Il Associazione Shakuhachi Svizzera È aperta a tutti i suonatori di shakuhachi della Svizzera, indipendentemente dalla tradizione a cui appartengono. È una sezione della Zenkoku Chikuyusha, la più grande associazione di shakuhachi del Giappone, con la quale l'associazione intrattiene stretti rapporti.

Il fondatore della Shakuhachi-Gesellschaft Schweiz (Associazione svizzera dello shakuhachi) è Andreas Fuyû Gutzwiller. Dopo aver studiato shakuhachi con Araki Kodô V e Kawase Junsuke III alla Wesleyan University e in Giappone, nel 1976 ha ottenuto la licenza di insegnante per tramandare la tradizione di Kawase Junsuke III. Nel 1980 ha iniziato a insegnare musica shakuhachi all'Accademia di musica di Basilea. Cinque dei suoi allievi hanno ottenuto la licenza della Zenkoku Chikuyusha di Tokyo. Si tratta di: Ueli Fuyûru Derendinger, Jürg Fuyûzui Zurmühle, Wolfgang Fuyûgen Hessler, Andrea Fuyûan Hofer e Ursula fuyûzi Schmidiger. In questo modo, oltre che a Basilea, l'insegnamento dello shakuhachi ha avuto inizio anche a Zurigo, Lucerna e Berna.

Nel frattempo, ci sono due giocatrici della terza generazione che hanno ottenuto la licenza della Zenkoku Chikuyusha di Tokyo: Maria Rosaria Marigen Visco, allieva di Wolfgang Fuyûgen Hessler, e Isabel Unjakuryûgen Lerchmüller, allieva di Ueli Fuyûru Derendinger. La tradizione continua così nella generazione successiva.

La vita associativa dei Chikuyusha comprende diverse attività. Eventi e attività come Fukizome, il primo incontro musicale collettivo del nuovo anno, il concerto annuale degli insegnanti, le regolari sessioni musicali collettive e Robuki.

La pratica dello shakuhachi continua e la Società Svizzera di Shakuhachi guarda con entusiasmo ai prossimi vent'anni.

 

Il romantico Friedrich Theodor Fröhlich (1803–1836) è anche conosciuto come lo «Schubert svizzero». Come lui, preferiva le canzoni per pianoforte, tra cui anche lunghi cicli di canzoni, brani virtuosistici per pianoforte e musica da camera. Il grande talento musicale di questo figlio di insegnanti nato a Brugg fu riconosciuto e incoraggiato fin da subito. Grazie a una borsa di studio del Cantone di Argovia poté studiare musica a Berlino.

La vivace scena musicale locale ispirò lo svizzero. Nel 1829 assistette all'esecuzione della Passione secondo Matteo di Bach da parte del ventenne Mendelssohn Bartholdy con la Singakademie di Berlino. Tuttavia, non riuscì ad affermarsi come compositore nella grande città e tornò a casa piuttosto frustrato.

Fröhlich dovette interrompere il suo primo soggiorno a Berlino (1823/24), all'epoca ancora studente di giurisprudenza, a causa di una malattia. Nel 1825, quando scrisse questa Cantata natalizia, come lui stesso la definiva, la compose e probabilmente la eseguì anche lì. L'esecuzione del 29 novembre 2025 con Luis Alves da Silva e il suo ensemble vocale Ton an Ton è quindi la seconda, dopo esattamente 200 anni. Da Silva ha scoperto la cantata nell'eredità di Fröhlich, conservata nella biblioteca universitaria di Basilea.

Più semplice, meno esaltante ma comunque sofisticato

L'originale di questo Cantata di Natale è troppo breve per uno spettacolo serale. Così da Silva non solo ha trasferito la partitura sul computer, ma l'ha anche integrata con altri sei brani composti da Fröhlich. Si tratta di due canzoni natalizie per pianoforte, il terzetto I tre Re Magi e due brani corali tratti dalla successiva opera di Fröhlich Cantata di Natale del 1830.

Questa seconda cantata fu eseguita nel 2023 nella chiesa di Brugg. Michael Kreis la interpretò con l'ensemble vocale Cantemus. Rispetto alla precedente, riscoperta di recente, non solo è notevolmente più ampia, ma è anche una curiosità dal punto di vista formale. (Nota della redazione: vedi Recensione SMZ 12/2021, pag. 22). Inoltre, è insolitamente drammatica per una cantata natalizia.

La cantata precedente è più semplice e meno esaltante nella sua composizione. Si riconosce già la fantasia effervescente del ventitreenne, la sua profonda musicalità e la predilezione per la fuga. Le esigenze del coro sono elevate. L'ensemble vocale Ton an Ton è riuscito a padroneggiare con sicurezza l'intonazione dei registri estremamente ampi a Windisch. E ha saputo trasmettere in modo accattivante il carattere gioioso di questa musica.

Linguaggio antiquato, musica allegra

Particolarmente degno di nota nelle opere corali di Fröhlich è l'accompagnamento al pianoforte. Questa parte è sempre tecnicamente impegnativa e richiede grande virtuosismo: Fröhlich era infatti anche un pianista brillante. Nel concerto a Windisch, il pianista Daniel Schnurrenberger ha accompagnato con grande dedizione, maestria tecnica ed espressività.

Da Silva ha affidato le tre parti solistiche a voci maschili, mentre la parte più acuta è stata cantata dall'altus Jonathan Kionke. Ciò è risultato particolarmente evidente nel terzetto inserito. I tre Re Magi (n. 4) su un testo umoristico di Johann Wolfgang von Goethe. I tre cantanti – oltre a Kionke anche il tenore Rafael Oliveira e il baritono basso Guilherme Roberto – hanno interpretato questi re «ipocriti» con un affascinante ammiccamento.

Il testo di Goethe spiccava anche perché il testo originale della cantata era stato scritto dal fratello di Fröhlich, Abraham Emanuel (1796-1865), teologo e filologo classico. Quando a lui, spirito libero e ribelle, fu negato il ministero pastorale a Brugg, accettò un incarico di insegnante alla scuola cantonale di Aarau. Scrisse molte poesie, soprattutto patriottiche, ma anche favole molto caustiche. Anche in questa cantata il suo stile appare piuttosto antiquato. Ciò non ha tuttavia compromesso la gioiosa musica natalizia di Theodor Fröhlich, che ha entusiasmato il pubblico.

L'Università di Lucerna scrive sui nuovi docenti:

Iwan Jenny, nato nel 1979 a Escholzmatt-Marbach (LU), è un batterista dai molteplici interessi. Oltre al suo impiego nell'orchestra, svolge un'intensa attività concertistica come freelance in diverse formazioni. Ha studiato alla Scuola universitaria professionale di Lucerna – Musica con Erwin Bucher. Ha concluso entrambi i corsi di laurea magistrale in Pedagogia musicale e Orchestra con il massimo dei voti. Ha poi proseguito gli studi di percussioni con Franz Lang alla Scuola statale di musica di Trossingen in Germania. Grazie alla vittoria assoluta al Concorso svizzero di percussioni 2002, ha ottenuto una borsa di studio per un soggiorno di studio al Drummers Collective di New York. Dal 2008 al 2012 Iwan Jenny è stato percussionista nel Musikkollegium Winterthur, dal 2012 è timpanista solista nell'Orchestra Sinfonica di Lucerna. È inoltre membro fisso della Swiss National Orchestra, della 21st Century Orchestra e dello Swiss Brass Consort e suona come ospite in diverse orchestre barocche svizzere. Iwan Jenny è stato più volte premiato in concorsi (tra cui la Fondazione Friedl Wald di Basilea e la Fondazione culturale Axelle e Max Koch di Lucerna).

