Lo svizzero-francese Ensemble di fiati Astera è composto da Coline Richard (flauto), Yann Thenet (oboe), Gabriel Potier (corno), Moritz Roelcke (clarinetto) e Jeremy Bager (fagotto), tutti ex studenti della Haute Ecole de Musique de Lausanne. Subito dopo il diploma, si sono riuniti da tutta Europa per formare questo ensemble e coltivare la loro comune passione per la musica da camera. Le loro diverse esperienze personali hanno arricchito la loro coesione, il loro suono e la loro affinità musicale all'interno del quintetto di fiati.

Sono membri o collaborano con orchestre rinomate come l'Orchestra della Tonhalle di Zurigo, l'Orchestre National de Lille, l'Orchestre de Chambre de Lausanne, l'Orchestra del Gewandhaus di Lipsia o l'Orchestre de la Suisse Romande.

Secondo Andreas Sundén, presidente della giuria e clarinettista principale dell'Orchestra della Radio Svedese, "il suono di questo ensemble è raffinato e preciso. Con un'energia equilibrata, convincente sia come gruppo che individualmente, il loro modo di suonare è caratterizzato dalla riflessione e da una profonda espressione per il compositore."

Si tiene ogni quattro anni, il Concorso di musica da camera Carl Nielsen è rivolto a giovani quartetti d'archi e quintetti di fiati. Dopo una preselezione video, si passa a tre turni; da un ampio repertorio, gli ensemble presentano anche un lavoro commissionato e composto appositamente per il concorso.

È un pezzo di musica meraviglioso che ancora oggi sorprende per diversi aspetti. Prima di tutto, questo notturno non assomiglia per nulla a il Dvořák, che pensiamo di conoscere per il suo periodo americano fin troppo presente. Anche la genesi dell'opera suscita curiosità. Il movimento proviene da un primo quartetto per archi in mi minore (1869/70). Fu poi incorporato (con strumentazione ampliata) nel Quintetto per archi in sol maggiore op. 77 (qui già con il contrabbasso), fu nuovamente rimosso - e infine prese vita propria come Notturno in si maggiore con una seconda parte rivista.

Inoltre, il movimento lascia un ampio margine di manovra agli esecutori. Già una prima panoramica delle registrazioni disponibili rivela un risultato sorprendente: il Nachtstück, con le sue 51 battute totali, può essere suonato in modo molto veloce e scorrevole in meno di sei minuti o celebrato quasi da fermo in oltre nove minuti. Come sempre, la verità sta nel mezzo, dove il flusso del tempo in 12/8 deve essere mantenuto. Anche se il violoncello suona per un'eternità sulla quinta battuta, il violoncello può essere un po' più lento. Fa diesis Questo movimento ha tutto, è impegnativo e farà esultare il pubblico, sia in un semplice contesto di musica da camera sia in un contesto più gradevole con un ensemble corale. Le cinque croci possono sembrare scoraggianti all'inizio, ma creano un effetto sonoro di incantevole luminosità.

L'attuale edizione Bärenreiter può contare su un modello di incisione del brano recentemente scoperto e corregge così alcune letture. Soprattutto, però, l'edizione (partitura e sezione d'archi 4-4-3-2-1) è molto pulita, chiara e ben impostata. Una valida aggiunta al repertorio.

Antonín Dvořák: Notturno per orchestra d'archi in si maggiore op. 40, a cura di Jonáš Hájek, partitura e parti BA 11564, € 29,50, Bärenreiter, Praga  

La musica ebraica ha una ricca storia di oltre 3000 anni. È stata caratterizzata in modo significativo dalla diaspora, dalla vita come minoranza religiosa in diversi Paesi e dalla conseguente incorporazione di un'ampia varietà di stili e pratiche musicali nazionali.

