"Come sai, nel mio cuore alberga una profonda tristezza, che di tanto in tanto deve esplodere in note". Con queste parole pronunciate in una lettera del 1883, Franz Liszt stesso fornì la chiave di lettura delle sue ultime opere pianistiche, che rinunciavano a qualsiasi ostentazione virtuosistica a favore dell'esplorazione dei limiti della tonalità. I suoi contemporanei si limitarono a scuotere la testa in segno di disapprovazione. Persino Richard Wagner parlò di "follia germinativa" e "dissonanza", che non riusciva a comprendere. E ancora nel 1976, Klaus Wolters, nella sua opera completa Manuale di letteratura pianistica affermava che questa musica non era adatta né per l'insegnamento né per i concerti: "Niente più del brillante marchio di fuoco, solo forme scialbe, senza gioia, ombrose...". Questo giudizio è cambiato notevolmente negli ultimi decenni. Oggi queste opere sono ammirate per la loro radicale semplicità e le armonie audaci e trovano sempre più spazio sul podio.

La casa editrice Bärenreiter ha ora pubblicato in un'antologia alcuni di questi brani per pianoforte degli anni dal 1880 al 1885. Tra questi, l'incredibilmente cupo Unstern! l'enigmatico Nuages gris e Sulla tomba di Richard Wagnerun'opera che esiste anche in un arrangiamento di musica da camera. Sono incluse anche le due versioni della raramente eseguita Romanticismo oubliée e - ultimo ma non meno importante - La gondola del luttoanche in entrambe le versioni. La seconda versione di quest'ultima è una delle poche opere più estese ed è caratterizzata da una struttura sottile che culmina in uno scoppio drammatico. Questo pezzo in particolare può essere meravigliosamente combinato in un recital con opere precedenti di Liszt, come la Sonata in si minore.

Nella prefazione di questa nuova edizione, il curatore Michael Kube fornisce molte informazioni interessanti sulla genesi dei singoli brani. Nelle dettagliate note interpretative, Steffen Schleiermacher, un pianista che si è ovviamente appassionato a questa musica, esprime il suo parere. Le sue indicazioni possono talvolta risultare un po' personali. Ma sono certamente benvenute come suggerimenti.

Tra l'altro, Béla Bartók fu uno dei primi a prendere sul serio e ad apprezzare le ultime opere di Liszt. In generale, era convinto "che l'importanza di Liszt per l'ulteriore sviluppo della musica fosse maggiore di quella di Wagner".

Franz Liszt: Pezzi per pianoforte degli anni 1880-1885, a cura di Michael Kube, BA 10871, € 20,95, Bärenreiter, Kassel  

Davanti a me c'è una bella cartella illustrata con sei libretti colorati e disegnati con umorismo che invitano i bambini a scoprirli. Le due arpiste Franziska Brunner e Sabine Moser sono insegnanti esperte. La loro scuola incoraggia l'esplorazione attiva dell'arpa e crea un collegamento tra musica e vita. Le autrici sono riuscite a creare una struttura estremamente ben congegnata, che non si limita a introdurre la tecnica dell'arpa, ma incorpora allo stesso tempo tutti gli aspetti della musica. Ci sono suggerimenti per l'improvvisazione, le immagini ispirano la narrazione, gli esercizi sono combinati con le associazioni, la teoria musicale è introdotta in modo molto giocoso, c'è molto spazio per l'immaginazione e infine ci sono bellissime canzoni accuratamente selezionate. Un sussidio didattico ricco di idee speciali - un arcobaleno di possibilità.

L'attenzione al bambino e al suo mondo di esperienze ha portato anche all'idea di allineare la scuola d'arpa al ciclo annuale. Ogni libretto, suddiviso in unità didattiche di sei-otto settimane, ha un focus stagionale, che si riflette nelle improvvisazioni e nella scelta dei brani. Se un bambino inizia a suonare l'arpa nel nuovo anno scolastico, passerà attraverso l'estate, l'autunno, l'inverno e la primavera e dovrebbe essere in grado di padroneggiare i primi quattro o cinque libretti entro un anno. I libretti sono costituiti da sole otto pagine e possono quindi essere padroneggiati abbastanza rapidamente. Questo ha un effetto molto motivante sui bambini, che hanno l'impressione di progredire rapidamente.

