Il festival di musica pop di due giorni organizzato dal Percento culturale Migros il 28 e 29 marzo ha attirato circa 1600 professionisti del settore oltre a 6000 visitatori. Più di 40 artisti si sono esibiti sui cinque palchi intorno allo Schiffbau di Zurigo. "La scena musicale svizzera ha dimostrato di essere vivace, variegata e innovativa", ha riassunto il direttore e cofondatore del festival Philipp Schnyder. Inoltre, l'evento, che si propone principalmente come piattaforma per artisti emergenti nazionali e internazionali, è riuscito ancora una volta a dare un importante contributo alla messa in rete della scena musicale.

Le buone canzoni trovano il loro pubblico

Il secondo giorno del festival non è stato benedetto dal bel tempo, motivo per cui la folla di visitatori è stata difficilmente costretta a uscire. Di conseguenza, il pubblico tendeva a riunirsi nello Schiffsbau. L'affollato panel "Dove dobbiamo andare, noi musicisti?" si è concentrato in particolare sulla questione della misura in cui gli artisti indipendenti possono ancora finanziarsi.

La presentatrice zurighese Meng Tian è stata attiva come cantautrice fino al 2017. Da allora ha cambiato aria e ora è consulente di marchi e aziende. Alla domanda su quale sia il ruolo della promozione musicale ancora oggi, Sebastian Król, fondatore dell'agenzia musicale di Amburgo, ha risposto Sedile posterioreche questo aspetto è ancora rilevante per i creatori di musica. "Ma la promozione della musica sta diventando sempre meno importante", ha continuato. Questo ha fatto capire all'imprenditore che avere un canale diretto con i propri fan è più importante che mai per i creatori di musica. Questo può richiedere molto tempo, ha sottolineato la cantautrice Hilke Ros. "Ora faccio uno sforzo enorme per visualizzare la mia musica - e gratuitamente". Può permetterselo solo perché lavora come sviluppatrice di software.

L'esperto digitale Marcel Hunziker, che vive a Londra da diversi anni, ha una visione più rilassata della situazione: "Sono e resto ottimista. Di conseguenza, credo che le buone canzoni troveranno sempre il loro pubblico". Allo stesso tempo, è convinto che i musicisti debbano prendersi cura della loro base di fan nella stessa misura del loro business plan. "Non spingiamo mai i nostri artisti a creare contenuti per i loro follower".

Buchi nelle casse

Il panel "Club in crisi - nuovi percorsi o vecchi schemi?" ha riscosso un interesse ancora maggiore. Alexandra Götz, da quasi sette anni direttrice del club di Winterthur, ha presentato il tema "I club in crisi: nuovi percorsi o vecchi schemi". Campo di forza ha fatto riferimento a un'indagine condotta a Zurigo all'inizio della discussione. Da esso emerge che il fatturato di un locale nel cantone prima della pandemia era di 45 franchi per ospite. "Oggi si parla di 15 franchi in meno in media". Ciò è dovuto principalmente al fatto che il pubblico più anziano non ha più frequentato i locali dopo il coronavirus, mentre quello più giovane non ha mai seguito l'esempio. Di conseguenza, le finanze di Kraftfeld si sono rapidamente deteriorate. Una tendenza al ribasso che non ha avuto conseguenze fatali per il club solo grazie al successo di una campagna di crowdfunding.

Le prospettive sono fosche anche per il Ven-Dom di Friburgo, ha dichiarato il suo segretario generale Léa Romanens. La svizzera di lingua francese ha attribuito il malessere del rinomato locale per concerti anche al fatto che le serate in cui suona un DJ non sono più redditizie, il che ha portato a un buco in cassa. Inoltre, i millennial - a differenza delle generazioni precedenti - difficilmente sono disposti a lavorare gratis nei club. Questo ha portato Romanens a capire che Fri-Son doveva reinventarsi.

Diversificato o sovvenzionato

Un approccio completamente diverso è stato adottato dal Bierhübeli a Berna. Il locale per concerti ed eventi, che Dave Naef co-gestisce da nove anni, si è concentrato consapevolmente sugli eventi aziendali fin dall'inizio e l'anno scorso ha rilevato un'agenzia di prenotazioni. Dal luglio 2025, anche All Blues Konzert AG entrerà a far parte della famiglia Bierhübeli. "Questo ci renderà meno dipendenti da organizzatori di concerti internazionali come Live Nation", ha dichiarato soddisfatto Naef.

A differenza del Bierhübeli, che non ha mai ricevuto sovvenzioni, sia il Kraftfeld che il Fri-Son dipendono in parte dai finanziamenti pubblici. E in città come Winterthur e Friburgo, entrambe afflitte da deficit, non è facile trovare fondi aggiuntivi. La situazione è diversa nel Cantone di Basilea Città, che beneficia in particolare della sua fiorente industria farmaceutica. Per questo motivo il Cantone può permettersi di nominare Sandro Bernasconi commissario per la cultura dei club e di stanziare fondi specifici per questo scopo, grazie a un referendum vinto nel 2024. La rappresentante di Fri-Son ha riconosciuto che la "sua" situazione non può essere paragonata a quella di Basilea. "Nemmeno io ho una soluzione. Forse tutti i club del Paese dovrebbero riunirsi e indire uno sciopero per attirare l'attenzione sull'esistenza in pericolo di pub come il Fri-Son".

I Concerti di selezione del 10° Ars Electronica Forum Valais sono curati ed eseguiti da Simone Conforti (IRCAM Paris). Si svolgeranno il 28 e 29 maggio 2025 nell'ambito del festival Forum Wallis al MEbU di Goms. La giuria era composta da Kotoka Suzuki (JPN), Jaime Oliver La Rosa (PER), Reuben de Lautour (NZL) e Javier Hagen (direttore del festival Forum Wallis).

Risultati

Selezione di concerti (26 opere)
Alvarez Tobias, Paralelismos (MEX)
Bangun Setyawan Candra, Idrak (IDN)
Behrens Marc, L'écrit fantome (GER)
Bordin Matteo, Simboli (ITA)
Borrel Stéphane, Le favorite (FRA)
Cappelletti Nicola, Parallaxe.Parataxe (ITA)
Castro Pinto Joao, Circumsphere: rimbalzare e rimbalzare (PRT)
Cheung Chris, luce di fusione (HKG)
Curgenven Robert, Across Country (AUS)
Dall'Ara-Majek Ana, Mare Buchlae (FRA)
Delgado Gustavo, Strin[G]i(n)[Mi] (ARG)
Duchenne Jean-Marc, L'énigme des objets (FRA)
Fumo Frattegiani Nicola, Hybris (ITA)
Karkatselas Theodoros, Lacuum (GRC)
Koszolko Martin, Tympan (AUS)
Kubaczek Benjamin-Alan, Impromptu 8 (AUT)
Kuehn Mikel, Dancing In The Ether (USA)
Nguyen David Quang-Minh, Texture Arc The Points (USA)
Oliveira Joao Pedro, Legumi (BRA)
Orlandini Valerio, Jeu de Bruits (ITA)
Perez Simon, Las cifras y las palabras (ARG)
Sambucco Dominic, Lavello (ITA)
Sintaratana Tanid, Frammenti (THA)
Sismann Valentin, Morphaime (FRA)
Talebi Shahrzad, WatchTheOnlyWayHomeDisappear (IRN)
van der Loo Ernst, Popolazione vuota (NLD)

Menzione speciale (14 opere)
Argento Cristian, Diviso in Due (ITA)
Gintas K, Crunchy (LTU)
Guzman Roy, Guasábara (PRI)
Harper Nathan, Nutria No. 4 (USA)
Hernández Elliot, Leviathan (MEX)
Hernandez Omar, de tu piel supura... tristeza /dalla tua pelle trasuda... tristezza (MEX)
Huerta Concepción, somos de los lugares... (MEX)
Magnien Léo, dans la plaine incertaine (FRA)
Moyers Timothy, Sul bordo della coscienza (USA)
Polymeneas-Liontiris Thanos, Tettix 'A (GRC)
Quint Ursel, Es (GER)
Sintaratana Tanid, Phi Fa (THA)
Soria Edmar, PostAnthroposRecord1 (MEX)
Turcotte Roxanne, Alibi des voltigeurs (FRA)

Forum Vallese

Il Forum Vallese è un festival internazionale annuale di nuova musica in Vallese. Dal 2006, il Forum Valais ha coprodotto oltre 300 prime mondiali e presentato opere di oltre 500 compositori provenienti da tutto il mondo, tra cui l'Helicopter String Quartet di Stockhausen insieme al Quartetto Arditti, André Richard e Air Glaciers e il Cod.Acts Pendulum Choir. Tra gli ospiti abituali del festival figurano ensemble come recherche, Zafraan, UMS'nJIP, dissonArt, Steamboat Switzerland, Klangforum Wien, ensemble für neue musik zürich, Contrechamps e Ensemble Modern.

