Il sassofono, brevettato nel 1846 e inventato dal belga Adolphe Sax, iniziò la sua marcia trionfale solo con la nascita del jazz nella metropoli musicale statunitense di New Orleans. Già nel 1929, il critico musicale tedesco Alfred Baresel lo definì "il più importante strumento melodico del genere". Due nuove pubblicazioni dimostrano che è stato a lungo centrale anche in altri ambiti.

Il percorso conduce innanzitutto ai Klapparat, che si sono riorganizzati nel 2021 e da allora viaggiano come quintetto con quattro sassofoni e batteria anziché come sestetto. Il loro attuale album Orbita dimostra che la band, per la maggior parte originaria di Berna, non solo ha cambiato la propria formazione, ma si è anche riorganizzata: I Klapparat sono già riusciti a distinguersi per l'improvvisazione inventiva e il rumoroso street jazz. Ora, però, il loro lavoro ha raggiunto un nuovo livello. Anche perché si è rivelata una mossa intelligente arricchire il loro sound con un tubax, un sassofono basso. Questo permette di ottenere toni particolarmente bassi, che scricchiolano e ringhiano. Il risultato è costituito da brani come Sofferenza lidiotache si snoda tra l'elegante e l'intricato, oppure come Luce della serache si rivela gradualmente un dramma. Altri punti salienti sono la francamente altalenante Parte 3 e Campi - un numero finemente stratificato che sa come impressionare con immagini atmosferiche che variano continuamente. Brani come quelli sopra citati rendono evidente che Klapparat può lavorare con Orbita è riuscito a creare un'opera giocosa, dinamica e innovativa.

Corona ha impedito alcune cose, ma a volte ha anche favorito cose nuove: Durante il blocco, Stefanie Tornow, cantante di Monaco di Baviera, stava cercando opportunità per provare i suoi progetti ed è finita su JamKazam, una piattaforma internet per jam session. Anche Beat Baumli, un chitarrista formatosi alla Swiss Jazz School e al Berklee College of Music, era sul sito. Dopo che i due si sono incontrati durante una sessione online, hanno deciso di unire le forze e il loro album di debutto La notte ha mille occhi prima. In questo album, la sua attenzione si concentra in particolare sulla Grande canzoniere americanoma anche classici della bossa nova come "Berimbau". Il duo svizzero-tedesco non ha intenzione di reinventare la ruota per quanto riguarda lo spettro sonoro, ma di dare alle 16 canzoni un tocco il più personale possibile, con un suono che è calmo, rilassato e al tempo stesso in levare.

Se nella versione di John Coltrane del 1964 la title track era ancora densa e urgente, nell'arrangiamento di Tornow e Baumli sembra coccolosa, leggera e un inno al turbolento mondo delle emozioni. La composizione originale Inseguire Wes nel frattempo, si rivela un omaggio a ritmo di dita al chitarrista Wes Montgomery, che è uno dei modelli di Baumli. E Fiume di Luna di Henry Mancini, un'altra cover, è liberata da ogni sentimentalismo dal duo, che dà più contorno alla malinconia della melodia.

L'album è caratterizzato dalla voce vellutata della cantante e dalla sensibile chitarra del suo partner. Il fatto che nell'album sia presente un solo pezzo della sua penna, sebbene estremamente abile ed elegante, può essere un piccolo inconveniente. Allo stesso tempo, però, il lavoro dimostra che c'è ancora molto potenziale in questa collaborazione. Sarà interessante vedere quali canzoni il duo realizzerà insieme in futuro.

L'intraprendente direttore della Collezione di strumenti musicali di Willisau, Adrian Steger, e l'organista Zeno Bianchini hanno prodotto una registrazione poco appariscente all'apparenza, ma una chicca per organologi e storici della musica. Bianchini lavora a Stockach (Baden-Württemberg). Nella Cappella di Loreto si trova un organo positivo di Johannes Christophorus Pfleger (1602-1674). Questo organo, insieme alla mensola di Pfleger del 1644, che si può vedere oggi a Willisau, è l'unico strumento superstite di questo importante costruttore di organi di Radolfzell (Lago di Costanza) e Thann (Alsazia).

