"Mai sprecare una buona crisi": questa citazione di Churchill è stata la risposta di uno dei musicisti coinvolti quando il violinista jazz olandese Tim Kliphuis gli ha chiesto di unirsi al suo trio (con Nigel Clark alla chitarra e Roy Percy al contrabbasso) per questa produzione. Il progetto è stato creato durante la prima serrata nella primavera del 2020, quando le agende dei musicisti si sono svuotate e tutti i loro concerti sono stati cancellati. L'album è stato prodotto in studi nei Paesi Bassi, in Irlanda e in Scozia, utilizzando in gran parte il metodo del playback. I cinque elementi è una riflessione sul modo in cui trattiamo il nostro pianeta e un'espressione della speranza di poter preservare la Terra come habitat per noi stessi e per i nostri discendenti. Il quinto elemento, la "quintessenza", rappresenta la cultura, in particolare la musica, che raggiunge il nostro essere più profondo e ci insegna a vivere in armonia con il nostro ambiente vulnerabile.

Chiunque liquidi questo programma come roba esoterica non riconosce l'impegno sincero dei musicisti coinvolti e il loro alto livello di professionalità. Utilizzando il vocabolario del jazz, della musica minimale e degli elementi classici, hanno creato una musica che cattura l'ascoltatore per tutta la sua durata. Ostinati passaggi di tutti si alternano a fantasiosi assoli e a riff groovy. Tim Kliphuis, conosciuto in Svizzera anche come insegnante stimolante grazie ai suoi workshop all'ESTA, alla ZHdK, alla Konsi Bern e alla Swiss International Music Academy, si muove con grande abilità in questa area crossover e scopre costantemente nuovi modi di combinare la musica classica, il jazz e la world music per creare composizioni stimolanti. Il fatto che sia un violinista virtuoso e che si circondi di musicisti altrettanto eccezionali porta davvero il suo messaggio musicale oltre la rampa. Il pezzo Threnody (Lament) è un'improvvisazione sulla Ciaccona di Bach per quartetto d'archi, che segue essenzialmente l'originale e vi riflette più volte in uno stile prevalentemente barocco. Anche in questo caso, l'esecuzione è virtuosistica e impeccabile.

"La tradizione non è il culto delle ceneri, ma la trasmissione del fuoco". - Una citazione attribuita a Gustav Mahler e a Tommaso Moro. Sulla copertina della prima registrazione delle Sinfonie n. 1 e 2 di Joseph Lauber, il compositore svizzero è raffigurato mentre aggiunge ramoscelli al fuoco con un forcone. Il direttore d'orchestra Kaspar Zehnder ha scoperto le opere sinfoniche di Lauber nella Biblioteca Universitaria di Losanna e ha ora pubblicato una registrazione tecnicamente esemplare con la sua Orchestra Sinfonica di Biel Solothurn (ingegnere del suono: Frédéric Angleraux) sulla nuova etichetta Schweizer Fonogramm. Altri due album con le Sinfonie n. 3-6 seguiranno nel corso dell'anno. Qui non vengono dissotterrate ceneri, ma braci ardenti. Sebbene Joseph Lauber (1864-1952) non si presenti come un innovatore nelle sinfonie composte nel 1895/96, il suo trattamento della tradizione ha certamente un carattere proprio.

Ispirato musicalmente dai suoi maestri Joseph Rheinberger e Jules Massenet, unisce il tardo romanticismo tedesco alla raffinatezza francese nell'uso del colore. Le sue sinfonie sono caratterizzate da eleganza, sottile differenziazione e una struttura piuttosto bidimensionale. E occasionalmente anche dal colore locale svizzero, quando inizia la prima sinfonia con una melodia a due voci di corno alpino nei corni, che due flauti ripetono come un'eco e continuano sinfonicamente. La prima sinfonia presenta molti momenti di calma lirica e manca di un vero e proprio dramma. Il suono caldo degli archi dell'Orchestra Sinfonica di Biel Solothurn, come nella bella apertura all'unisono dell'Andante espressivo, è la base della coerente interpretazione di Zehnder. La flessibilità agogica e le sfumature dinamiche sono altre caratteristiche di qualità. Nelle veloci ripetizioni, come nel finale, Felix Mendelssohn guarda anche dietro l'angolo. La Seconda Sinfonia in la minore combina temi incantevoli, ad esempio nel movimento di apertura, con sviluppi più drammatici. L'Andantino, quasi Allegretto, ricorda Antonín Dvořák nella sua dolce malinconia. Boemia in Svizzera - questo si può scoprire anche nella musica di Joseph Lauber.