Mi colpisce l'ariosità delle pagine, che non sono affatto sovraffollate, eppure c'è spazio per tutto ciò che è essenziale.

Gli insegnanti possono usare questo sussidio didattico come fonte di ispirazione varia per lezioni più libere, mentre allo stesso tempo soddisfa gli obiettivi del Curriculum 21. Poiché la teoria musicale è costantemente integrata, è anche il punto di partenza per giochi, scoperte e creazioni. È stata presa la decisione consapevole di non riempire il materiale didattico con molti brani. In questo modo i bambini e gli insegnanti hanno la possibilità di aggiungere o sostituire i brani da soli, a seconda delle necessità. Se il concetto di libretto stagionale fosse un ostacolo per i bambini più lenti, l'insegnante dovrebbe naturalmente essere più libero con la scuola. La scuola si rivolge principalmente ai bambini tra la prima e la quarta elementare.

È molto piacevole che, dopo l'enorme risposta al primo volume, venga presto pubblicato un seguito con altri sette libretti. Ancora una volta, il progetto è stato sperimentato dagli insegnanti di arpa durante le lezioni per un lungo periodo di tempo e sono stati incorporati cambiamenti e suggerimenti. Anche questo futuro sussidio didattico è uno sforzo congiunto sotto molti aspetti con i seguenti contenuti: grandi canzoni, intervalli e triadi comprese le loro inversioni, arpeggi, scale, armonici, terzine e sedicesimi, improvvisazione su toniche e dominanti, lettura estesa delle note, chiavi e parti.

Il Scuola d'arpa Arcobaleno è un arricchimento contemporaneo ed educativo che posso solo raccomandare.

Franziska Brunner e Sabine Moser: Scuola d'arpa Arcobaleno, libretti 1-6, illustrati da Ruth Cortinas, 80 pagine, materiale aggiuntivo online, Fr. 34.80, kontakt@cordialharfenspiel.ch, ISBN 978-3-7252-1045-9

La ripresa dell'ultima opera di Othmar Schoeck Castello di Dürande allo Stadttheater di Berna dal direttore d'orchestra Mario Venzago e dal musicologo Thomas Gartmann ci ha ricordato ancora una volta che la scena musicale svizzera potrebbe - o dovrebbe - prestare maggiore attenzione al suo più importante compositore d'opera della prima metà del XX secolo. Purtroppo, però, non fu Armin Rüeger a trasformare il testo di Eichendorff in un libretto ma, dopo la sua cancellazione, il tedesco nazista Hermann Burte. I tre libretti di Rüeger per Schoeck, Don Ranudo, Venere e Massimilla Doniha fornito una base affidabile per l'ambientazione, anche se il compositore aveva già alcuni passaggi del concetto "in pentola" e ha dovuto chiedere di fornire il testo il più rapidamente possibile.

Estratti di lettere scritte da Rüeger e Schoeck, nonché contributi di autori della generazione successiva, chiariscono i contorni del farmacista di Bischofszell, attivo anche come grafico, e della sua amicizia con il compositore, durata oltre cinquant'anni, e completano in modo simpatico la grande biografia di Schoeck di Chris Walton (Atlantis 1994). Illustrato in modo accattivante con schizzi, dipinti e fotografie, questo libro, insieme a quello che accompagna il festival del 2021, potrebbe essere l'inizio di una serie significativa di pubblicazioni sul tema di Othmar Schoeck.

