifico e autore di sette sinfonie, proprio come Sibelius.

Il risultato è sorprendente: il trasferimento al pianoforte funziona molto meglio del previsto. Naturalmente, molto è lasciato all'esecutore e alla sua immaginazione, come scrive Lönnqvist nella prefazione: "Gli esecutori dovrebbero trovare l'equilibrio tra notazione pianistica e suono orchestrale studiando la partitura orchestrale e ascoltando l'opera nella sua forma originale". Questo è particolarmente importante da tenere a mente alla fine, dove Sibelius Tapiola nel delicatissimo Si maggiore della sezione d'archi multidivisa. I tremoli suggeriti qui dal pianoforte difficilmente riusciranno a suggerire questo suono. Forse sarebbero più appropriati arpeggi continui e calmi, come quelli suggeriti da Liszt alla fine del suo arrangiamento del "Liebestod di Isotta".

A parte questo, però, la trascrizione di Lönnqvist è una versione ben riuscita e rappresenta sicuramente un arricchimento per tutti coloro che desiderano conoscere ancora meglio questo affascinante lavoro orchestrale al pianoforte o eseguirlo nell'ambito di un concerto di musica da camera. E, non da ultimo, sarebbe anche un compito gratificante per i corsi di direzione d'orchestra...

Jean Sibelius: Tapiola per orchestra, trascrizione di Einar Englund, arrangiato per pianoforte a quattro mani da Peter Lönnqvist, EB 9390, € 32,90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Il sassofono, brevettato nel 1846 e inventato dal belga Adolphe Sax, iniziò la sua marcia trionfale solo con la nascita del jazz nella metropoli musicale statunitense di New Orleans. Già nel 1929, il critico musicale tedesco Alfred Baresel lo definì "il più importante strumento melodico del genere". Due nuove pubblicazioni dimostrano che è stato a lungo centrale anche in altri ambiti.

Il percorso conduce innanzitutto ai Klapparat, che si sono riorganizzati nel 2021 e da allora viaggiano come quintetto con quattro sassofoni e batteria anziché come sestetto. Il loro attuale album Orbita dimostra che la band, per la maggior parte originaria di Berna, non solo ha cambiato la propria formazione, ma si è anche riorganizzata: I Klapparat sono già riusciti a distinguersi per l'improvvisazione inventiva e il rumoroso street jazz. Ora, però, il loro lavoro ha raggiunto un nuovo livello. Anche perché si è rivelata una mossa intelligente arricchire il loro sound con un tubax, un sassofono basso. Questo permette di ottenere toni particolarmente bassi, che scricchiolano e ringhiano. Il risultato è costituito da brani come Sofferenza lidiotache si snoda tra l'elegante e l'intricato, oppure come Luce della serache si rivela gradualmente un dramma. Altri punti salienti sono la francamente altalenante Parte 3 e Campi - un numero finemente stratificato che sa come impressionare con immagini atmosferiche che variano continuamente. Brani come quelli sopra citati rendono evidente che Klapparat può lavorare con Orbita è riuscito a creare un'opera giocosa, dinamica e innovativa.

Al confronto, i quartetti per sassofono scritti da Thomas K. J. Mejer si presentano come semplici e fragili. I suoi undici pezzi, eseguiti dalle quattro sassofoniste Silke Strahl, Vera Wahl, Eva-Maria Karbacher e Manuela Villiger, sono taglienti e si basano su sonorità ritmicamente complesse e impegnative. Mentre Immagini sulpiziane I-IV flirta con interiezioni che si rivelano leggere, piacevoli e capricciose, la successiva La neve scura cade sui suonatori di cornamusa su quattro sassofoni contralto identici. Tuttavia, la loro interazione non dà luogo a nulla di conformista, ma piuttosto a un caleidoscopio di suoni in filigrana che stimolano l'immaginazione ed evocano varie immagini. A volte ricordano lo sferragliare delle macchine da scrivere, altre volte gli alphorn all'alba. Le sonorità proposte, al confine tra la nuova musica e il jazz, non si annidano necessariamente nell'orecchio, ma offrono una visione approfondita di un mondo sonoro frastagliato. Se vi prendete il tempo di ascoltare questa musica, arriverete inevitabilmente alla conclusione che vale la pena esplorarla: Qui la creatività è viva e vegeta.

Quartetti di sassofoni di Thomas K. J. Mejer: Uneven Same. Manuela Villiger, Eva-Maria Karbacher, Vera Wahl, Silke Strahl, sassofoni. Wide Ear Records WER065

Klapparat (Daniel Zumofen, Charlotte Lang, Ivo Prato, Matthias Wenger, sassofoni; Philipp Leibundgut, batteria): Orbit. www.klapparat.ch