Büchelbox. Balthasar Streiff e Yannick Wey. Zytglogge, EAN 7611698043694

Il libro di musica per il CD è pubblicato da Müllrad-Verlag di Altdorf (Art.Nr. 1064, Fr. 34.00).

Luciano Berio è stato un compositore eccezionale. Già negli anni Sessanta fece scalpore la sua "estetica aperta", che portò a opere fondamentali come la composizione citazionista Sinfonia (1968/69). "Prendo in prestito citazioni dal museo", ha detto una volta, "e le mescolo con la mia musica". Il CD registrato dall'Orchestra Sinfonica di Basilea sotto la direzione di Ivor Bolton, dal semplice titolo Trasformazione offre ora delle intuizioni speciali. Berio è davvero "aperto": aperto a Johann Sebastian Bach, a Gustav Mahler, ma anche a classici dei Beatles come Michelle, Ticket to Ride o Ieri.

Si potrebbe discutere a lungo sui termini arrangiamento, orchestrazione o strumentazione. In ogni caso, Berio non si impegna nella decostruzione tipica dell'avanguardia nei suoi riarrangiamenti. Bach Contrapunctus XIX dal L'arte della fuga La inserisce in un caldo arrangiamento per fiati. Le voci si presentano ora in modo elegante, non con la "visione a raggi X" che era ancora cara alla scuola di Schönberg, strutturalmente orientata. In altri adattamenti, Berio si mostra anche da un lato musicale non dogmatico e completamente lussurioso. La Spagna ardente si riflette nelle trascrizioni dei brani di Manuel de Falla Siete Canciones populares Españolas echi. Egli orchestra le canzoni, a volte sfacciate, a volte molto intime, con un'enorme sensibilità sonora, lasciando intatta la parte del mezzosoprano.

La Sonata op. 120 n. 1 per clarinetto (o viola) e pianoforte, scritta da Johannes Brahms nel 1894, sembra scritta di getto. Nel 1986, Berio ha orchestrato la musica da camera in cinque movimenti in una vera e propria sinfonia romantica. Gli adattamenti dei Beatles devono essere classificati come opere occasionali stravaganti e divertenti. Tuttavia, l'opera stranamente barocca, completamente nello spirito dei Beatles, è un'altra cosa. Concerto Brandeburghesevalori I classici dei Beatles. Probabilmente si tratta più di una questione privata che di un contributo speciale all'onorevole storia della musica. Cathy Berberian, la cantante americana e poi moglie di Luciano Berio, era "pazza dei Beatles" - e allora perché non un saluto d'amore barocco con "I love you, I love you, I love you" da Michelle? Beh, tutto sommato un doppio CD piacevole, che tra l'altro ha anche un buon sapore quando si cucina.

Come insegnante di teoria e composizione, ha lasciato il segno su diverse generazioni di musicisti in Svizzera; come autore di opere corali, ha creato qualcosa di duraturo; la sua musica da camera, altrettanto indipendente, deve ancora essere riscoperta: Paul Müller-Zürich (1898-1993) fu un insegnante di talento e, come compositore, un maestro del contrappunto. I suoi primi lavori per strumenti ad arco lo testimoniano.

Formatosi a Zurigo, Parigi e Berlino, tra gli altri, con Philipp Jarnach e Volkmar Andreae, e conoscendo la musica dei suoi contemporanei, prese le distanze dalle avanguardie, preferendo orientarsi verso Brahms e Reger piuttosto che verso Schoenberg o Webern. Paul Müller-Zürich ha fatto molta strada come consulente e organizzatore, entrando a far parte del Consiglio della Fondazione Pro Helvetia nel 1957 prima di essere nominato Presidente dell'Associazione Svizzera dei Musicisti nel 1960.