Drammaturgia e opera. Armin Rüeger - Librettista e amico di Othmar Schoeck, libro che accompagna il Festival Othmar Schoeck 2022, a cura di Alvaro Schoeck e Chris Walton, 156 p., Fr. 15.00, Müsigricht, Steinen 2022, ISBN 978-3-9525658-0-3

Schwyzer Heft 113 persegue diversi obiettivi: Il fulcro è l'edizione commentata di dieci lettere contenenti i resoconti di Joseph Joachim Raff di due viaggi in Svizzera (1867) e nelle Alpi della Germania meridionale (1873). Questo ha permesso alla Schwyzer Hefte di collaborare con la Raff Society - in occasione del 200° compleanno del suo omonimo - senza dover rinunciare a un minimo di colore locale. Allo stesso tempo, ciò ha fornito una piattaforma per la pubblicazione di una parte finora sconosciuta della vasta corrispondenza di Raff, conservata presso la Biblioteca di Stato Bavarese di Monaco. Inoltre, i due curatori e l'editore colgono l'occasione per richiamare l'attenzione su quelle opere di Raff che hanno un titolo svizzero.

In tutto questo, non è chiaro se il compositore non abbia piuttosto utilizzato tali titoli geografici per facilitare la vendibilità delle sue opere, sapendo come trarre profitto dal suo luogo di nascita, piuttosto casuale, in tempi di crescente turismo in Svizzera. Una panoramica sullo sviluppo della Svizzera alpina come destinazione turistica, a cura dello storico Joseph Jung, intesa come contestualizzazione, risulta essere il punto focale dell'intera pubblicazione, rispetto alla quale Raff, con il suo riferimento alla Svizzera nelle lettere e nelle composizioni, non è altro che un caso di studio, anche se particolarmente complesso.

Anche se questo volume riccamente illustrato e informativo - più che un semplice "libretto" - avrebbe meritato una revisione critica, rappresenta un'ulteriore pietra miliare nello sviluppo della ricerca su Joachim Raff, il compositore così importante per la comprensione della musica del XIX secolo.

Severin Kolb, Franziska Gallusser, Lion Gallusser, Joseph Jung, Heinrich Aerni: Unterwegs mit Joachim Raff im Alpenraum, Schwyzer Heft Band 113, 137 p., Fr. 25.00, Kulturkommission Kanton Schwyz, 2022, ISBN 978-3-909102-75-4

Il Duo Praxedis è qui per restare. L'arpista Praxedis Hug-Rütti e sua figlia, la pianista Praxedis Geneviève Hug, si esibiscono insieme da anni e continuano a sorprendere con registrazioni originali. Basti pensare al doppio CD di Piazzolla o al grande duetto con opere originali per arpa e pianoforte, anche un doppio album.

In realtà, l'arpa è sempre stata uno strumento fiorente, ad esempio nelle corti reali e nei salotti del XIX secolo. O con i francesi, quando Claude Debussy e Maurice Ravel si misero a creare nuovi mondi sonori "liberati". Il binomio arpa e pianoforte è stato celebrato anche in sala da concerto, ad esempio con il pianista Carl Czerny (1791-1857) e l'arpista Elias Parish Alvars (1808-1849), che per Berlioz era il "Liszt dell'arpa".

Per i due appassionati musicisti, la ricerca di letteratura interessante ma dimenticata per il loro duo fa parte del lavoro. Nel loro attuale CD, ad esempio, si può ascoltare un brano di Grand Duo du Couronnement di Henri Herz (1806-1888) o ascoltare l'opera Sei Notturni di Charles Oberthür (1819-1895). Il pianista sa come trattenere sottilmente il suono di queste trouvailles per dare all'arpa il suo spazio acustico.

Tuttavia, questo CD documenta anche tre delle opere commissionate che il Duo Praxedis assegna regolarmente a rinomati compositori svizzeri. Nel 2018, il compositore Rudolf Lutz, stilisticamente molto completo e versatile, ha registrato La Folia per il duo, con il quale, secondo le sue stesse parole, "serpeggia attraverso i più diversi paesi stilistici". Lutz combina abilmente elementi rinascimentali, sonorità romantiche, tango e variazioni jazz per creare un brano vario ma coerente.