Daniel Higler, nato nel 1992 a Villingen-Schwenningen, è un percussionista e timpanista che si esibisce sia nelle sale da concerto classiche che sui palchi dei concerti. Dopo la laurea triennale presso l'Università statale di musica e arti performative di Stoccarda e la laurea magistrale presso l'Università statale di musica di Trossingen, si è specializzato nella musica orchestrale. Ha maturato le sue prime esperienze importanti in accademie e stage presso orchestre come la SWR Symphonieorchester e la Stuttgarter Philharmoniker. Sono seguiti ingaggi, tra l'altro, presso la Frankfurter Opern- und Museumsorchester. Dal 2023 Daniel Higler è timpanista solista e percussionista presso la Theater Orchester Biel Solothurn. Oltre alla sua attività nell'orchestra, coltiva un ampio repertorio stilistico: ha suonato come solista con la Junge Deutsche Philharmonie e ha eseguito in prima assoluta opere contemporanee insieme al SWR Vokalensemble. Daniel Higler è stato attivo anche al di fuori del repertorio classico, ad esempio come batterista in tournée con il cantautore Konstantin Wecker.

Zurigo, dicembre 2025

Gentili musicisti, operatori culturali, utenti delle offerte della SRG
Gentile signora Susanne Wille

Nel marzo 2026 voteremo sull'iniziativa per il dimezzamento. Non è mai troppo presto per prendere posizione e difenderci da questo attacco alla nostra emittente pubblica. La SSR si impegna, tra l'altro, a fornire informazioni indipendenti, a rappresentare la diversità culturale del nostro Paese, a gettare ponti tra la scienza e l'opinione pubblica e a dare voce alle minoranze. Adempie al suo compito in tutte le regioni e in tutte le lingue nazionali. Nell'adempimento del suo mandato, è indispensabile per il nostro Paese al fine di mantenere condizioni democratiche e rafforzare il senso di appartenenza. Nessuna emittente privata orientata al commercio e guidata da interessi particolari può adempiere, nemmeno in minima parte, ai compiti sopra menzionati. Siamo chiamati, nei prossimi tempi, a manifestare la nostra solidarietà alla SRG in occasione di colloqui ed eventuali apparizioni pubbliche e a garantire il rifiuto dell'iniziativa citata.

Questo impegno è vincolante, nonostante sia necessario protestare con forza contro le misure decise negli ultimi mesi dai vertici della SRG. La strategia dei populisti di destra, che mira a minare le condizioni democratiche, comprende tra l'altro attacchi ai media indipendenti e alla libertà delle scienze e delle arti. La cancellazione di programmi, ad esempio nei settori della letteratura e della scienza e, più recentemente, della musica – «Musik unserer Zeit» – rappresenta un'anticipazione delle tendenze di estrema destra citate e un allontanamento dai punti centrali che figurano nel capitolato d'oneri del servizio pubblico.

Le grandi associazioni culturali svizzere hanno finora evitato di prendere posizione pubblicamente su questi tagli, probabilmente con l'intento di non indebolire la campagna referendaria contro l'iniziativa di dimezzamento con critiche alla SSR. Tuttavia, alla luce della situazione attuale e degli sviluppi futuri, è necessario impegnarsi con determinazione a favore di un finanziamento adeguato della SSR e criticare le decisioni dei vertici aziendali. La SSR merita il nostro sostegno per le sue caratteristiche uniche. La sua attuale strategia di adeguamento alle esigenze del mercato significa ignorare il mandato che giustifica un finanziamento pubblico adeguato. Come strategia della direzione nella campagna referendaria, invece di eliminare trasmissioni come «Wissenschaftsmagazin» e «Musik unserer Zeit», sarebbe opportuno proseguire con determinazione il dialogo tra scienza e società e curare con attenzione un lavoro giornalistico approfondito nel settore culturale.

Le ricerche di mercato potrebbero considerare gli ascoltatori delle rubriche musicali e letterarie di Espace deux come una quantità trascurabile, così come i fan accaniti del «Klassik-telefon» o il fedele pubblico di «Echo der Zeit», per restare nell'ambito delle trasmissioni radiofoniche. In vista della prossima votazione, non va dimenticato che questo pubblico affezionato è pronto a mobilitarsi a favore della SSR.

La SRG deve puntare sulla resistenza anziché sull'adeguamento, sulla sua unicità, se non vuole scavarsi la fossa da sola. Deve ricordarsi con urgenza quali sono gli ambiti fondamentali del suo mandato che deve proteggere e chi sono i suoi compagni di lotta nella società civile, i suoi alleati nella battaglia contro l'iniziativa che ne dimezza il mandato.

I firmatari in ordine alfabetico

Heinrich Aerni, Ingrid Alexandre, Dieter Ammann

Ulrike Andersen, Monika Baer, Nik Bärtsch

Werner Bärtschi, André Baltensperger, Philip Bartels

Felix Baumann, Peter Baur, André Bellmont

Elisabeth Berger, Marino Bernasconi, Ramon Bischoff

William Blank, Dominik Blum, Bettina Boller

Hugo Bollschweiler, Thüring Bräm, Esther de Bros

Albin Brun, Catriona Bühler, Christiane Bult

Peggy Chew, Jessie Cox, Flurin Cuonz

Reto Cuonz, Therese Cuonz-Räz, Jürg Dähler

Claudio Danuser, Daniela Dolci, Mariana Doughty

Alfred Felder, Adrian Frey, Daniel Fueter

Thomas Gartmann, Bettina Ginsberg, Roger Girod

Katharina Gohl, Anna-Katharina Graf, Kathrin Graf

Ivo Haag, Jonas C. Haefeli, Viviane Hasler

Edu Haubensak, Doris Hauser, Fritz Hauser

Ruedi Häusermann, Hanna Helfenstein, Horst Hildebrandt

Christian Hilz, Jeannine Hirzel, Beat Hofstetter

Christoph Homberger, Raphael Immoos, Markus Jans

Mischa Kaeser, Eriko Kagawa, Vera Kappeler

Christoph Keller, Max E. Keller, Simone Keller

Burkhard Kinzler, Michael Kleiser, Christian Kobi

Canan Kocaay, Tamriko Kordzaia, Niklaus Kost

Herbert Kramis, Hanspeter Kriesi, Anne-May Krüger

Jojo Kunz, Annette Labusch, Matías Lanz

Leslie Leon, Heinrich Mätzener, Delia Mayer

Thomas Meyer, Roland Moser, Moritz Müllenbach

Marie-Louise Müller Choquard, Martin Neukom, Lucas Niggli

Anne-Catherine de Perrot, Stefka Perifanova, Peter Reidemeister

Felix Renggli, Nicola Romanò, Petra Ronner

Michel Roth, Johannes Rühl, Bettina Ruf

Edward Rushton, Nina Sahdeva, Claudine Saner

Urs Saner, Evangelos Sarafianos, Tobias Schabenberger

Sir András Schiff, Isabelle Schnöller, Oliver Schnyder

Muriel Schwarz, Meinrad Schweizer, Yuuko Shiokawa

Peter Siegwart, Rahel Sohn, Peter R. Solomon

Bruno Spoerri, Eleonor Stähli, Jacques Stähli

Urs Stäuble, Egidius Streiff, Monica Thommy

Germán Toro Pérez, Balz Trümpy, Saadet Türköz

Nina Ulli, Christoph Ullmann, Petra Vahle

Katharina Weber, Urs Weibel, Andreas Werner

Peter Wettstein, Maki Wiederkehr, Helena Winkelman

René Wohlhauser, Maria Wolff, Alfred Zimmerlin, Samuel Zünd

 

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PS

«Se 100 000 persone vogliono ascoltare James Last e una sola persona vuole ascoltare Anton Webern, non è necessario trasmettere 100 000 ore di James Last e un'ora di Webern, ma un'ora di James Last e un'ora di Anton Webern. Poiché tutte e 100.000 possono ascoltare contemporaneamente, tutti i 100.000 fan di Last ottengono ciò che desiderano, così come il fan di Webern. Questa è democrazia».»

