Il Concorso Internazionale di Violoncello della Danimarca (DICC) è stato istituito dall'Orchestra Filarmonica Danese in collaborazione con la Nordic Artists Management.

Possono candidarsi violoncellisti e violoncelliste di qualsiasi nazionalità, nati il 27 giugno 1996 o dopo. Il termine per la presentazione delle candidature va dal 15 agosto al 24 ottobre 2026. Tra i candidati saranno selezionati 24 partecipanti, che si sfideranno in 3 turni preliminari e una finale.

La settimana del concorso avrà inizio con un concerto inaugurale della Danish Philharmonic Orchestra. Si concluderà con la finale e la cerimonia di premiazione il 3 luglio 2027. Tutte le prove sono aperte al pubblico e accessibili anche a livello internazionale tramite streaming.

Il direttore artistico Adam Stadnicki motiva la scelta della sede con la tradizione danese nel campo del violoncello e con la presenza a Sønderborg del produttore di corde Larsen Strings. A fare la differenza sono stati i buoni collegamenti della città con l’Europa.

Programma di mentoring Cello Bridge

A corredo del concorso si svolge il programma di mentoring “Cello Bridge”, sotto la guida di Trudy Wright, ex responsabile delle tournée e dei progetti presso Harrison Parrott. Il programma è rivolto a tutti i 24 partecipanti, anche dopo un’eventuale eliminazione. Sono previsti colloqui individuali, tavole rotonde e workshop su tematiche relative alla carriera nel mondo della musica.

Giuria e premi

La giuria è presieduta dal violoncellista Daniel Müller-Schott. Ne fanno parte inoltre Andreas Brantelid, Amelia Jakobsson, Tatjana Vassiljeva-Monnier, Alex Taylor, Kathryn Stott e Niklas Walentin.

Il primo premio, il Larsen Strings Prize, ha un valore complessivo stimato di circa 80’000 euro. Comprende un premio in denaro di 14’000 euro, dieci concerti con orchestre europee, la registrazione di un album con la Danish Philharmonic Orchestra per l'etichetta Pentatone, un programma di mentoring e una collaborazione triennale con Nordic Artists Management. Il secondo premio è dotato di 8'000 euro, il terzo di 5'000 euro. Verranno inoltre assegnati premi speciali.

Ulteriori informazioni

Concorso Internazionale di Violoncello della Danimarca (DICC)

Secondo il sito web, il compositore e lo scienziato intendono Morris Wolf e il pianista Sergey Tanin con il loro festival «portare più musica nella regione e offrire, sia al pubblico locale che ai visitatori provenienti da più lontano, un contributo stimolante alla vita culturale di Schams».»

Quest'anno, dal 18 al 20 settembre, nella Chiesa riformata di Andeer si potranno ascoltare, nel corso di cinque concerti, brani musicali che spaziano dal Rinascimento ai giorni nostri.

Ulteriori informazioni: https://www.musicaandeer.ch/konzerte

 

Che suono ha San Gallo? Quello del silenzio di una biblioteca monastica? Quello delle discussioni degli studenti dell’HSG sul futuro del capitalismo? A questa domanda è stata data una risposta durante il concerto di apertura del Vilnius Festival con l’opera orchestrale di Fabian Künzli, presentata in prima assoluta nel 2025 Ecco come suona San Gallo una risposta di grande impatto sonoro. Quest’opera intreccia diverse esperienze uditive che la popolazione del Cantone di San Gallo ha potuto inviare in precedenza.

Una melodia accattivante, che rimane impressa nella mente, ricompare continuamente in nuove strumentazioni, mentre di tanto in tanto fa capolino anche una melodia corale di Johann Sebastian Bach. Ma non è tutto: Künzli riesce persino a ricreare l’atmosfera di un caffè di San Gallo. A metà spettacolo, il pubblico può scambiare due chiacchiere con i vicini di posto. Un vero successo!

Un lituano in tournée d'addio

Il fatto che uno dei festival di musica classica più prestigiosi dei Paesi Baltici abbia inaugurato l’edizione di quest’anno con l’opera di un compositore svizzero è merito di Modestas Pitrėnas. Il direttore d’orchestra, nato a Vilnius, è stato alla guida dell’Orchestra Sinfonica di San Gallo per otto anni. La sua tournée d’addio lo ha ora condotto, insieme a questa formazione, nella sua città natale. A pochi giorni dal concerto, Pitrėnas è ancora con il pensiero alla Filarmonica di Vilnius: «È stata un’emozione indescrivibile vedere l’Orchestra Sinfonica di San Gallo nella mia terra natale. Ancora oggi l’orchestra rivive con gioia i ricordi della Lituania e della sua gente ospitale. Ne sono molto orgoglioso!»

Al concerto di apertura, l’Orchestra Sinfonica di San Gallo non ha dato affatto l’impressione di essere arrivata nella capitale lituana solo a tarda notte del giorno precedente. Ha interpretato con grande energia anche il concerto per fisarmonica di Daniel Nelson Il trattato sulla macchina fantasma e la Quinta Sinfonia di Beethoven. Particolarmente toccante è stato il bis dell’accordionista Martynas Levickis: nella sua composizione originale L'alba sta sorgendo Gli accordi spezzati in stile minimalista si intrecciavano con ampie e malinconiche cantilene, ispirate alla musica popolare lituana. Un vero gioiello!

Edizione speciale per l'anniversario

Il Festival di Vilnius ha celebrato quest’anno, dal 5 al 25 giugno, la sua trentesima edizione ed è ormai da tempo un appuntamento fisso nel calendario culturale lituano. Il programma vede l’incontro tra grandi nomi della musica classica internazionale e la promozione della produzione musicale lituana, non da ultimo attraverso prime assolute e opere commissionate. Il Festival riesce a conciliare questi due aspetti con sorprendente naturalezza.