Addendum del 7 aprile 2025 - Intervista

Nella pubblicazione annuale Carol da arttourist.com (un marchio di Art Cities in Europe, "una nicchia tra il giornale, la rivista e il catalogo puramente organizzativo" secondo https://www.arttourist.com/about.html) presenta un ritratto di Forum Wallis (pagine 48 e 49). L'editore Kai Geiger ha realizzato la seguente intervista con Javier Hagen.

Kai Giger: Che cos'è l'Ars Electronica Forum Wallis?
Javier Hagen: Dal 2015 l'Ars Electronica Forum Wallis (AEFW) è un programma di musica acusmatica all'interno del Forum Wallis Festival for New Music. Il suo repertorio viene estratto ogni anno da un bando internazionale per opere acusmatiche e nel 2025 festeggerà la sua decima edizione.

Come siete arrivati a stabilirvi nelle Alpi vallesane?
La musica acusmatica (n.d.t.: musica esclusivamente per altoparlanti) raramente può essere sperimentata dal vivo in una qualità accattivante, poiché i requisiti tecnici sono complessi e gli strumenti costosi. Al MEbU di Goms, tuttavia, abbiamo un acusmonium a 16 canali installato in modo permanente e all'avanguardia. È stato progettato e allestito da Simone Conforti, che insegna all'IRCAM di Parigi e ha lavorato per la Biennale Musica di Venezia. Questo significa che possiamo offrire le migliori condizioni possibili per la musica acusmatica, e con questo programma abbiamo anche un punto di forza unico. (sorride) Di fronte allo splendore delle Alpi vallesane, la musica acusmatica è anche una dichiarazione che fa riflettere.

È singolare che non ci siano quote di iscrizione al bando AEFW per le opere acusmatiche, né una graduatoria, quali sono le ragioni?
Esistono numerosi concorsi i cui costi sono finanziati in misura considerevole dalle quote di iscrizione dei compositori e i cui premi in denaro sono simbolici in confronto. Siamo dell'idea che l'organizzatore non dovrebbe trasferire i fondi per una tale serie di concerti alla maggior parte dei compositori - che non sono stati selezionati - ma dovrebbe generarli autonomamente.

Sulla questione della classifica: il nostro obiettivo è dare visibilità al maggior numero possibile di opere. Ci sembra presuntuoso selezionare solo tre opere tra centinaia di lavori presentati in una classifica. Il nostro è un principio più che altro attivista. Mi spiego meglio con un paragone: 40 anni fa - prima di internet - esistevano, diciamo, una dozzina di bolle indipendenti in tutto il mondo in cui la nuova musica veniva suonata, accolta e anche premiata in concorsi. In ogni bolla, circa 20 compositori entravano regolarmente nei ranghi, il che, estrapolato alla scena globale, significa che più di 200 compositori facevano parte della classifica mondiale.

Nel nostro mondo globalizzato, queste bolle si sono fuse in un'unica grande bolla, ma il numero di compositori selezionati non è cresciuto di pari passo. Al contrario, è diminuito: sembra che nelle prime classifiche si trovino regolarmente non più di 50 compositori. Si tratta di 75% in meno, quindi il campo di gioco professionale si è ristretto. Anche se si tratta solo di una goccia nell'oceano: Eseguendo non solo una manciata, ma ben 26 brani, come abbiamo fatto quest'anno, e assegnando una Menzione speciale ad altri 14, un numero maggiore di opere rispetto alla media ottiene una vetrina e tutti i compositori ricevono un certificato. Ai compositori che suonano saranno pagati i diritti d'autore e l'alloggio, che in molti casi superano già il premio in denaro. Nel complesso, riteniamo che questa soluzione sia più efficace.

La giuria dell'AEFW è la stessa da anni con Kotoka Suzuki, Reuben de Lautour, Jaime Oliver La Rosa e lei, c'è qualcosa di speciale in questo?
Sì, è una decisione consapevole: Abbiamo una giuria costante che si impegna in un discorso estetico nel corso degli anni. Questo non sarebbe possibile se la giuria fosse composta in modo diverso ogni anno. Il dialogo tra i membri della giuria è estremamente aperto e insieme abbiamo una visione d'insieme degli sviluppi nel corso degli anni, il che è particolarmente prezioso. È anche speciale il fatto che copriamo tutti i continenti attraverso le provenienze individuali dei membri della giuria - con l'eccezione dell'Africa, almeno per il momento: Kotoka Suzuki rappresenta la regione asiatica, Jaime Oliver La Rosa le due Americhe, Reuben de Lautour le regioni turco-arabe e austro-pacifiche e io la vecchia Europa.

La musica acusmatica è dominata dagli uomini? I programmi lo suggeriscono.
Dal punto di vista numerico sembra essere così, ma dal punto di vista musicale non lo è: la nostra esperienza dimostra che i brani che abbiamo valutato internamente più alti nel corso degli anni sono spesso e volentieri di compositrici donne. Di norma - e purtroppo - non rappresentano più del 20% del collettivo dei partecipanti. Tuttavia, sono statisticamente molto avanti con i loro pezzi. Selezioniamo i brani che riteniamo valga la pena ascoltare e presentare. Nota bene: in diverse edizioni, le compositrici hanno presentato opere talmente valide che in alcuni anni abbiamo avuto selezioni con più di 50% di compositrici, e questo con una partecipazione di meno di 25% di compositrici! Chapeau!

AEFW, quo vadis?
Poiché l'IGNM-VS, il capitolo locale della Società Internazionale per la Nuova Musica, che organizza il Forum Valais, ha stretto una partnership con il MEbU, nei prossimi anni potremo avvalerci di uno strumento di qualità superiore alla media. Dal 2023 il MEbU organizza una propria serie di concerti di musica acusmatica a Goms con Ars Acusmatica e offre ulteriori opportunità di suonare musica acusmatica durante tutto l'anno. Questo ci permetterà di intensificare queste attività nei prossimi anni e di far eseguire un numero significativamente maggiore di opere.

Un caso strano: il signor Fravi soffre di una malattia insolita che il medico dichiara essere un burnout. In realtà, Fravi sta diventando gradualmente legnoso: si sta trasformando in un albero, per così dire, e quindi si sta ritirando sempre di più e sta scomparendo nella sua interiorità, nella sua testa, nel suo mondo di pensieri. La moglie e il figlio possono solo guardare impotenti, se non addirittura impassibili. Alla fine, l'opera si dissolve come il suo stesso protagonista.

Questa è la trama del nuovo musical teatrale, che verrà messo in scena il 29 marzo al Vecchio maneggio di Aarau è stato presentato in anteprima. È stata concepita dal poeta argoviese Andreas Neeser. Sei poesie in prosa tratte dalla sua raccolta di poesie Il tempo mi prende di notte e altre poesie in dialetto costituiscono la base del brano. Poiché è stato commissionato dal festival grigionese tuns contemporans, il romancio sursilvano è stato aggiunto come terza lingua. Seguiranno altre due esecuzioni a Coira, dove da tempo il festival dà il tono alla nuova musica ogni due anni. Hanno partecipato, seduti dietro un sipario di garza trasparente (scenografia: Peter Wendl), anche le Orchestra filarmonica da camera dei Grigioni e il Ensemble ö! sotto la direzione di Philippe Bach. Il compositore, anch'egli originario del quartiere di Aarau Kanti Alfred Zimmerlinche in questi giorni festeggia il suo settantesimo compleanno, ne ha scritto la musica.

Il sottotitolo parla di una "rappresentazione scenica audiovisiva", il che sembra suggerire un evento multimediale ad alto contenuto tecnologico, ma è proprio questo che non è. Al contrario: tutto ciò che è automatizzato sembra assente. Lo spettacolo è in un certo senso "all'antica" nel suo rifiuto dello spettacolo, racconta la sua storia con calma e senza deviazioni, senza fronzoli. Ivo Bärtsch l'ha messa in scena con cura. È raro vedere i diversi livelli muoversi nel tempo in modo così naturale, così indipendente eppure in relazione tra loro. Sono incarnati dai tre personaggi, che entrano in contatto tra loro solo in alcuni momenti, per così dire punti nodali.