Urs Frauchiger (1936–2023)
Violoncellista e autore, dal 1970 al 1977 ha diretto il dipartimento musicale dello Studio Bern della Radio Svizzera Tedesca; dal 1992 al 1997 ha guidato la Fondazione svizzera per la cultura Pro Helvetia.

 

L'Ufficio federale della cultura scrive:

«Durante la sua ventesima riunione a Nuova Delhi (India), il Comitato intergovernativo dell'UNESCO per la salvaguardia del patrimonio culturale immateriale ha inserito lo jodel nella Lista rappresentativa del patrimonio culturale immateriale dell'umanità. Nella sua decisione, l'UNESCO sottolinea la qualità del dossier presentato e il solido processo partecipativo che ha portato alla candidatura.

Come tecnica vocale caratteristica, lo jodel alterna la voce di petto e quella di testa e utilizza sillabe prive di significato, spesso legate ai dialetti locali. Si distingue tra lo jodel naturale, composto da melodie senza testo, e il canto jodel, che combina strofe e ritornelli jodelati e spesso tratta temi legati alla natura e alla vita quotidiana. Da solista, in piccoli gruppi o in cori, a volte accompagnato da strumenti come la fisarmonica, lo jodel si distingue per il suo suono ricco e la sua presenza a concerti, feste e concorsi, spesso associati all'uso di costumi regionali.

Lo jodel è estremamente popolare e viene tramandato nelle famiglie, nelle associazioni, nelle scuole di musica o semplicemente tra cantanti. Oltre 12 000 jodler sono membri di uno dei 711 gruppi dell'Associazione federale degli jodler, ma questa pratica è coltivata anche al di fuori delle associazioni e dei cori. Anche gli artisti contemporanei ne traggono ispirazione, a conferma della vivacità di una tradizione in continua evoluzione.

La candidatura, presentata nel marzo 2024, è stata coordinata dall'Ufficio federale della cultura (UFC) con il coinvolgimento di esperti di jodel e di organizzazioni competenti (vedi elenco sotto). Questo processo collaborativo ha permesso di identificare le sfide decisive per la trasmissione dello jodel alle generazioni future: promozione delle nuove leve, coordinamento nazionale, formazione, documentazione e ricerca. A tal fine sono state definite misure comuni, tra cui il rafforzamento della collaborazione, lo sviluppo di nuove offerte di formazione e perfezionamento, la sensibilizzazione dell'opinione pubblica e il sostegno ai praticanti.»

Organizzazioni partner

• Associazione federale degli jodler
• Roothuus Gonten – Centro per la musica popolare dell'Appenzello e del Toggenburgo
• HSLU Musica
• Comunità di interessi Cultura popolare Svizzera e Principato del Liechtenstein

Link al comunicato stampa dell'Ufficio federale della cultura

Il Orchestra Sinfonica TriRhenum si distingue nel panorama musicale di Basilea con i suoi programmi spesso originali di opere raramente eseguite e commissioni a compositori basilesi. Oppure attraverso formati speciali di concerti come La Notte dei Proms di Basilea. L'ambiziosa orchestra amatoriale, composta da membri provenienti dalla Svizzera nordoccidentale e dal Baden meridionale, è stata fondata nel 1999 dal direttore e suonatore di corno di origine inglese Julian Gibbons, che la dirige tuttora. Ogni anno vengono sviluppati due programmi di concerti. Il più recente, eseguito nella chiesa di San Martino a Basilea (con replica a Reinach BL), è stato dedicato al tema del "Peer Gynt". Il programma comprendeva non solo estratti dalla musica incidentale op. 23 e dalle due suite orchestrali op. 46 e op. 55 di Grieg, ma anche una prima mondiale del compositore Lukas Langlotz, nato nel 1971: Giri. Quattro tableaux per "Peer Gynt".. Langlotz non è nuovo a Basilea, poiché insegna composizione, teoria musicale, educazione auditiva e partitura all'Accademia di Musica. Ha studiato, tra gli altri, con Rudolf Kelterborn e Betsy Jolas. Le sue opere hanno spesso uno sfondo religioso o fanno riferimento alla musica storica.

La drammaturgia del concerto segue il dramma

La decisione di eseguire le opere di Grieg e Langlotz intrecciate tra loro, anziché una dopo l'altra, si è rivelata molto azzeccata. Il narratore Dominique Gisler ha approfondito la comprensione con citazioni dal dramma. La serata è stata un'ottima motivazione per affrontare l'opera di Ibsen sulla ricerca e la scoperta dell'identità del suo eroe. Peer Gynt, viaggiatore tra sogno e realtà, tra il mondo degli spiriti della montagna e il mondo del XIX secolo, è in realtà una persona assolutamente antipatica, priva di empatia, di rispetto per le donne, ma con fantasie megalomani di dominio del mondo. Diventato ricco come mercante e schiavista in Africa, mente a se stesso sulla sua inutile vita. Derubato di tutte le sue ricchezze, torna in Norvegia da vecchio. Il "lanciatore di bottoni", un angelo della morte o un messaggero del diavolo, gli predice la sua fine, ma viene salvato da Solvejg, che lo ha aspettato in una capanna per tutta la vita e lo ama. Spesso viene interpretata come la personificazione dell'anima di Peer.

L'opera di Ibsen, talvolta definita il "Faust nordico", si basa sulle fiabe, ma è anche un'amara satira del suo tempo. La musica lirica e folkloristica di Grieg, che non si identificava affatto con il personaggio di Peer Gynt, non si adatta particolarmente al dramma, ma è molto apprezzata dal pubblico dei concerti. Per un'orchestra amatoriale come la TriRhenum Symphony Orchestra, ovviamente ben preparata da Julian Gibbons, è molto grata. Abbiamo ascoltato alcune eccezionali performance solistiche (viola, oboe, flauto, clarinetto) e una sezione di archi molto omogenea. I problemi di intonazione dei fiati non erano troppo evidenti.

La "musica teatrale" di Langlotz

L'orchestra ha padroneggiato bene anche il nuovo lavoro di Lukas Langlotz - nelle parole del compositore "musica teatrale senza palcoscenico". Girotondo non prevede tecniche esecutive inusuali, ma è certamente musica contemporanea, anche se non nella sua forma più avanguardistica. La prima parte, che caratterizza Peer, potrebbe forse essere stata scritta anche dal compianto Penderecki; il secondo movimento, uno scherzo in forma di rondò, che ritrae sia il mondo dei troll sia l'atmosfera del manicomio del Cairo, si inserisce nella tradizione degli scherzi di Mahler o di Shostakovich, ma senza possedere il loro mordente e il loro umorismo truce. La musica "Knopfgiesser" della terza parte - a volte molto dissonante - è ossessionante, e la sezione finale, dedicata a Solvejg, contiene bellissimi paesaggi sonori da cui l'inno di Pentecoste Veni Creator Spiritus appare. Si conclude con un punto interrogativo, per così dire. Come nell'opera teatrale, il finale rimane aperto. Il pubblico della chiesa ben frequentata era entusiasta.

Avvio il mio portatile per scrivere questo articolo. Ben presto i due occhi rossi della telecamera lampeggiano e verificano la mia identità. Confrontano la mia immagine memorizzata con quella che stanno registrando. Non importa che occhiali indossi, se ho tagliato i capelli o se ho una cicatrice sul viso a causa della rasatura, non c'è nulla che possa confondere il sistema biometrico di riconoscimento facciale, nulla che possa impedirgli di riconoscere la mia identità.