Con il Libro del coro ebraico Il direttore corale e arrangiatore berlinese Ohad Stolarz ha ora pubblicato con Breitkopf und Härtel una notevole raccolta dall'alto valore di repertorio. In due volumi presenta classici sacri, paraliturgici e profani del repertorio principale della storia culturale israeliana. I suoi arrangiamenti colorati per coro a cappella sono facili da eseguire e catturano perfettamente lo stato d'animo dei brani. Una prefazione informativa, traslitterazioni cantabili dei testi ebraici, traduzioni, aiuti alla pronuncia e introduzioni dettagliate alle opere in appendice rendono l'opera Libro del coro ebraico una vera e propria raccomandazione.

Hebräisches Chorbuch per coro misto a cappella, a cura di Ohad Stolarz; Volume 1: repertorio sacro, ChB 5375; Volume 2: repertorio profano, ChB 5376, € 19,90 ciascuno; Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2022

È tempo di Rachmaninov, il cui 150° compleanno viene celebrato ovunque. Il compositore russo ha trascorso alcuni anni del suo esilio sul Lago dei Quattro Cantoni nella Villa Senar, che è attualmente in fase di ristrutturazione e sarà poi aperta al pubblico. Un motivo in più per l'Orchestra Sinfonica di Basilea per presentare su CD due delle sue opere più importanti.

Ciò è reso possibile anche dall'etichetta svizzera di successo Prospero, gestita da Martin Korn. Sono stati registrati Rapsodia su un tema di Paganini op. 43 e il Concerto per pianoforte e orchestra n. 3 op. 30 allo Stadtcasino di Basilea. Una produzione svizzera che ha tutto, anche grazie all'eccellente pianista Irina Georgieva. La rumena ha da anni stretti legami con Basilea, dove ha studiato con Rudolf Buchbinder. Il suo pianismo è fenomenale, delicato, sempre meravigliosamente udibile e mai "denso", nemmeno nella forza accordale di Rachmaninov. Questo biglietto da visita lo mostra già nelle Variazioni di Paganini, che esegue in stile cameristico con un tocco delicato e un fraseggio meraviglioso. L'Orchestra Sinfonica di Basilea diretta da Sascha Goetzel fornisce un accompagnamento attento e sobrio. Il brano inizia con l'introduzione del tema da parte dell'orchestra con accenti brevi e morbidi, una preparazione ideale per l'interpretazione della pianista. In questo modo, l'ascoltatore viene messo fin dall'inizio nell'atmosfera del Terzo Concerto per pianoforte e orchestra, la seconda opera del programma del CD.

In questo concerto per pianoforte e orchestra, Rachmaninov è più diversificato nella strumentazione, più vario e meno focalizzato sul puro effetto rispetto al secondo. Ed è proprio qui che ci si meraviglia di ciò che l'Orchestra Sinfonica di Basilea, questa volta sotto la direzione di Pablo Gonzáles, ha da offrire in termini di udibilità, sottigliezza del suono e finezza. Un tappeto rosso per Irina Georgieva, che padroneggia la parte pianistica straordinariamente difficile come se fosse la cosa più facile del mondo. Solo nello spettacolare finale si vorrebbe un po' più di coraggio nel compiere un gesto grandioso e ampio.

Sergei Rachmaninoff: Concerto per pianoforte e orchestra n. 3, Rapsodia su un tema di Paganini. Irina Georgieva, Orchestra Sinfonica di Basilea, Sascha Goetzel/Pablo Gonzáles. Prospero Records Prosp0025

È scritto in grande sulla copertina: Stage fright. Il titolo completo recita: Dominare la paura del palcoscenico - con il training mentale per una performance di successo. Questo è il riassunto più breve possibile di questo libro pratico e piacevole di Renate Publig. La sua scrittura è leggera e chiara, con elementi grafici e disegni che sottolineano il punto e motivano il lettore ad affrontare il problema con speranza.