In primo luogo, c'è la storia di Fravi, raccontata quasi senza azione dal tavolo da Jaap Achterberg. La moglie Seraina rimane seria e silenziosa, ma Maja Zimmerlin esprime tutta una serie di sentimenti tra affetto e preoccupazione, tensione e abbandono nella sua danza semplice e senza pretese, a volte geometricamente circolare. Il dodicenne Luca, invece, interpretato dal mezzosoprano Mirjam Fässler, inizialmente cerca il contatto con il padre in modo giocoso, si sente respinto, ma poi sviluppa compassione per lui. Matura e inizia a riflettere e a capire. Il suo malinconico duetto con il flicornista Christoph Luchsinger è uno dei momenti più toccanti di questa produzione già estremamente coinvolgente.

Suoni pittorici che vi piace seguire

Parlare, danzare e cantare avvengono accanto e insieme. Quello che potrebbe rimanere un mero concetto creativo, assume invece una delicata vitalità. Funziona, soprattutto perché anche l'"accompagnamento" orchestrale traccia autonomamente un'ampia linea attraverso i settanta minuti e crea un contesto a modo suo. È sorprendente come la musica di Zimmerlin sia cambiata ancora una volta, diventando ancora più flessibile, calda nel suono ed espressiva. Ci sono solo pochi momenti che richiedono accenti forti. Tutto è già stato detto. Zimmerlin ha inserito in questa linea anche alcune melodie di danza popolare grigionese. Esse risplendono delicatamente, fondendosi con l'ambiente circostante, ma anche colorandolo, lasciando risuonare qualcosa delle emozioni del palcoscenico. È una musica molto empatica che guida l'orecchio. E questa è stata spesso una delle caratteristiche decisive di questo compositore: ci si fida di questi suoni, della loro apertura e sincerità, del loro immaginario non ambizioso e si segue il loro percorso, anche se portano alla scomparsa.

Resoconto della prima del 29 marzo ad Aarau. Due ulteriori rappresentazioni il 3 e il 6 aprile al Teatro di Coira nell'ambito della rassegna Festival contemporanei.

Un tono come un acufene: alto, tranquillo, incessante. Nella terza battuta, la fisarmonica aggiunge una seconda nota in seconda notazione che, unita alla ripetizione nervosa delle note dei violini, rende il suono ancora più inquietante. Inoltre, ci sono figure basse e precipitose negli strumenti bassi. Sembra un gorgoglio, un sospiro languido. "Pioggia, legno, indiani... in questo buco di merda", impreca Andrew Moore nel ruolo di Paqui. Anche il coro - l'ensemble di dodici elementi Cantando Admont, ingaggiato appositamente per la produzione - rafforza la sensazione di mancanza di casa con le sue sillabe isolate e stratificate. La microtonalità che questa formazione realizza con precisione durante le quasi due ore della serata dispiega uno spazio sonoro strano e affascinante.

La nuova opera di Beat Furrer Il grande fuoco (libretto: Thomas Stangl), che è stato molto acclamato alla sua prima al Teatro dell'Opera di Zurigo, evita qualsiasi senso di familiarità fin dall'inizio. I personaggi non sono sostenuti musicalmente e non hanno il terreno sotto i piedi. Il linguaggio musicale di Furrer è delicato, polifonico e di corto respiro. Un balbettio come dopo uno shock, una lotta per le parole. Il compositore riesce a fare a meno dell'elettronica, anche se i suoi originali impasti sonori a volte lo fanno sembrare tale. Nella sua nona opera e nella sua prima opera corale, il compositore austriaco di origine svizzera ha ripreso il romanzo del 1979 Ghiaccio alla scrittrice argentina Sara Gallardo, che aveva conosciuto grazie a uno studente di composizione.

Storia raccontata per accenni

Il film è incentrato sul figlio dello sciamano indigeno Eisejuaz, combattuto tra la sua fede nella natura e la sua educazione cristiana. Lavora in una segheria ed è quindi in parte responsabile della distruzione della foresta, di cui sente cantare gli alberi e gli spiriti animali. Il fatto che si prenda cura del piccolo criminale razzista Paqui è dovuto alla sua influenza cristiana. Eisejuaz piange la moglie defunta Lucia e subisce le pressioni della sorella Mauricia, sua amante segreta, affinché torni al villaggio Indio. Nelle scene collegate, Eisejuaz discute con il missionario, incontra una prostituta, si lascia comandare da Paqui e alla fine viene tradito. Il suo percorso è in forte discesa: da salvatore diventa perseguitato. Solo una donna indiana (Muchacha), che guarisce, gli dà un tocco di conforto alla fine, prima di avvelenarlo accidentalmente insieme a Paqui.

Tuttavia, la storia tortuosa, che si svolge anche in flashback e monologhi interiori, non viene raccontata nell'opera, ma solo nel libretto di sala. La frequente alternanza tra spagnolo e tedesco, il trattamento sperimentale della lingua e la moltiplicazione di alcuni personaggi creano confusione. Senza i sopratitoli, che delineano anche la trama, ci si perderebbe. Anche la produzione di Tatjana Gürbaca (co-regia di Vivien Hohnholz) nello spazio scenico standardizzato di Henrik Ahr rende poco più concreto. I pali in piedi e appesi possono far pensare alla giungla ripulita, alla distruzione della vita. Un disco inclinato che continua a muoversi come superficie di gioco, un ciclista appeso al soffitto che non si muove al rallentatore: non ci sono abbastanza idee sceniche per visualizzare il complesso materiale e condensare la serata.

Carisma bruciante dei cantanti

Sono gli attori a creare momenti teatrali grazie alla loro presenza scenica e all'eccellenza musicale. Tutti i ruoli secondari e il ruolo principale di Mauricia (cantato da Elina Viluma-Helling con un soprano esile e zoppicante) sono interpretati da membri del Cantando Admont. Friederike Kühl e Patricia Auchterlonie fanno fluttuare i versi di Lucia, Helena Sorokina e Cornelia Sonnleithner danno alla vecchia Chahuanca colori scuri, Hugo Paulsson Stove dà un missionario severo e dal timbro brillante. Il soprano francese Sarah Aristidou, specializzata in musica contemporanea, conferisce a Muchacha un enorme carisma con il suo suono vocale puro e a volte completamente privo di vibrazioni. Che sia ruggente o lamentoso, untuoso o ruvido: Andrew Moore, con il suo caratteristico basso-baritono, trasforma Paqui in un vero e proprio vomitevole, che alla fine si atteggia a guaritore miracoloso in una bizzarra scena di fronte al popolo ricoperto di brillantini (costumi: Silke Willrett). La storia di sventura di Eisejuaz viene finalmente spezzata. Leigh Melrose ci fa sentire il tumulto interiore di questo protagonista. Eisejuaz è un uomo determinato, che prende una strada sbagliata e rimane sempre più impigliato nella boscaglia del suo tortuoso cammino. Ma Melrose dà spazio anche all'Eisejuaz illuminato che sente le voci degli spiriti.

Sotto la direzione del compositore, la Philharmonia di Zurigo realizza in modo vivido l'impegnativa partitura. Sussulta e mugola nella buca dell'orchestra. Le particelle più piccole sono modellate. Anche le poche, massicce esplosioni, i freddi strati di ottone sono chiaramente modellati. Solo i fiati sembrano a volte troppo grossolani nella rete di voci in filigrana. E l'equilibrio non è sempre perfetto. Beat Furrer Il grande fuoco contiene suoni inauditi. Tuttavia, l'ambiguità permanente e la polifonia travolgono anche questo nuovo teatro musicale, la cui tensione si perde ripetutamente nelle numerose pause, interruzioni e microstrutture. Alla fine, ritornano le alte frequenze della fisarmonica. E l'opera termina in silenzio come era iniziata.

Ulteriori rappresentazioni: 25/28/30 marzo, 4/6/11 aprile 2025, operahouse.ch

Indice dei contenuti

Focus

Creiamo una casa emozionale con la musica per film
Intervista con Diego e Lionel Baldenweg

La Svizzera come ispirazione
Cosa del nostro Paese ha ispirato compositori locali e stranieri?

Musica popolare e patria: una frode di etichettatura?
Un'ondata di suoni popolari sta attraversando la Svizzera.

Chiacchierando di... peculiarità e unicità della musica svizzera e della Swissness nella programmazione musicale.
Scambio di idee tra Lena-Lisa Wüstendörfer e Martin Korn

(corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

Critiche

Nuove pubblicazioni Vettore sonoro, Siti web, Spartito

Eco

L'intelligenza artificiale sta soppiantando i creativi?
La giurisdizione nel campo dell'IA e della musica è stato il tema dell'ultima riunione del Gruppo parlamentare sulla musica, tenutasi il 5 marzo a Berna. La perplessità era palpabile.