Coucher du soleil (2016) è il titolo dell'opera che Rolf Urs Ringger ha dedicato al Duo Praxedis in età avanzata. Si è ispirato al dipinto di Marc Chagall Tramonto ispirare. In nessun altro brano di questo CD il dialogo tra pianoforte e arpa è esplorato così magistralmente come in questo caso. L'uso da parte di Ringger del registro basso pedalificato del pianoforte a coda è particolarmente suggestivo e conferisce all'arpa delicata un'aura sonora originale.

Anche Xavier Dayer, il più giovane compositore del gruppo, è noto per il suo sottile senso del suono. Per il Duo Praxedis ha variato una melodia tratta dalle canzoni polifoniche popolari della provincia francese del Béarn. Qui i due musicisti rivelano il loro perfetto equilibrio tonale, il loro sottile orecchio reciproco e il loro delicato virtuosismo.

Duo Praxedis: Firma. Praxedis Hug-Rütti, arpa; Praxedis Geneviève Hug, pianoforte. Ars Production ARS 38 628

Lo svizzero-francese Ensemble di fiati Astera è composto da Coline Richard (flauto), Yann Thenet (oboe), Gabriel Potier (corno), Moritz Roelcke (clarinetto) e Jeremy Bager (fagotto), tutti ex studenti della Haute Ecole de Musique de Lausanne. Subito dopo il diploma, si sono riuniti da tutta Europa per formare questo ensemble e coltivare la loro comune passione per la musica da camera. Le loro diverse esperienze personali hanno arricchito la loro coesione, il loro suono e la loro affinità musicale all'interno del quintetto di fiati.

Sono membri o collaborano con orchestre rinomate come l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo, l'Orchestre National de Lille, l'Orchestre de Chambre de Lausanne, l'Orchestra del Gewandhaus di Lipsia o l'Orchestre de la Suisse Romande.

Secondo Andreas Sundén, presidente della giuria e clarinettista principale dell'Orchestra della Radio Svedese, "il suono di questo ensemble è raffinato e preciso. Con un'energia equilibrata, convincente sia come gruppo che individualmente, il loro modo di suonare è caratterizzato dalla riflessione e da una profonda espressione per il compositore."

Si tiene ogni quattro anni, il Concorso di musica da camera Carl Nielsen è rivolto a giovani quartetti d'archi e quintetti di fiati. Dopo una preselezione video, si passa a tre turni; da un ampio repertorio, gli ensemble presentano anche un lavoro commissionato e composto appositamente per il concorso.

È un pezzo di musica meraviglioso che ancora oggi sorprende per diversi aspetti. Prima di tutto, questo notturno non assomiglia per nulla a il Dvořák, che pensiamo di conoscere per il suo periodo americano fin troppo presente. Anche la genesi dell'opera suscita curiosità. Il movimento proviene da un primo quartetto per archi in mi minore (1869/70). Fu poi incorporato (con strumentazione ampliata) nel Quintetto per archi in sol maggiore op. 77 (qui già con il contrabbasso), fu nuovamente rimosso - e infine prese vita propria come Notturno in si maggiore con una seconda parte rivista.

Inoltre, il movimento lascia un ampio margine di manovra agli esecutori. Già una prima panoramica delle registrazioni disponibili rivela un risultato sorprendente: il Nachtstück, con le sue 51 battute totali, può essere suonato in modo molto veloce e scorrevole in meno di sei minuti o celebrato quasi da fermo in oltre nove minuti. Come sempre, la verità sta nel mezzo, dove il flusso del tempo in 12/8 deve essere mantenuto. Anche se il violoncello suona per un'eternità sulla quinta battuta, il violoncello può essere un po' più lento. Fa diesis Questo movimento ha tutto, è impegnativo e farà esultare il pubblico, sia in un semplice contesto di musica da camera sia in un contesto più gradevole con un ensemble corale. Le cinque croci possono sembrare scoraggianti all'inizio, ma creano un effetto sonoro di incantevole luminosità.

L'attuale edizione Bärenreiter può contare su un modello di incisione del brano recentemente scoperto e corregge così alcune letture. Soprattutto, però, l'edizione (partitura e sezione d'archi 4-4-3-2-1) è molto pulita, chiara e ben impostata. Una valida aggiunta al repertorio.