Le informazioni teoriche rimangono per lo più sullo sfondo, mentre l'attenzione si concentra sugli esercizi pratici, dalla A per le affermazioni alla Z per toccare le dita dei piedi e respirare, tutti chiaramente organizzati in un registro alla fine. Da un lato, si tratta di istruzioni per "interventi acuti" quando la paura del palcoscenico strozza la gola immediatamente prima dello spettacolo o addirittura sul palco. Dall'altro, gli "interventi a lungo termine" aiutano a praticare sistematicamente un modo positivo di affrontare la paura da palcoscenico per un periodo prolungato. La guida è ideale per l'autoterapia. Tuttavia, chi è afflitto da attacchi di panico per un periodo prolungato dovrebbe rivolgersi a uno specialista invece di ricorrere ai betabloccanti. Una "parola centrale dell'attore Max Müller" proprio all'inizio e una parola conclusiva di José Cura formano un quadro armonioso.

Renate Publig: Dominare la paura del palcoscenico. Con l'allenamento mentale per una performance di successo. Canto, parola, recitazione, 197 p., € 29,80, Doblinger, Vienna 2021, ISBN 978-3-902667-84-7

Nel cuore del centro storico di Münster (Goms), non lontano dal Ghiacciaio del Rodano e dal Finsteraarhorn, l'hotel è situato nel cuore della città. "Mebu" uno spazio artistico per la musica contemporanea. Il nome è l'abbreviazione di "Münster Earport by UMS 'n JIP" ed è un riferimento ironico al vicino aeroporto di Münster. Tuttavia, il nome indica anche che la riproduzione e l'ascolto della musica sono al centro del Mebu. È stato fondato ed è gestito da Il nuovo duo musicale UMS 'n JIP (Ulrike Mayer-Spohn e Javier Hagen), che a causa della pandemia - gli spazi per le prove e il lavoro non erano più disponibili durante le serrate - ha piantato le tende a Münster e vi ha allestito una sede permanente per la produzione e lo spettacolo.

Una caratteristica unica del Mebu è l'installazione permanente di un acusmonium a 16 canali per la riproduzione di musica elettroacustica (acusmatica) - uno dei pochi del genere aperti al pubblico in Europa - e una notevole collezione di strumenti a tastiera storici per la riproduzione storicamente informata della musica antica. UMS 'n JIP è uno degli ensemble più attivi per la nuova musica contemporanea, con esibizioni come ospite alla Biennale di Venezia, al Liceu di Barcellona, al Colón di Buenos Aires e alla Shanghai New Music Week, ed è stato premiato con oltre 30 riconoscimenti internazionali.

A Mebu si terranno i prossimi concerti di Selezione Ars Electronica Forum Valais 2022/23 con musica acusmatica: il 10, 11 e 12 marzo 2023 nell'ambito del Festival di Nuova Musica Forum Vallese.

Quando è stata l'ultima volta che ho ascoltato una musica così intima? L'amorevole unione è, per così dire, il prerequisito per la maggior parte dei brani di questo CD, perché il compositore spesso scrive per il violoncellista con cui ha condiviso la sua vita per lungo tempo, Roland Moser scrive per Käthi Gohl Moser.

Tuttavia, non c'è nulla di rappresentativo o che voglia essere rappresentativo, nessun album fotografico sonoro. Piuttosto, due musicisti ci danno una visione, Einhorch, del loro dialogo musicale. Volentieri a due voci, dove il violoncello solo diventa un duo. Qui insieme al violino di Helena Winkelman, là insieme al flautista dolce Conrad Steinmann, all'oboista Matthias Arter o al pianista Anton Kernjak. Ci sono anche brevi soliloqui in cui Gohl canta e canticchia al violoncello. Intorno a lui ci sono altri ospiti, compositori come Schubert o Offenbach, poeti come James Joyce, Paul Éluard o Arthur Rimbaud, a volte ben nascosti, a volte evidenti. La musica di Moser ama l'allusione, le piace trattare con le parole, in modo ponderato e attento, senza fretta. Di tanto in tanto inizia a cantare con sentimento romantico, persino con una sottile e struggente devozione. E in ... come un valzer sul vetro ... il violoncello danza "intricatamente semplice" negli armonici, come scrive Roman Brotbeck nel bellissimo testo del libretto. Altri brani si inoltrano nei sentieri di confine dei microtoni.