La mensola originale superstite fu costruita per il convento di Frauenthal (cantone di Zugo) e, secondo una nota del 1688 nel diario della badessa Verena Mattmann, veniva utilizzata per accompagnare il canto gregoriano. Il collezionista di strumenti di Lucerna Heinrich Schumacher (1858-1923) acquistò la mensola Pfleger dalle monache cistercensi e la espose insieme ad altri strumenti musicali nelle sale di un albergo. La collezione Schumacher fu poi trasferita al Museo Richard Wagner di Tribschen e nel 2010 a Willisau. Questo strumento ad ancia suonabile del XVII secolo è stato ora documentato per la prima volta in una registrazione sonora. Bianchini alterna su entrambi gli strumenti opere di Frescobaldi, Ferrini, Froberger, Buxtehude e altri compositori italiani e tedeschi del XVII secolo.

Quattrocento anni fa, la mensola era la preferita nelle case e nelle chiese. Ma le nostre orecchie devono prima abituarsi a questo suono speciale. Questo amplia la nostra idea di musica pre-barocca.

Nemmeno per un solo bip di sintetizzatore sarebbe sorto il sospetto che all'inferno con l'eternità come tanti altri album degli ultimi mesi, è un'opera di chiusura telecomandata. Al contrario, i ritmi colpiscono le gambe come una freccia rossa e la voce laconica di lui stesso, il Re Pepe, non è meno laconica, malinconica e pigra di quella dei suoi lavori precedenti. L'album è stato registrato quasi interamente a distanza. "Quindi registrare le tracce e mandarle l'uno all'altro e rimandarle indietro, ecc.", scrive Simon Hari, la manifestazione carnale dell'eccentrica musa King Pepe, via e-mail. "In seguito, sarebbe stato possibile andare in studio insieme, ma abbiamo pensato che le registrazioni a distanza fossero fantastiche e abbiamo detto: Dai, finiamola così!". In precedenza, i processi avrebbero richiesto più tempo. "Di solito in studio dicevo: "Ehi, proviamo di nuovo questo ritornello in un modo diverso, così smielato, così liscio o altro". Qui il feedback veniva dato per e-mail o per telefono, e ci volevano altri dieci giorni prima di avere una nuova versione".

Ironia della sorte, Hari ha realizzato il suo ultimo album Karma OK L'album è stato assemblato interamente al computer e poi faticosamente "portato alla vita" con il co-produttore Rico Baumann. Questa volta, oltre a Baumann (batteria, tastiere), erano presenti anche Sibill Urweider (tastiere, voce), Jeremias Keller (basso, voce), Giulin Stäubli (batteria) e l'ingegnere del suono Sander Wartmann, sebbene nelle loro "rispettive case" (come recita la copertina disegnata dal figlio di nove anni di Hari). Hari stesso ha contribuito con chitarra, pianoforte, tromba e ottavino ai suoi testi spesso succinti in tedesco-bernese, costellati di ogni tipo di doppi e tripli sensi. "Ho trovato impressionante", racconta, "la facilità con cui la vita entra in gioco con la musica suonata in modo genuino. Si ottiene la vita completa gratuitamente. Attraverso tutti i Veler, le cose divertenti! È bellissimo! Anche se non è stato registrato nella stessa stanza!".