Gli esordi espressivi del compositore, insignito del Premio per la Musica della Città di Zurigo nel 1953, sono dimostrati in modo impressionante dal Quartetto Casal con Razvan Popovici (viola) in tre opere dalla partitura diversa. Il Quintetto per archi op. 2 in fa maggiore (1919) salta agli occhi dell'ascoltatore fin dalla prima battuta, quando un accordo in fortissimo è seguito da un motivo ostinato iniziale in pianissimo e si ascolta il tema principale, che si slancia verso l'alto carico di tensione. Inquietanti interiezioni di ronzio presto offuscano il dolce fluire della musica leggermente malinconica del terzo movimento, un intermezzo che inizia dolcemente. Ostinati caratterizzano anche il finale, che è intensificato da interiezioni fugate e termina bruscamente in re minore.

Anche il Quartetto per archi in mi bemolle maggiore op. 4 (1921) è caratterizzato da una forte spinta espressiva e da una tempesta, con il cromatismo dell'Adagio che costituisce il maggior contrasto con l'armonia meno complicata del rondò finale, simile a una danza popolare.

Il Trio per archi op. 46, composto intorno al 1950, è calmo fin dall'inizio, con il suo movimento di apertura lirico che porta dal do minore al do maggiore. I membri del Quartetto Casal si lanciano nel vigoroso finale con grande intensità di suono ed esprit musicale.

Paul Müller-Zürich: Quartetto per archi op. 4, Trio per archi op. 46, Quintetto per archi op. 2, CasalQuartet (Felix Froschhammer, Rachel Späth, Markus Fleck, Andreas Fleck), Razvan Popovici, viola. Solo Musica SM 287

La melodia malinconica del preludio di apertura di questo CD ricorda quasi la colonna sonora di un film minimalista. Un valzer accenna a Chopin, ma è anche intriso di un colore completamente diverso e idiosincratico. Il successivo gioco impressionistico di colori in Due estampes permeato da uno stile personale finora poco conosciuto e molto individuale...

Durante i suoi studi negli Stati Uniti, il pianista svizzero Christian Erny si è imbattuto nell'opera di Arthur Lourié, il cui nome suona poco "russo" come la sua musica. È proprio per questo che Lourié, nato nel 1891 nell'attuale Bielorussia, vissuto a lungo a Parigi e poi negli Stati Uniti, dove è morto nel 1966, è in gran parte scomparso nell'oscurità?

Nel suo secondo CD da solista, Christian Erny affronta questo mondo di suoni e pensieri nel modo più disinvolto possibile. Erny sa come fondere sottilmente i registri e i colori come se fossero voci umane. Non a caso, Erny è molto ambizioso come direttore dei suoi Cantanti da Camera di Zurigo e, per sua stessa ammissione, questo porta con sé molti effetti di sinergia per la composizione pianistica.

Così, alcuni tratti neoclassici si dispiegano nella musica di Lourié in modo enfaticamente privo di peso e nitidamente dettagliato, così come una meditativa Intermezzo e in seguito un'usurata Notturno profondamente commovente. Ma Lourié e il suo appassionato interprete contemporaneo possono anche fare le cose in modo molto diverso: un furioso Gigue diventa uno studio ritmico e sonoro scatenato che ricorda molto di più uno Stravinskij ribelle e per nulla i modelli barocchi. L'ambiguità delle circostanze in cui si trova Lourié è incarnata da una Ninna nannaPur essendo ancora profondamente radicato nel Romanticismo, un secondo scritto anticipa inequivocabilmente l'inizio del modernismo.

È la cometa nel cielo della musica classica di Winterthur: Roberto González-Monjas, concertmaster del Musikkollegium locale dalla stagione 2013/2014, che si esibisce anche come direttore d'orchestra. Ricopre lo stesso incarico anche presso l'Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma ed è professore di violino presso la Guildhall School of Music and Drama di Londra. Da quando ha assunto l'incarico, ha dato una scossa alla vita concertistica della città di Zurigo, troppo spesso messa in ombra.