Antonín Dvořák: Notturno per orchestra d'archi in si maggiore op. 40, a cura di Jonáš Hájek, partitura e parti BA 11564, € 29,50, Bärenreiter, Praga  

La musica ebraica ha una ricca storia di oltre 3000 anni. È stata caratterizzata in modo significativo dalla diaspora, dalla vita come minoranza religiosa in diversi Paesi e dalla conseguente incorporazione di un'ampia varietà di stili e pratiche musicali nazionali.

Con il Libro del coro ebraico Il direttore corale e arrangiatore berlinese Ohad Stolarz ha ora pubblicato con Breitkopf und Härtel una notevole raccolta dall'alto valore di repertorio. In due volumi presenta classici sacri, paraliturgici e profani del repertorio principale della storia culturale israeliana. I suoi arrangiamenti colorati per coro a cappella sono facili da eseguire e catturano perfettamente lo stato d'animo dei brani. Una prefazione informativa, traslitterazioni cantabili dei testi ebraici, traduzioni, aiuti alla pronuncia e introduzioni dettagliate alle opere in appendice rendono l'opera Libro del coro ebraico una vera e propria raccomandazione.

Hebräisches Chorbuch per coro misto a cappella, a cura di Ohad Stolarz; Volume 1: repertorio sacro, ChB 5375; Volume 2: repertorio profano, ChB 5376, € 19,90 ciascuno; Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2022

È tempo di Rachmaninov, il cui 150° compleanno viene celebrato ovunque. Il compositore russo ha trascorso alcuni anni del suo esilio sul Lago dei Quattro Cantoni nella Villa Senar, che è attualmente in fase di ristrutturazione e sarà poi aperta al pubblico. Un motivo in più per l'Orchestra Sinfonica di Basilea per presentare su CD due delle sue opere più importanti.

Ciò è reso possibile anche dall'etichetta svizzera di successo Prospero, gestita da Martin Korn. Sono stati registrati Rapsodia su un tema di Paganini op. 43 e il Concerto per pianoforte e orchestra n. 3 op. 30 allo Stadtcasino di Basilea. Una produzione svizzera che ha tutto, anche grazie all'eccellente pianista Irina Georgieva. La rumena ha da anni stretti legami con Basilea, dove ha studiato con Rudolf Buchbinder. Il suo pianismo è fenomenale, delicato, sempre meravigliosamente udibile e mai "denso", nemmeno nella forza accordale di Rachmaninov. Questo biglietto da visita lo mostra già nelle Variazioni di Paganini, che esegue in stile cameristico con un tocco delicato e un fraseggio meraviglioso. L'Orchestra Sinfonica di Basilea diretta da Sascha Goetzel fornisce un accompagnamento attento e sobrio. Il brano inizia con l'introduzione del tema da parte dell'orchestra con accenti brevi e morbidi, una preparazione ideale per l'interpretazione della pianista. In questo modo, l'ascoltatore viene messo fin dall'inizio nell'atmosfera del Terzo Concerto per pianoforte e orchestra, la seconda opera del programma del CD.

In questo concerto per pianoforte e orchestra, Rachmaninov è più diversificato nella strumentazione, più vario e meno focalizzato sul puro effetto rispetto al secondo. Ed è proprio qui che ci si meraviglia di ciò che l'Orchestra Sinfonica di Basilea, questa volta sotto la direzione di Pablo Gonzáles, ha da offrire in termini di udibilità, sottigliezza del suono e finezza. Un tappeto rosso per Irina Georgieva, che padroneggia la parte pianistica straordinariamente difficile come se fosse la cosa più facile del mondo. Solo nello spettacolare finale si vorrebbe un po' più di coraggio nel compiere un gesto grandioso e ampio.

Sergei Rachmaninoff: Concerto per pianoforte e orchestra n. 3, Rapsodia su un tema di Paganini. Irina Georgieva, Orchestra Sinfonica di Basilea, Sascha Goetzel/Pablo Gonzáles. Prospero Records Prosp0025

È scritto in grande sulla copertina: Stage fright. Il titolo completo recita: Dominare la paura del palcoscenico - con il training mentale per una performance di successo. Questo è il riassunto più breve possibile di questo libro pratico e piacevole di Renate Publig. La sua scrittura è leggera e chiara, con elementi grafici e disegni che sottolineano il punto e motivano il lettore ad affrontare il problema con speranza.