All'inferno l'eternità inizia con una hit di successo, ovvero la title track. Il synth ribolle e ronza quasi come negli anni Ottanta, le percussioni e la batteria galoppano come cavalli. Nel frattempo, Re Pepe si lamenta del suo destino da Tannhäuser: circondato da angeli etericamente danzanti che sorridono sempre stupidamente, siede in paradiso e si annoia mortalmente. La luce al neon abbaglia all'infinito e la musica angelica è esclusivamente in do maggiore. Con il suo groove psichedelico e variegato alla Giorgio Moroder, il sardonico Geit scho e che letteralmente grida per un maxi singolo di undici minuti "Extended Disco Mix". Ehi luna è un'ode nostalgica al corpo celeste malato: "Mier geits mängisch äänlich, nimm's bitte nid nid so schwär". Fingiguet è un inno minimalista al "sentirsi bene" in generale e al Stoubsuger una canzone d'amore cantata in modo sognante con un climax brillante. Giocoso, versatile, ironico, un po' eccentrico, ma anche profondamente serio - magnifico.

king pepe & the queens, to hell with eternity, Big Money Records

La sua musica è piena di umorismo, ingegno frizzante e finezza ritmica: Stiamo parlando di Jean Françaix, una figura unica del XX secolo. Nato a Le Mans nel 1912, il compositore francese era tutt'altro che un avanguardista; la sua musica si orienta verso il neoclassicismo di Stravinskij, ma interiorizza anche l'eleganza e la finezza di Francis Poulenc e del Groupe des Six in generale. Françaix rimase fedele alla sua linea fino alla sua morte, avvenuta a Parigi nel 1997.

Sebbene abbia raggiunto il suo successo internazionale nel 1936 a Baden-Baden con un Concertino per pianoforte e orchestra, si distingue soprattutto per la sua vasta opera per strumenti a fiato. L'insolita strumentazione della sua divertente musica per fiati è probabilmente il principale ostacolo alla sua diffusione. Ne sono un esempio i suoi noti Caratteristiche dei nuovi pezzi che sono state composte per dieci strumenti a fiato e sono quindi raramente ascoltate in sala da concerto.

La sezione di fiati dell'Orchestre de chambre de Lausanne sotto la direzione di Nicolas Chalvin pone ora rimedio a questo, almeno su CD. Ci si meraviglia della precisione ritmica nella progressione motoria del Presto introduttivo e della profondità dell'elegiaco e affascinante Amoroso che segue. È un forte appello per una musica poco conosciuta dal pubblico.

La sequenza del programma è strutturata in modo intelligente, e inizia in modo sensato con un Musica per divertirsi di Poulenc-Françaix, che ci mette al centro di questo raro, arguto ed eloquente "idioma musicale" con due flauti, oboi, clarinetti, fagotti e corni. Molti dei brani presentati sono arrangiamenti, come le tre Écossaises di Chopin o la Cortège burlesque di Chabrier.

La registrazione si conclude con Trois marches militaires di Schubert-Françaix, che a volte ricordano le serenate per fiati del primo periodo classico, ma che appaiono anche un po' lunghe, nonostante l'ensemble sia stilisticamente sicuro del proprio impegno nei confronti dei brani. Come avvertenza, va notato che le "miniature", la maggior parte delle quali non dura più di due minuti, possono risultare stancanti per un pubblico non esclusivamente affine agli strumenti a fiato.

I genitori devono esserlo, ma non sempre sono i migliori consiglieri. Ci sono papà e mamme elicottero, ci sono dubbiosi e preoccupati che a volte privano i figli delle loro esperienze. Questo è ciò che viene in mente ascoltando il meraviglioso CD Struwwelpeter - una storia (pelosa) ascolta. Quattro membri dell'Orchestra da Camera di Basilea hanno spesso suonato la storia e la musica nelle classi.

Il libro per bambini Struwwelpeter dello psicologo Heinrich Hoffmann fu pubblicato nel 1845. Originariamente Hoffmann lo aveva pensato come regalo di Natale per il figlio di tre anni. Ma ecco che quando l'autore morì, il libro aveva già venduto 950.000 copie ed era diventato un evergreen. Chi non le conosce, le talvolta crudeli Racconti della zuppa, da Hanns sbircia nell'aria o dal Succhiatore di pollice?