L'OSR incontra la realtà virtuale
L'Orchestre de la Suisse Romande presenta un'applicazione di realtà virtuale che consente un'immersione nel cuore dell'orchestra.

Produttori svegli, persone sconfortate dalla televisione
Fiera internazionale del cinema musicale Avant Première a Berlino

Una doppia vittoria cinese
5a edizione del Concorso di composizione di Basilea

Sono stato attratto dal registro basso della viola
Prima mondiale del concerto per viola di Dieter Ammann nessun modello con Nils Mönkemeyer

L'esilio come biografia e condizione creativa
11° Festival di musica da camera Mizmorim a Basilea

HEMU, Uri Caine e Cullyjazz
Una ventina di musicisti dell'HEMU interpretano una suite del compositore americano

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Associazione delle Orchestre Federali Svizzere (EOV) / Società Federale delle Orchestre (SFO)

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Università di musica Kalaidos / Kalaidos Haute École de Musique

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

CHorama

Società svizzera di medicina musicale (SMM) / Association suisse de Médecine de la Musique (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Non come suggerisce il nome
Puzzle di Michael Kube

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Viviamo in tempi turbolenti, la parola d'ordine è "perturbazione". Solo poco tempo fa era difficile immaginare quanto bruscamente le regole della politica globale che si pensavano certe potessero essere scavalcate. Questo vale anche per le industrie creative. Dopo la distruzione dei tradizionali modelli di distribuzione di musica, film, letteratura e arte da parte delle piattaforme internet, un secondo tsunami sembra ora travolgere le industrie creative: L'intelligenza artificiale (AI) minaccia di smantellare anche i modelli di produzione. Come reagire a questo fenomeno?

Forse nel prossimo futuro non saranno più necessari compositori, scrittori, fotografi di moda o registi? Sistemi come Chat-GPT, Deepseek, Claude o, soprattutto nel campo della musica, Mubert o Suno creano ora automaticamente opere in base a istruzioni formulate nel linguaggio quotidiano: "Componi un tango nello stile di Piazzolla per flauto e orchestra da camera! Scrivi una canzone pop con elementi reggae come ode alle montagne!". Basta un'istruzione del genere e anche le persone musicalmente analfabete possono far sì che la macchina metta insieme i pezzi secondo i loro desideri.

Tuttavia, i modelli di intelligenza artificiale lo fanno solo dopo che i fornitori li hanno addestrati con modelli reali. Pertanto, utilizzano opere che dovrebbero essere protette dal diritto d'autore. La domanda al centro dell'incontro del PGM, presieduto dal Consigliere nazionale Stefan Müller-Altermatt, è stata quindi: esistono opzioni legali per rivendicare diritti contro i fornitori di sistemi di IA?

Sottigliezze legali

Chantal Bolzern, avvocato, e Noah Martin, esperto di diritto, che lavorano o hanno lavorato per l'organizzazione svizzera di gestione dei diritti Suisa, hanno spiegato le difficoltà del caso. Come hanno dimostrato le loro presentazioni, c'è ancora molta confusione in questo settore. A cominciare dalla questione di chi può intraprendere un'azione legale e dove. Gli attori sono attivi a livello globale, con strutture societarie internazionali complesse, il che ha già reso difficile combattere battaglie legali con piattaforme come Facebook. Inoltre, non è assolutamente chiaro come i fornitori di IA utilizzino le opere originali per addestrare i loro modelli e quali siano le leggi pertinenti: Oltre alla legge sul diritto d'autore, potrebbero entrare in gioco anche le leggi sui brevetti e sulla concorrenza, a seconda della situazione.

Chantal Bolzern ha quindi sottolineato che il prerequisito fondamentale per la certezza del diritto in questo settore è la trasparenza. Dobbiamo sapere esattamente come sono organizzati i corsi di formazione. Tuttavia, i fornitori di IA difficilmente sono interessati a rivelarlo. Proteggono i loro modelli di business con la segretezza. Di conseguenza, si tengono dibattiti che a volte sembrano più che altro verbosi. Il concetto giuridicamente definito di "uso", che consente agli autori di controllare le proprie opere, sembra essere centrale.

I fornitori di IA ritengono di non "utilizzare" le opere originali per addestrare i loro sistemi, ma - e qui le cose si complicano dal punto di vista legale - di limitarsi a "goderne", cosa che può essere fatta liberamente in base alla legge sul copyright. Anche il "godimento di un'opera" è un termine definito legalmente e significa "la semplice conoscenza di un'opera". A sua volta, questa è sempre liberamente consentita. E anche se ci fossero argomenti a favore del fatto che i fornitori di IA "usano" le opere in senso giuridico, potrebbero ripiegare sulla posizione che li sta semplicemente "usando per scopi scientifici", cosa che a sua volta è liberamente possibile.

Se la base giuridica per affrontare il nuovo fenomeno dell'IA è ancora del tutto oscura, ciò vale ancora di più per le conseguenze politiche, economiche e sociali. Ueli Schmezer, nuovo membro del Consiglio nazionale e musicista, anch'egli presente all'incontro, ha sottolineato che una mozione di Balthasar Glättli sull'applicazione della legge su Internet è in sospeso da anni. Dovrebbe portare alla creazione di un punto di contatto nazionale per piattaforme come Facebook. Anche in questo caso i politici non hanno fatto alcun passo avanti. Una strategia legale efficace in vista delle prossime sfide poste dall'IA sembra quindi molto lontana. E se si considera che i politici hanno in realtà preoccupazioni completamente diverse al momento, è probabile che per i creativi si prospettino tempi difficili.

Fame costante di opere originali

Tuttavia, è possibile che rimanga ancora un po' di schadenfreude, poiché ci sono segnali che indicano che l'intelligenza artificiale che sta attraversando le industrie creative sta implodendo più velocemente di quanto si possa pensare. Durante l'incontro con il PGM, i rappresentanti legali hanno sottolineato che i modelli statistici dell'intelligenza artificiale cercano sempre la media nel corpus di dati di addestramento. A ogni nuovo ciclo di addestramento, è probabile che i dati includano anche opere generate dall'IA, rendendo i risultati sempre più piatti e privi di significato. I sistemi manterranno la loro potenza solo se saranno costantemente alimentati con opere originali che si discostano dalla massa.

Cosa significa questo per i modelli di business dei creativi? Di fronte alla perplessità, si è tentati di chiedere a Chat-GPT e ai suoi amici. "I modelli di AI hanno il potenziale per avere un impatto significativo sui modelli di business delle industrie creative. Offrono sia opportunità che sfide, poiché cambiano il processo creativo e creano nuove possibilità", risponde Chat-GPT. Beh, siamo già arrivati a questo punto.

Oggi la musica nei media viene ascoltata sempre più spesso in streaming. Se nel 2006 le vendite ammontavano a 100 milioni di dollari, nel 2023 avevano già raggiunto i 19,3 miliardi e la tendenza è in aumento. Nello stesso periodo le vendite fisiche sono scese da 15,1 miliardi a 5,1 miliardi. Questi sono i dati del Federazione internazionale dell'industria fonografica (IFPI). Si tratta di musica che viene solo ascoltata. Al contrario, il settore audiovisivo è ancora relativamente piccolo. Ciò non è dovuto tanto ai meccanismi di mercato quanto alla situazione percettiva: la musica può essere ascoltata di nascosto, in molti casi viene imposta come sfondo sonoro. Il cinema, invece, costringe a guardare.

Film classici da Bruckner a Stockfisch

Da quando la tecnologia di trasmissione via Internet ha reso possibile la trasmissione di grandi quantità di dati e quindi una qualità dell'immagine e del suono senza precedenti, anche i film musicali sono diventati sempre più popolari. La sala da concerto o l'opera in HD sullo schermo di casa è una possibilità allettante. Idee e scoperte innovative sono ancora all'ordine del giorno in questo genere mediatico-estetico emergente. Questo vale soprattutto per il cinema classico; nel settore underground, le trasmissioni di concerti pop con gli stessi fan che si agitano a braccetto sono diventate da tempo una routine ossificata.

Le sorprese che il cinema classico continua a offrire sono state ancora una volta mostrate al Fiera del cinema musicale Avant Première a Berlino. Ogni febbraio, autori e produttori, emittenti internet, distributori e rivenditori di diritti provenienti da tutto il mondo si incontrano qui per trascorrere quattro giorni esaminando nuove produzioni, scambiando informazioni sugli ultimi sviluppi del settore e, soprattutto, commerciando i nuovi prodotti.