Le informazioni teoriche rimangono per lo più sullo sfondo, mentre l'attenzione si concentra sugli esercizi pratici, dalla A per le affermazioni alla Z per toccare le dita dei piedi e respirare, tutti chiaramente organizzati in un registro alla fine. Da un lato, si tratta di istruzioni per "interventi acuti" quando la paura del palcoscenico strozza la gola immediatamente prima dello spettacolo o addirittura sul palco. Dall'altro, gli "interventi a lungo termine" aiutano a praticare sistematicamente un modo positivo di affrontare la paura da palcoscenico per un periodo prolungato. La guida è ideale per l'autoterapia. Tuttavia, chi è afflitto da attacchi di panico per un periodo prolungato dovrebbe rivolgersi a uno specialista invece di ricorrere ai betabloccanti. Una "parola centrale dell'attore Max Müller" proprio all'inizio e una parola conclusiva di José Cura formano un quadro armonioso.

Renate Publig: Dominare la paura del palcoscenico. Con l'allenamento mentale per una performance di successo. Canto, parola, recitazione, 197 p., € 29,80, Doblinger, Vienna 2021, ISBN 978-3-902667-84-7

Nel cuore del centro storico di Münster (Goms), non lontano dal Ghiacciaio del Rodano e dal Finsteraarhorn, l'hotel è situato nel cuore della città. "Mebu" uno spazio artistico per la musica contemporanea. Il nome è l'abbreviazione di "Münster Earport by UMS 'n JIP" ed è un riferimento ironico al vicino aeroporto di Münster. Tuttavia, il nome indica anche che la riproduzione e l'ascolto della musica sono al centro del Mebu. È stato fondato ed è gestito da Il nuovo duo musicale UMS 'n JIP (Ulrike Mayer-Spohn e Javier Hagen), che a causa della pandemia - gli spazi per le prove e il lavoro non erano più disponibili durante le serrate - ha piantato le tende a Münster e vi ha allestito una sede permanente per la produzione e lo spettacolo.

Una caratteristica unica del Mebu è l'installazione permanente di un acusmonium a 16 canali per la riproduzione di musica elettroacustica (acusmatica) - uno dei pochi del genere aperti al pubblico in Europa - e una notevole collezione di strumenti a tastiera storici per la riproduzione storicamente informata della musica antica. UMS 'n JIP è uno degli ensemble più attivi per la nuova musica contemporanea, con esibizioni come ospite alla Biennale di Venezia, al Liceu di Barcellona, al Colón di Buenos Aires e alla Shanghai New Music Week, ed è stato premiato con oltre 30 riconoscimenti internazionali.

A Mebu si terranno i prossimi concerti di Selezione Ars Electronica Forum Valais 2022/23 con musica acusmatica: il 10, 11 e 12 marzo 2023 nell'ambito del Festival di Nuova Musica Forum Vallese.

Quando è stata l'ultima volta che ho ascoltato una musica così intima? L'amorevole unione è, per così dire, il prerequisito per la maggior parte dei brani di questo CD, perché il compositore spesso scrive per il violoncellista con cui ha condiviso la sua vita per lungo tempo, Roland Moser scrive per Käthi Gohl Moser.

