L'impresa è valsa a far uscire dall'ombra della politica i due compositori, l'inglese Benjamin Britten (1913-1976) nel periodo del declino di un impero mondiale, e il russo Dmitri Shostakovich (1906-1975) nella terrificante era sovietica. La loro conoscenza, nata per caso nel 1960 e sviluppatasi in un'amicizia attraverso il confine quasi invalicabile della Guerra Fredda, è ritratta nelle più diverse sfaccettature dei rapporti artistici e umani. Nonostante le avversità, i due riuscirono a incontrarsi sei volte, sia ad Aldeburgh che a Mosca e durante il loro viaggio comune in Armenia (estate 1965).

L'autore si sforza di inserire nelle discussioni sullo sviluppo della Nuova Musica eventi politici importanti come la crisi dei missili di Cuba nel 1962, l'invasione della Cecoslovacchia da parte degli Stati del Patto di Varsavia nel 1968 e l'acceso dibattito in Gran Bretagna sul festival di musica sovietica del 1972, senza trascurare l'attenzione per i due artisti come esistenze minacciate. In questo senso, sono stati giudicati come compositori in modo del tutto controverso prima e dopo il crollo dell'Unione Sovietica, e le discussioni a Est e a Ovest continuano senza sosta ancora oggi, poiché entrambi non potrebbero quasi mai essere classificati come avanguardisti e le loro opere sono state quindi spesso giudicate e scontate al di sotto del loro valore.

Un'abbondanza di citazioni da fonti inglesi e russe - elencate in oltre mille annotazioni - sostituisce spesso le dichiarazioni previste dall'autore. La sua preoccupazione principale, tuttavia, non è quella di rivalutare le opere, ma di gettare nuova luce sulle circostanze, a volte relativamente difficili, in cui le opere furono composte. Poiché entrambi i compositori hanno avuto a che fare con gli eventi politici e quindi spesso, ma non sempre, sono stati involontariamente coinvolti, ciò ha richiesto un'ampia ricerca sulla loro vita privata. Il "Changing Meanings of Values and Words" o i dettagli dell'accordo di scambio culturale tra la Gran Bretagna e l'URSS nel 1959 vanno ben oltre, ma spesso forniscono una visione di eventi dimenticati durante la Guerra Fredda.

Tuttavia, tali panoramiche comportano il rischio che gli aspetti geopolitici, intesi da una prospettiva culturale ristretta, non sempre reggano a una valutazione storica complessiva. D'altra parte, è lodevole che l'autore cerchi di far luce anche sugli aspetti problematici degli individualisti costretti a ruoli di outsider.

Meinhard Saremba: Tenere aperta la porta della cultura. Britten e Shostakovich. Eine Künstlerfreundschaft im Schatten der Politik, 518 p., € 28,00, Osburg-Verlag Hamburg, Eimsbüttel 2022, ISBN 978-3-95510-295-1

Sembra quasi impossibile riassumere un'epoca come il XVIII secolo, che in realtà non è affatto un'epoca, in un solo libro. L'arco politico, ideologico, artistico e musicale che copre è troppo ampio. Elisabeth Schmierer - che fa ricerca e insegna all'Università delle Arti Folkwang di Essen - non si concentra quindi su singole personalità, ma segue piuttosto gli sviluppi di vari generi, che a sua volta illumina sullo sfondo sociale rispettivo. Come si è sviluppata la musica da chiesa durante l'Illuminismo e l'emergere del business dei concerti? Come appare la canzone di fronte allo "specchio della cultura musicale borghese"? E soprattutto, ancora e ancora: a che punto è il teatro musicale? Il tutto è molto istruttivo, perché Schmierer raccoglie anche una grande quantità di materiale su settori collaterali come la pantomima del balletto o la musica da programma.

A volte quasi troppo, tanto che si rischia di perdere la visione d'insieme durante la lettura. L'assenza di note a piè di pagina (ci sono invece molte parentesi) rende il testo ancora meno leggibile. Immagini ed esempi musicali sono quasi del tutto assenti. Anche se un glossario in appendice spiega i termini più importanti, ciò non impedisce al libro di essere piuttosto poco chiaro.

Ne citerò un esempio preferito, il poema della Passione dello scrittore e consigliere comunale di Amburgo Barthold Heinrich Brockes, che fu musicato da alcuni dei più importanti compositori come Handel, Telemann e Stölzel, e di cui si servì anche Bach. Questi nomi e altri ancora vengono citati, così come il fatto che Brockes reintrodusse il testo evangelico nell'oratorio della Passione, anche se con qualche rima. E questo è tutto. Nulla sulle soluzioni individuali ed emozionanti che il testo altamente espressivo ha ispirato ai musicisti. No, l'enumerazione prosegue a rotta di collo.