Per quanto la maggior parte dei brani sia breve, ognuno ha un proprio carattere. Solo una composizione del 1998 ha qui un peso maggiore e viene eseguita in due versioni: prima nella versione più recente per violino e violoncello, e alla fine nella versione originale con oboe d'amore e violoncello. ... e torna l'aria della sera... si basa su una ballata impercettibile di Pier Paolo Pasolini e cambia leggermente carattere anche con la strumentazione. Questa canzone serale suona a volte arcadica, a volte quasi tristaniana. Si muove liberamente e persistentemente, ma senza ostinazione, e così facendo sfugge a qualsiasi pressione troppo comune per innovare. La musica respira naturalmente in queste interpretazioni.

Roland Moser: Violoncello solo e in duo. Käthi Gohl Moser, violoncello; Anton Kernjak, pianoforte; Helena Winkelman, violino; Conrad Steinmann, flauto, aulos; Matthias Arter, oboe d'amore. Registri Olinard

Anche molti musicisti professionisti non sanno che i numeri BWV utilizzati per identificare le composizioni di Bach risalgono all'anno bachiano 1950. All'epoca, Wolfgang Schmieder classificò le opere di Johann Sebastian Bach in base al genere e assegnò i numeri secondo l'ordine dei singoli brani nella vecchia edizione di Bach (1851-1899). Il risultato epocale di Schmieder è stato aggiornato nel 1990. Già nel 1998 i ricercatori bachiani Alfred Dürr e Yoshitake Kobayashi hanno presentato la loro alternativa abbreviata.

Da allora sono successe molte cose nella ricerca su Bach: sono emerse nuove fonti, sono stati sollevati o dissipati dubbi sull'autenticità, sono state confermate o corrette le date, e così via. La letteratura bachiana è cresciuta a dismisura e Internet fornisce testi completi, bibliografie e persino stampe e manoscritti originali. Un nuovo BWV rivisto e aggiornato non poteva più essere completato da una sola persona; un intero istituto, il Bach Archive Leipzig, ha affiancato i tre autori principali e il lavoro ha richiesto più di dieci anni. Il risultato è un volume di 880 pagine che segue ancora le categorie di genere di Schmieder, adotta i numeri stabiliti da tempo e colloca le opere appena scoperte in ordine consecutivo al loro posto in base alla funzione e alla strumentazione. Sono nuovi anche una panoramica sistematica dell'intera opera di Bach, che non segue coerentemente i numeri BWV, e varie concordanze e cataloghi, ad esempio della biblioteca musicale (ricostruibile) di Bach. Una novità di questo catalogo è la suddivisione in diverse versioni di una stessa opera. La storia dell'opera della cantata è quindi divisa in Dondolare gioiosamente verso l'alto in stadi da 36.1 a 36.5, e le due versioni della cantata 82 per basso e soprano sono etichettate rispettivamente come 82.1 e 82.2. In questo modo si intende porre fine alla proliferazione delle denominazioni a, b e r aggiunte ai numeri di BWV.

Questa procedura raggiunge i suoi limiti quando alcuni concerti "brandeburghesi" puramente scritti devono essere designati come BWV 1046.2, ad esempio, perché per essi esiste una prima versione 1046.1, mentre per altri si applica semplicemente un numero di quattro cifre, come BWV 1047. Ciò che è stato completamente omesso sono i riferimenti alle singole opere, poiché i cataloghi online sono ora in grado di intervenire qui. Tuttavia, la riduzione delle spiegazioni che vale la pena di conoscere è tale che nei casi più complicati, e quindi anche più interessanti, è necessaria una conoscenza approfondita per poterli comprendere del tutto. Non è certo che siano stati fatti progressi in termini di facilità d'uso. Non è chiaro come sia stata realizzata l'"interconnessione con le banche dati online pertinenti" annunciata nella pubblicità dell'editore.