Da anni alla guida del Festival di Vilnius c’è la musicologa lituana Rūta Prusevičienė. Nel suo ufficio presso la Filarmonica Nazionale, racconta di Krzysztof Penderecki, che negli anni ’90 partecipò a una delle prime edizioni del Festival a Vilnius, ma fa anche un collegamento con altri legami tra Svizzera e Lituania: Intorno al 1900, ad esempio, numerosi giovani lituani studiavano all’Università di Friburgo, di impronta cattolica. Uno di loro era Juozas Purickis, che in seguito divenne ministro degli Esteri della Lituania indipendente.

Stucchi ticinesi e artisti del suono lituani

Il Festival di Vilnius si svolge nel cuore di un centro storico le cui chiese e monasteri sono caratterizzati dallo stile barocco. Anche dal punto di vista architettonico, alcune tracce conducono alla Svizzera: nel XVII secolo, artisti e stuccatori provenienti dall’odierno Ticino contribuirono allo sviluppo del barocco lituano. Giovanni Pietro Perti e Giovanni Maria Galli, ad esempio, realizzarono la maestosa sala decorata con stucchi della chiesa dei Santi Pietro e Paolo. Il legame tra Svizzera e Lituania a Vilnius non è quindi solo udibile, ma anche visibile.

Il secondo concerto del Festival di Vilnius è stato interamente dedicato all’eccezionale pianista lituano Andrius Žlabys. Quanti timbri diversi ha saputo ricavare dalle opere di Bach Ouverture alla francese Il modo in cui è riuscito a far risuonare il BWV 831 dal pianoforte a coda Steinway è stato impressionante: ogni trillo, ogni ornamento, ogni accentuazione ritmica ha assunto, nelle sue mani, un colore proprio. Žlabys ha interpretato la musica di Bach come una presenza vibrante. Meno convincente è risultata invece la prima esecuzione assoluta della sua opera Movimento per pianoforte e quartetto d'archi, che pur presentando alcuni passaggi poetici, si ispirava stilisticamente in modo fin troppo evidente ad altri compositori, come ad esempio Arvo Pärt.

Dare da mangiare alle marmotte prima del concerto

Dal punto di vista musicale, la Lituania e la Svizzera sono strettamente legate. Circa un decennio fa, l’Orchestra Sinfonica Nazionale Lituana si è esibita più volte nel villaggio glaciale di Saas-Fee in occasione del festival Música Romântica. La direttrice del festival, Rūta Prusevičienė, ricorda come i musicisti le raccontassero di aver trascorso le giornate facendo escursioni in montagna e dando da mangiare alle marmotte, prima di esibirsi la sera nella chiesa parrocchiale. Il duo pianistico lituano composto da Vilija Poškutė e Tomas Daukantas, invece, vive da diversi anni in Svizzera e fa ormai parte a pieno titolo del panorama musicale locale.

Un importante mediatore tra la musica lituana e quella svizzera è il direttore d’orchestra e flautista Kaspar Zehnder: è entrato in contatto con la Lituania per la prima volta nel 2002, quando l’Orchestra dell’Opera Nazionale si è esibita al suo festival Murten Classics. In seguito ha diretto a Vilnius e Kaunas, portando in Svizzera la musica lituana di Loreta Narvilaitė, Onutė Narbutaitė o di Anatolijus Šenderovas e ha invitato la Klaipėda Chamber Orchestra al Murten Classics e al festival «klangantrisch» nella sua città natale, Riggisberg, di cui è direttore artistico. «Ciò che apprezzo della Lituania è che ad ogni esibizione, ad ogni soggiorno, la rete di contatti si amplia», afferma Zehnder.

Tre settimane di scoperte musicali

Il Festival di Vilnius è durato circa tre settimane. Già nei primi giorni della manifestazione è emersa l’ampiezza stilistica del programma. Il terzo concerto ha visto protagonista il controtenore americano Aryeh Nussbaum Cohen. Accompagnato dalla St. Christopher Chamber Orchestra diretta da Hossein Pishkar, ha tracciato un percorso che spaziava dal barocco al moderno. Cohen ha convinto soprattutto nei passaggi più sommessi, dove la sua voce ha dispiegato un timbro chiaro, delicato e mai cristallino. L’orchestra da camera non è apparsa sempre perfettamente affiatata. La scintilla è scoccata solo a tratti.

Il fascino del Festival di Vilnius sta anche proprio in questo: già poche ore dopo, il concerto successivo offre l’occasione per una nuova scoperta musicale – con o senza un legame con la Svizzera.

Con il sito pubblicato online ad aprile Portale tematico sull'industria musicale «Per la prima volta è disponibile una panoramica centralizzata delle strutture, dei dati e degli sviluppi attuali di questo importante settore dell’economia culturale e creativa», scrive il Centro tedesco di informazione musicale (miz).

Da maggio, il miz mette inoltre a disposizione il «Kompass – Studi musicali» «una piattaforma di ricerca centrale che raggruppa oltre 1700 corsi di laurea in musica in Germania e offre ai futuri studenti un orientamento mirato».

Il miz è un’istituzione del Consiglio tedesco della musica.

Il premio viene assegnato dalla rivista spagnola di musica classica Melómano assegnato. Il CD è stato pubblicato nel gennaio 2’26 dalla MDG ed è dedicato alla musica dei primi anni del XVII secolo.

Lea Suter e Juan González Martínez costituiscono dal 2019 il Duo GlossArte. Nel 2025 l’ensemble ha vinto la 9ª edizione del Concorso Internazionale H. I. F. Biber in Austria. Secondo un comunicato stampa, il duo con sede a Brema è sinonimo di «una pratica esecutiva informata che coniuga la retorica musicale e la libertà artistica».