In definitiva, il volume, che presenta in copertina tre donne che fanno musica, rafforza l'impressione che la composizione femminile non abbia avuto alcun ruolo in quell'epoca. Solo Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre compare come compositrice donna. Mancano Juliane Reichardt e Madame de Montgéroult, una delle prime insegnanti donne del Conservatorio di Parigi. Nonostante queste omissioni, il volume offre una buona panoramica ed è certamente utile per tutti coloro che insegnano storia della musica e desiderano collegarla a un quadro più ampio.
Elisabeth Schmierer: La musica del XVIII secolo, 345 p., € 32,80, Laaber, Lilienthal 2022, ISBN 978-3-89007-858-8

L'autore di questo podcast, Matthias Droll, è a sua volta un viaggiatore poliedrico: dopo aver studiato percussioni classiche ed educazione musicale elementare, ha conseguito un master in jazz e suona in un trio che fa musica elettronica. Si dedica anche all'arrampicata. Vorrebbe anche diversificare la sua carriera futura. Ecco perché sta cercando di esplorare questa versatilità. Come parte della sua tesi di master all'Università delle Arti di Berna, ha creato una serie di ritratti acustici che possono essere ascoltati online. In x-voce parla con musicisti che suonano diversi strumenti, in diversi generi, in diversi ruoli, dall'esecutore al docente universitario, e che spesso sono anche attivi nello sport o nelle organizzazioni. Chiede loro come sono arrivati a questa moltitudine di attività, a partire dall'infanzia, e vuole sapere se hanno mai dovuto rinunciare ad aree di interesse, come hanno dovuto decidere come conciliare tutto e come sono riusciti a trovare fasi creative in questa diversità.

Ascoltando i contributi, che hanno una durata compresa tra i 39 minuti e poco più di un'ora, si avverte una piacevole tensione tra la calma della conversazione, che ha anche il tempo per le domande di approfondimento e le spiegazioni più lunghe, e la quantità a volte vertiginosa di attività a cui gli intervistati si dedicano. Questo approccio paziente e attento è una delle risposte? In ogni caso, non si tratta di capire come le diverse attività possano essere gestite l'una accanto all'altra, ma se e come siano reciprocamente vantaggiose.

Chiunque abbia domande sulla propria versatilità o voglia semplicemente conoscere la vita di musicisti ispirati (anche se, in linea con la versatilità, si possono anche preparare o lavare le verdure) dovrebbe ascoltare. Finora sono stati realizzati nove episodi, a cui ne seguiranno altri in autunno.

x-stimmig - (non) solo musica

Nonostante la sua lunga e fortunata carriera internazionale, Corin Curschellas è rimasta sorprendentemente sconosciuta in Svizzera; probabilmente è sempre stata troppo idiosincratica e ingombrante per il gusto della massa locale. Inoltre, non ha mai cercato l'attenzione del pubblico: per lei la musica è sempre stata più importante del successo. La grande dama della scena musicale svizzera festeggia ora i suoi 50 anni di carriera con un cofanetto che interesserà non solo i vecchi fan ma anche un nuovo pubblico. I compact disc possono già essere un formato storico, ma la bella scatola di cartone con quattro CD e due libri è un oggetto affascinante che va oltre la musica. I CD hanno ancora un senso perché il cofanetto contiene molte informazioni che vale la pena leggere: tutti i testi, quelli in retoromancio anche con traduzione, gli interpreti e i parolieri coinvolti, una discografia completa e brevi testi di Corin, compagni e compagni di viaggio, che forniscono impressioni coerenti sulla persona e sull'opera. I libri hanno una veste grafica estremamente accattivante e sono integrati da un ricco materiale fotografico. Questo vale da solo l'acquisto.

I sessanta brani contenuti nei quattro CD provengono dagli album solisti di Curschella dal 1990 al 2010, integrati da nuove registrazioni del 2022. Fortunatamente, i vecchi album non sono stati semplicemente ristampati, ma le canzoni sono state accuratamente selezionate e riunite in un nuovo ordine. Di conseguenza, appaiono in un contesto diverso e, anche se le conoscete già, le sentite improvvisamente in un modo completamente nuovo. Due sono le cose che emergono: da un lato, la versatilità linguistica e musicale dell'autore. I testi sono scritti in rumantsch, dialetto, tedesco, inglese e francese e Corin può cantare in tutte le lingue. Dall'altro lato, il viaggio della sua vita si riflette magnificamente nei luoghi di registrazione: dai Grigioni a Zurigo, Berlino, Vienna, Parigi, Londra, New York e di nuovo alla Surselva.