Eva Miribung (violino), Georg Dettweiler (violoncello), Konstantin Timokhine (corno) e Jan Wollmann (tromba) non si limitano a raccontare storie. Scelgono e suonano anche la musica con grande gusto. Storia del malvagio Friederich estratti dal cupo concerto per violoncello di Dmitri Shostakovich. La storia dei ragazzi neri accompagnata da ritmi reggae e ska senza peli sulla lingua. Al Philipp, il Fidgety il quartetto intona arrangiamenti di musica da camera di brani tratti dall'opera di Richard Strauss Gli scherzi divertenti di Till Eulenspiegel.

I genitori e le loro ammonizioni non vengono recepiti nel CD. Hanns alza gli occhi al cielo, ma i genitori - non meglio - si ostinano a guardare il cellulare. Almeno così dicono i bambini, che hanno anche la possibilità di dire la loro. I loro commenti rinfrescanti dimostrano che i genitori non devono preoccuparsi della potenziale crudeltà delle storie. Forse non dovrebbero metterle su un bambino di quattro anni per farlo addormentare. Ma per tutti i bambini dalla prima alla quarta elementare è un CD fantastico e soprattutto musicalmente educativo. "Spaventoso, ma emozionante", commenta una ragazza. La triste storia dell'accendino.

L'anno scorso, tre clarinettisti e un pianista hanno fatto tesoro della crisi del coronavirus e hanno registrato un concerto con opere di quattro compositori svizzeri dal periodo romantico ai giorni nostri. L'ascolto è estremamente divertente e stimolante perché vengono utilizzati sei diversi strumenti della famiglia dei clarinetti, più un pianoforte in tre brani. E: tutti i musicisti sono maestri del loro mestiere.

La primissima opera, Fantasia e Capriccio op. 13 per clarinetto e pianoforte del dimenticato compositore romantico August Walter, è accattivante: Il Fantasia ricorda Carl Maria von Weber, l'autore di Capriccio a Schumann. In questa prima registrazione, sono presentati da Bernhard Röthlisberger (clarinetto) e Benjamin Engeli (pianoforte).

Röthlisberger interpreta anche il bellissimo Canto per clarinetto basso (2012) di David Philip Hefti (*1975), in cui compaiono multifonici che ricordano la polifonia medievale. Il suo trio interiorizzato mostra come Hefti combini sapientemente elementi barocchi con quelli contemporanei Contrappunti su Vieni, dolce morte (2000, dopo il corale di Bach Vieni, dolce morte), interpretato con sensibilità da Röthlisberger, Nils Kohler ed Ernesto Molinari. Due clarinetti bassi in dialogo permettono a Röthlisberger e Kohler di creare un'atmosfera nel brano di Hefti (T)raum-Ze(n)it (2008), il cui titolo complesso e contorto lascia già intendere ciò che interessa al compositore: le connessioni tra spazio e tempo, che possono portare a immagini oniriche irreali.

Othmar Schoecks Andante Il WoO 35 in mi bemolle maggiore per clarinetto e pianoforte viene presentato da Röthlisberger ed Engeli come prima registrazione. È sorprendente che un'opera così affascinante del 1916 abbia dovuto attendere così a lungo per essere registrata. Il repertorio, d'altra parte, comprende i brani di Schoeck Sonata op. 41 per la stessa strumentazione, nella zona di confine tra tardo romanticismo e tonalità estesa, ottimamente interpretata.

Il compositore bernese Jean-Luc Darbellay (*1946) è rappresentato con due opere caratteristiche: Frasi, scritto nel 2009 come brano obbligatorio per il Concours National d'Exécution Musicale de Riddes e arrangiato per clarinetto basso nel 2020, nove brani, alcuni dei quali molto brevi, che invitano all'ascolto e alla riflessione sulla musica. Lo stesso vale per Darbellay Canto di ringraziamento (1998), che ha presentato per la prima volta come clarinettista insieme alla moglie Elisabeth al castello di Wartburg, vicino a Eisenach: una musica meravigliosamente calma e delicata, che si vorrebbe ascoltare ancora e ancora.