Il 22 giugno Opus Klassik ha reso noti i nomi dei 37 vincitori dei premi di quest’anno. Nella categoria «Compositore/Compositrice dell’anno», oltre a Dieter Ammanns CD bagliore  presso Fonogramma svizzero Hildur Guðnadóttir per E ora dove andare? con la Deutsche Grammophon e Fazil Say per Requiem di Mozart / Fazil Say: Mozart e Mevlana nominato dalla Warner Classics.

Opus Klassik Si autodefinisce «il premio più importante per la musica classica in Germania». La cerimonia di premiazione si terrà il 10 e l'11 ottobre a Berlino.

link Recensione dell'album «glut – Dieter Ammann – music for orchestra» con l'Orchestre de la Suisse Romande diretta da Jonathan Nott.

Friederike Starkloff è prima violino solista dell’Orchestra Sinfonica di Basilea dalla stagione 2023/24 e nel 2026 passerà dall’HMDK di Stoccarda all’Università di Lucerna – Musica, succedendo a Brian Dean, che andrà in pensione alla fine del semestre primaverile del 2026.

La soprano britannica Mimi Doulton si esibisce su numerosi palcoscenici operistici dal 2018. Il suo repertorio si concentra sulle opere del XX e XXI secolo. A partire dal prossimo semestre autunnale diventerà docente di canto come materia principale. Il nuovo docente di sassofono sarà il bandleader, compositore e musicologo tedesco Fabian Willmann.

 

 

La Confederazione Elvetica è poco conosciuta come paese d'origine dei compositori barocchi. Il fatto che quasi nessun compositore si sia distinto in questo Paese non è dovuto tanto alla mancanza di talento musicale, quanto alle condizioni sociali e istituzionali. Soprattutto per i musicisti cattolici sposati, nella prima Confederazione svizzera moderna c'erano poche posizioni che permettessero loro di lavorare come compositori in modo permanente. Johann Melchior Gletle (1626-1683), nato a Bremgarten/AG e di cui ricorre il 400° compleanno all'inizio di luglio, lasciò quindi la sua patria per intraprendere la carriera di direttore di cattedrale nella città bavarese-sveva di Augusta.

Sappiamo sorprendentemente poco degli anni di formazione di Gletle. Tutto ciò che è certo è che nel 1641 frequentò la scuola dei gesuiti a Friburgo/FR. Nell'agosto del 1651 fu assunto come organista presso la cattedrale di Augusta. Poco dopo sposò Katharina Streitlin, dalla quale ebbe 16 figli. Nell'aprile del 1654 fu il primo non ecclesiastico a essere nominato direttore del coro della cattedrale. In cambio, gli fu data una cotta per poter esibirsi nelle processioni come il clero. Mantenne entrambe le cariche fino alla morte, avvenuta all'inizio di settembre del 1683.

Tra Bremgarten e Augsburg

Gletle trascorse in totale 32 anni con la sua famiglia ad Augusta e vi pubblicò otto stampe musicali, sette delle quali sono sopravvissute. Su tutti i frontespizi compare come cittadino di Bremgarten e direttore della banda della cattedrale di Augusta («Bremgartensi. Ecclesiae Cathedralis Augustanae Capellae magistro»). Fu iscritto nel registro dei cittadini di Bremgarten ogni anno fino alla sua morte. La ragione di ciò rimane poco chiara. Queste e altre domande su Gletle e il suo ambiente saranno oggetto di una conferenza all'Università di Ginevra dal 21 al 23 agosto 2026 a Muri/AG. Contemporaneamente, la serie di concerti «La musica nella chiesa del monastero» opere di Gletle e del suo ambiente musicale.

La cattedrale di Augsburg ha aperto ai laici cattolici opportunità professionali che sarebbero rimaste in gran parte precluse nella Confederazione: I posti di maestro di cappella nei monasteri svizzeri erano solitamente occupati da conventuali e richiedevano l'ingresso in un ordine religioso. Come padre di famiglia sposato, i datori di lavoro di Gletle erano infatti quasi esclusivamente chiese cattedrali e collegiate.

Un giudizio del teorico musicale Sébastien de Brossard (1655-1730) mostra quanto fosse apprezzato durante la sua vita. Tra i compositori del mondo di lingua tedesca, egli apprezzava particolarmente Johann Melchior Gletle e Samuel Capricornus (1628-1665). Di Gletle scrisse: «La sua musica è equilibrata e regolarmente strutturata, ma allo stesso tempo - quando necessario - brillante e leggera. È abile, espressiva, aggraziata e, soprattutto, ottimamente adattata ai rispettivi luoghi, tempi e all'effettivo significato delle parole [traduzione dell'autore]».»

Si tratta di un giudizio notevole per un compositore oggi largamente dimenticato. In vista del 400° anniversario della sua nascita, sono state quindi trascritte altre opere della sua opera, che in precedenza erano state catalogate solo in frammenti, sia per le esecuzioni che per la classificazione critica della sua opera. I preparativi per la conferenza e l'anniversario hanno anche reso visibile l'ampia ricezione contemporanea della sua musica: in Europa centrale (Germania centrale, Alsazia, Svizzera, Austria, Alto Adige), in Europa centrale e in Scandinavia, nonché nelle riduzioni gesuitiche del Sud America.

Un cittadino di Bremgarten che fece carriera ad Augusta e la cui musica veniva ascoltata già intorno al 1700 in Sudamerica: Johann Melchior Gletle è una delle figure affascinanti e ancora troppo poco conosciute della storia musicale della Vecchia Confederazione Elvetica, con una portata mondiale.