Tra questi, la Nona di Bruckner con Herbert Blomstedt, un gioiello di film musicale. O il documentario sulle difficoltà di iniziare una carriera con la giovane violoncellista Anastasia Kobekina. Oppure la serie di documentari in otto parti, coprodotta a livello internazionale, con brevi ritratti di compositrici donne, da Hildegard von Bingen a Elisabeth Jacquet de la Guerre ed Ethel Smyth. E poi il folle progetto L'opera dello stoccafissoRipercorre il percorso che lo stoccafisso fece dalle Isole Lofoten a Venezia grazie a un naufragio di marinai veneziani nel 1432, dove oggi è una prelibatezza come "Baccalà Mantecato". La prova congiunta Opera dello stoccafisso segue questo percorso: si vedono gli abitanti dell'estremo nord recitare la loro opera davanti a un pubblico stupito a Venezia.

Interesse artistico sotto pressione

Un totale di 61 showreel della durata di 12-15 minuti ha presentato circa 500 nuove produzioni in brevi estratti. Certo, si trattava solo di frammenti. Ma queste istantanee forniscono una visione dell'orientamento estetico dei produttori e delle tendenze attuali. Ciò solleva inevitabilmente la questione del rapporto tra contenuto e successo commerciale.

Le novità artisticamente interessanti, anche quelle più audaci, hanno ancora una possibilità sul mercato internazionale, anche se non così spesso come in passato. Ma le prospettive per il futuro sono piuttosto fosche. La minaccia più grande oggi viene dalle incertezze economiche e politiche della guerra in Ucraina. È probabile che lasci profonde cicatrici anche nel settore culturale. Tuttavia, il merito è anche delle emittenti pubbliche, che da qualche anno non acquistano più programmi di questo tipo, né tantomeno li producono, per paura di apparire elitarie e quindi di essere messe sotto accusa. Con loro come co-produttori, si perdono ingenti risorse finanziarie.

Anche Arte non è una soluzione, poiché l'emittente franco-tedesca in genere acquista solo ciò che viene prodotto nelle emittenti dei due Paesi. Oggi, queste ultime si stanno sempre più ritirando verso prodotti mainstream: Il concerto di Parigi davanti alla Torre Eiffel con un pubblico di decine di migliaia di persone; Musica classica a Odeonsplatzun altro evento di grande richiamo, questa volta della Bayerischer Rundfunk, e lo stesso da Vienna o Berlino. E poi, naturalmente, il Concerto di Capodanno di Vienna, che è un sicuro successo di ascolti fino all'Estremo Oriente. Il vincitore per il 2025 è già stato deciso: Johann Strauss, nato 200 anni fa, almeno non è una figura antipatica. A Berlino è stato definito la prima pop star della storia della musica.

Reiner Moritz ha affrontato questa problematica estetica mainstream durante la presentazione del suo showreel. Il produttore e autore di innumerevoli film musicali a livello internazionale dagli anni '70, proprietario di una società di distribuzione con il bel nome di Poorhouse International e ancora una forza trainante dietro le quinte di Avant Première all'età di 87 anni, si è rivolto direttamente ai suoi colleghi delle emittenti pubbliche: "Per favore, mostrate un po' più di coraggio e siate un po' più curiosi! Ci sono tante cose interessanti che il pubblico dovrebbe conoscere e che voi dovreste mostrare". Si riferiva a John Reith, il direttore fondatore della BBC di Londra, che nel 1922 descrisse il compito delle emittenti pubbliche in tre parole chiave: Informazione, educazione e intrattenimento.

Contributi svizzeri ...

La Televisione Ticinese ha sempre partecipato dalla Svizzera. Il suo tratto distintivo sono i film che non si allineano al mainstream: Per esempio, un divertente film d'animazione sul 250° compleanno di Beethoven cinque anni fa, un documentario con le canzoni degli anarchici italiani che si rifugiarono a Lugano nel XIX secolo o il grande film d'artista L'alchimia del pianoforte di Jan Schmidt-Garre. Quest'anno la RSI era assente, il che si spera non sia un segno di riduzione della produzione. Ma c'era ancora qualcosa da vedere dalla Svizzera: un filmato informativo e ben fatto su Frank Martin, prodotto nei Paesi Bassi, dove il ginevrino ha trascorso la sua pensione.

... e prospettive americane

I problemi che le istituzioni musicali devono affrontare oggi nel settore della musica classica sono di portata internazionale. Peter Gelb, direttore del Metropolitan Opera di New Yorkche ha tenuto la conferenza di apertura dell'Avant Première, mi ha spiegato in un'intervista come stanno le cose in America, dove le sovvenzioni sono praticamente nulle e gli sponsor e la vendita dei biglietti sono le uniche fonti di denaro. Nel triangolo delle Bermuda tra pubblico-repertorio-costi, Gelb sta cercando una soluzione per far funzionare l'enorme teatro di 3.800 posti. Dopo la pandemia, dice, molti visitatori anziani se ne sono andati. Prima di allora, la vendita dei biglietti e i proventi delle proiezioni cinematografiche coprivano circa il cinquanta per cento dei costi, pari a circa 300 milioni di dollari, mentre l'altra metà, circa 150 milioni, proveniva da donatori privati. Poiché le entrate non si sono riprese dopo la pandemia, la percentuale di donazioni deve ora salire a circa 200 milioni. "Siamo", dice Gelb, "l'unica istituzione culturale al mondo che deve raccogliere somme così ingenti".

Riconosce un divario tra il pubblico tradizionale, che si sta lentamente estinguendo, e i visitatori più giovani e alla moda e sta quindi adottando un duplice approccio. Tosca e Aidadall'altro lato, le opere contemporanee. Tuttavia, queste trovano il favore solo quando sul palco ci sono cantanti di spicco, la musica non sovrasta l'ascoltatore e l'opera si basa su libretti e allestimenti intelligenti.

Gelb orienta costantemente il programma verso il pubblico: "Quello che non ho mai capito è l'atteggiamento di molti critici che pensano che l'opera sia fatta per loro. No, l'opera dovrebbe essere per il maggior numero di persone possibile. È quello che pensavano Puccini, Verdi e Mozart. Solo così l'opera può continuare a esistere come forma d'arte e solo così le nuove opere possono sopravvivere. Non dovrebbero essere scritte per una ristretta cerchia di addetti ai lavori". La sua conclusione: "Non so quale sarà il futuro del Met. So solo una cosa: dobbiamo continuare a sviluppare l'arte e a rischiare. Arretrare o rimanere fermi è la ricetta più sicura per il fallimento. Per una forma d'arte che invecchia come l'opera, la creatività e la ricerca di qualcosa di nuovo sono l'unica garanzia di sopravvivenza".

Matchspace Music si descrive come "la più grande e versatile piattaforma per lezioni private di musica in Svizzera". L'azienda ha lanciato un sondaggio tra gli insegnanti di musica svizzeri. L'obiettivo è quello di ottenere "un quadro completo della situazione professionale, delle sfide attuali e dell'uso delle nuove tecnologie nell'insegnamento". Il sondaggio richiede circa 5 minuti e può essere completato fino alla fine di marzo. La pubblicazione dei risultati è prevista per aprile.

Link al sondaggio

La città musicale di Basilea sembra desiderare il mese di maggio. È vero, qui si terrà un importante concorso musicale europeo, seguito poco dopo da un importante festival corale europeo. Ma non è di questo che stiamo parlando, bensì della Notte di Valpurga, la tradizionale "danza di maggio".

Derivata dal nome di Santa Walburga, la festa è stata associata soprattutto al sabba delle streghe sul Blocksberg fin dalla mania europea delle streghe del XVI e XVII secolo. Questo significato è stato rafforzato da Goethe, che ha descritto la festa nel libro Pugno e lo descrisse poeticamente più volte altrove. Una di queste descrizioni fu poi trasformata in musica: dopo il rifiuto del suo insegnante Carl Friedrich Zelter, Felix Mendelssohn compose la cantata "La prima notte di Valpurga" sulla base del testo di Goethe.

Questo brano di mezz'ora, che scaccia l'inverno e annuncia l'arrivo della primavera, è stato eseguito per la seconda volta in un breve lasso di tempo allo Stadtcasino di Basilea l'11 febbraio 2025. Lo scorso novembre è stato eseguito dal Collegium Musicum Basel e dal Coro Bach di Basilea, mentre ora è stata la volta del giovane organizzatore di concerti vokal:orgel. Mentre la prima esibizione - in linea con le due venerabili istituzioni - è stata relativamente tradizionale, l'ultima, l'11 febbraio 2025, è stata inserita in un programma complessivo accuratamente coreografato e semiscenico che ha attraversato un arco drammaturgico dal profondo inverno nordico al festoso inizio della primavera.