"Mai sprecare una buona crisi": questa citazione di Churchill è stata la risposta di uno dei musicisti coinvolti quando il violinista jazz olandese Tim Kliphuis gli ha chiesto di unirsi al suo trio (con Nigel Clark alla chitarra e Roy Percy al contrabbasso) per questa produzione. Il progetto è stato creato durante la prima serrata nella primavera del 2020, quando le agende dei musicisti si sono svuotate e tutti i loro concerti sono stati cancellati. L'album è stato prodotto in studi nei Paesi Bassi, in Irlanda e in Scozia, utilizzando in gran parte il metodo del playback. I cinque elementi è una riflessione sul modo in cui trattiamo il nostro pianeta e un'espressione della speranza di poter preservare la Terra come habitat per noi stessi e per i nostri discendenti. Il quinto elemento, la "quintessenza", rappresenta la cultura, in particolare la musica, che raggiunge il nostro essere più profondo e ci insegna a vivere in armonia con il nostro ambiente vulnerabile.

Chiunque liquidi questo programma come roba esoterica non riconosce l'impegno sincero dei musicisti coinvolti e il loro alto livello di professionalità. Utilizzando il vocabolario del jazz, della musica minimale e degli elementi classici, hanno creato una musica che cattura l'ascoltatore per tutta la sua durata. Ostinati passaggi di tutti si alternano a fantasiosi assoli e a riff groovy. Tim Kliphuis, conosciuto in Svizzera anche come insegnante stimolante grazie ai suoi workshop all'ESTA, alla ZHdK, alla Konsi Bern e alla Swiss International Music Academy, si muove con grande abilità in questa area crossover e scopre costantemente nuovi modi di combinare la musica classica, il jazz e la world music per creare composizioni stimolanti. Il fatto che sia un violinista virtuoso e che si circondi di musicisti altrettanto eccezionali porta davvero il suo messaggio musicale oltre la rampa. Il pezzo Threnody (Lament) è un'improvvisazione sulla Ciaccona di Bach per quartetto d'archi, che segue essenzialmente l'originale e vi riflette più volte in uno stile prevalentemente barocco. Anche in questo caso, l'esecuzione è virtuosistica e impeccabile.

"La tradizione non è il culto delle ceneri, ma la trasmissione del fuoco". - Una citazione attribuita a Gustav Mahler e a Tommaso Moro. Sulla copertina della prima registrazione delle Sinfonie n. 1 e 2 di Joseph Lauber, il compositore svizzero è raffigurato mentre aggiunge ramoscelli al fuoco con un forcone. Il direttore d'orchestra Kaspar Zehnder ha scoperto le opere sinfoniche di Lauber nella Biblioteca Universitaria di Losanna e ha ora pubblicato una registrazione tecnicamente esemplare con la sua Orchestra Sinfonica di Biel Solothurn (ingegnere del suono: Frédéric Angleraux) sulla nuova etichetta Schweizer Fonogramm. Altri due album con le Sinfonie n. 3-6 seguiranno nel corso dell'anno. Qui non vengono dissotterrate ceneri, ma braci ardenti. Sebbene Joseph Lauber (1864-1952) non si presenti come un innovatore nelle sinfonie composte nel 1895/96, il suo trattamento della tradizione ha certamente un carattere proprio.

Ispirato musicalmente dai suoi maestri Joseph Rheinberger e Jules Massenet, unisce il tardo romanticismo tedesco alla raffinatezza francese nell'uso del colore. Le sue sinfonie sono caratterizzate da eleganza, sottile differenziazione e una struttura piuttosto bidimensionale. E occasionalmente anche dal colore locale svizzero, quando inizia la prima sinfonia con una melodia a due voci di corno alpino nei corni, che due flauti ripetono come un'eco e continuano sinfonicamente. La prima sinfonia presenta molti momenti di calma lirica e manca di un vero e proprio dramma. Il suono caldo degli archi dell'Orchestra Sinfonica di Biel Solothurn, come nella bella apertura all'unisono dell'Andante espressivo, è la base della coerente interpretazione di Zehnder. La flessibilità agogica e le sfumature dinamiche sono altre caratteristiche di qualità. Nelle veloci ripetizioni, come nel finale, Felix Mendelssohn guarda anche dietro l'angolo. La Seconda Sinfonia in la minore combina temi incantevoli, ad esempio nel movimento di apertura, con sviluppi più drammatici. L'Andantino, quasi Allegretto, ricorda Antonín Dvořák nella sua dolce malinconia. Boemia in Svizzera - questo si può scoprire anche nella musica di Joseph Lauber.