Ora ha pubblicato un CD con il Musikkollegium per l'etichetta svizzera Claves che sprizza vigore e leggerezza. Sono stati registrati i famosi Serenata Haffner KV 250 di Mozart e il Serenata op. 1 di Othmar Schoeck, con González-Monjas in veste sia di direttore che di violino solista. È sorprendente la facilità e l'accentuazione con cui l'orchestra, che a volte sembrava piuttosto ponderosa sotto il precedente direttore principale Douglas Boyd, è ora in grado di suonare.

L'opera in otto movimenti Serenata Haffner è al tempo stesso un capolavoro e la conclusione dell'opera mozartiana delle serenate. Magnificamente segnata (con l'intera sezione dei fiati) e quindi colorata, unisce l'ambizione sinfonica alla divertente leggerezza di questo genere. Come ingegnosa particolarità, Mozart ha concepito i movimenti dal secondo al quarto come un vero e proprio concerto per violino pieno di cantabilità e virtuosismo, un "cibo trovato" per il violinista González-Monjas. Con il suo stile filigranato e il suono meravigliosamente canoro del violino, egli domina la serenata per lunghi tratti, con il tecnico del suono Andreas Werner che enfatizza ancora di più la sua arte. È un po' un peccato, perché l'orchestra ha molto da offrire, come dimostra la spiritosa Serenata di Schoeck. Composta come tesi di laurea a Zurigo e rielaborata a Lipsia, l'opera è piacevole per la sua maestria, l'umorismo e la sensualità del suono: dall'apertura danzante alla magnifica sezione centrale, questo gioiello di otto minuti si fa valere in modo convincente.

Anche 14 anni dopo la fondazione dell'etichetta Ramée, ogni CD è ancora una festa per gli occhi e per le orecchie. Specializzata nella musica antica (in questo caso definita fino a poco oltre la fine del XIX secolo), Ramée non punta sulla quantità, ma porta alla luce molte rarità provenienti dalle profondità della storia della musica con interpretazioni sempre eccezionali, che vengono poi riproposte con un entusiasmo duraturo.

Tra questi tesori c'è anche la musica da camera di Franz Xaver Sterkel (1750-1817), un compositore che durante la sua vita era molto conosciuto come pianista, le cui numerose sonate e trii per pianoforte erano molto apprezzate dagli appassionati e che tuttavia (come molti della sua generazione) è stato dimenticato troppo presto con l'ascesa del romanticismo musicale. Oltre a un viaggio artistico attraverso l'Italia, i centri della sua attività non furono naturalmente Vienna, Berlino, Parigi o Londra, ma piuttosto Magonza, Ratisbona, Aschaffenburg e Würzburg - luoghi in cui Sterkel ebbe un ruolo decisivo nell'instaurare una vivace vita musicale, ma in cui rimase fedele a se stesso nonostante i cambiamenti stilistici di cui era ben consapevole: Sterkel disprezzava le presunte "arti indegne", cercando invece la "nobile semplicità", il "ritmo puro" e "l'armonia e la melodia" (1808).

Questa selezione di sonate, apparse a stampa tra il 1785 e il 1817, dimostra che egli riuscì a farlo con un linguaggio straordinariamente unico. Esse combinano una rinfrescante inventiva con un pronunciato senso della drammaturgia cameristica (sia dal punto di vista tonale che armonico). Els Biesemans (fortepiano) e Meret Lüthi (violino) mostrano quanto spazio di manovra ci sia nella loro interpretazione perfettamente eseguita. Esse chiariscono in modo affascinante il vero contenuto delle opere di Sterkel.

Il titolo dell'ultimo CD di Lisette Spinnler, Suoni tra le foglie che cadonosembra essere una chiara reminiscenza dell'autunno. Anche l'umore malinconico delle sette canzoni sarebbe in linea con questo. In un'intervista con il Badische Zeitung Tuttavia, la cantante jazz si è lasciata sfuggire che il titolo dell'album si riferisce ad altro, a un periodo di ricerca e di silenzio: "Il titolo dell'album è in realtà una metafora del periodo in cui l'ho scritto", ha spiegato.