Un'altra caratteristica del lavoro di Curschella è il suo dono di fare rete con le persone migliori, sia per i testi che per le registrazioni. L'elenco dei parolieri e dei musicisti è impressionante: in Svizzera - tra i tanti - Heiri Känzig, Christy Doran, Max Lässer e Co Streiff, a Vienna la Vienna Art Orchestra con Mathias Rüegg, a Parigi Noël Akchoté e Steve Argüelles, a New York Marc Ribot, Robert Quine, J. T. Lewis e Greg Cohen, tutti rinomati grandi del loro settore. Stilisticamente, i brani oscillano tra jazz, sperimentazione, world music e chanson. Tuttavia, Curschellas non si perde in questa incredibile versatilità, ma riesce sempre a dare alle sue canzoni un tocco unico e personale.

Negli ultimi 15 anni, Corin si è concentrata principalmente sulla canzone popolare retoromanza, che ha avuto un'ottima accoglienza da parte del pubblico e della stampa. Il fatto che abbia avuto anche una grande carriera internazionale e che abbia portato la Svizzera nel mondo - e il mondo in Svizzera - è stato un po' dimenticato. Questo splendido cofanetto lo dimostra chiaramente.Corin Curschellas: Collecziuns 1990-2010 + 2022 canzoni, Tourbo Music TOURBO068

È sempre un piacere imbattersi in CD con composizioni la cui esistenza era nota solo da cataloghi ragionati o enciclopedie. Una di queste registrazioni è Quintettes suisses con due prime mondiali di Gustave Doret e Fritz Bach per pianoforte e quartetto d'archi e un'opera per quintetto d'archi del giovane Frank Martin, che gli amanti dell'opulenta musica da camera tardo-romantica potranno ascoltare con piacere. Questi brani saranno eseguiti dal Melos Ensemble Vienna e dal pianista italiano Adalberto Maria Riva, che lavora nella Svizzera occidentale. Uno dei violoncellisti dell'ensemble viennese è Christophe Pantillon, proveniente da una nota famiglia di musicisti svizzeri. Le interpretazioni di tutte e tre le opere sono eccezionali, ispirate, piene di spirito e belle da vedere. Un plauso particolare va al pianista, che nei due quintetti per pianoforte svolge un ruolo estremamente importante e impegnativo.

Il quintetto di Doret fu scritto nel 1925 su suggerimento del famoso pianista, compositore e politico polacco Ignacy Paderewski. Gustave Doret (1866-1943) non è un compositore sconosciuto, ma la sua fama si basa più che altro sulle sue musiche di scena per il Théâtre du Jorat di Mézières nel Vaud, sulle musiche per due Fêtes des Vignerons e sulla sua ricca opera di canzoni. Nato ad Aigle, Doret studiò prima con Joseph Joachim a Berlino, poi a Parigi con Jules Massenet e Théodore Dubois. Nel 1894 diresse il capolavoro giovanile di Debussy Prélude à l'après-midi d'un faune dal battesimo. Tuttavia, la sua musica è più influenzata da Fauré che dall'impressionismo.

Composta un po' prima, cioè nel 1918, la Poesia di Fritz Bach (1881-1930), in realtà Frédéric Henri Bach, nato a Parigi, compì gli studi scolastici e teologici a Losanna prima di studiare composizione nella capitale francese con Charles Widor e Vincent d'Indy e organo con Alexandre Guilmant e Louis Vierne. Tornato in Svizzera, insegnò in diverse città intorno al lago di Ginevra e compose soprattutto musica sacra. In un certo senso, si potrebbe anche includere il suo quintetto per pianoforte di quasi 40 minuti: In cinque movimenti (Jeunesse; Amour; Bonheur; Douleurs, Tristesses; Luttes), esso descrive un'intera vita umana con i suoi alti e bassi. Il Salmo 130 appare per primo nell'ultimo movimento (Dal profondo ti chiamo, Signore), prima del corale Ciò che Dio fa è ben fatto porta la vita a una fine conciliante. Musicalmente, tutto questo è realizzato con mezzi relativamente semplici ma convincenti, stilisticamente influenzati dal tardo romanticismo francese.

Come giustamente sottolineato da Jacques Tchamkerten nel suo esauriente testo del libretto, il libro di Frank Martin Pavane couleur du temps (1920) dall'opera di Ravel Ma Mère l'Oye e ispirato dall'entusiasmo per la Francia di Luigi XIV. Il titolo fa riferimento alla fiaba di Charles Perrault Peau d'âneche chiamiamo Allerleirauh conoscere. Poco o nulla dello stile maturo di Martin è ancora riconoscibile, ma è certamente un primo assaggio di talento che si sposa molto bene con i due quintetti per pianoforte.