Büchelbox. Balthasar Streiff e Yannick Wey. Zytglogge, EAN 7611698043694

Il libro di musica per il CD è pubblicato da Müllrad-Verlag di Altdorf (Art.Nr. 1064, Fr. 34.00).

Luciano Berio è stato un compositore eccezionale. Già negli anni Sessanta fece scalpore la sua "estetica aperta", che portò a opere fondamentali come la composizione citazionista Sinfonia (1968/69). "Prendo in prestito citazioni dal museo", ha detto una volta, "e le mescolo con la mia musica". Il CD registrato dall'Orchestra Sinfonica di Basilea sotto la direzione di Ivor Bolton, dal semplice titolo Trasformazione offre ora delle intuizioni speciali. Berio è davvero "aperto": aperto a Johann Sebastian Bach, a Gustav Mahler, ma anche a classici dei Beatles come Michelle, Ticket to Ride o Ieri.

Si potrebbe discutere a lungo sui termini arrangiamento, orchestrazione o strumentazione. In ogni caso, Berio non si impegna nella decostruzione tipica dell'avanguardia nei suoi riarrangiamenti. Bach Contrapunctus XIX dal L'arte della fuga La inserisce in un caldo arrangiamento per fiati. Le voci si presentano ora in modo elegante, non con la "visione a raggi X" che era ancora cara alla scuola di Schönberg, strutturalmente orientata. In altri adattamenti, Berio si mostra anche da un lato musicale non dogmatico e completamente lussurioso. La Spagna ardente si riflette nelle trascrizioni dei brani di Manuel de Falla Siete Canciones populares Españolas echi. Egli orchestra le canzoni, a volte sfacciate, a volte molto intime, con un'enorme sensibilità sonora, lasciando intatta la parte del mezzosoprano.

La Sonata op. 120 n. 1 per clarinetto (o viola) e pianoforte, scritta da Johannes Brahms nel 1894, sembra scritta di getto. Nel 1986, Berio ha orchestrato la musica da camera in cinque movimenti in una vera e propria sinfonia romantica. Gli adattamenti dei Beatles devono essere classificati come opere occasionali stravaganti e divertenti. Tuttavia, l'opera stranamente barocca, completamente nello spirito dei Beatles, è un'altra cosa. Concerto Brandeburghesevalori I classici dei Beatles. Probabilmente si tratta più di una questione privata che di un contributo speciale all'onorevole storia della musica. Cathy Berberian, la cantante americana e poi moglie di Luciano Berio, era "pazza dei Beatles" - e allora perché non un saluto d'amore barocco con "I love you, I love you, I love you" da Michelle? Beh, tutto sommato un doppio CD piacevole, che tra l'altro ha anche un buon sapore quando si cucina.

Come insegnante di teoria e composizione, ha lasciato il segno su diverse generazioni di musicisti in Svizzera; come autore di opere corali, ha creato qualcosa di duraturo; la sua musica da camera, altrettanto indipendente, deve ancora essere riscoperta: Paul Müller-Zürich (1898-1993) fu un insegnante di talento e, come compositore, un maestro del contrappunto. I suoi primi lavori per strumenti ad arco lo testimoniano.