Inverno nordico scuro

Nel buio più completo, il pianoforte a coda è stato sollevato dal suo nascondiglio iniziale e Dominic Chamot ha suonato l'opera di Fanny Mendelssohn. Gennaio dal 12 pezzi di personaggi. A questo scopo, una parte del coro, vestita con abiti monacali, è salita sul palco, dove è subito entrata in scena la Rondo Lapponico di Gunnar Arvid Hahn - un pezzo gelido modellato sul tradizionale joik sami, che canta la natura lappone (oche, acque, colline, foreste). Dopo un interludio corale ("Vieni!"), la seguente composizione per organo ha completato il programma. Evocazione II di Thierry Escaich, il coro si è formato dando le spalle al pubblico. È seguita la canzone popolare estone Lauliku Lapsepõli (in inglese "The Childhood of the Singer") nella versione di Veljo Tormis, in cui il coro si rivolgeva gradualmente verso il pubblico. Come la maggior parte dei brani nordici eseguiti, il pezzo ha creato un'atmosfera quasi eterea nella sala da musica dello Stadtcasino, una sonorità vitrea, come diverse lastre di ghiaccio sovrapposte. Il brano è sfociato in un sussurro diffuso, dal quale un gruppo di solisti si è infine cristallizzato e ha messo in scena una "maledizione sul ferro" - un testo poetico e ammaliante contro la guerra, che poco dopo si è trasformato in una "maledizione sul ferro". Raua needmine in lingua originale estone e con accompagnamento di tamburi sciamanici. Il canto popolare cristiano intermedio Ma on niin kaunis cantava una melodia più conciliante, esaltando la bellezza della natura, la grazia di Dio e il pellegrinaggio canoro dell'anima.

Una prima parte invernale e nordica è stata completata dall'Andante espressivo di Fanny Mendelssohn, durante il quale il coro ha imitato l'inizio della pioggia con lo schiocco delle dita, che, senza pause di respiro, ha portato all'inizio - "Il cattivo tempo" - dell'opera "La pioggia". Notte di Valpurga dal fratello di Fanny, Felix.

 

Paesaggio di primavera con organo e pianoforte

Per la musica del Notte di Valpurga non è stato eseguito da un'orchestra l'11 febbraio 2025 nell'ambito della performance vokal:orgel - la sua parte è stata riscritta per organo, pianoforte e percussioni e suonata da Babette Mondry (organo), Dominic Chamot (pianoforte) e Tomohiro Iino, Pablo Mena Escudero e Yi Chen Tsai (percussioni). E già che siamo in tema di partecipanti: Il coro era composto da giovani voci provenienti dai licei di Muttenz e Laufen e dalla Steinerschule Birseck, e comprendeva anche la Young Opera del Teatro di Basilea: un ensemble totale di 180 elementi, tenuti insieme dalla direzione di Abélia Nordmann.

Durante l'ouverture di "Walpurgisnacht", il palcoscenico è passato da una scena invernale a una primaverile, con abiti giallo-verdi per il coro (che ha anche portato corone di fiori colorati) e luci altrettanto colorate. Il brano di Mendelssohn ha funzionato anche nell'arrangiamento speciale: l'organo Metzler-Klahre dello Stadtcasino, con i suoi circa 350 ripieghi, è stato in grado di suggerire armoniosamente i diversi timbri dell'orchestra e allo stesso tempo di conferire alla musica un tocco proprio e vincente; il pianoforte ha fornito un supporto, in particolare nel contorno delle melodie. Dal punto di vista vocale, non solo il coro, ma anche il solista e i solisti sono stati convincenti - il baritono Felix Gygli, il cui volume, fraseggio e presenza scenica erano impressionanti, merita una menzione speciale.

Anche l'integrazione degli elementi scenici (di cui era responsabile Salomé im Hof) è riuscita, e l'apparizione mascherata dei "lupi umani e delle donne drago" ha persino creato per breve tempo un'atmosfera carnevalesca nello Stadtcasino. La struttura drammaturgica complessiva dell'esibizione è stata pensata in modo attento e sensato: da Fanny a Felix Mendelssohn, dall'inverno alla primavera, dal buio alla luce; e nella prima parte ci sono state diverse scoperte del repertorio vocale scandinavo e baltico. Il grande entusiasmo dei partecipanti, soprattutto del coro, è stato davvero contagioso. Conclusione: la primavera può arrivare.

 

Avviso di trasparenza:

Lukas Nussbaumer ha scritto il testo per conto di vokal:orgel ed è stato premiato per questo. Il testo è stato pubblicato per la prima volta sul sito web dell'autore lukasnussbaumer.com pubblicato.

Niels Pfeffer ha studiato basso continuo, clavicembalo, chitarra e liuto a Stoccarda, Friburgo, L'Aia e Basilea. Ha beneficiato di una borsa di studio tedesca e di una Excellence Scholarship e le sue tesi di master sono state premiate. Insegna tiorba, clavicembalo e liuto in diverse accademie musicali e sta lavorando al suo progetto di tesi presso l'Istituto di Musicologia dell'Università di Tubinga. È molto richiesto come partner di musica da camera con i suoi strumenti. Numerose registrazioni e concorsi documentano il suo lavoro come suonatore di continuo. Pfeffer ha effettuato registrazioni televisive e radiofoniche e ha tenuto concerti e masterclass in Europa, Libano, Armenia e Messico.

 

Anna Krimm ha studiato viola presso le accademie musicali di Karlsruhe e Berlino (UdK, HfM Hanns Eisler) e viola barocca a Weimar. È docente di viola presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Francoforte sul Meno, vice violista solista dell'Orchestra Beethoven di Bonn e membro dell'ensemble Spira mirabilis. Collabora come ospite con rinomati ensemble, tra cui la Chamber Orchestra of Europe, la Stockholm Radio Symphony Orchestra, le orchestre RSB, WDR e SWR, l'Ensemble Resonanz e la Kammerakademie Potsdam.

 

I futuri studenti possono iscriversi all'esame di ammissione presso la ZHdK Music fino al 1° marzo 2025: https://www.zhdk.ch/studium/musik/ap-musik

Le iscrizioni tardive sono possibili fino al 10 marzo: monika.baer@zhdk.ch

Ammann ha lavorato a questo concerto per quattro anni, con interruzioni, ed è stato commissionato da diverse orchestre e festival rinomati: l'Orchestra Sinfonica di Basilea, l'Orchestra da Camera di Monaco, il Festival di Lucerna, il Festival Internazionale di Musica di Tongyeong e l'Orchestra Esprit di Toronto.

Il movimento orchestrale è scritto per l'orchestra internazionale Dieter Ammann il suo parco giochi preferito. Sa esplorare i molti colori e le relazioni strutturali con grande immaginazione. Sa combinare dinamiche energiche e armonie equilibrate fino alla microtonalità con una drammaturgia sorprendente.

Dopo diversi lavori orchestrali di successo come bagliore (2014-2016) e Girare (2010), Ammann si è avventurato nel genere concertante. Il genere tradizionalmente pesante del concerto solistico si adatta alla sua idea di virtuosismo e al sottile sondaggio dello strumento solista. Inoltre, si tratta sempre di una battaglia tra strumento solista e orchestra.

Il concerto per pianoforte e orchestra Gran Toccata (2016-2019) e il movimento concertistico per violino e orchestra da camera instabilità sbilanciata (2012-2013) è ora seguito dal concerto per viola nessun modello (senza modelli). Per Ammann, comporre è sempre stato "un lungo viaggio all'aperto". Tutto può accadere in qualsiasi momento nel corso di un brano. L'unica costante è il continuo cambiamento "dalla transizione morbida alla rottura".

Lotta per la posizione di solista

Le possibilità della viola sono radicalizzate in questo concerto. La parte solista si muove principalmente nelle gamme più basse, creando nuovi colori. "C'è qualcosa di arcaico nelle note basse che mi piace", dice. Il fatto che si concentri anche sulla corda più bassa rappresenta una grande sfida come solista. "Sono attratto dal registro basso della corda più grave perché questo è lo spettro che non avevo nel mio concerto per violino e mi piace molto sentire la viola laggiù".