Quintetti svizzeri. Opere di Gustave Doret, Frank Martin, Fritz Bach. Melos Ensemble de Vienne; Adalberto Maria Riva, pianoforte. Harmonia Helvetica, Cascavelle VEL 1677

Nel suo ultimo CD per Pentatone, l'Orchestre de la Suisse Romande presenta una riuscita compilation di opere del modernismo classico, in cui non solo la selezione ma anche l'ordine della registrazione è convincente. Il primo è il famoso Concerto per pianoforte e orchestra in sol maggiore di Maurice Ravel del 1931, seguito dal Concerto per pianoforte e orchestra in sol maggiore di Olivier Messiaen. Oiseaux exotiques La "trilogia" si conclude con il Concerto per pianoforte e orchestra op. 42 di Schönberg del 1942.

Sotto la direzione del suo direttore principale Jonathan Nott, l'orchestra suona con grande precisione e versatilità. Nel Concerto per pianoforte e orchestra di Schönberg, con il suo programma autobiografico nascosto, le quattro parti dell'opera formale in un solo movimento sono chiaramente percepibili: un esempio è il gesto espressivo della seconda sezione, che conduce in modo brusco e commovente alla cupa e tragica terza sezione, una sorta di marcia funebre. Tuttavia, l'orchestra ha al suo fianco anche un pianista di prim'ordine, Francesco Piemontesi, che ha un'eccellente padronanza del linguaggio tonale di Schönberg in termini di tocco e interpretazione.

Un po' meno convincenti sono le Oiseaux exotiques è stato realizzato. A volte l'orchestra "cinguetta" in modo un po' troppo pomposo, cosa che si annuncia fin dall'inizio con i primi due richiami di corno della Maina indiana e che raggiunge il suo culmine nel grande tutti della sezione principale. Piemontesi fornisce comunque un po' di sollievo e di finezza.

Se le opere di Schönberg e Messiaen si adattano completamente allo stile interpretativo di Jonathan Nott, l'arguto e variegato concerto per pianoforte e orchestra di Ravel solleva qualche punto interrogativo. Il primo movimento, con i suoi accenni al jazz, manca di un certo esprit frizzante e il secondo della leggerezza francese. Il Presto, invece, è molto conciso e virtuosisticamente interpretato da Piemontesi, ideale introduzione agli uccelli esotici di Messiaen.

Schoenberg, Messiaen, Ravel. Francesco Piemontesi, Orchestre de la Suisse Romande, Jonathan Nott. Pentatone PTC 5186 949

Il musicista e compositore tedesco Heinz Bethmann ha arrangiato per clarinetto e pianoforte tre ragtime dei primi anni del XX secolo per questa edizione pubblicata da Uetz. Il più famoso, 12^th Straccio di stradaè stato scritto da Euday Bowman (1886-1949), discendente di una famiglia di immigrati tedeschi di nome Baumann, che viveva in Texas. Bowman si guadagnava da vivere soprattutto come pianista in bar e locali notturni. Il 12^th Straccio di strada è stata di gran lunga la sua composizione di maggior successo ed è stata ripresa da molti gruppi e musicisti, tra cui Duke Ellington e Louis Armstrong.

La prima parte del brano consiste in un motivo ripetuto di 3 note con cambi ritmici. Nella seconda parte, ci sono molti salti nella parte solista, e la terza parte consiste nuovamente in un motivo di 3 note, questa volta guidato cromaticamente. Il pianoforte esegue un tipico accompagnamento pianistico a passo, ma qui diviso in mano sinistra e mano destra, poiché la melodia viene ripresa dal clarinetto.

Per gli altri due pezzi, Straccio in bianco e nero e Texas Steer Rag, Euday Bowman è indicato come compositore anche nella parte del clarinetto. Tuttavia, questi due titoli sono stati scritti da George Botsford (1874-1949), un contemporaneo di Bowman, come correttamente indicato nella parte pianistica.

Il Straccio in bianco e nero consiste quasi interamente in interruzioni di accordi di diverse triadi nella melodia. Questo richiede una solida padronanza della tecnica o comunque offre una buona opportunità per esercitarsi con le triadi. Nel frattempo, l'accompagnamento pianistico è caratterizzato da divertenti passaggi nei cambi di armonia.

Manzo texano Infine, combina note cromatiche di testa e di passaggio con salti e ritmi sincopati nella melodia, che richiede anche una certa destrezza e sicurezza ritmica di base nel suonare il clarinetto. I brani sono rivolti ad allievi che si sono lasciati alle spalle la fase dei principianti e hanno voglia di musica allegra e virtuosa.Euday Bowman: Three Ragtimes for Clarinet and Piano, arrangiato da Heinz Bethmann, BU 6244, € 15,00, Bruno Uetz Musikverlag, Halberstadt