Al momento del deposito dell'immagine originale, questa tecnologia ha misurato le distanze tra circa trenta punti del paesaggio facciale. Questi includono fattori chiave come la distanza tra gli occhi, la distanza tra la fronte e il mento, la forma degli zigomi e i contorni delle labbra, delle orecchie e del mento. Tutti questi dati sono stati poi convertiti in una formula matematica, un codice numerico, e memorizzati. Proprio come un'impronta digitale, l'"impronta del viso" risultante è unica per ogni persona.

Che aspetto aveva Mozart?

I ritratti di questo genio unico sono innumerevoli: veri, falsi, attribuiti, perduti e ritrovati, dubbiosi e inequivocabili, artisticamente preziosi e meno preziosi. E se ne trovano sempre di nuovi. Questi portano a un'enorme ondata di articoli nei media, oppure sono a malapena riconosciuti.

Ci sono alcuni ritratti di cui si parla dettagliatamente nelle lettere della famiglia Mozart e di cui si riporta la somiglianza con il figlio o il fratello. Ma che aspetto aveva davvero Mozart (1756-1791), qual è il "vero" Mozart? Su questa domanda si sono scatenate numerose e accese dispute tra gli studiosi di musica. Ora, però, il riconoscimento facciale biometrico è disponibile come ausilio che sembra in grado di oggettivare le controversie.

Dall'inizio del nuovo millennio, questo metodo, inventato in Giappone nel 1980, ha preso rapidamente piede ed è diventato parte integrante della vita moderna come una delle tante funzioni dell'IA. Non sorprende che abbia iniziato a occupare anche la musicologia moderna, anche se con cautela e molto scetticismo. Ecco due esempi concreti di come può essere utilizzata per verificare l'autenticità dei ritratti di Mozart.

Un nuovo "ultimo" ritratto

 

Fino al 2002, il deposito della Gemäldegalerie di Berlino ospitava una collezione intitolata Il gentiluomo con la gonna verde un dipinto a olio del pittore monacense Georg Edlinger (1741-1819). Fu dipinto nel 1790, un anno prima della morte di Mozart.1

Già nel 1995 si pensava che fosse stata scoperta una certa somiglianza con il cosiddetto ritratto di Bologna del 1777, che Leopold Mozart fece dipingere dal figlio ventunenne e inviò all'Accademia di Bologna per la sua galleria (collage in alto, quarta fila da sinistra; in basso, seconda fila da destra). Egli lo elogiò come particolarmente azzeccato.

Nel 2006, Rainer Michaelis, curatore capo della Gemäldegalerie di Berlino, insieme al neurobiologo svedese Martin Braun, ha intrapreso un interessante tentativo di confrontare i due dipinti utilizzando i più recenti metodi biometrico-statistici. 2

Il risultato sorprendente è stato che il ritratto di Edlinger mostra la stessa persona del ritratto di Bologna con una probabilità di 1:10.000.000.3 Questo fa del ritratto di Edlinger l'ultimo ritratto di Mozart dipinto durante la sua vita. Già nel 2006, la Gemäldegalerie der Staatlichen Museen Berlin ha pubblicato un'edizione speciale accuratamente curata e ottimamente illustrata nella sua serie "Bilder im Blickpunkt".4

Un ritratto giovanile?

Non lontano da Salisburgo, un professore emerito dell'Università di Costanza, che si fa chiamare con lo pseudonimo di "Bilddetektiv", ha fatto un'analisi dei risultati.5 In un negozio d'arte, si imbatte in un quadro di un giovane piuttosto insignificante che lo affascina immediatamente: Il volto aperto del giovane gli sembrava in qualche modo familiare. Il detective dei quadri studiava da tempo i ritratti degli artisti e l'autenticità fisionomica dei soggetti. In oltre trenta lavori, aveva acquisito un'enorme quantità di conoscenze sulle tecniche pittoriche, sugli antecedenti biografici e storici e sui contesti, e aveva affinato il suo potere di osservazione per i più piccoli dettagli fisionomici e fisiologici. Dopo aver fatto dei confronti con i dipinti mozartiani conosciuti, gli fu chiaro che il ritratto che aveva trovato all'epoca poteva benissimo raffigurare Mozart all'età di circa dieci anni.

 

Il detective delle immagini era ben consapevole del fatto che "nuovi" ritratti di Mozart continuano ad apparire fino ad oggi, ma che non possono essere verificati. Pertanto, procedette con cautela. Inizialmente ha avvalorato la tesi che il ritratto trovato raffigurasse il giovane Wolfgang Amadeus Mozart confrontandolo con i ritratti di Joseph Lange, Dorothea Stock e Joseph Grassi, considerati autentici, e con quello di Pietro Antonio Lorenzoni del 1763, che ritrae Mozart bambino all'età di sei anni (collage, fila in basso, terzo da destra). Egli si basò principalmente sull'osservazione comparativa dei tratti fisiognomici.

I risultati della ricerca hanno mostrato che le dimensioni "e la forma della testa (fronte, tempie, forma del viso) sono le stesse in tutte le immagini, così come la distanza tra gli occhi e le proporzioni del viso. I tessuti molli possono cambiare nel corso della vita, ma il cranio rimane lo stesso".

L'investigatore dell'immagine sottolinea anche un'altra caratteristica importante per l'identificazione del personaggio, che Eva Gesine Baur descrive nel suo libro Mozart, il genio e l'eros ha notato.7 Nella didascalia di un ritratto di Mozart ivi raffigurato, scrive: "Anche qui è visibile lo strabismo verso l'interno (dell'occhio destro), che secondo l'oftalmologia è spesso il risultato di gravi malattie nei primi anni di vita. È documentato nel caso di Wolfgang per l'anno 1767 (epidemia di vaiolo). Questo spiegherebbe perché non è strabico nel ritratto di Lorenzoni del 1763". Egli conferma che lo strabismo dell'occhio destro menzionato da Baur può essere riconosciuto anche nell'attuale ritratto giovanile: "Il disallineamento degli occhi è una caratteristica biometrica chiave con una prevalenza inferiore al 3%. Questo riduce significativamente la probabilità di parallelismo casuale (meno di p di 0,03 nel modello binomiale)".

Per verificare le ipotesi basate sulla mera osservazione, il ritratto è stato infine analizzato con il riconoscimento biometrico del volto rispetto ai quattro dipinti sopra citati. L'obiettivo era dimostrare che il quadro non raffigurava Mozart.

In sintesi, il detective delle immagini conclude: "La probabilità di una corrispondenza è compresa tra l'82 e < 85%, a seconda della domanda. C'è un'elevata corrispondenza nei tratti invarianti del viso: Posizione degli occhi, colore degli occhi, forma delle sopracciglia, forma delle labbra e del mento, nonché nella tipologia specifica dell'abbigliamento e dell'acconciatura della fine del 1760. La deviazione lineare media della distanza tra gli occhi e il ritratto a olio di Grassi è solo il 3,7% della distanza bipupillare ed è quindi inferiore alla soglia tipica del 5%, considerata una "somiglianza identica" nell'antropologia forense delle immagini. Le discrepanze minori (ad esempio la lunghezza nasale sottosviluppata del bambino o le guance più rotonde) possono essere spiegate dai processi di crescita ontogenetici e non contraddicono l'identità. Il naso cresce postpuberale di circa 1,3 mm/anno (dati antropometrici longitudinali). Un bambino ritratto all'età di 7,8 anni ha quindi un ponte nasale significativamente più corto di un adulto di 26 anni".

Non è stato quindi possibile sostenere l'ipotesi che il ritratto non raffiguri Mozart (criterio di falsificazione di Popper).

Conclusione

L'iconografia (descrizione dell'immagine) delle rappresentazioni visive degli artisti del suono è un campo straordinariamente vasto: vi si sovrappongono studi di musicologia e arte, psicologia, sociologia, medicina, neurobiologia, stilistica e costume.