Tuttavia, non c'è nulla di rappresentativo o che voglia essere rappresentativo, nessun album fotografico sonoro. Piuttosto, due musicisti ci danno una visione, Einhorch, del loro dialogo musicale. Volentieri a due voci, dove il violoncello solo diventa un duo. Qui insieme al violino di Helena Winkelman, là insieme al flautista dolce Conrad Steinmann, all'oboista Matthias Arter o al pianista Anton Kernjak. Ci sono anche brevi soliloqui in cui Gohl canta e canticchia al violoncello. Intorno a lui ci sono altri ospiti, compositori come Schubert o Offenbach, poeti come James Joyce, Paul Éluard o Arthur Rimbaud, a volte ben nascosti, a volte evidenti. La musica di Moser ama l'allusione, le piace trattare con le parole, in modo ponderato e attento, senza fretta. Di tanto in tanto inizia a cantare con sentimento romantico, persino con una sottile e struggente devozione. E in ... come un valzer sul vetro ... il violoncello danza "intricatamente semplice" negli armonici, come scrive Roman Brotbeck nel bellissimo testo del libretto. Altri brani si inoltrano nei sentieri di confine dei microtoni.

Per quanto la maggior parte dei brani sia breve, ognuno ha un proprio carattere. Solo una composizione del 1998 ha qui un peso maggiore e viene eseguita in due versioni: prima nella versione più recente per violino e violoncello, e alla fine nella versione originale con oboe d'amore e violoncello. ... e torna l'aria della sera... si basa su una ballata impercettibile di Pier Paolo Pasolini e cambia leggermente carattere anche con la strumentazione. Questa canzone serale suona a volte arcadica, a volte quasi tristaniana. Si muove liberamente e persistentemente, ma senza ostinazione, e così facendo sfugge a qualsiasi pressione troppo comune per innovare. La musica respira naturalmente in queste interpretazioni.

Roland Moser: Violoncello solo e in duo. Käthi Gohl Moser, violoncello; Anton Kernjak, pianoforte; Helena Winkelman, violino; Conrad Steinmann, flauto, aulos; Matthias Arter, oboe d'amore. Registri Olinard

Anche molti musicisti professionisti non sanno che i numeri BWV utilizzati per identificare le composizioni di Bach risalgono all'anno bachiano 1950. All'epoca, Wolfgang Schmieder classificò le opere di Johann Sebastian Bach in base al genere e assegnò i numeri secondo l'ordine dei singoli brani nella vecchia edizione di Bach (1851-1899). Il risultato epocale di Schmieder è stato aggiornato nel 1990. Già nel 1998 i ricercatori bachiani Alfred Dürr e Yoshitake Kobayashi hanno presentato la loro alternativa abbreviata.

Da allora sono successe molte cose nella ricerca su Bach: sono emerse nuove fonti, sono stati sollevati o dissipati dubbi sull'autenticità, sono state confermate o corrette le date, e così via. La letteratura bachiana è cresciuta a dismisura e Internet fornisce testi completi, bibliografie e persino stampe e manoscritti originali. Un nuovo BWV rivisto e aggiornato non poteva più essere completato da una sola persona; un intero istituto, il Bach Archive Leipzig, ha affiancato i tre autori principali e il lavoro ha richiesto più di dieci anni. Il risultato è un volume di 880 pagine che segue ancora le categorie di genere di Schmieder, adotta i numeri stabiliti da tempo e colloca le opere appena scoperte in ordine consecutivo al loro posto in base alla funzione e alla strumentazione. Sono nuovi anche una panoramica sistematica dell'intera opera di Bach, che non segue coerentemente i numeri BWV, e varie concordanze e cataloghi, ad esempio della biblioteca musicale (ricostruibile) di Bach. Una novità di questo catalogo è la suddivisione in diverse versioni di una stessa opera. La storia dell'opera della cantata è quindi divisa in Dondolare gioiosamente verso l'alto in stadi da 36.1 a 36.5, e le due versioni della cantata 82 per basso e soprano sono etichettate rispettivamente come 82.1 e 82.2. In questo modo si intende porre fine alla proliferazione delle denominazioni a, b e r aggiunte ai numeri di BWV.

Questa procedura raggiunge i suoi limiti quando alcuni concerti "brandeburghesi" puramente scritti devono essere designati come BWV 1046.2, ad esempio, perché per essi esiste una prima versione 1046.1, mentre per altri si applica semplicemente un numero di quattro cifre, come BWV 1047. Ciò che è stato completamente omesso sono i riferimenti alle singole opere, poiché i cataloghi online sono ora in grado di intervenire qui. Tuttavia, la riduzione delle spiegazioni che vale la pena di conoscere è tale che nei casi più complicati, e quindi anche più interessanti, è necessaria una conoscenza approfondita per poterli comprendere del tutto. Non è certo che siano stati fatti progressi in termini di facilità d'uso. Non è chiaro come sia stata realizzata l'"interconnessione con le banche dati online pertinenti" annunciata nella pubblicità dell'editore.