Chiunque ascolti il CD si troverà di fronte al lavoro più introverso del musicista basilese. Le canzoni suonano come contemplazioni messe in musica, ma alcune di esse si rivelano anche contemplazioni della natura. Questo vale anche per Il sole è tramontatobasato su una poesia di Emily Brontë (1818-1848), che parla di erba che ondeggia sognante nella brezza della sera. La 41enne usa questo modello per utilizzare la sua voce con parsimonia, ma in modo molto efficace. Allunga le parti vocali, tende a sussurrare e sa come dare ulteriore peso alle parole con le sue sfumature.

Anche pezzi come La notte si sta oscurando intorno a me o Sogno silenzioso sembrano calmi, quasi del tutto gentili e tranquilli. Solo il brano scritto da Mongo Santamaria Afro Blue, l'unica cover del disco, segna la contemplazione prevalente con ritmi finemente filati di jazz latino. Le melodie giocose, uno dei marchi di fabbrica della Spinnler, non sono più così dominanti come un tempo. Invece, la musicista e i suoi tre accompagnatori al pianoforte, al basso e alla batteria si abbandonano a un suono che mira a essere virtuosistico ed equilibrato. Questo riesce e fa sì che Suoni tra le foglie che cadono non solo improvvisato, ma presentato in modo quasi artistico.

L'Istituto di Medicina Musicale di Friburgo ha pubblicato un DVD-ROM estremamente informativo. Non solo viene esaminato l'apparato vocale vero e proprio in brevi presentazioni chiare e ben strutturate, ma molti dettagli correlati sono chiaramente presentati in brevi sequenze cinematografiche. Vedere i processi coinvolti nella respirazione, nel canto e nella parola su un filmato è molto più chiaro e facile da capire rispetto allo studio di disegni e illustrazioni fisiologiche, che possono mostrare il complesso modello tridimensionale delle vie respiratorie e della laringe solo in misura limitata e, soprattutto, non nella sua funzione.

Il DVD-ROM è essenzialmente diviso in tre sezioni principali: La prima si occupa della "voce strumentale". Qui ci sono sottosezioni sulla respirazione, la laringe e il tratto vocale. Ciascuna di queste sezioni è nuovamente suddivisa in diversi sottocapitoli. Tutti i processi rilevanti sono illustrati in modo dettagliato e vivido grazie alla risonanza magnetica e a modelli 3D animati. Per esempio, possiamo osservare i cantanti mentre cantano, mentre vengono commentati e spiegati vari aspetti, impariamo i dettagli sulla formazione delle consonanti e delle vocali e sulla loro propagazione sonora nello spazio. Vengono inoltre presentate in modo realistico informazioni sulla respirazione nel parlato e nel cantato, sulla messa die voce, sulla pressione subglottica e su molti altri dettagli interessanti associati alla produzione vocale.

Il capitolo successivo è dedicato alle "forme di espressione vocale". Qui impariamo a conoscere meglio la prosodia (gli elementi musicali del discorso), i diversi generi vocali e i diversi stili di canto, dallo jodel al canto d'autore, dal pop al musical. Troviamo sottocapitoli sul canto infantile e corale, nonché sulle espressioni vocali quando si ride o si piange.
In un capitolo finale, la scienza della voce dice la sua: presenta metodi di esame, processi di misurazione della voce e programmi informatici.

Questo DVD-ROM è uno strumento utile per i cantanti e i dilettanti interessati, nonché per gli insegnanti di canto e gli studenti di didattica, in quanto fornisce informazioni complete e chiare in tedesco o in inglese in 160 minuti!