Così anche questo BWV rimane³ Considerato il suo prezzo di acquisto, è probabilmente una questione per pochi specialisti, mentre i praticanti oggi possono facilmente identificare le opere con l'aiuto di Internet o delle consuete edizioni di opere.

Christine Blanken, Christoph Wolff, Peter Wollny: Bach-Werke-Verzeichnis. Terza edizione ampliata (BWV³), XLIV + 835 p., € 459,00, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2022, ISBN 978-3-7651-0400-8

Hans Georg Nägeli (1773-1836) è considerato un il Padre svizzero dei cantanti. Il mondo della musica si è confrontato con questa idea per quasi due secoli. L'attribuzione di dubbio patriottismo gli è stata data dalle società di canto svizzere, creando un'immagine del vivace Nägeli che non regge a un esame serio. Da molti anni si attende una biografia, una correzione a questa rappresentazione unilaterale e non veritiera del "pioniere in tutti i vicoli".

Nell'ambito di un progetto della National Science Foundation, la giovane musicologa Miriam Roner si è assunta il compito quasi impossibile di far luce sull'oscurità. La sua tesi di laurea, accettata dall'Università di Berna nel 2016, è stata ora accuratamente rivista e pubblicata in un libro di oltre quattrocento pagine. Dopo una breve lettura, appare chiaro il compito mastodontico che si nasconde dietro di essa, perché a parte alcuni articoli lessicali e pubblicazioni commemorative, non esiste nulla di completo su Nägeli.

Roner non presenta una biografia, ma mostra in modo impressionante quanti matrimoni Nägeli abbia ballato: Fu editore, gestì una biblioteca (di prestito) musicale, compose musica popolare, fondò e diresse un istituto di canto che doveva contribuire all'istruzione secondo le regole pestalozziane e che dava anche la possibilità alle ragazze e alle donne di partecipare.

Questa diversità dimostra da sola la completezza del pensiero di Nägeli. Roner cerca di capire come funzionava il "sistema Nägeli" in questa selva. Intorno al 1800 non esistevano canali di distribuzione, né banche attraverso le quali effettuare i pagamenti. Nägeli sviluppò quindi diverse procedure: vendeva spartiti di editori francesi o tedeschi come contropartita per l'accettazione delle proprie opere, ordinava spartiti per la vendita, come editore su commissione o in prestito per prestarli ai cittadini.

Nägeli non ebbe mai una formazione completa come musicista, compositore o uomo d'affari. Oltre alle guerre napoleoniche, fu probabilmente a causa di questa circostanza che ispirò molto, ma anche che fallì: la sua casa editrice andò in bancarotta ed egli la vendette ad Adolf Hug. Nacque così la casa editrice Hug.

Ciononostante, il pioniere Nägeli raggiunse risultati impressionanti, come sottolinea Roner. Nel campo dell'istruzione, introdusse sistematicamente i giovani alla musica con libri di testo sapientemente strutturati, tenendo conto anche delle classi inferiori. Spesso si dimentica che Nägeli prestò attenzione alle donne tanto quanto agli uomini.

Le parti più interessanti della ricerca di Roner sono la seconda parte, dedicata a "Nägeli come commerciante ed editore di musica", e la terza parte sul "Sing-Institut". L'ampia appendice con una cronaca dettagliata e un indice completo delle fonti è preziosa. Sono state gettate le basi per ulteriori ricerche e per il rilancio di questo pioniere.