Così anche questo BWV rimane³ Considerato il suo prezzo di acquisto, è probabilmente una questione per pochi specialisti, mentre i praticanti oggi possono facilmente identificare le opere con l'aiuto di Internet o delle consuete edizioni di opere.

Christine Blanken, Christoph Wolff, Peter Wollny: Bach-Werke-Verzeichnis. Terza edizione ampliata (BWV³), XLIV + 835 p., € 459,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2022, ISBN 978-3-7651-0400-8

Hans Georg Nägeli (1773-1836) è considerato un il Padre svizzero dei cantanti. Il mondo della musica si è confrontato con questa idea per quasi due secoli. L'attribuzione di dubbio patriottismo gli è stata data dalle società di canto svizzere, creando un'immagine del vivace Nägeli che non regge a un esame serio. Da molti anni si attende una biografia, una correzione a questa rappresentazione unilaterale e non veritiera del "pioniere in tutti i vicoli".

Nell'ambito di un progetto della National Science Foundation, la giovane musicologa Miriam Roner si è assunta il compito quasi impossibile di far luce sull'oscurità. La sua tesi di laurea, accettata dall'Università di Berna nel 2016, è stata ora accuratamente rivista e pubblicata in un libro di oltre quattrocento pagine. Dopo una breve lettura, appare chiaro il compito mastodontico che si nasconde dietro di essa, perché a parte alcuni articoli lessicali e pubblicazioni commemorative, non esiste nulla di completo su Nägeli.

Roner non presenta una biografia, ma mostra in modo impressionante quanti matrimoni Nägeli abbia ballato: Fu editore, gestì una biblioteca (di prestito) musicale, compose musica popolare, fondò e diresse un istituto di canto che doveva contribuire all'istruzione secondo le regole pestalozziane e che dava anche la possibilità alle ragazze e alle donne di partecipare.

Questa diversità dimostra da sola la completezza del pensiero di Nägeli. Roner cerca di capire come funzionava il "sistema Nägeli" in questa selva. Intorno al 1800 non esistevano canali di distribuzione, né banche attraverso le quali effettuare i pagamenti. Nägeli sviluppò quindi diverse procedure: vendeva spartiti di editori francesi o tedeschi come contropartita per l'accettazione delle proprie opere, ordinava spartiti per la vendita, come editore su commissione o in prestito per prestarli ai cittadini.

Nägeli non ebbe mai una formazione completa come musicista, compositore o uomo d'affari. Oltre alle guerre napoleoniche, fu probabilmente a causa di questa circostanza che ispirò molto, ma anche che fallì: la sua casa editrice andò in bancarotta ed egli la vendette ad Adolf Hug. Nacque così la casa editrice Hug.

Ciononostante, il pioniere Nägeli raggiunse risultati impressionanti, come sottolinea Roner. Nel campo dell'istruzione, introdusse sistematicamente i giovani alla musica con libri di testo sapientemente strutturati, tenendo conto anche delle classi inferiori. Spesso si dimentica che Nägeli prestò attenzione alle donne tanto quanto agli uomini.

Le parti più interessanti della ricerca di Roner sono la seconda parte, dedicata a "Nägeli come commerciante ed editore di musica", e la terza parte sul "Sing-Institut". L'ampia appendice con una cronaca dettagliata e un indice completo delle fonti è preziosa. Sono state gettate le basi per ulteriori ricerche e per il rilancio di questo pioniere.

Miriam Roner: L'arte autonoma come pratica sociale. La teoria della musica di Hans Georg Nägeli, 427 p., € 73,00, Franz-Steiner-Verlag, Stoccarda 2020, ISBN 978-3-515-12701-1