La voce. Approfondimenti sui processi fisiologici coinvolti nel canto e nella voce, Istituto di medicina dei musicisti di Friburgo (Bernhard Richter, Matthias Echternach, Louisa Traser, Michael Burdumy, Claudia Spahn), DVD-ROM, 160 minuti, Fr. 45.40, Helbling, Esslingen, ISBN 978-3-86227-258-7

Il termine "altfrentsch" si riferisce a una strumentazione di musica popolare: il trio di violino, dulcimer e bassetto (strumento a corda tra il violoncello e il contrabbasso). Questo ensemble è stato raffigurato come vignetta nella "Sammlung von Schweizer=Kühreihen und Volksliedern" del cabarettista bernese Franz Niklaus König nel 1826. La stessa raccolta contiene anche due danze appenzellesi per questo ensemble. "Altfrentsch" significa "all'antica" e deriva letteralmente dall'espressione "vecchio francone".

Nel 1998 è stato scoperto a Gonten (Appenzello Interno) un manoscritto contenente 54 danze della fine del XVIII secolo, che il Centro per la musica popolare dell'Appenzello e del Toggenburgo ha pubblicato nel 2008 con il titolo Altfrentsch pubblicato. Questa raccolta di danze, ora disponibile in una nuova edizione, contiene anche melodie straniere che sono state indubbiamente apportate da violinisti e altri musicisti itineranti.

Sul nuovo album Altfrentsch in viaggio i sei musicisti della Landstreichmusik, sotto la direzione del violinista Matthias Lincke, hanno scelto solo la metà delle 16 melodie di danza registrate dal suddetto manoscritto. I pezzi rimanenti sono registrazioni di danze alpine conservate su dischi di gommalacca della prima metà del XX secolo. Sono stati adottati non solo i vecchi brani, ma anche gli stili esecutivi storici (strumentazione, tempi, direzione della voce, intonazione, fraseggio e giri finali). Il risultato è sorprendentemente vitale e si differenzia dalle vecchie danze popolari svizzere monofoniche che sono state arrangiate appositamente per più voci, come è diventato di moda nella nuova musica popolare.

Ma l'ascolto di questa registrazione è piacevole anche perché Dide Marfurt mescola le melodie con l'arpa ebraica e altri strumenti musicali storici, Christine Lauterburg contribuisce con il suo violino e la sua voce e il musicista folk austriaco Matthias Härtel (contrabbasso), Elias Menzl (dulcimer) e Simon Dettwiler (Schwyzerörgeli) aggiungono atmosfera.

Il pianista svizzero Timon Altwegg e la violista moscovita Hana Gubenko, noti per il loro amore per la scoperta, hanno al loro attivo una nuova pubblicazione che sorprende esclusivamente con opere sconosciute di compositori ebrei. Dalla versione non datata Poesia sefardita A parte Aaron Yalom (1918-2002), sono stati tutti composti nel breve periodo dal 1972 al 2012 e sono impegnati nella forma sonata in modi molto diversi.

Le due composizioni più recenti, la 2ª Sonata di Frank Ezra Levy (nato nel 1930) e la Sonata ebraica di Graham Waterhouse (nato nel 1962), recano dediche ai due interpreti, che vanno elogiati per l'impegno profuso in tutti i brani con la stessa dedizione e convinzione.

Il brano di apertura del CD, pubblicato quest'anno da Edition Kunzelmann, è già uno dei preferiti, Poesia sefardita di Yalom, ha un grande potenziale di sorpresa. Il compositore, nato nei pressi di Ginevra da immigrati polacco-ebraici e morto a New York, ha creato un pezzo di forte individualità basato su un tema lirico e arricchito da una grande brillantezza pianistica. Anche la sonata per viola 1 di Ernst Levy, compositore, pianista e didatta nato a Basilea, ha questo carattere, poiché non ci sono indicazioni verbali di tempo o marcature di esecuzione in nessuno dei quattro movimenti.

Nel Sonata ebraica di Waterhouse, che dà il nome al CD, presenta la canzone popolare yiddish citata nel movimento centrale simile al Kaddish Oyfn Pripetshik il riferimento ebraico più chiaramente udibile al titolo dell'opera.