Un ulteriore articolo sull'argomento: https://www.musikzeitung.ch/basis/smg/2026/06/johann-melchior-gletle-1626-1683-tagung-und-konzerte-zum-400-geburtstag

Il compositore e polistrumentista Daniel Schnyder, nato a Zurigo, vive a New York da circa 30 anni. Nonostante ciò, continua a visitare regolarmente la Svizzera, tenendo concerti e masterclass e impegnandosi a fondo nella scena culturale locale. Il fatto che la sua collaborazione con Loc.Artium, l'organizzazione fondata da Valérie Probst per promuovere i giovani talenti, abbia funzionato particolarmente bene a partire dal 2025 (in precedenza con la Fondazione Concorso Svizzero di Musica per la Gioventù) è dovuto non da ultimo all'idea di base di questo progetto, che Schnyder porta avanti con coerenza da decenni: la relativizzazione dei confini di genere, la messa in discussione attiva della distinzione tra musica seria e popolare e l'inclusione coerente di tradizioni musicali provenienti da un'ampia varietà di contesti culturali.

Superare la costrizione

Daniel Schnyder è uno dei compositori svizzeri più versatili e apprezzati a livello internazionale, la cui opera copre molti generi, dalle composizioni rinascimentali e barocche al teatro musicale contemporaneo. Nel corso di un'approfondita conversazione telefonica, appare subito chiaro che ciò si basa non solo su un'instancabile creatività e curiosità, ma anche su un'ampia e dettagliata conoscenza della storia della musica attraverso tutte le linee della tradizione. Non è interessato principalmente a riferimenti posizionali o a discussioni teoriche, ma piuttosto a ricordare fatti, intuizioni e movimenti, alcuni dei quali vecchi di secoli, che spesso non sono stati sufficientemente riconosciuti o addirittura deliberatamente ignorati nello sviluppo generale della musica moderna.

Gli effetti di questo sviluppo sono evidenti, spiega Schnyder. La Seconda Scuola Viennese e il serialismo che ne è scaturito sono stati postulati come assoluti dal mondo accademico della musica nella seconda metà del XX secolo; tuttavia, le opere corrispondenti non vengono quasi mai eseguite oggi. I numerosi contro-movimenti (riassunti tra l'altro sotto il termine «musica del terzo corso») che sono emersi come reazione a questa restrizione, nella maggior parte dei casi non sono penetrati nella scena concertistica consolidata. E il suo canone, a sua volta, non si è sviluppato affatto per decenni, come se alla grande confusione si dovesse contrapporre un'altrettanto risoluta conservazione degli interessi acquisiti. La fondamentale apertura verso la musica jazz e le altre musiche extraeuropee, particolarmente diffusa nella prima metà del XX secolo, viene ora presa in considerazione - ma al di là della fusione puramente formale dei dipartimenti di jazz e di musica classica nei conservatori, l'auspicato scambio tra tutti i soggetti coinvolti è inferiore alle aspettative.

Promuovere un atteggiamento di apertura

Il fatto che l'opera di Maurice Ravel Bolero e l'opera di Georges Bizet Carmen sono tuttora tra le opere orchestrali più eseguite e le opere liriche di maggior successo - ed entrambe sono esplicitamente ispirate a musiche extraeuropee - Schnyder tiene a precisare che il suo punto di vista non è né nuovo né rivoluzionario. Piuttosto, per lui è importante mantenere e promuovere la consapevolezza di un atteggiamento aperto, in modo che la creazione musicale contemporanea possa confrontarsi adeguatamente con la società attuale senza paraocchi. Criticare le strutture esistenti sarebbe fuori luogo in questo caso, in primo luogo perché gli sviluppi musicali sono sempre avvenuti come reazione agli sviluppi sociali e, in secondo luogo, perché l'attuale business musicale è sottoposto a una forte pressione dagli sviluppi dei nuovi media. Tuttavia, Schnyder ritiene essenziale contrastare costantemente i pregiudizi superati e, soprattutto, trasmettere questa fondamentale apertura ai giovani musicisti.

Nelle Masterclass Hirschmann, che Valérie Probst ha sviluppato in risposta a una richiesta della Fondazione Hirschmann, ha trovato un eccellente campo di attività. Sebbene in Svizzera non manchino le fondazioni e le altre organizzazioni finanziatrici, egli ritiene che questo progetto altamente specializzato, che non potrebbe essere facilmente concepito all'interno delle strutture accademiche esistenti, sia notevole. Si rammarica quindi che il concerto finale di quest'anno non abbia più luogo nell'ambito del Festival di Lucerna.

Combinare le tradizioni culturali con la musica

Le Masterclass Hirschmann si svolgono ogni anno in Svizzera o nei Paesi limitrofi e mettono in contatto diplomati dei Conservatori di musica con musicisti internazionali di spicco di diverse tradizioni. Finora hanno organizzato le masterclass i seguenti compositori: Fabian Müller, Klaus Ospald, Xavier Dayer, Philippe Racine, Jörg Widmann, Richard Dubugnon, Oscar Bianchi, Daniel Schnyder, Till Löffler, Felix Baumann e Daniel Fueter. Negli ultimi anni, insieme a Daniel Schnyder, l'attenzione si è rivolta alla musica delle culture extraeuropee: Nel 2023 è stato creato un programma diversificato intitolato «Worlds Beyond Orchestra», che è stato eseguito insieme a musicisti di New York, anche in occasione del concerto di apertura del Festival di Lucerna.

L'anno scorso il corso si è svolto con il titolo «Via della seta». Il programma prevedeva connessioni tra i timbri, i ritmi e le forme di espressione musicale orientali e la musica classica in cui i giovani virtuosi si sono formati. Insieme a musicisti provenienti dalla Cina e dal Medio Oriente, sono stati creati ponti musicali tra nuove composizioni, ritmi tradizionali arabi e opere note della musica classica europea.