Può sorprendere che tutte le discipline citate siano state coinvolte nella ricerca sul dipinto berlinese di Edlinger ("Uomo con la gonna verde", Mozart) e sul ritratto giovanile appena scoperto, ma la musicologia era purtroppo assente! Tuttavia, si può ipotizzare che la collaborazione di tutti gli specialisti possa apportare il massimo beneficio comune. Ad esempio, il riconoscimento biometrico del volto potrebbe essere utilizzato come punto di partenza o come prova conclusiva per questioni controverse di identità. Nel caso di Mozart, ad esempio, si tratterebbe di stabilire se Mozart è davvero raffigurato nel famosissimo quadro di Verona o nelle strane sembianze di Josef Hickel:

Anche queste domande dovrebbero poter trovare una risposta oggettiva e definitiva in stretta collaborazione con tutte le discipline coinvolte e con l'ausilio di indagini biometriche approfondite.

Osservazioni

1 Sulla situazione di vita di Mozart alla fine di ottobre del 1790, si veda Ueli Ganz in  https://mozartweg.ch/wp-content/uploads/2023/10/Wie-Mozart-nicht-aussah.pdf

2 Al rapporto Michaelis/Braun sulla procedura e le conclusioni http://www.neuroscience-of-music.se/ormen/Edlinger%20Mozart.htm

3 https://dieterdavidscholz.de/ausstellungen/j-g-edlingers-letztes-mozart-bildnis.html

4 Michaelis Rainer, Il ritratto di Mozart nella Pinacoteca di BerlinoPreussischer Kulturbesitz, Berlino 2006, ISBN-13: 9783886095292

5 L'autore di questo articolo (UG) conosce il nome completo del detective della fotografia.

6 Disponibile su: https://bilddetek.hypotheses.org/2096

7 Eva Gesine Baur: Mozart, Genio ed eros - Una biografia C.H.Beck, 2014; (alla legenda del frontespizio prima di pagina 86 VI/1771)

Indice dei contenuti

Focus

Le statistiche non porteranno mai a qualcosa come la composizione
Intervista al compositore, scienziato della musica e dei media Michael Harenberg e a un'intelligenza artificiale

L'intelligenza artificiale come partner creativo
Con i loro progetti artistici, Holly Herndon e Mat Dryhurst cercano un modo per mantenere il controllo sul proprio lavoro creativo.

I tempi sono maturi per l'artista AI
Gli enormi progressi della tecnologia richiedono una nuova immagine di sé da parte di chi fa musica.

L'intelligenza artificiale riconosce i tratti del viso di Mozart

(corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

Critiche

Nuove pubblicazioni Libri, Vettore sonoro, Siti web, Note, Film

Eco 

Poiché nell'edizione stampata non c'è spazio sufficiente per tutti i testi, essi sono elencati qui e collegati ai corrispondenti articoli online. La maggior parte di essi è stata pubblicata prima dell'edizione stampata.

Il senso del suono, la consapevolezza storica e il commiato
Francesco Piemontesi

Sul denaro e sul mondo
I podcast di Enea Humm e il Fondazione Árvore

Un legame indissolubile con la Svizzera
Nicolas Dorin e Pierre-Michel Menger parlano di Pierre Boulez.

Prima stagione con Esther Hoppe
Il violinista ha assunto da poche settimane la direzione artistica della Camerata Zürich.

Campane su strumenti e bocche
Thilo Hirsch e l'Ensemble Arcimboldo hanno collaborato al progetto. ruvido 2025-1898 insieme a una classe scolastica.

Una creatura mitica esplora gli strumenti della musica popolare
Il Musikkollegium di Winterthur ha presentato Barboza e l'albero degli anelli di Howard Griffiths.

Nel labirinto dei labirinti
Giornate musicali di Donaueschingen 2025

 

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

Swissmedmusica (SMM) / Associazione Svizzera di Medicina della Musica (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

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Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

AI barocca
Puzzle di Michael Kube

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Nella piccola sala della Tonhalle di Zurigo, i quindici strumentisti ad arco (ad eccezione dei violoncellisti) suonano con sicurezza in piedi, mentre il direttore artistico coordina gli eventi musicali dal primo podio. Esther Hoppe fornisce una breve spiegazione prima di ciascuna delle quattro opere eseguite. Mentre l'omogeneità del suono degli archi della Camerata Zürich può essere ammirata nelle danze introduttive di Schubert e nell'Intermezzo op. 8 di Franz Schreker, l'opera di Hindemith è un'altra. Quattro temperamenti e il Concerto per pianoforte e orchestra in sol maggiore di Haydn Ronald Brautigam è un pianista versatile. Tuttavia, l'esecuzione di Hoppe potrebbe essere un po' più libera e la posizione del pianoforte a coda, da cui si vede solo la schiena del pianista, non è molto favorevole al pubblico.

La selezione di opere per questo secondo concerto in abbonamento è tipica del programma della Camerata: musica contemporanea (in senso lato) mista a musica classica, rarità combinate con pezzi di repertorio. Se si guarda all'intera stagione, ci si rende conto che anche i compositori svizzeri svolgono un ruolo importante. Il concerto di debutto di Esther Hoppe, a settembre, è stato accompagnato dal brano di Othmar Schoeck Notte d'estate aperto. Da quando l'ensemble è stato fondato nel 1957 da Räto Tschupp, la musica contemporanea e quella svizzera sono state tra le costanti del programma. In termini di repertorio, la Hoppe si basa quindi sulla tradizione della Camerata. Quando si tratta di musica contemporanea, si preoccupa in modo particolare di garantire che sia ben integrata nel resto del programma. Nel quinto concerto in abbonamento, ad esempio, è stato eseguito il brano di Alfred Zimmerlin Le maree del tempo La "Sinfonia svizzera" di Mendelssohn.

Più vicino al pubblico

La moderazione dei concerti da parte di Hoppe stesso e di membri selezionati dell'ensemble è una novità notevole: l'orchestra vuole uscire dall'anonimato e avere un volto. Nella stessa direzione va la nuova serie di podcast sul sito web, che mira a stabilire un rapporto tra l'ensemble e il pubblico. La nomina di un artista in residenza non è del tutto nuova: questa stagione è Ronald Brautigam, uno dei pochi pianisti che suona sia il pianoforte a coda moderno che il fortepiano. Hoppe forma anche un trio pianistico con Brautigam e suo marito Christian Poltéra. Ci sono anche nuovi sviluppi nell'ambito dell'educazione musicale: Dopo i concerti in abbonamento del sabato, la domenica mattina si terranno concerti per bambini dai quattro ai dieci anni, durante i quali Evamaria Felder introdurrà giocosamente i bambini a una delle opere eseguite. Il progetto "Camerata@School - Vivaldi Recomposed" è attivo per tutta la stagione e prevede che una classe scolastica della città di Zurigo esegua una delle opere di Vivaldi. Quattro stagioni sviluppa ed esegue un programma di concerti.

Fare musica sotto la propria responsabilità

Esther Hoppe è nata a Zugo, ma non è (ancora) così conosciuta in questo Paese perché gran parte della sua carriera si è svolta finora all'estero. Dopo una prima fase in Svizzera, anche con il Tecchler Trio, da lei fondato, nel 2009 è diventata prima concertatrice dell'Orchestra da Camera di Monaco. Dal 2013 è titolare di una cattedra di violino presso l'Università Mozarteum di Salisburgo. Si esibisce anche a livello internazionale come solista. Ciò che piace alla Hoppe del suo nuovo ruolo con la Camerata è la possibilità di creare programmi adatti all'orchestra. L'ensemble è anche di dimensioni gestibili.

Anche sotto i predecessori di Hoppe, Thomas Demenga e Igor Karsko, la Camerata ha praticato il modello della direzione artistica non direttoriale: "Senza un direttore, ognuno nell'orchestra deve sapere esattamente qual è il suo ruolo. È un fare musica orientato alla musica da camera". Hoppe ammette che questo modello richiede un po' più di lavoro di prova perché promuove la responsabilità personale dei membri.