Le due composizioni del figlio di Ernst Levy, Frank Ezra, si rivelano un'aggiunta particolarmente gratificante al repertorio. Dal primo movimento Sonata Ricercare con i suoi frequenti cambi di tempo, la seconda Sonata si distingue per la sua eleganza francese, per il fluire fluido della melodia più accattivante e per i maggiori contrasti: punti sonori dell'organo e attacchi martellati implacabili si alternano efficacemente a ripetizioni meravigliosamente delicate di note nella viola e a ritmi jazz argutamente intercalati.

Sonata ebraica (composizioni di Aaron Yalom, Ernst Levy, Frank Levy, Graham Waterhouse). Hana Gubenko, viola; Timon Altwegg, pianoforte. Guild GMCD 7419

Questa musica difficilmente può essere ridotta a un comune denominatore. Martin Jaggi compone in modo impulsivo, persino maniacale fino all'esplosività, poi di nuovo discreto, meditativamente introverso. La diversità corrisponde a un'enorme ricchezza di mezzi. Jaggi prende ciò che aiuta ed è utile - sia che si tratti di suoni armonico-tonali, sia che si tratti del vocabolario dissonante-complesso del XX e XXI secolo, sia che si tratti della ripetizione, che il basilese, nato nel 1978, conosce bene dal minimalismo o dal rock e dal pop.

La trasformazione camaleontica non è compatibile con le esigenze di uno stile personale e distintivo. Ma chi può ancora pretenderlo? Oggi, quando il mondo è così complesso come questo Girgache Jaggi ha scritto per l'Orchestra Sinfonica di Lucerna nel 2014. Le percussioni sono dominanti, mentre gli ottoni ruvidi si mescolano agli attacchi degli archi. Ancora e ancora, ci sono cesure abissali - proprio in quei punti in cui il materiale non offre più molto. Non c'è dubbio: Jaggi ha il senso della forma.

Sono sei le opere contenute in questo divertentissimo CD ritratto di Musiques Suisses. Oltre a due brillanti lavori orchestrali, Jaggi mostra il suo lato cameristico in quattro pezzi d'insieme composti tra il 2006 e il 2013. Plod on per violino, viola, violoncello e pianoforte (2007) presenta il Mondrian Ensemble, in cui Jaggi stesso suona il violoncello. Come descrive Michael Kunkel nel libretto, c'è un "tono di fondo malinconico". In effetti, il tema sembra essere l'estinzione. Ancora e ancora, la musica raccoglie forza per poi crollare con rassegnazione. Jaggi si dimostra ancora una volta un artista dal cambio rapido, e in effetti un musicista a tutto tondo. Oltre al cupo, al rauco, al brutale e al sottile, c'è qualcos'altro: il virtuosismo, sia da parte degli esecutori che del compositore.

Ritratto Martin Jaggi; Musiques Suisses (ritratto Grammont), CTS-M 146

Hans-Jürg Sommer ha insegnato chitarra come insegnante di musica professionista per circa quarant'anni, ma è anche un rinomato suonatore di corno alpino, compositore di oltre 500 opere per corno alpino - tra cui il famoso Moss-Ruef -È noto anche come concertista, insegnante e scrittore di musica. Nel 2002 è stato premiato per i suoi meriti musicali con la Ciabatta d'oro e nel 2006 con il Premio musicale del Cantone di Soletta per i suoi risultati culturali.

Nel 2010, Sommer ha pubblicato un documentario di 154 pagine intitolato Valutazione e interpretazione delle fonti storiche sulle melodie per corno alpino (autopubblicato da Oensingen). Il suo obiettivo era quello di modificare vecchi brani non dal punto di vista di un etnomusicologo, ma di un suonatore alla ricerca di melodie tradizionali. Ha raccolto vecchie notazioni di file di canti dalla letteratura itinerante del XVIII e XIX secolo, come già pubblicato nel libro di Alfred Leonz Gassmann Alphornbüechli del 1938 e in altre pubblicazioni, ma li ha integrati con vecchie registrazioni sonore disponibili dagli anni '30 e ora trascritte.