Proveniente da una famiglia indiano-svizzera, il flautista Isaac Makhdoomi non solo ha nel cuore due culture, ma è anche a suo agio come musicista e compositore in un'ampia varietà di stili. Il suo Sonata per Flauto dolce è nato dall'esigenza di aggiungere un nuovo pezzo alle opere solistiche del periodo barocco, tenendo conto della sua realizzabilità con il flauto dolce, cioè dei vantaggi e dei limiti specifici dello strumento. Il risultato è un'opera in quattro movimenti che ricorda melodicamente Telemann, anche Corelli e in alcuni punti armonicamente Bach, ma in cui si trovano anche piccoli ornamenti francesi e inglesi - un'affascinante sonata o suite barocca multiculturale, per così dire.Makhdoomis Catturare i momenti invece, è una composizione contemporanea, tradizionalmente annotata, divisa in tre sezioni e intitolata "mistica, libera". L'inizio e la fine hanno un carattere improvvisativo e ricordano la musica indiana per flauto. La musica indugia ripetutamente su note più lunghe per passare a una pausa o alla successiva nota lunga in brevi e veloci corse o sequenze ritmiche. La sezione centrale, ritmicamente più veloce, è intesa come retorica, iniziando con sillabe rumorose e precisamente annotate da pronunciare nel flauto e poi scaricandosi in multifonici e in un udibile frastuono delle dita.Isaac Makhdoomi non può essere classificato semplicemente come un artista. È noto al pubblico televisivo fin dalla sua apparizione a "I più grandi talenti della Svizzera" come membro del gruppo Sangit Saathi, dove ha prodotto suoni funky dal flauto dolce e ha deliziato il pubblico. Il suo nuovo CD con i concerti di Antonio Vivaldi mostra un lato completamente diverso del musicista. L'album, sapientemente concepito e straordinariamente ben mixato, in cui Makhdoomi accosta i noti concerti a due gioielli d'aria, non solo colpisce per il suo potente virtuosismo, le dinamiche chiaramente delineate, l'eccitante strumentazione nel continuo e i momenti improvvisativi, ma soprattutto per la sua grande individualità e il desiderio di suono nei movimenti lenti lirici e riccamente ornati.

Isaac Makhdoomi: Sonata per Flauto dolce, per flauto dolce contralto solo, N 2462, € 11,90, Heinrichshofen & Noetzel, Wilhelmshaven

Isaac Makhdoomi: Catching Moments, per flauto dolce contralto, EFT 3131, € 9,00, Edition Tre Fontane, Münster  

Vivaldi Concerti per flauto e Arie. Isaac Makhdoomi, flauto dolce; Ensemble Piccante; Arnaud Gluck, controtenore. Prospero PROSP0064

Gli album di canzoni di Richard Strauss sono stati pubblicati in quattro volumi dalla Universal Edition. Ciascuno per voce alta, media e bassa. Finora questo non lascia nulla a desiderare. Tuttavia, gli editori hanno deciso di pubblicare le canzoni anche in piccoli libretti, sottili e di facile consultazione, ognuno dei quali riassume le opere di un numero d'opus (op. 10, 19, 21, 26, 27, 29 e 32). Seguono il testo della Kritische Werkausgabe. Si prefigura forse una sostituzione di Tablet & Co?

I quaderni sono leggeri, maneggevoli e facili da trasportare, e le cose che stanno insieme stanno insieme. L'unico svantaggio è che sullo scaffale tutto sembra uguale. Sulla copertina di cartone bianco non sono stampati i titoli, ma solo il numero dell'opera (per questo l'aspetto è così attraente). Quindi bisogna saperlo: Aha, Opus 32, quello era O dolce maggioo Opus 29, è vero: Sogno attraverso il crepuscolo. Per il resto è una cosa buona, estetica, accattivante e quindi anche abbastanza adatta al palcoscenico.

I libretti contengono traduzioni in inglese e sono disponibili a un prezzo contenuto.

Richard Strauss: Quattro canzoni per voce media con accompagnamento di pianoforte op. 27, UE 37987, € 19,95, Universal Edition, Vienna (esempio)

Raphael Benjamin Meyer è noto soprattutto come compositore cinematografico (ad esempio, per il suo lavoro di ricerca e sviluppo). Il becchino), ma è anche un suonatore di flauto dolce che ha studiato alla Schola Cantorum Basiliensis e dirige tre orchestre di flauti dolci. La cosa dello swing è una composizione su commissione in cui riesce a combinare in modo congeniale le sue professioni, esperienze e passioni.

La cosa dello swing sia in partitura singola che in partitura corale. La composizione a due voci è in linea di principio a cinque voci (SATTB) con l'aggiunta opzionale di voci in do basso e sottobasso. Tuttavia, queste voci aggiuntive non si limitano a raddoppiare le voci più basse del movimento, ma formano a volte interessanti controvoci, che conferiscono alla composizione oscillante, in gran parte ternaria, un'ulteriore scansione. Probabilmente il compositore aveva in mente anche i diversi livelli e le diverse realtà degli ensemble di flauti dolci quando ha creato la struttura formale: una breve introduzione è seguita da una sezione swing più lunga a un tempo moderato, che conduce a una stretta metricamente più complicata con un livello di difficoltà significativamente più alto. Anche in questo caso si tratta di un'opzione; la composizione può anche essere conclusa con la notazione fine tra parentesi alla fine della prima parte.