In questo modo, diverse tradizioni culturali sono state combinate per creare un'opera musicale multistrato che riflette anche il paesaggio sonoro urbano dei giorni nostri. L'orchestra d'archi classica è stata arricchita dai suoni della pipa e del nay e da strumenti a percussione tradizionali come il riqq, la darbuka e i tamburi a cornice. I quarti di tono, i ritmi insoliti e le linee melodiche melismatiche hanno conferito alla musica ulteriori sfumature. Il sassofono occidentale ha fornito un contrasto speciale. Simboleggia il mondo del jazz, che ha sempre assorbito influenze da diverse tradizioni. Allo stesso tempo, incarna il principio dell'invenzione musicale spontanea, l'improvvisazione, che è centrale in molte tradizioni musicali orientali e che ha assunto un nuovo ruolo nel jazz.

Quest'anno la masterclass di Hirschmann si concentrerà sugli strumenti a fiato, mentre per il 2027 è prevista un'esplorazione approfondita delle tradizioni musicali africane. Le iscrizioni sono ancora possibili: https://locartium.ch/de/progr/worlds-beyond-2026-brassology

L'improvvisazione libera è durata quaranta minuti, un tempo lungo per un ensemble amatoriale che suona questa musica da soli tre anni. I partecipanti, quattro donne e un uomo, hanno fatto risuonare gli strumenti nella sala in vari modi. Non hanno suonato i «loro» strumenti, e quindi non si può parlare di suonare nel senso consueto di padronanza. Si è trattato piuttosto di un viaggio congiunto di scoperta in cui sono stati supportati da due professionisti, Peter Schärli alla tromba e Sylwia Zytynska alle percussioni. Il tutto si è amalgamato senza sforzo, creando un insieme di cui i cinque si sono stupiti - e commossi - durante la conversazione successiva.

In questo ensemble di improvvisazione di ultrasessantacinquenni, chiamato Ad libitum, si sono riunite persone di diversa provenienza con il desiderio comune di fare musica, di suonare finalmente lo strumento che hanno desiderato per tutta la vita. Il risultato, che si è potuto sperimentare nell'ambito del festival «Atelier Création», è stato promettente e il progetto è consigliato per l'imitazione. Come scrive la direttrice artistica Zytynska nell'introduzione al programma, si tratta di un luogo «in cui l'attenzione non è rivolta all'abilità o alla conoscenza, ma alla curiosità, alla presenza e alla volontà di ascoltare e partecipare». E questo è stato trasmesso al pubblico nella prima serata del festival.

Il giorno successivo si è esibita la giovane generazione, l'ensemble ImproNext, che esiste da tempo presso la scuola di musica di Basilea. Il progetto si svolge ogni anno in due gruppi di età (12-15 e 15-19 anni) - sotto la direzione di Zytynska e del violinista Egidius Streiff. L'improvvisazione concettuale dimostrata dai giovani Al polso della città ha portato a spazi sonori completamente diversi. L'ingegnere del suono Małgorzata Albińska Frank ha mescolato suoni concreti e rumori dell'ambiente di lavoro urbano. Un paesaggio sonoro a più livelli ruotava nella stanza. Forse l'uno o l'altro dei partecipanti si avvicinerà in seguito al mondo della musica, o forse «solo» (ma è già tanto) uscirà nel mondo con un'esperienza intensa e le orecchie aperte. Sulle tracce della creatività.

Listening Switzerland e Stellwerk come partner

Uno degli aspetti chiave di questo «Atelier Création» è l'attenzione alle creazioni musicali dei dilettanti alle varie interfacce (dette anche "punti di rottura") con il professionismo. Il piccolo festival di Basilea, che si è svolto per la prima volta l'ultimo fine settimana di maggio, ha deliberatamente lasciato il campus dell'Accademia di Musica, promotrice e sponsor dell'evento, per cercare un altro luogo di creatività. Dal 2010, l'industria creativa si è trasferita negli angusti locali dello Stellwerk presso la stazione ferroviaria di St. Johann. Il ristorante Perron offre un piccolo palco per i concerti. In qualità di padrone di casa, l'amministratore delegato dell'associazione Stellwerk, Xenia Fünfschilling, è stata coinvolta anche nel gruppo di programmazione del festival, per cui la location è stata presa in considerazione e ha contribuito al successo dell'evento.

Poiché Sylwia Zytynska è anche la fondatrice e la responsabile artistica di «Zuhören Schweiz», anche questa organizzazione ha svolto un ruolo importante. Gli «Hörminuten», momenti silenziosi di pausa e attenzione - un vero e proprio progetto dell'associazione - hanno aperto l«»Atelier Création" e sono stati eseguiti da giovani e bambini nel centro della città. Oltre alle suddette esibizioni, si è svolta anche una cena cerimoniale con intermezzi musicali.

Vetrina per il laboratorio di composizione

Tuttavia, il vero punto di partenza di questo mini-festival è stato «Composition Plus», un workshop per giovani compositori che si è svolto quest'anno per la quinta volta, guidato dal compositore Lukas Langlotz e dal direttore d'orchestra Matthias Kuhn. Finora il corso, della durata di un anno, è stato completato internamente. Per renderlo più pubblico, è stato creato l«»Atelier Création«, dove si sono potuti ascoltare anche i risultati del workshop »Songwriting" sotto la direzione di Anna Hirsch. Per entrambi i corsi, in tutte le giornate di lavoro e per il concerto finale, sono stati messi a disposizione dei dilettanti gruppi di accompagnamento professionali. Dopo tutto, è essenziale che essi verifichino ciò che hanno concepito nella loro testa e messo in partitura durante l'ascolto e lo correggano se necessario.