Miriam Roner: L'arte autonoma come pratica sociale. La teoria della musica di Hans Georg Nägeli, 427 p., € 73,00, Franz-Steiner-Verlag, Stoccarda 2020, ISBN 978-3-515-12701-1

Il violinista belga Eugène Ysaÿe (1858-1931), dapprima allievo del padre, vinse un premio all'età di nove anni, studiò con Wieniawski a Bruxelles e Vieuxtemps a Parigi e suonò la Sonata in do minore di Beethoven con Clara Schumann nella sua prima tournée concertistica in Germania nel 1878. Nel 1882, Anton Rubinstein lo portò in tournée in Russia e Norvegia. Al ricevimento di nozze con la cantante Louise Bourdeau, suonò la sonata di César Franck a lui dedicata e poi si trasferì a Bruxelles come professore, dove insegnò fino al 1898 (allievi famosi: Gingold, Primrose, Persinger). Durante la Prima guerra mondiale visse a Londra, poi negli Stati Uniti, prima di tornare finalmente a Bruxelles, dove lavorò come direttore d'orchestra, pedagogo e direttore di concerti fino alla sua morte.

Per tutta la vita, la composizione fu per lui una fonte di energia e un rifugio. Il suo lascito più importante sono le sei sonate solistiche op. 27, composte nel 1923. Questo libretto fa luce sulle opere dal 1882 al 1905, scritte nei suoi diversi luoghi di attività. Il libretto mostra il suo stupendo virtuosismo spiritualizzato. Delle otto opere stampate, la Lingua norvegese una prima pubblicazione degna di nota. La prefazione di Marie Cornaz (d/f/e) racconta l'appassionante storia dei brani. Nelle note dettagliate (d/e), il violinista giapponese Ray Iwazumi, docente alla Juilliard School e specializzato nella musicologia di Ysaÿe, offre il suo aiuto. Inusuale: nella parte del violino, le diteggiature e i segni di battuta originali di Ysaÿe sono stampati in nero, quelli di Iwazumi in grigio.

Eugène Ysaÿe: Poème élégiaque op. 12 e altre opere per violino e pianoforte, a cura di Ray Iwazumi, HN 1201, € 42,00, G. Henle, Monaco di Baviera  

Al suo debutto Lottare o giocare (2007), Five on Fire si concentrava su un jazz facilmente digeribile con interiezioni funk. Sei anni dopo, tuttavia, la formazione che ruota attorno a Daniel Gubelmann si è reinventata e ha iniziato a collaborare con un quartetto d'archi. Per l'ultimo album Movimento eterno questo approccio è stato ulteriormente sviluppato e si è riunito un grande ensemble d'archi del Musikkollegium Winterthur.

L'obiettivo di Gubelmann era quello di combinare il jazz con la musica classica e l'improvvisazione, alla ricerca di melodie potenti e della massima espressività possibile. Il musicista e compositore, formatosi a Berna, Zurigo e Buenos Aires e noto in particolare per il suo sassofono lirico, permette al suo quartetto jazz di suonare alla pari con l'orchestra d'archi. Il risultato è un suono quasi simbiotico che ignora i confini di genere.

Il titolo del disco, "Ewigkeit der Bewegung" ("Eternità del movimento"), suggerisce che il progetto non è sinonimo di understatement, anzi. Di conseguenza, ciò che viene offerto è impressionante e pieno di dramma. Dove il preludio, il delicato Preludio di Buenos Airesche è interamente di competenza dell'orchestra d'archi, all'inizio è sorprendentemente contenuta. Segue il Il rio degli angeliche è caratterizzato da una sublime conversazione tra sassofono e pianoforte e si presenta con colori sonori malinconici. Con Il fiore dell'amore Il talento di Gubelmann per il tango si fa finalmente sentire, con grande passione e ritmi a volte furiosi.

Secondo Gubelmann, le sue otto composizioni affermano di poter fare a meno delle immagini. Tuttavia Movimento eterno una suite cinematografica che fa riferimento ad Astor Piazzolla, Stan Getz e John Coltrane, tra gli altri. Il risultato è un album tanto audace quanto eloquente, che va per la sua strada e sa come stupire.