Formatosi a Zurigo, Parigi e Berlino, tra gli altri, con Philipp Jarnach e Volkmar Andreae, e conoscendo la musica dei suoi contemporanei, prese le distanze dalle avanguardie, preferendo orientarsi verso Brahms e Reger piuttosto che verso Schoenberg o Webern. Paul Müller-Zürich ha fatto molta strada come consulente e organizzatore, entrando a far parte del Consiglio della Fondazione Pro Helvetia nel 1957 prima di essere nominato Presidente dell'Associazione Svizzera dei Musicisti nel 1960.

Gli esordi espressivi del compositore, insignito del Premio per la Musica della Città di Zurigo nel 1953, sono dimostrati in modo impressionante dal Quartetto Casal con Razvan Popovici (viola) in tre opere dalla partitura diversa. Il Quintetto per archi op. 2 in fa maggiore (1919) salta agli occhi dell'ascoltatore fin dalla prima battuta, quando un accordo in fortissimo è seguito da un motivo ostinato iniziale in pianissimo e si ascolta il tema principale, che si slancia verso l'alto carico di tensione. Inquietanti interiezioni di ronzio presto offuscano il dolce fluire della musica leggermente malinconica del terzo movimento, un intermezzo che inizia dolcemente. Ostinati caratterizzano anche il finale, che è intensificato da interiezioni fugate e termina bruscamente in re minore.

Anche il Quartetto per archi in mi bemolle maggiore op. 4 (1921) è caratterizzato da una forte spinta espressiva e da una tempesta, con il cromatismo dell'Adagio che costituisce il maggior contrasto con l'armonia meno complicata del rondò finale, simile a una danza popolare.

Il Trio per archi op. 46, composto intorno al 1950, è calmo fin dall'inizio, con il suo movimento di apertura lirico che porta dal do minore al do maggiore. I membri del Quartetto Casal si lanciano nel vigoroso finale con grande intensità di suono ed esprit musicale.

Paul Müller-Zürich: Quartetto per archi op. 4, Trio per archi op. 46, Quintetto per archi op. 2, CasalQuartet (Felix Froschhammer, Rachel Späth, Markus Fleck, Andreas Fleck), Razvan Popovici, viola. Solo Musica SM 287

La melodia malinconica del preludio di apertura di questo CD ricorda quasi la colonna sonora di un film minimalista. Un valzer accenna a Chopin, ma è anche intriso di un colore completamente diverso e idiosincratico. Il successivo gioco impressionistico di colori in Due estampes permeato da uno stile personale finora poco conosciuto e molto individuale...

Durante i suoi studi negli Stati Uniti, il pianista svizzero Christian Erny si è imbattuto nell'opera di Arthur Lourié, il cui nome suona poco "russo" come la sua musica. È proprio per questo che Lourié, nato nel 1891 nell'attuale Bielorussia, vissuto a lungo a Parigi e poi negli Stati Uniti, dove è morto nel 1966, è in gran parte scomparso nell'oscurità?

Nel suo secondo CD da solista, Christian Erny affronta questo mondo di suoni e pensieri nel modo più disinvolto possibile. Erny sa come fondere sottilmente i registri e i colori come se fossero voci umane. Non a caso, Erny è molto ambizioso come direttore dei suoi Cantanti da Camera di Zurigo e, per sua stessa ammissione, questo porta con sé molti effetti di sinergia per la composizione pianistica.

Così, alcuni tratti neoclassici si dispiegano nella musica di Lourié in modo enfaticamente privo di peso e nitidamente dettagliato, così come una meditativa Intermezzo e in seguito un'usurata Notturno profondamente commovente. Ma Lourié e il suo appassionato interprete contemporaneo possono anche fare le cose in modo molto diverso: un furioso Gigue diventa uno studio ritmico e sonoro scatenato che ricorda molto di più uno Stravinskij ribelle e per nulla i modelli barocchi. L'ambiguità delle circostanze in cui si trova Lourié è incarnata da una Ninna nannaPur essendo ancora profondamente radicato nel Romanticismo, un secondo scritto anticipa inequivocabilmente l'inizio del modernismo.