È stata un'atmosfera incredibilmente stimolante quella che si è respirata durante i tre giorni di lavoro o gli studi di «Komposition Plus». È stato messo in moto un processo. I partecipanti hanno portato con sé le loro partiture, hanno potuto ascoltarle per intero e per estratti, discuterne con i due direttori e i musicisti e poi continuare a lavorarci. «È qualcosa che gli studenti compositori difficilmente possono sperimentare altrove, quindi è una specialità della nostra scuola di musica di Basilea», afferma Lukas Langlotz, sottolineando che solo il Progetto Giovani Compositori della Künstlerhaus Boswil offre qualcosa di simile.

Qui potete voler essere ascoltati

Uno dei partecipanti ha detto che è proprio questo che lo attrae e lo aiuta a progredire: Ronan Hughes, geografo di professione, ha frequentato i workshop fin dall'inizio e ne ha tratto enormi benefici. Anche il suo pezzo, potente e chiaro, ne è la testimonianza. Potente. È stata richiesta una formazione stravagante con tromba, trombone, tuba, contrabbasso e percussioni. È stata una sfida e ha portato i cinque musicisti a soluzioni molto diverse. Marcus Schmied, che lavora come insegnante di percussioni presso la scuola elementare di Leonhard, ha ascoltato in modo suggestivo gli overtones e i loro Proporzioni all'interno. Tanja Bippus-Jäger, che da qualche tempo viaggia come artista interdisciplinare, ha sviluppato un pezzo groovy e vario chiamato G come Dio e G come Goethe. Caner Öztas e Gion Pinösch, invece, i più giovani, entrambi in procinto di prendere il diploma, hanno presentato un brano musicale molto accattivante: Öztas, suonando per Nostalgia di casa gli strumenti vagavano per la stanza, e Pinösch, suonando in Partenza ha reagito alla situazione mondiale e ha lasciato che la sua musica finisse in pace. Il tutto suonava molto fresco - ed era anche alimentato dal desiderio di emergere e farsi sentire. Sì, anche questo è un momento che spesso i dilettanti non osano fare: voler essere ascoltati.

https://www.musikschule-basel.ch/de/angebot/atelier-creation.html

Nota di trasparenza: l'autore ha svolto un ruolo di moderatore dell'evento e ha scritto un saggio per il libretto del programma, quindi è decisamente favorevole al progetto. Tuttavia, gli sembra troppo prezioso per non essere menzionato.

Il percussionista, compositore e curatore Alexandre Babel è stato membro dell'ensemble KNM di Berlino e direttore artistico del Centro di Percussioni Eklekto di Ginevra. Sviluppa progetti che mettono in discussione le aspettative del pubblico in termini di conquista di nuovi contesti. È stato insignito del Premio svizzero di musica nel 2021.

Joan Jordi Oliver è sassofonista, compositore e curatore. Attualmente è direttore artistico dell'ensemble TaG Neue Musik Winterthur e cura la serie di concerti «Strom am Mittag», oltre a vari progetti all'interfaccia tra musica contemporanea, sperimentale ed elettronica.

I nuovi co-direttori succedono a Matthias Arter e Andri Hardmeier, che sono stati responsabili del profilo artistico della CNZ hanno plasmato e sviluppato in modo decisivo la città con nuovi format e serie di concerti negli ultimi anni.

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Focus

Portafortuna al letto di cura
Intervista. Musikspitex fornisce nutrimento all'anima a casa o nelle case di cura. In concerti individuali, Mirjam Toews e il suo team rivolgono la loro attenzione a persone indebolite, affette da demenza o in fin di vita. Uno specialista di attivazione e un parente confermano quanto sia toccante. E noi lo sperimentiamo con il signor J.

Più felice con Musica
Non è così facile aumentare la propria soddisfazione di vita. La musica può contribuire a questo scopo, a patto che la si ascolti con questa intenzione. Almeno questo è ciò che ha scoperto un doppio studio americano.

Tra chanson satirica e Fun Rock
Musica e umorismo vanno d'accordo. Lo si sapeva già nell'antichità e ancora oggi gli artisti rendono felice il pubblico con questa combinazione. Alcuni esempi dalla Svizzera francese.

Un incoraggiamento a cantare nella vita quotidiana
L'autore considera il canto involontario e dimentico di sé come un diritto umano e ci incoraggia a riconquistare questa felicità spesso perduta.

Sul filo di seta della felicità
Duro lavoro, talento, perseveranza e un pizzico di attitudine alle relazioni umane sono i requisiti fondamentali per una carriera di successo. Tuttavia, raramente funziona senza coincidenze fortunate. Guidati dal nostro autore, i musicisti raccontano le circostanze favorevoli e l'arte di sfruttarle al meglio.
Citazioni di Janine Cathrein, Valeria Curti, Nicole Johänntgen, Joana Aderi, Richard Köchli, Simon Borer, Veronica Fusaro, Nik Bärtsch e Gini Jungi in versione integrale

(corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

Critiche

Nuove pubblicazioni Libri, Vettore sonoro, Siti web, Note, Film

Eco 

Poiché nell'edizione stampata non c'è spazio sufficiente per tutti i testi, essi sono elencati qui e collegati ai corrispondenti articoli online. La maggior parte di essi è stata pubblicata prima dell'edizione stampata.

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Dalla passione alla sorpresa, dal classico al pop, dal décloisonnement al grand écran
Durante la prima stagione del Grand Récital, il 25 aprile di quest'anno, Martha Argerich e Dong Hyek Lim hanno suonato con passione e serenità, in assoluta complicità, con l'eterno gioco di cristallo di Martha Argerich. Alla Cinémathèque, il pianista Lucas Debargue ha improvvisato su «Le Fantôme de l'Opéra».