La cosa dello swing arricchisce il repertorio con una composizione autentica che si basa sulle qualità dello strumento e non deve adattare una composizione esistente per flauti dolci. Tuttavia, Raphael Benjamin Meyer dimostra che negli arrangiamenti (come il famoso mottetto di Mozart Ave verum corpusHeinrichshofen & Noetzel N2687) che padroneggia molto bene anche questo mestiere e tiene conto sia dei vantaggi dello strumento che della struttura e della bellezza tonale della composizione.

Raphael Benjamin Meyer: The Swing Thing, per 5-7 flauti dolci; partitura: N2890, € 10,00; parti disponibili separatamente; Heinrichshofen & Noetzel, Wilhelmshaven

Il duo Elisa Urrestarazu (sassofono) e Cornelia Lenzin (pianoforte) ha eseguito il programma di questa registrazione nell'autunno del 2021 nella serie di concerti "Basel komponiert" al Museum Klingental. Lenzin ha una collaborazione di lunga data con il compositore Jost Meier, recentemente scomparso, nonché con Balz Trümpy e Marcelo Nisinman. Nel 2019 ha organizzato un concerto con musica da camera di Meier per il suo 80° compleanno. Meier ha poi scritto per Lenzin e Urrestarazu quanto segue Sonata (2020) per sassofono contralto e pianoforte, un brano che vale la pena ascoltare. Apre questo CD. È seguito dal breve e denso brano di Meier 4 Immagini per pianoforte solo (2009) come prima registrazione. Balz Trümpy ha scritto per Elisa Urrestarazu il suo Introduzione e Ariaoriginariamente per clarinetto (2002-03), per sassofono contralto. L'interprete dimostra tutta la sua classe. Il sognante Trümpy Canzone per sassofono soprano e pianoforte (2020) è in corso. Anche nell'impegnativa opera di Jacques Wildberger 4 Pezzi per Pianoforte (1950) e la Prismi per sassofono contralto solo (1975), i musicisti si presentano con grande disinvoltura. Come contrappunto, il duo è stato affiancato da Marcelo Nisinman Samuele il Saggio per sassofono soprano e pianoforte - un'esperienza di ascolto divertente.

Basilea composta. Musica per sassofono e pianoforte 1951-2021. Jost Meier, Balz Trümpy, Jacques Wildberger, Marcelo Nisinman. Elisa Urrestarazu, sassofono; Cornelia Lenzin, pianoforte. Pianoversal PV115

Anche durante la vita di Raff e fino ai giorni nostri, il numero 3 del Sei Morceaux, Cavatina, un popolare pezzo da bis. Con l'aiuto dell'Archivio Joachim Raff di Lachen, gestito da Severin Kolb, è stato possibile rendere note le altre cinque composizioni come Urtext basate sulla prima edizione del 1862. Come assistente di Franz Liszt, Raff conobbe molti musicisti famosi ai quali dedicò le sue impegnative opere di musica da camera. Il manoscritto del Sei Morceaux che inviò all'editore nel 1861 con le parole: "(...) che si arrivi a questi pezzi tanto prima quanto io dimostri che sono anche in grado di scrivere facilmente (...)".

I sei "pezzi da salotto" sono musicalmente eccezionalmente ricchi di sorprese armoniche e ritmiche: un'incantevole marcia "per bambini", un brano poeticamente tenero e un'altra marcia "per bambini". Pastoraleil comprovato Cavatinaun vivace Joker in tempo 2/4, un'emozionante Canzona e un PrestoTarantella-rondo con verve italiana. Si avvicinano alle Romanze di Robert e Clara Schumann. Le scarne diteggiature - in parte opera di Raff, a indicare la prassi esecutiva dell'epoca - necessitano di integrazioni. Una dettagliata prefazione descrive la storia della composizione e i numerosi arrangiamenti ed esecuzioni da parte di famosi violinisti. La relazione critica dimostra la cura meticolosa di questa edizione e fornisce utili consigli agli interpreti.