Tuttavia, l'autore non ha raggiunto tutti i circa 5000 suonatori di corno alpino in Svizzera con questa importante raccolta, perché molti di loro possono imparare le melodie solo ad orecchio. Da questa constatazione è nata l'idea di Hans-Jürg Sommer e di uno dei suoi collaboratori alphorn, Thomas Juchli, di registrare le melodie Kühreihen di questa raccolta e di ambientarle in paesaggi montani svizzeri accuratamente selezionati. L'obiettivo dell'educatore musicale non era semplicemente quello di visualizzare nel film il noto legame tra paesaggio, musica e allevamento di bestiame da latte, ma di presentare le singole parti di sei filari di mucche ricorrenti del XVIII e dell'inizio del XIX secolo nella loro funzione originale. Inizialmente, i motivi di invocazione si sentono in melodie ascendenti. Dopo queste introduzioni, le parti dei richiami e delle file mostrano che le mucche che pascolano sulle Alpi li seguono ancora oggi in modo tradizionale. La discussione sul significato del termine "file di mucche" si conclude con questo fenomeno naturale: quando viene suonato l'alphorn o altra musica, le mucche si allineano una dopo l'altra in una lunga fila. In ulteriori sequenze, che Sommer chiama cesure, tutti riconoscono passaggi di musica tranquilla durante i quali il mandriano alpino aspettava le mucche davanti alla stalla. Dopo altre sezioni di richiamo e di fila, le file di mucche terminano con la ripetizione dell'introduzione e con un fischio.

Ciò che sembra facile da capire in un commento sorprendentemente semplice in tedesco, francese o inglese, e che è anche splendidamente presentato, è il risultato di anni di lavoro minuzioso per raggiungere un pubblico generale e, soprattutto, i bambini delle scuole.

Gli interpreti locali non sembrano molto interessati al Romanticismo svizzero, importato principalmente dalla Germania, né alle opere dei tardoromantici nati qui. Le opere pianistiche di Theodor Kirchner del periodo svizzero sono state registrate da Irene Barbuceanu; l'Orchestra Sinfonica di Bamberg ha sostenuto il sinfonista Joachim Raff, nato a Lachen (SZ). Le principali opere orchestrali di Hans Huber sono state registrate dalla Filarmonica di Stoccarda, quelle di Fritz Brun sono disponibili in registrazioni con l'Orchestra Sinfonica di Mosca. La prima registrazione completa dei tre quartetti per archi di Hermann Suter è stata effettuata dal Quartetto Beethoven, fondato a Bonn. Non sorprende quindi che sia stato un pianista tedesco, Christof Keymer, a salire alla ribalta con la prima registrazione completa delle opere per pianoforte solo di Hermann Goetz (1840-1876), la maggior parte delle quali furono composte a Winterthur e Zurigo.

Le sue interpretazioni sono tanto più apprezzate dall'etichetta tedesca cpo, in quanto si inseriscono bene nel repertorio spesso insolito di questo produttore che ama le scoperte. Si tratta in effetti di scoperte, in quanto comprendono non solo i brani di Foglie sciolte op. 7 e i due Sonatine op. 8, che si ascoltano occasionalmente negli esercizi di recital, ci sono diverse rarità nei due CD. Christof Keymer aveva già pubblicato nel 2013 con Amadeus-Verlag di Winterthur le prime edizioni di quattro brani della tenuta: il primo Polka di Alwinen dai tempi in cui era studente a Königsberg, un tempestoso Fantasia in re minore, un'opera costellata di staccati Scherzo in fa maggiore e quella in forma sonata Fiaba nel bosco in si minore (BP 1497).

Di particolare interesse è la parte in tre parti Scherzo. Il brano, composto mentre studiava ancora con Hans von Bülow a Berlino nel 1862, fa supporre che Goetz abbia preso l'etude, annotata solo un tono più bassa, dall'opera di Hans von Bülow. Vingt exercices et préludes della precorritrice polacca di Chopin Maria Szymanowska-Wołowska (1789-1831).

Keymer crea tutte queste opere, un movimento di sonata in sol maggiore e pezzi più piccoli, con una grande attenzione ai dettagli tonali per creare un'atmosfera lirica nelle parti liriche della Foglie sciolte con un caldo espressivo e una meravigliosa compostezza.