Messaggio: Erika Radermacher compie novant'anni 

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L'edizione di quest'anno di Classical:Next, il più grande simposio mondiale di musica classica e contemporanea, si è svolta a Budapest. La partecipazione svizzera è stata marginale.

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Johann Melchior Gletle nacque 400 anni fa a Bremgarten, nel cantone di Argovia. La sua carriera lo portò ad Augusta come organista e direttore del coro della cattedrale.

Una nuova sala concerti per Altdorf
Da quando gli inverni sono diventati più caldi e le piste da sci più corte, le regioni di montagna hanno scoperto il turismo estivo e con esso la cultura. Andreas Haefliger vuole convertire a questo scopo la vecchia armeria del capoluogo urano.

Una casa di musica popolare per tutti
Carta bianca per Markus Brülisauer

Notizie: Fabian Renz è il nuovo caporedattore della SMZ

Una camera di risonanza per i talenti classici di Zurigo
Il panorama del sostegno ai giovani musicisti del Cantone di Zurigo si è arricchito di una nuova piattaforma: «Zurich Youth Classical» ZYC vuole essere più di un semplice concorso. La personalità artistica deve essere al centro della scena.

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Educazione musicale Svizzera

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

Swissmedmusica (SMM) / Associazione Svizzera di Medicina della Musica (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Hans in Luck
Puzzle di Thomas Meyer

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Emissione dell'ordine per CHF 12.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

Le citazioni sono elencate in ordine alfabetico di nome e cognome. In primavera, Hanspeter Künzler ha chiesto ai musicisti di parlare dei «momenti sliding doors» in cui il caso e la fortuna hanno fornito nuovi importanti impulsi lungo il percorso.

Gini Jungi (Annie Taylor)

Argomento interessante... che mi accompagna quasi ogni giorno, perché in realtà ho sempre una quantità incredibile di «fortuna».

Ho avuto modo di riflettere su questo argomento e in qualche modo sono sempre arrivato alla stessa conclusione: La felicità è molto spesso dietro l'angolo, ma bisogna anche essere pronti a riceverla, vederla e accettarla.

Molti dei momenti in cui sono stato «fortunato» hanno avuto anche molto a che fare con la resilienza, il duro lavoro e la perseveranza. Dopotutto, non per niente si dice: «Ogni uomo è artefice della propria fortuna». Perché nessuno ti stava aspettando, e devi essere proattivo per sfruttare le opportunità che potrebbero anche essere etichettate come «fortuna».

Per esempio: quando volevo davvero un ingaggio negli Stati Uniti, ho scritto al mio attuale agente che sarei stata a Los Angeles la settimana successiva e gli ho chiesto di prendere un caffè con me. Non avevo un biglietto per Los Angeles e non avevo in programma alcuna vacanza. Quando sono stato fortunato e mi ha risposto «Sì, perché no», ho prenotato un biglietto e sono volato a Los Angeles... Ora abbiamo fatto tre tournée negli Stati Uniti: una fortuna, ma anche un'iniziativa.

Per il resto, direi che il mio «momento di scivolamento» è stato il seguente:

Un amico mi chiese se potevo disegnare uno striscione per lo stand di kebab in cui dava una mano in estate. Lo stand con lo striscione è stato allestito all'Openair di Zurigo e mi sono stati dati i biglietti dell'Openair come pagamento. Così rimasi lì, ignaro del fatto che quella serata avrebbe messo in moto tutto. Andai a vedere alcuni gruppi e alla fine mi ritrovai al concerto di una band che avevo scoperto qualche settimana prima su KEXP. Wolf Alice. Dopo il concerto, ho capito che dovevo formare una band per poter supportare un giorno i Wolf Alice. Sembra divertente, è quello che voglio fare. E così è stato.

Il 22 maggio è il nuovo album di Annie Taylor pubblicato.

Janine Cathrein (Dahu del Mar Nero)

Vorrei rispondere senza pensarci troppo: Tornai a casa dal campo estivo, dove avevo imparato per la prima volta qualche accordo di chitarra. Ero incazzato nero e pochi giorni dopo mio padre tornò a casa con una chitarra in mano che aveva visto per caso in un mercatino delle pulci per 50 franchi mentre faceva un lavoro di montaggio, era un arredatore d'interni. Che colpo di fortuna è stato per me, che ispirazione, e che bello che mio padre abbia subito alimentato la mia passione per la chitarra senza esitazioni.

Joana Aderi (compositrice, musicista)

Dal punto di vista della personalità, tendo ad accettare immediatamente la realtà che si trova al di là delle porte scorrevoli come la nuova normalità. A posteriori, mi sembra del tutto ovvio che ho attraversato queste porte e che tutto si è svolto in quel modo... Quindi, non provo alcun sentimento di coincidenza da parte mia.

Tuttavia, c'è stato un momento assolutamente chiave nel processo di una psicoterapia più lunga. Ovvero, quando tutto il mio corpo ha compreso profondamente che l'autostima e la musica possono essere disgiunte. Da quel giorno, mi è piaciuto molto espormi musicalmente; prima di allora, era spesso associato alla sofferenza.

Nicole Johänntgen (sassofonista)

A metà agosto 2025 sono stato invitato a tenere una conferenza sulla felicità. Da circa sei mesi stavo lavorando intensamente sulla felicità e sul suo significato. Uso spesso la frase «Ma ora sono stato fortunato nei momenti quotidiani". Per me ci sono diversi momenti di felicità. Li metto in relazione con la mia vocazione. Sono un musicista jazz e mi piace esplorare il mio strumento e poter trasmettere il mio amore per la musica ad altre persone attraverso la musica.