Five on Fire feat. Musikkollegium Winterthur: Eternal movement. Solo Musica SM407

In qualità di redattore per la Nuova Musica presso la Südfunk di Stoccarda e di fondatore e direttore della Schola Cantorum di Stoccarda, è stato in dialogo produttivo con i suoi contemporanei Pierre Boulez, Mauricio Kagel, György Ligeti, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e molti altri che hanno fondato la Nuova Musica. Con la sua Schola Cantorum, un ensemble vocale da camera a 16 voci, Gottwald ha svolto un ruolo decisivo nel plasmare la cultura corale a cappella di oggi al più alto livello tecnico. Le sue trascrizioni di brani pianistici o strumentali per coro polifonico a cappella, che stabiliscono i più alti standard musicali nel loro stile ispirato a Ligeti, sono apprezzate dai cori di tutto il mondo.

Clytus Gottwald è stato più volte premiato per i suoi risultati, tra cui il Premio della Cultura del Baden-Württemberg nel 2009, il Premio Europeo per la Musica da Chiesa nel 2012 e la Croce al Merito della Repubblica Federale Tedesca nel 2014. La sua importanza per lo sviluppo della musica corale contemporanea non può essere sopravvalutata.

Con la perdita di Clytus Gottwald, la Casa editrice Carus uno dei suoi autori più importanti.

Dopo che negli ultimi anni sono apparse numerose nuove edizioni e registrazioni di sinfonie e musica da camera tratte dalla sua penna, la compositrice Emilie Mayer (1812-1883) probabilmente non è più del tutto sconosciuta. Naturalmente, questo va visto anche come un segno dei tempi: Sebbene il patrimonio musicale fosse già accessibile al pubblico nel XX secolo nel luogo migliore (Staatsbibliothek zu Berlin), l'interesse è rimasto piuttosto basso all'epoca. Oggi, naturalmente, c'è un'inutile esuberanza in molti titoli sensazionalistici come "La donna Beethoven" (NDR) - o nel sottotitolo della biografia di Barbara Beuys appena pubblicata: "La più grande compositrice donna d'Europa". Che cosa costituisca questa "grandezza" è oggetto di dibattito: È l'ampiezza della sua opera? O è il focus del suo lavoro, che si concentra su generi importanti come il quartetto d'archi e la sinfonia? E come classificare queste opere rispetto a quelle di Louise Farrenc?

Barbara Beuys non risponde a queste domande, ma non sono il suo obiettivo. Nella sua "Ricerca di tracce", l'autrice racconta la vita di Emilie Mayer e le rappresentazioni delle sue opere con numerosi riferimenti storici e storico-culturali. Questa visione d'insieme è forse il punto di forza della presentazione; per quanto riguarda le date e i dettagli, l'autrice si basa principalmente sull'ampia ricerca intrapresa da Almut Runge-Woll per la sua tesi di laurea su questa straordinaria allieva di Loewe, pubblicata nel 2003. Anche se il pubblico a cui si rivolge la presente biografia potrebbe non essere esclusivamente quello degli appassionati di musica, è comunque sorprendente che manchi una caratterizzazione rudimentale della produzione compositiva di Emilie Mayer, così come un elenco sommario delle sue opere. D'altra parte, ci sono ridondanze ("Ehefessel", pp. 52 e 195), imprecisioni ("Streichquartett" invece di Streichquintett, p. 138) e formulazioni talvolta troppo disinvolte: "Tromboni e strumenti a corda - non c'era qualcosa?". E così questo ritratto è solo un'altra puntata della serie di biografie storico-culturali dell'autore, senza alcuna ricerca "musicale" di indizi.

Barbara Beuys: Emilie Mayer, la più grande compositrice europea. Una ricerca di tracce, 220 p., € 22,00, Dittrich, Weilerswist-Metternich 2021, ISBN 978-3-947373-69-7

La vena artistica di Viola von Scarpatetti ha iniziato a emergere fin da piccola: Da bambina ha frequentato una scuola di circo e successivamente ha studiato alla European Film Actor School di Zurigo. Da tempo si è affermata con il suo lavoro davanti alla macchina da presa - grazie al suo ruolo di protagonista nella commedia 20 regole per Sylvie (2014) -, l'attrice, cresciuta tra Friburgo e la Francia, vuole ora dedicarsi a un'altra forma d'arte, la chanson.