Risorse limitate

E che dire della competizione con l'Orchestra da Camera di Zurigo, che svolge un ruolo dominante a Zurigo e ha come direttore un violinista di fama internazionale come Daniel Hope? Esther Hoppe ha una visione rilassata: "Non vedo le due orchestre come concorrenti. La Camerata Zürich ha un profilo artistico molto chiaro e si allontana deliberatamente dal mainstream classico. Nelle loro differenze, i due ensemble si completano a vicenda e arricchiscono la vita musicale della città". Dal punto di vista finanziario, tuttavia, la posta in gioco non è la stessa. Il bilancio annuale della Camerata si aggira intorno alle sei cifre. Tuttavia, negli ultimi anni l'autofinanziamento è salito al 40%. Le sovvenzioni della Città di Zurigo ammontano attualmente a 380.000 franchi. È notevole che, con queste risorse limitate, la Camerata riesca a mantenere un profilo artistico molto ambizioso.

Tre bambini gridano "Ciao" e salutano il pubblico. Sono in piedi al centro di una macchina musicale nel Museo Tinguely di Basilea. Le loro voci brillanti spiccano tra i suoni scuri, strascicati e metallici con cui l'ensemble di dieci elementi Arcimboldo esegue la composizione di Mauricio Kagel 1898 per voci e strumenti di bambini. Con trombe, tromboni e tube, sono inclusi tre strumenti a fiato. Anche gli strumenti a corda hanno un imbuto metallico al posto del corpo di risonanza. Si tratta dei cosiddetti strumenti di paglia, utilizzati per le registrazioni orchestrali all'inizio del XX secolo.

Maurizio Kagel aveva 1898 per il 75° anniversario della Deutsche Grammophon nel 1973. Voleva che a quest'opera partecipasse una "classe scolastica non addestrata vocalmente". I bambini dovevano portare un elemento spontaneo, persino un po' anarchico, nel mondo degli adulti. Per i concerti di Basilea, la scelta cadde sulla classe 5a della scuola elementare Niederholz di Riehen, che ora si trova sulla rampa del palcoscenico a grandezza naturale e reagisce alla musica con risate, mugolii e talvolta sibili. Un alunno attacca un disegno impertinente sulla schiena del direttore d'orchestra Thilo Hirsch.

Strumenti in paglia

Il direttore musicale dell'ensemble basilese Arcimboldo ha avuto l'idea di questo insolito progetto intitolato estremità grezza 2025-1898sponsorizzato dalla Fondazione Ernst von Siemens. Hirsch è stato a lungo affascinato dagli strumenti Stroh, che prendono il nome dal loro inventore Johannes Matthias Augustus Stroh. In varie aste online è riuscito ad acquistare diversi strumenti a campana, tutti in uso, tra cui un violino, un violoncello, uno stroviol, un fono fiddle e un fonoukulele. Gli strumenti che Kagel ha utilizzato per la prima di 1898 Gli strumenti costruiti sono ora di proprietà della Fondazione Paul Sacher, ma non sono più suonabili.

Poiché i bambini possono suonare solo brevi brani, Hirsch ha commissionato un altro lavoro alla compositrice Abril Padilla. Insieme a Naja Parejas, ha anche guidato i laboratori che si sono svolti con gli allievi per un periodo di due mesi e mezzo. Comprese le prove finali per i tre concerti del 25 e 26 ottobre al Museo Tinguely di Basilea, il lavoro ha richiesto circa 40 ore.

Artigianato e ascolto

Padilla ha già lavorato a progetti precedenti, come il progetto Scatola di risonanza ha lavorato insieme a Hirsch. "All'inizio il nostro laboratorio era incentrato sull'ascolto concentrato. La musica di Kagel era inizialmente piuttosto estranea ai bambini". Si sono esercitati sulle differenze tra risate sincere e artificiali, come Kagel le descrive nella partitura. I bambini hanno scoperto la loro voce attraverso il gioco. Per la loro nuova composizione IT‧MO sono stati realizzati degli imbuti sonori. "Questi amplificatori hanno aiutato gli individui a diventare più coraggiosi", dice Padilla. I diritti dei bambini affrontati nel suo lavoro sono stati scelti insieme.

La serata di concerti inizia IT‧MO direttamente dopo il film di Mauricio Kagel Vecchio/Nuovo per tromba sola. Alcuni bambini si mettono il campanello all'orecchio per ascoltare ancora meglio le figure sonore strappate di Jonathan Romana. Poi imitano i suoni della tromba, creando un dialogo tra il musicista e i bambini. I suoni diventano parole: "Acqua pulita", "Fuoco", "Basta razzismo". Parlando ritmicamente, cantano: "La protezione dell'ambiente è importante, la protezione dell'ambiente è buona". Maria Luisa Pizzighella dà alle parole un impatto ancora maggiore con la batteria. IT‧MO è più un testo progettato che una musica, ma anche un breve interludio vocale di un ragazzo fa parte dell'opera.

Ridere e frusciare

Il programma, vario e drammaturgicamente serrato, comprende anche la virtuosa interpretazione di Kagel dell'opera di Lanet Flores Suoni d'ombra per clarinetto basso solo, un tango per violino di paglia (Juan María Braceras) e pianoforte (Helena Bugallo) di Igor Stravinskij e altre due prime mondiali per fonofiedel (Thilo Hirsch) e grammofono: Charlotte Torres Suite Jungle Jazz e Abril Padillas 78 GIRI/MINUTO. Il concerto si conclude con un'improvvisazione di gruppo guidata dai bambini con i segni, a cui il pubblico partecipa insieme ai musicisti distribuiti nella sala. La brochure del programma viene piegata a campana. Poi iniziano risate e rumori, glissando verso l'alto e verso il basso - e tutto si mescola. Anche la grande macchina di Tinguely dietro il palco si mette in moto.

Quando si parla con i bambini dopo il concerto, essi sono pieni di informazioni. Pensano che sia fantastico essere saliti sul palco e aver visto gli strumenti da vicino. "Ci sono state lunghe attese durante le prove, ma alla fine ne è valsa la pena", dice una ragazza. "Dovevamo sempre ascoltare attentamente e memorizzare quando salire sul palco", dice un ragazzo. Anche costruire le campane e usarle sul palco è stato molto divertente. Anche i due insegnanti Manon Siebenhaar e Fabian Leuenberger sono soddisfatti del progetto: "Gli alunni hanno potuto contare gli uni sugli altri. Ha anche rafforzato la comunità della classe".

Le storie musicali di Howard Griffiths risvegliano lʼimmaginazione dei bambini e raccontano cose meravigliose. Questa volta si tratta della tradizione della musica popolare svizzera: il dulcimer a martelli, l'alphorn, lo Schwyzerörgeli e lo jodel. Ma gli strumenti non vengono semplicemente presentati. Barboza, la vivace creatura mitica delle Alpi, li scopre nel suo viaggio attraverso la Svizzera.

Quando i musicisti dell'orchestra di Winterthur salgono sul palco con il direttore, i bambini applaudono solo timidamente. Griffiths non è contento: "Probabilmente non vi rendete conto che questa è una grande orchestra e che io sono un famoso direttore d'orchestra. Quindi, per favore, fatemi un grande applauso! Ancora più forte! Voglio che si senta fino a Zurigo". I bambini applaudono vigorosamente ed ecco che d'ora in poi lo fanno sempre così.

 Da albero che canta a legno che suona

Barboza ama il freddo dell'inverno, ma dorme nella sua fresca grotta per tutta l'estate. Ma questa volta si sveglia, esce fuori e si scongela gradualmente al sole. Per prima cosa vuole visitare l'albero magico della foresta che può parlare e cantare. Ma, orrore, l'albero è stato abbattuto!