Ma la viola ha qualche possibilità di essere ascoltata nel suono orchestrale? Solo di tanto in tanto. Nils Mönkemeyer ha lottato per lunghi tratti per la sua posizione di solista con una spinta ritmica e una potenza virtuosa. Lo si vedeva, ma difficilmente lo si sentiva. Poi è emersa la voce solista, per poi scomparire di nuovo poco dopo. Lo strumento solista ha condotto un dialogo vario e stratificato con l'orchestra. Ne risultava una tensione interna drammaturgica, ma l'orecchio spesso cercava invano il suono scuro della viola.

Il Orchestra Sinfonica di Basilea ha affrontato il solista con una grande orchestra e una ricca sezione di percussioni. La musica di Ammann, finemente reticolare e armonicamente sempre "instabile", richiedeva agli interpreti qualità cameristiche. Sotto la direzione sicura di Fabien Gabelche ha dimostrato un grande senso di raffinatezza tonale, i musicisti di Basilea sono riusciti in un'interpretazione precisa e fortemente dinamica.

Giocare con le quinte

L'inizio è particolarmente originale. Il solista inizia con pizzicati su tutte e quattro le corde, come se stesse accordando il suo strumento. Prima pizzica un do diesis sulla corda del do, seguito da una quinta perfetta. Questo fa sì che all'inizio le due corde più basse sembrino stonate. Un'altra quinta diminuita è seguita da due quinte perfette. Questo è il modo in cui Ammann gioca con le quinte. Suggerisce anche una quinta corda "immaginaria". Dalla quinta iniziale, il compositore sviluppa il resto degli eventi, avventurandosi così in una tonalità non mascherata. L'intervallo svolge un ruolo strutturale importante e compare sia a livello melodico che armonico.

Ammann riflette l'accordatura temperata in alcuni accordi. Queste "zone di tonalità" sono esposte a diversi stati di (in)stabilità e si confrontano con atmosfere tonali molto diverse. La microtonalità, come quella utilizzata nel concerto per pianoforte e orchestra con gli armonici spettrali, è ancora presente. Questo avviene in modo sottile e fa sì che ci si alzi in piedi e si prenda nota.

Causa in posizione elevata

A Nils Mönkemeyer è stato concesso di salire nei registri più alti solo in due casi eccezionali. Ne ha ricavato momenti davvero magici, una volta dalla fine della cadenza (Cadenza II, in apertura). Si tratta di un "lamento citazionale" in cui compare un brano di Schubert. Con questo lamento, Ammann commemora l'amico compositore Wolfgang Rihm, recentemente scomparso. Questo concerto è dedicato a Rihm e alla famiglia di Ammann.

Mönkemeyer eleva questo passaggio in un'altra sfera con una devozione sentita e un'intonazione sottile. La sua musicalità spiritualizzata si rivela anche alla fine del concerto. Il suono della viola si innalza lentamente, da solo, con armonici puramente intonati fino alle più alte vette. È ammaliante, proprio come l'inizio: un'idea meravigliosa. Il pubblico è rimasto estasiato e ha tributato a tutti i partecipanti applausi entusiastici.

 

A causa degli sviluppi attuali, il tema dell'"esilio" ha acquisito rilevanza ben oltre Basilea, anche attraverso le biografie delle personalità musicali presenti che sono fuggite dall'Olocausto o sono morte nei campi di concentramento in Germania. L'"esilio" è diventato tangibile come una "celebrazione dei diversi incontri tra la musica ebraica e la musica d'arte occidentale", e inevitabilmente anche della membrana estremamente sensibile tra competenza critica e antisemitismo.

Un buon esempio dei processi di conoscenza e consapevolezza innescati è stato il concerto di fine serata del pianista Denis Linnik, vincitore del Mizmorim Young Talent Programme. Nel Teufelhof, ha suonato la Burlesque op. 31 di Ernst Toch, a lungo dimenticata dopo l'esilio americano, una Intermezzo di Arthur Lourié, che si posizionò tra Scriabin e Stravinskij, e la prima sonata di Leo Ornstein, morto presumibilmente nel 2002 all'età di 106 anni. Tali scoperte caratterizzano l'energia e l'ambizione del Festival Mizmorim. Le composizioni hanno rivelato diverse qualità creative.

Oltre a sedi consolidate come la Druckereihalle Ackermannshof, i concerti si sono tenuti anche alla Kunsthalle Baselland, inaugurata nel 2024. Con l'eccezione del concerto di lancio a Zurigo, è stata la prima volta che il Festival Mizmorim ha viaggiato al di fuori di Basilea.

Il curatore Erik Petry del Centro di Studi Ebraici dell'Università di Basilea, tra i cui studenti figurava il direttore di Mizmorim Michal Lewkowicz, è particolarmente interessato a collegare la progettazione dei programmi alla storia del XX secolo. Barbara Häne, anch'essa alumna del Petry, ha riassunto dopo la visita di "Esilio in Svizzera" al Museo ebraico di Basilea: "L'antisemitismo non finisce al confine". A questo proposito, un apprezzamento e una localizzazione del Festival Mizmorim basati esclusivamente su criteri di interpretazione e sulla qualità delle composizioni non sono assolutamente possibili e includono sempre migrazioni globali di ebrei e fattori regionali. Questo vale almeno per le composizioni scritte prima del millennio. Il concorso di composizione per il festival 2026, organizzato dal violinista Ilya Gringolts con il motto "Gerusalemme", guarda al futuro, così come i concerti dedicati al pubblico giovane.

Venerata serata di apertura

Il compositore Janiv Oron ha avuto poco successo. Il suo contributo principale è stato annunciato come una prima mondiale all'apertura del festival nella sala della musica dello Stadtcasino. Il pezzo rude Storia del soldato dell'esule russo a lungo apolide Igor Stravinsky si è rivelato un'interfaccia suggestiva con il motto Mizmorim. I disegni sonori di Oron, tuttavia, hanno gonfiato il piccolo cast con effetti di riverbero e hanno offuscato il finale di Stravinsky, un cosmopolita che non era del tutto esente da colpe per quanto riguarda l'antisemitismo.

Lo svizzero Charles-Ferdinand Ramuz trasferì la fiaba dalla collezione russa di Afanasyev al suo paese nel 1917 e la arrangiò per tre ruoli parlanti, una ballerina e un ensemble da camera con un violino a vista (parte ideale per Ilya Gringolts). Nel 1975, il nuovo edificio del Teatro di Basilea fu inaugurato con la traduzione tedesca di Mani Matter, utilizzata anche per la rappresentazione di Mizmorim. Non fu nominato alcun regista per la rappresentazione semi-scenica, in cui la platea rimaneva vuota per una lunga passerella e il pubblico guardava dalla balconata la situazione isolana e snervante della principessa e del soldato che l'aveva sposata. La profonda introduzione di Heidy Zimmermann presso la Fondazione Paul Sacher, che sta catalogando il patrimonio di Stravinsky, aveva accresciuto la consapevolezza dello straordinario significato dell'opera. Tra l'altro, Stravinsky ha regalato la partitura autografa definitiva al mecenate di Winterthur Werner Reinhart per ringraziarlo del suo aiuto.

Modernità di ampio respiro

L'idea di Mizmorim è stata realizzata in modo molto più convincente nei giorni successivi. Il secondo quartetto d'archi di Roman Haubenstock-Ramati, nato vicino a Cracovia e professore all'Accademia di Musica di Vienna, si è rivelato un brillante compendio di tecniche compositive moderne nell'interpretazione del Quartetto Gringolts. Nella scorsa stagione, l'opera di Haubenstock-Ramati su Kafka America a Zurigo con un successo strepitoso. La Fondazione Sacher riceverà anche il materiale per la produzione.

La prima mondiale del duo, già ascoltata a Zurigo, ha mostrato un'affermata selvaticità. sh'nayim levad (leàn?) - due soli (dove?) del compositore in residenza Hed Bahack (nato nel 1994). Ilya Gringolts e il virtuoso della viola Lawrence Power hanno esaltato la vitalità dell'opera, in cui Bahack intreccia in modo suggestivo i valori estremi della comunicazione interpersonale, dalla paura all'esperienza della crisi. L'opera di Bahack è anche un evento performativo - come l'opera di Mark Kopytman Sole di ottobre per voce, flauto, violino, violoncello, pianoforte e percussioni (1974). In questa prima svizzera, l'ensemble del Festival Mizmorim ha mostrato anche l'organizzata mancanza di scopo della composizione, che serpeggia in tutte le voci e in molti stili con ribellioni atonali in fortissimo.

L'aspetto emozionante del Festival Mizmorim non è stato solo l'incursione in regni musicali sconosciuti con contributi di ebrei in esilio, le cui tracce si sono spesso perse nei movimenti migratori del XX secolo. Gli ascoltatori si sono trovati di fronte alla sfida di bilanciare la percezione consapevole delle condizioni storiche con un'apertura imparziale all'esperienza musicale.