L'album di debutto del 34enne, Fais un pont, ruota attorno alle sue esperienze ed emozioni. È anche giusto che abbia creato il brano che dà il titolo alla canzone, leggermente malinconico, da adolescente, originariamente come rap. Oggi la sua musica combina il folk con la chanson francofona e il pop. Di conseguenza, solo la canzone conclusiva Hong Kong con testi in inglese anziché in francese.

Ciò che caratterizza il disco in particolare è la sua leggerezza. Ciò si manifesta anche nella produzione sobria, che non mira alla perfezione ma alla coerenza. Questo riesce e fa sì che il frinire delle cicale durante le registrazioni nel sud della Francia si senta anche sul disco. Mentre Lasciar correre con licks di chitarra che sembrano buttati lì e una breve melodia fischiettata, e si abbandona a reminiscenze, giri di parole, ecc. La canzone di Momo Il film ruota attorno al personaggio del romanzo di Michael Ende e si avvale di suoni delicati di fisarmonica e di passaggi di fiati morbidi.

Altri brani, come l'elegiaca Marin, il vortice giocoso Viaggio nel deserto o la disposizione sparsa Je te sens è chiaro che il materiale di Viola von Scarpatetti è stato concepito per offrire momenti di relax duraturi. È riuscita a creare dodici gemme sonore che rinunciano allo sfarzo e allo splendore e affascinano invece con fascino e sobria eleganza.

Viola von Scarpatetti: "Fais un pont" (autodistribuzione) www.violavonscarpatetti.com

Si chiama "Sellière", è stato costruito da Antonio Stradivari nel 1680 ed è stato suonato dal leggendario Wolfgang Schneiderhan, co-fondatore del Festival Strings Lucerne, dal 1934 fino alla fine degli anni Settanta. Il pregiato strumento è poi scomparso nella cassaforte della banca dei proprietari fino al 2019. Da allora è in prestito permanente al Festival Strings e a Daniel Dodds.

Dodds utilizza ora questo "dono del cielo" per un'incisione, registrata al KKL di Lucerna. È sorprendente che gli autori del programma non abbiano optato per i concerti per violino, ma abbiano scelto i concerti di Mozart. Serenata Haffnerche nel libretto del CD viene descritto con un po' di understatement come "quasi dimenticato". Basti pensare ai concerti con Ton Koopman o Thomas Zehetmair, per citarne solo due.

Comunque sia, si tratta di una scelta saggia, poiché questa serenata non solo mette in mostra il violino in numerosi assoli, ma dà anche agli Archi del Festival ampie opportunità di dimostrare la loro bravura. Il risultato è più che degno di essere ascoltato, anche se i tempi a volte richiedono un po' di tempo per abituarsi.

L'esecuzione è quasi sempre priva di vibrazioni, avvincente e veloce. Non ci si può liberare dal sospetto che le interpretazioni dei direttori sopra citati siano servite da modello per distinguersi. Naturalmente Dodds può brillare con assoli virtuosi nella sua "Sellière", ad esempio nel Rondò. Tuttavia, i movimenti, piuttosto lenti e fondenti, sono purtroppo un po' "affrettati"; un minuetto è, dopo tutto, una danza di grido. Tuttavia, la Serenata di Mozart è anche la migliore musica di intrattenimento degli Archi del Festival, che è un piacere ascoltare.

La prima registrazione mondiale di un'opera di Vincenzo Righini (1756-1812) alla fine è un po' ambivalente. I quasi sei minuti di musica da balletto di Gerusalemme liberata è composto per fagotto, corno, violoncello e violino solo, con conseguenti colori strumentali idiosincratici. Di per sé si tratta di una nuova entusiasmante scoperta, ma dopo la Serenata Haffner ha perso qualcosa.

Mozart: Serenata Haffner. Festival Strings Lucerne, Daniel Dodds, violino e direzione, Sony Classical 0196587250621