Insieme al ragazzo Ole, Barboza parte alla ricerca delle parti in legno utilizzate per costruire gli strumenti: Viaggiano in autopostale e in treno, assistono a un concerto di dulcimer (Nayan Stalder), incontrano una suonatrice di corno alpino (Lisa Stoll) e conoscono il virtuosismo di uno Schwyzerörgeli (Kristina Brunner). Tutti gli strumenti sono realizzati con un legno magico. E quando la suonatrice di jodel (Franziska Wigger) Det äne am Bärgli i bambini si uniscono.

Le vivaci illustrazioni che Andrea Peter ha disegnato per l'omonimo libro sono visibili in grande sullo schermo. I bambini amano Barboza con i suoi capelli bianchi arruffati e fanno il tifo per lui. La storia è raccontata in modo avvincente da Fernando Tiberine, con le musiche di Fabian Künzli.

 Vicinanza alla storia e ampiezza stilistica

Che cosa attrae Künzli nel comporre per le giovani orecchie? "I bambini hanno una mentalità aperta, sono aperti alle novità e sono molto onesti", dice. "Quando si annoiano, fanno semplicemente rumore". Per Barboza Ha saputo utilizzare un'ampia tavolozza stilistica: musica folk moderna, paesaggi sonori impressionistici, contemporanea, teatrale e anche rock e pop.

Fabian Künzli mette in musica la storia vicino al testo. La musica è armoniosamente intrecciata al flusso narrativo, le parti formali sono autonome e di facile comprensione. Il Musikkollegium suona con una dedizione toccante, ma il volume è problematico. Da un lato, si sente a malapena il dulcimer solista e, quando Tiberini deve parlare nella musica, è difficile da capire.

 Gli strumenti di musica popolare sono in voga

Griffiths ha realizzato la storia di Barbosa a Salisburgo all'inizio dell'anno. Vi hanno partecipato più di 2000 ragazze e ragazzi di 20 scuole primarie. Le esibizioni si sono svolte nell'ambito della "Settimana dei concerti scolastici" organizzata dall'Orchestra del Mozarteum per la seconda volta. "Vogliamo dare ai bambini un accesso a bassa soglia alla musica classica durante questa settimana di concerti", si legge. "L'offerta è gratuita, la folla è molto numerosa e gli spettacoli sono al completo".

La registrazione di questa produzione salisburghese è disponibile in formato audio. Questo rende la lettura della storia un'esperienza acustica per tutti coloro che non possono conoscere Barboza in uno spettacolo. Il libro contiene anche una sezione informativa in appendice, che presenta gli strumenti alpini in modo adatto ai bambini. Griffiths coglie così la tendenza di molti giovani a voler imparare a suonare il dulcimer a martelli, ecc. Barboza e l'albero degli anelli offre un approccio contemporaneo e divertente alla musica folk.

 

Howard Griffiths: Barboza e l'albero degli anelli. Un viaggio musicale attraverso la Svizzera, musica di Fabian Künzli, illustrazioni di Andrea Peter, Edizione Hug 11817, Hug Musikverlage, Zurigo 2024, ISBN 978-3-03807-145-7

 

Audio su Youtube:

 

Fortunat Frölich, direttore artistico di "choR inteR kultuR", realizza progetti corali interculturali dal 2012. Nel 2026 ce ne saranno due: "I nostri vicini" a Matera in autunno e "Wind of Change" in Svizzera in agosto. Entrambi saranno presentati e cantati al Teatro Stok di Zurigo il 17 novembre.

Vento di cambiamento

In questo progetto corale israelo-palestinese, il coro svizzero canta insieme al Jerusalem Knights Choir di Gerusalemme Est e all'ensemble israeliano Sonora. Il direttore ospite Maayan Baram dirigerà il programma palestinese-israeliano-svizzero. Secondo l'annuncio del programma, il progetto si svolgerà esclusivamente in Svizzera. Dopo un ritiro di 5 giorni con prove comuni, "i tre cori intraprenderanno un breve tour di concerti in Svizzera".

Informazioni e iscrizioni: https://www.chorinterkultur.com/

Il compositore di Brema Younghi Pagh-Paan è stato insignito della Croce al Merito della Repubblica Federale di Germania dal sindaco Andreas Bovenschulte il 29 ottobre. Alla cerimonia nel municipio di Brema era presente anche l'ambasciatore sudcoreano.

Il Senato di Brema scrive a proposito del premio: "I meriti della professoressa Pagh-Paan non risiedono solo nella sua levatura artistica e nei suoi contributi innovativi allo sviluppo della nuova musica, ma anche nel suo impegno per il dialogo interculturale e la promozione dei giovani artisti. Inoltre, sostiene una prospettiva femminile sulla storia e sulla società ed è una personalità formativa nello scambio culturale coreano-tedesco".

Il compositore, che soffre del morbo di Parkinson e compirà ottant'anni il 30 novembre, ha ringraziato Bovenschulte per il prestigioso riconoscimento "con parole che vengono dal cuore".

Al primo concerto del Festival di Lucerna, nell'estate del 2025, mi sono esibito per la prima volta con la nuova Y-Pipa, insieme al sassofonista e compositore Daniel Schnyder e a un ensemble misto al KKL. Dal 2024 avevo già utilizzato questo strumento, sviluppato con il restauratore svizzero di chitarre Matthias Pulfer, in numerose formazioni di musica classica da camera, con grande successo.

Il modulo elettronico utilizzato nella pipa tradizionale cinese conserva il carattere sonoro originale dello strumento e allo stesso tempo apre nuove dimensioni del movimento ondulatorio del suono nello spazio attraverso la trasformazione elettrica. La struttura tonale dello strumento acustico solista viene mantenuta, mentre la plasticità del suono viene potenziata.

Gli esecutori possono adattare il suono alla rispettiva situazione acustica in qualsiasi momento dell'esibizione dal vivo, sia in sala da concerto che in teatro o all'aperto. Anche la collaborazione con ensemble di stili diversi è facile. Allo stesso tempo, l'Y-Pipa può dispiegare i colori sonori di diverse epoche storiche. Lo strumento può anche neutralizzare i suoni della pipa, in modo che non solo suoni bene da sola, ma anche come supporto per altri strumenti.

Onde - la rete invisibile di trasmissione del suono

In termini fisici, il suono non è altro che una vibrazione dell'aria. Non appena una corda viene pizzicata, la sua energia si trasforma in continue onde di pressione dell'aria attraverso il corpo di risonanza in legno. Le chiamiamo onde sonore, un fenomeno fisico ed emotivo allo stesso tempo: invisibili, intoccabili eppure riempiono istantaneamente la stanza, penetrando nell'orecchio e persino nel cuore.

Le onde sonore hanno un periodo, una frequenza e un'ampiezza. La frequenza determina l'altezza, l'ampiezza il volume e la forma d'onda il timbro.

Le corde della pipa producono una complessa rete di sovratoni nella fugacità di un colpo di dita. Ogni onda si propaga dal punto di attacco in tutte le direzioni. Nella Y-pipa, quest'onda viene trasmessa attraverso il modulo elettrico, le frequenze possono essere regolate e i timbri possono essere progettati in modo specifico.

Ma non appena il suono si diffonde nella stanza, non è più solo. Colpisce le pareti, le cupole, le finestre e i corpi degli ascoltatori, viene riflesso e rifratto. L'architettura della sala diventa un "secondo strumento". L'elettronica dell'Y-Pipa può amplificare le delicate forme d'onda e trasformarle in vibrazioni più potenti, in modo che il "secondo strumento" risuoni più intensamente.