Joachim Raff: Sei Morceaux per violino e pianoforte op. 85, a cura di Stefan Kägi e Severin Kolb, EB 9407, € 28,50, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden

Il titolo del primo album in otto anni della cantante, cantautrice e pianista svizzero-estone Ingrid Lukas dice tutto. Elumeloodia è estone e significa qualcosa come "melodia della vita". La lunga attesa è legata - non sorprenderà visto il titolo - ai cambiamenti che l'artista ha vissuto negli ultimi anni, alcuni involontariamente, altri volontariamente. La pausa creativa è iniziata quando il partner musicale di lunga data Patrik Zosso si è ammalato gravemente; da allora si è ripreso completamente e, insieme al tastierista Ephrem Lüchinger e al bassista Manu Rindlisbacher, fa ora parte del nucleo centrale di Elumeloodia. All'inizio della pausa forzata, Lukas ha lavorato in una scuola per giovani svantaggiati e ha osservato l'effetto positivo che l'attività musicale può avere. Questa constatazione l'ha spinta a studiare più intensamente la musicoterapia. Ha conseguito un master in questa materia a Berlino e ora lavora presso la clinica di riabilitazione Barmelweid di Aarau. Questo lavoro le ha dato a sua volta una nuova prospettiva sui propri bisogni. "Facevo musica solo perché era qualcosa con cui ero nata", dice, "ma solo in questi otto anni ho capito che volevo farlo". mosto. Perché è la melodia della mia vita. Che altrimenti una parte di me non vive".

Circa la metà dei Elumeloodia-Alcune delle sue canzoni hanno un testo in estone, altre sono in inglese e una viene eseguita in una lingua parlata improvvisata. La scelta della lingua è spontanea nello stesso senso (non si escludono testi in svizzero-tedesco in futuro), poiché Lukas si sforza oggi di affrontare la sua musica nel modo meno pesante possibile. Grazie alla sovrana serenità vocale e compositiva raggiunta durante il periodo di introspezione, si concede libertà stilistiche e tecniche completamente nuove. Le canzoni sono state in parte improvvisate in studio con i musicisti sopra citati e poi elaborate con tutti i tipi di trucchi digitali. Il risultato è una musica misteriosamente scintillante in cui suoni registrati analogicamente, elaborati elettronicamente e voci si intrecciano senza soluzione di continuità in un'intensità meditativa. Gli stati d'animo variano da percussivi rituali Incantesimo della pioggia sull'improvvisazione ambientale di Inizio fino alla meravigliosa title track, un gospel nordico. Un album straordinariamente avvincente che percorre con decisione la propria strada stilistica sotto ogni aspetto.

Ingrid Lukas: Elumeloodia. Ronin Rhythm Records RON 032

L'integrazione della musicoterapia nella pratica clinica quotidiana è stata determinante per farla passare da un trattamento di benessere piuttosto deriso a una terapia riconosciuta a livello medico. È difficile immaginare la neonatologia, la medicina palliativa, l'oncologia, la neuroriabilitazione e altri reparti senza di essa. In Svizzera, il costruttore di strumenti e musicoterapeuta Joachim Marz, al Clinica di riabilitazione Bellikon È stato a lungo un pioniere in questo campo, insieme alla collega Susanne Bossert. Dall'anno scorso ha portato avanti le conferenze specialistiche fortemente orientate alla pratica che sono diventate una tradizione a Bellikon presso Rehab Basel, ora insieme alla musicoterapeuta Mireille Lesslauer, che lavora lì. Il tema di quest'anno: "L'importanza e gli effetti dei metodi interdisciplinari di arte e musicoterapia", e quindi la collaborazione interdisciplinare tra musicoterapia e arte terapia nella neuroriabilitazione.

La musicoterapia può giocare i suoi punti di forza su due livelli nella vita quotidiana di una clinica di riabilitazione. Da un lato, può accompagnare o contribuire a dare forma a processi psicologici indispensabili quando i pazienti devono ritrovare la loro strada nella vita dopo incidenti o colpi di fortuna dovuti alla salute. In secondo luogo, può sostenere la riqualificazione delle funzioni corporee in modo molto pratico, ad esempio quando si tratta di ripristinare le simmetrie corporee dopo un ictus.

Zeitgeist ed esperienza fisica

Il fatto che la psicologia musicale non possa sfuggire completamente agli attuali dibattiti ideologici della psicologia delle emozioni è stato dimostrato alla conferenza di Basilea dalle discussioni sulla misura in cui le emozioni sono biologicamente predeterminate. Analogamente al rifiuto delle identità di genere biologicamente determinate nella ricerca sul genere, i ricercatori più giovani sono a favore dell'idea di un'emotività esclusivamente formata culturalmente. Nella conferenza dell'arteterapeuta di Amburgo Judith Revers è emerso chiaramente il desiderio di rispettare la complessità dei processi di comunicazione interculturale, ad esempio nella musicoterapia con i rifugiati. Tuttavia, c'è il rischio di ricadere in idee di fondamentale alterità esotica delle culture straniere che si pensava fossero state superate. È qui che i concetti della sinistra radicale incontrano le idee nazionalistiche.