Il 20 marzo 2025 alle 20.00 su SRF 2 nel programma Nella sala concerti si può ascoltare una sezione trasversale:

https://www.srf.ch/audio/im-konzertsaal/mizmorim-festival-2025-ein-rueckblick?id=AUDI20250320_NR_0023

 

Stefan Escher proviene da una famiglia di musicisti e da 15 anni conosce bene la scena musicale come agente di artisti e organizzatore di concerti. Dal 2015 al 2019 ha gestito la serie di concerti Meisterinterpreten alla Tonhalle di Zurigo e dal 2020 è responsabile di strumentisti e direttori d'orchestra internazionali come agente artistico presso IMG Artists. Egli ha inoltre esperienza nel settore bancario e ha conseguito un Master in Arts Management. Il Consiglio di Fondazione è lieto di affidare a Stefan Escher la gestione della Fondazione e gli augura ogni successo e piacere nel suo nuovo ruolo.

Stefan Escher succede a Valérie Probst. Quest'ultima lascerà la Fondazione alla fine di febbraio 2025 per affrontare nuove sfide. Durante i 18 anni trascorsi presso la Fondazione, Valérie Probst ha avuto un impatto decisivo sullo sviluppo del concorso CSMG grazie al suo grande impegno. Sotto la sua guida, sono stati creati numerosi progetti di incentivazione che hanno offerto preziose opportunità ai vincitori e fornito loro esperienze durature. In questo contesto, Valérie Probst è sempre stata un mentore affidabile e stimolante per i musicisti emergenti.

Il Consiglio di Fondazione si rammarica profondamente di questa partenza e ringrazia calorosamente Valérie Probst per il suo impegno di lunga data ed estremamente prezioso per i musicisti emergenti della Svizzera, nonché per la collaborazione costruttiva e fruttuosa. Il Consiglio di Fondazione le augura il meglio per il futuro e ogni successo nei suoi nuovi progetti.

Andreas Wegelin, CEO della SUISA, la cooperativa degli autori ed editori musicali di Zurigo, presiede ora il Consiglio di Fondazione.

Già prima dell'evento vero e proprio era chiaro che nessun compositore svizzero avrebbe vinto il primo premio di 60.000 franchi in uno dei concorsi di composizione più remunerativi al mondo. I dodici compositori le cui opere sono state selezionate e presentate al pubblico in tre concerti nella Sala Paul Sacher di Don Bosco Basilea provenivano da Germania, Spagna, Italia, Messico, Slovacchia, Grecia e Repubblica Popolare Cinese. La giuria, che ha avuto il compito di selezionare le dodici opere migliori tra le numerose proposte, era composta da Michael Jarrell, Augusta Read Thomas, Liza Lim, Andrea Lorenzo Scartazzini e Florian Besthorn, direttore della Fondazione Paul Sacher. Christoph Müllers Artistic Management GmbH e il suo team organizzano la BCC.

 Dopo i tre concerti del concorso, la giuria ha selezionato cinque opere per il concerto finale, che sono state eseguite nuovamente e tra le quali sono state scelte le opere vincitrici del premio. Considerando che tra le compositrici contemporanee ci sono stelle come Unsuk Chin, Olga Neuwirth, Kaija Saariaho e Anna Thorvaldsdottir, le cui opere vengono eseguite frequentemente, è stato sorprendente che sia stata selezionata ed eseguita solo un'opera di una donna. La ragione della scarsa presenza femminile è da ricercarsi nel numero esiguo di opere presentate da compositrici donne.

Notte, colori, uccelli

Alla fine, però, è stata la timidissima compositrice cinese Qianchen Lu, 25 anni, attualmente ancora studentessa di Shen-Ying Qian a Shanghai, a vincere non solo il primo premio del pubblico di 5.000 franchi svizzeri, ma anche il primo premio del Concorso di composizione di Basilea. Il suo Nove odi alla notte basati su poesie di T. S. Eliot sono intesi, secondo il compositore, a raffigurare la vaghezza e la fluidità delle impressioni notturne e a catturare la sfocatura e la trasformazione della notte prima di scomparire definitivamente nell'incertezza. La fascia sonora densamente intrecciata, forse un po' troppo lunga, affascina con i suoi colori tonali distintivi e i suoi stati d'animo poetici.

Ancora più fantasiosa è stata l'orchestrazione di Lo sguardo di Mnemosyne. Quattro immagini postume per orchestra del suo connazionale cinese Erqing Wang, che studia con Annesley Black all'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Graz. Ogni sezione orchestrale contribuisce a creare un insieme straordinariamente colorato in questo lavoro, che ha vinto il secondo premio ed è stato un grande piacere da ascoltare. Il brano è un vero e proprio omaggio alla musica di Debussy e Ravel, che è anche presente, forse eccessivamente, attraverso le citazioni.

Meno convincente Uccello nello spazio dello spagnolo Ramón Humet (3° premio). Come Messiaen, il compositore è affascinato dal canto degli uccelli, in questo brano dal turpial sudamericano. Humet immagina che un piccolo uccello inizi a cantare in un'enorme cattedrale. Un'idea interessante, ma che non porta avanti il pezzo e lo fa sembrare tirato per le lunghe.

Tra le opere non premiate, ce n'erano alcune originali e accattivanti o perlomeno interessanti, come la pittura musicale puntinista punctum contra punctum di Jona Kümper, l'efficace Carnevale macabro di Aurés Moussong o la potente eruzione del suono Fluidità fiorita di Carlos Satué, costruito secondo complicati principi matematici.

La scena musicale di Basilea con un forte programma di esibizioni e formazione

L'Orchestra da Camera di Basilea, diretta da Tito Ceccherini, la Sinfonietta di Basilea, diretta da Pablo Rus Broseta, e l'Orchestra Sinfonica di Basilea, diretta da Roland Kluttig, hanno interpretato le opere, sempre difficili, con impegno e ad alto livello tecnico. Il fatto che in una città delle dimensioni di Basilea ci siano tre orchestre in grado di eseguire le composizioni contemporanee più impegnative non è un fatto scontato. Tutte le opere nominate sono state registrate in video e successivamente pubblicate sul canale YouTube della BCC.

Il concetto di BCC prevede anche la collaborazione con l'accademia musicale e le scuole superiori della regione. Durante i workshop, gli studenti del college sviluppano le opere dei membri della giuria e le presentano nei pre-concerti. Quest'anno abbiamo potuto ascoltare brani molto ben eseguiti di Liza Lim e Augusta Read Thomas. Axis Mundi per fagotto solo (2012/13) di Liza Lim con suoni di questo strumento che non erano stati quasi mai ascoltati prima, ad esempio, è stato eseguito da Timm Kornelius. Durante la settimana del concorso, i vari compositori visiteranno una classe scolastica che ha già esplorato in modo specifico il loro lavoro e la nuova musica in generale.

Secondo una dichiarazione del Università delle Arti di Zurigo (ZHdK) La discografia del pluripremiato pianista comprende Ragna Schirmer ", attualmente 18 CD, 2 DVD e 2 registrazioni in vinile con un vasto repertorio che spazia dalla musica barocca alle opere contemporanee. Ragna Schirmer si esibisce in tutto il mondo con i propri strumenti a tastiera storici o su moderni pianoforti a coda da concerto. Progetti insoliti e produzioni teatrali allestite per lei rivelano anche l'abilità drammaturgica della pianista, con la quale inserisce i suoi programmi in contesti storici". Come insegnante, si concentra sulla "consapevolezza del corpo e di sé, sull'allenamento alla performance e sul superamento della paura del palcoscenico, nonché sullo sviluppo di interpretazioni attente ai dettagli. La promozione dell'individualità degli studenti è una sua particolare preoccupazione".

"Sono lieto di tornare alla mia 'alma mater' come docente e di trasmettere la mia esperienza alle nuove generazioni", ha dichiarato il presidente. Immanuel Richter al suo nuovo incarico presso la ZHdK. Ha completato i suoi studi (insegnamento, diploma orchestrale e concertistico) presso l'ex Conservatorio di Zurigo con Claude Rippas. Secondo il comunicato stampa della ZHdK, il pluripremiato musicista ha lavorato come trombettista solista in diverse orchestre svizzere e nell'orchestra del Teatro alla Scala di Milano con rinomati direttori. "Come ricercato solista e musicista da camera, si esibisce regolarmente sui palcoscenici europei. Da molti anni insegna tromba alla Scuola di Musica di Lucerna".