 Colori dei toni - le qualità dei singoli toni

L'ambiente di vita e di ascolto di oggi è completamente diverso da quello in cui sono nati gli strumenti tradizionali. Ma la tecnologia moderna ci permette di trovare nuove forme di espressione e allo stesso tempo di rivivere vecchi mondi sonori.

La Y-pipa svizzero-cinese è in grado di enfatizzare in modo particolarmente chiaro gli strati delle singole note nelle composizioni antiche di pipa. Io stesso ho studiato l'arte della formazione del colore dei toni con il famoso virtuoso cinese Wang Fandi (1933-2017): come l'angolo del dito destro all'attacco della corda o la tecnica di vibrato della mano sinistra possono dare forma alle sfumature più sottili. Con l'ampliamento delle possibilità elettroacustiche oggi disponibili, la qualità di un singolo tono può essere sviluppata in modo ancora più intenso: Le differenziazioni diventano più chiare, la profondità culturale-filosofica più precisamente udibile.

La musica: un'arte che si perfeziona con l'ascolto

Nella pratica musicale, il formato della performance, la struttura del palcoscenico e le dimensioni della sala da concerto sono le condizioni quadro esterne. Una sala da concerto è progettata per essere il più neutrale possibile, con l'accento sull'acustica ottimale. I musicisti portano l'arte della musica al pubblico. Tra le mura di sale grandi e piccole o al di là delle mura, nella natura, dove l'ambiente, le piante e il vento "giocano insieme", gli artisti e il pubblico vivono intense esperienze sensoriali e spirituali.

L'Y-Pipa è il frutto di decenni di pratica e riflessione sul palcoscenico. Mi rende più libero e felice sia nelle performance che nelle prove. Che sia al KKL di Lucerna con una grande orchestra o in un piccolo teatro di Zurigo in dialogo con un pianoforte, la Y-Pipa mantiene sempre l'equilibrio tonale. Non solo amplia le possibilità espressive della pipa, ma apre anche nuove idee e metodi di lavoro per compositori e organizzatori di concerti. In questo modo la Y-pipa non è solo un attrezzo per suonare, uno strumento, ma anche un mezzo di spazio e di tempo. Permette alle vibrazioni della musica di continuare a fluire tra il presente e il futuro, ricco di strati, colori ed emozioni.

 

Concerti da Dal 29 ottobre al 2 novembre 2025 nel Quadro di riferimento del "Giornate di musica tra i mondi - lasciarsi andare" al teatro Stok di Zurigo.

 

Wolfgang Böhler ha intervistato Yang Jing per la rivista musicale svizzera Schweizer Musikzeitung nel 2019. Scaricare PDF

 

Sei vocalisti e un violista ci raccontano qualcosa, in modo suggestivo e puramente musicale. Senza parole comprensibili, questa musica potrebbe apparentemente attraversare il tempo all'infinito, ma a volte parla, di amore, fedeltà e simili. Non è una novità, ma forma una ricca rete di relazioni nella mente. "Gli ascoltatori hanno la libertà di farsi strada da soli in questo labirinto". Così il compositore Georges Aperghis, il cui Raccontare storie con l'ensemble vocale britannico Exaudi e Tabea Zimmermann ha costituito il momento culminante del Festival musicale di Donaueschingen di quest'anno. Il labirinto è meravigliosamente chiaro, ma non sappiamo dove la musica, questo filo d'Arianna, ci condurrà.

Ruotando all'interno di se stesso

Il labirinto può essere visto, non per la prima volta, come un'espressione della nostra epoca, in cui molte cose sono diventate confuse. Anche se ora siamo tutti collegati in rete, viaggiamo su fili diversi di questa rete. "Tutto è già stato fatto, ma non da tutti!", ha detto la critica musicale Eleonore Büning nel suo discorso per celebrare l'occasione, dato che la Südwestrundfunk SWR ha svolto un ruolo di primo piano nel festival per 75 anni. La turnista anglo-iraniana Mariam Rezaei ha mixato registrazioni di concerti di tutti questi decenni, ispirandosi per l'organizzazione agli antichi gongshi cinesi, le bizzarre pietre degli studiosi. Anche questi labirinti selvaggi di citazioni richiedono un'organizzazione complessa.

Un labirinto non è caotico, ma al contrario: molto elaborato e ben strutturato, anche se in modo inaspettato. Il labirinto originale del re cretese Minosse richiese il più grande costruttore dell'epoca: Dedalo. Questo aspetto può essere rintracciato in diversi brani. Nella sua opera orchestrale La continuità più profonda è paradossalmente quella che ricomincia o si rinnova continuamente. la tedesca Laure M. Hiendl ha suonato incessantemente alcune battute della Settima di Ralph Vaughan Williams, variando continuamente il ritmo e l'orchestrazione. Fin qui era tutto chiaro e facile da seguire, ma con il passare del tempo i sensi uditivi hanno cominciato a distorcersi. Mirela Ivičević ha mescolato Sirena del filo rosso Canzoni d'amore dell'ex Jugoslavia in un collage nostalgicamente alienante.

Nel brano orchestrale di Philippe Leroux Parigi, Banlieue l'orchestra sta per la metropoli di Parigi e l'elettronica per le periferie che si attraversano ogni giorno. Il labirinto diventa tangibile in modo sensuale. Il francese, che vive a Montreal, ha ricevuto il premio SWR Symphony Orchestra per il suo lavoro.

 Guidati dal filo conduttore

Ma ricorderemo anche l'esperienza spaziale del terzo tipo che Hanna Eimermacher ha creato nel suo pezzo semi-teatrale Aura in scena. E così via: altri pezzi hanno viaggiato attraverso questi mondi apparentemente labirintici, con temi che dividono e collegano il mondo che vengono affrontati ancora e ancora - e collegati come da Arianna.

Anche il cavo sarebbe un mezzo di collegamento in rete, un mezzo un po' datato ma ancora visibile. Nella sua installazione sonora Spiegazione labirintica della conoscenza L'artista norvegese Ewa Jacobsson ha collegato un insieme di curiosità, da simpatici oggetti di uso quotidiano a macabra plastilina, creando una connessione surreale tra l'impossibile che sembrava insolita ma anche un po' arbitraria. Per la sua installazione, il francese Félix Blume ha preso Ao Pé Do Ouvido A Rio, ha registrato conversazioni in cui cinquanta persone gli hanno raccontato i sogni della loro vita - una polifonia personale e complessivamente ruggente di piccole fughe e visioni, che ha presentato come una struttura cablata. L'orecchio doveva avvicinarsi molto ai diffusori per capire qualcosa. Anche in questo caso, si è fatto strada da solo.

Dalla bobina alla rete

A Donaueschingen mancavano le provocazioni con cui alcuni neo-concettualisti e compositori discorsivi avevano portato una ventata di aria fresca dieci anni fa. Questo a volte ti avrebbe tirato fuori dal labirintico giro. Invece, la maggior parte della musica era composta in modo molto solido. Abile, ma poco nuova, come qualcuno ha criticato.

Va notato, tuttavia, che da qualche tempo il festival è frequentato da una vivace generazione di giovani. La maggior parte dei concerti ha registrato il tutto esaurito. Infine, da qualche tempo esiste anche il lungimirante progetto di accompagnamento "Next Generation", organizzato dalle università di Basilea, Berna e Trossingen, al quale possono partecipare studenti di tutto il mondo. Vengono introdotti al festival e alla nuova musica. Quest'anno, in un laboratorio del suono, alcuni di loro hanno lavorato sotto la guida di Berna su un Prestazioni di composizione di mezz'ora, non come una collezione di pezzi individuali, ma come una collaborazione. È stato un lavoro di apprendisti, certo, ma è stato meraviglioso osservare come nella stanza si sia creata una rete di attenzione all'ascolto reciproco.

Giornate musicali di Donaueschingen, 16-19 ottobre 2025