Tuttavia, la conferenza di Basilea ha anche mostrato che la musicoterapia in un altro settore si sta muovendo in una direzione che fortunatamente sembra del tutto contraria allo Zeitgeist: mentre la produzione musicale attuale sta diventando sempre più disincarnata con la produzione digitale e l'emergere di strumenti di intelligenza artificiale, questa forma di terapia offre esattamente l'opposto: strumenti speciali che consentono di sperimentare il suono e la musica nella carne. A Basilea, in un laboratorio con monocordi su cui ci si può sdraiare o che si possono appoggiare sul corpo, si è potuto sentire e ascoltare tutto questo. Le vibrazioni non vengono solo ascoltate, ma percepite direttamente attraverso la risonanza del corpo.

L'udito come funzione ponte

Il senso dell'udito è il primo a svilupparsi negli adolescenti ed è l'ultimo a decadere nelle regioni periferiche della morte. La musicoterapia ha quindi particolari punti di forza, non da ultimo nel trattamento dei pazienti in coma. La conferenza ha posto l'accento anche sulla ricerca in questo settore. Katharina Braune, fisioterapista che lavora presso Rehab Basel, sta collaborando con la musicoterapia e l'infermieristica per studiare l'influenza del monocordo disteso sulla coscienza dei pazienti che si trovano in uno stato di non responsività o di coscienza ridotta a seguito di gravi lesioni cerebrali, nell'ambito di una tesi di laurea magistrale in diversi casi di studio individuali.

Dorothea Dülberg, musicoterapeuta docente presso la Società tedesca di musicoterapia, ha mostrato come "il crossover intermedia, come cambiamento fluido di metodi e media, può stimolare e sostenere i processi di trasformazione". Nel suo workshop, ha combinato musica, pittura, poesia e movimento nello spazio per una traccia multidimensionale delle voci interiori.

Programma della conferenza

Il compositore Carl Friedrich Abel nacque a Köthen 300 anni fa (morì a Londra nel 1787). Suo padre era violinista e gambista. Quest'ultimo strumento fu decisivo per la carriera del figlio. Dopo un ingaggio alla corte di Dresda, le vicende di Abel dal 1755 in poi non sono chiare. Probabilmente lasciò la Sassonia a causa delle turbolenze della Guerra dei Sette Anni e viaggiò attraverso la Francia fino a Londra, dove riscosse grande successo come virtuoso della viola da gamba a partire dal 1759. Insieme al figlio minore di Johann Sebastian Bach, Johann Christian, fondò i concerti di successo Bach Abel. Nel 1782 soggiornò per un lungo periodo alla corte reale di Potsdam. Il principe ereditario Federico Guglielmo, nipote di Federico il Grande, era, come lo zio, un appassionato di musica, suonava lui stesso il violoncello ed era allievo, tra gli altri, di Jean-Pierre Duport. Wolfgang Amadeus Mozart compose per lui i Quartetti per archi prussiani KV 575, 589 e 590.

Abel probabilmente scrisse il Concerto per violoncello n. 2 in do maggiore, composto nel 1782, in tre movimenti e della durata di circa 20 minuti, per Friedrich Wilhelm. Tuttavia, non ci sono prove di una sua esecuzione. Con due oboi, due corni e archi, l'orchestrazione corrisponde interamente al modello classico. Il primo movimento (Allegro maestoso) è il più convenzionale in termini di struttura (forma sonata). Al contrario, il secondo e il terzo movimento riservano sorprese: nell'Adagio ma non troppo (Fa maggiore), il compositore ottiene un effetto sonoro sorprendente con l'uso solitario dei corni. Del terzo movimento sono sopravvissute due versioni diverse. Un Allegro in tempo 6/8 è stato sostituito da un Rondeau - Tempo di Minuetto. Ciò è forse dovuto al gusto un po' conservatore della corte berlinese. Inoltre, due delle cadenze originali di Abel si sono conservate manoscritte.

Il secondo concerto per violoncello di Abel non ha nulla da invidiare alle opere più conosciute di Carl Philipp Emanuel Bach, Joseph Haydn o Luigi Boccherini e può essere considerato un significativo arricchimento della letteratura classica per violoncello. Con un'estensione che va dal do al sol2, Abel sfrutta abilmente le possibilità dello strumento e offre agli interpreti una ricca tavolozza di espressioni virtuosistiche e liriche.

Bruno Delepelaire, violoncellista principale dei Berliner Philharmoniker, ha magistralmente registrato quest'opera con i Solisti Barocchi di Berlino sull'etichetta Hänssler classic. È molto piacevole che si possano ascoltare entrambe le versioni del terzo movimento. L'edizione degli spartiti, curata da Markus Möllenbeck, contiene una dettagliata prefazione sulla storia della composizione del concerto, oltre a pratiche note esecutive. La riduzione per pianoforte è stata scritta da Ulrich Lüdering.

Carl Friedrich Abel: Concerto per violoncello n. 2 in do maggiore, WKO 60, a cura di Markus Möllenbeck, riduzione per pianoforte, EW1112, € 24,80, Edition Walhall, Magdeburg