Attualmente sono in tournée nel sud della Francia e in Andalusia e il feedback di tutti i miei colleghi musicisti è che sembriamo così felici, ma stiamo anche facendo un atto di equilibrio tra la nostra situazione socio-politica e la leggerezza del nostro modo di suonare. Riusciamo a portare la gente con noi. Provo questa felicità a ogni concerto. Ci esercitiamo e ci esercitiamo, ma c'è un'energia che non si può esercitare, ma che attraversa la sala come un filo magico. Questa è quella che io chiamo fortuna e ciò che è dovuto arriverà prima o poi. È qualcosa che non riesco a descrivere a parole.

Tuttavia, ho avuto due esperienze fondamentali che mi hanno avvicinato a questa felicità, a sentire il potere della musica, la sua arte e a trasmetterla. Stavo ancora studiando quando fui invitato a partecipare allo IASJ (International Association of Schools of Jazz) come sassofonista a Helsinki. Sotto la direzione di David Liebman, molti musicisti jazz si riunirono, furono divisi in gruppi e suonarono insieme. E poi c'è stato questo momento. Suonavo in un gruppo con il batterista statunitense Brandon Lewis. Stavamo suonando uno standard jazz e in quel momento è successo. Sono caduto in trance. Ricordo solo quando mi sono svegliato all'improvviso. Era la fine dell'assolo di sassofono e batteria. Non ricordo cosa sia successo in quei due o tre minuti. Ma è stato così mozzafiato che ho capito che volevo farlo. Per me è stata una sensazione molto forte e concreta di felicità nella musica.

La stessa cosa mi è successa cinque anni dopo. Sempre nella piscina dell'improvvisazione con batteria e sassofono. E allora ho capito che stava succedendo qualcosa. Ho capito allora che non era più una coincidenza, era destino. E questa energia che si stava accumulando si rifletteva nel pubblico. Uno stato di trance pura.

Nik Bärtsch (Ronin, Mobile, pianoforte solo)

 Vorrei citare il bandleader Pepe Lienhard: «Quando la fortuna arriva, bisogna essere pronti». Non riesco a pensare a un momento di pura fortuna. È più probabile che sia stato il destino, cioè l'interazione di preparazione, intuizione e forze al di fuori del mio controllo. Spesso confondiamo anche il destino con la fortuna. Chi sa cosa sono queste forze, se sono reali o meno? Le persone difensive chiamano la fortuna privilegi e le persone creative chiamano la fortuna opportunità.

Richard Köchli (musicista blues, autore)

Comincerei col dire che, in quanto cristiana devota, per me ci sono due livelli - non sembra molto spettacolare o sexy: sono completamente convinta e ho sperimentato più volte che i «momenti delle porte scorrevoli» accadono ogni giorno, anche al lavoro e soprattutto sul palcoscenico - l'epitome dell'agire nel qui e ora. Ho vissuto tanti di quei momenti in cui mi sono sentita portata, ispirata e libera sul palcoscenico, anche se non c'era la minima ragione per questo (come la cosiddetta «fiducia in se stessi»), ma solo paura e incertezza. Quindi fortuna e coincidenze a profusione; ogni nota riuscita e toccante (sia alla chitarra che alla voce) è - non suono mai le canzoni allo stesso modo due volte - fondamentalmente fortuna e coincidenza. E semplicemente... non è merito mio.

Tre esempi della mia carriera in cui c'è stata una vera e propria scossa dovuta a coincidenze fortunate - e a persone meravigliose che l'hanno orchestrata:

Esempio 1)
Polo Hofer. Sono arrivato all'attenzione di Polo alla fine degli anni Novanta (credo sia stata una raccomandazione di Hank Shizzoe) e ci siamo incontrati due o tre volte sul palco e in studio. Polo mi ha fatto capire che ai suoi occhi ero un «artista» (una buona parte di miele, mi è piaciuto); ha anche fatto il mio nome un paio di volte nei media - e a un certo punto, nei primi anni 2000, in un'intervista per il rinomato supplemento culturale di un importante quotidiano, ha dovuto rispondere a varie domande da furbetto. Una di queste era: «Züri West o Patent Ochsner?». Polo, con la sua prontezza di spirito, rispose: «Richard Koechli» ... Questo fu il riconoscimento per me nella scena.

Esempio 2)
A un concerto blues a Lucerna, credo alla fine degli anni Novanta, mi è stata data l'opportunità di suonare spontaneamente la chitarra slide per uno o due brani con il famoso bluesman statunitense Larry Garner. Larry mi disse in seguito sul palco: «Non ricorderò il tuo nome o il tuo volto - ma non dimenticherò mai la tua chitarra slide». Quello fu il mio personale riconoscimento nella scena blues; da quel momento in poi seppi: «Con la chitarra slide (e solo con essa) puoi suonare liberamente su qualsiasi palco e in qualsiasi contesto del mondo all'altezza degli occhi. È il tuo jolly».»

Esempio 3)
Soprattutto all'inizio della mia carriera - quando non ero ancora un cantante e lavoravo «solo» strumentalmente - ho sempre sognato di ottenere lavori interessanti nella scena musicale cinematografica. Non avevo la minima idea di come avrei potuto aprirmi una porta (praticamente tutti i lavori di chitarra slide nell'industria cinematografica e pubblicitaria dell'epoca andavano a Max Lässer, e giustamente), e non mi è successo nulla in quella direzione. Quasi 20 anni dopo (2012), avevo smesso da tempo di pensare al sogno della musica per film, quando improvvisamente ricevetti una richiesta da Peter Von Siebenthal (ex-Züri West): Peter era ormai un rinomato produttore di musica per film e stava cercando musica blues per un lungometraggio. Il progetto non era ancora concreto; gli inviai alcune mie registrazioni, poi non se ne seppe più nulla per un anno - e poi, quando ormai avevo dimenticato tutto, arrivò la promessa: "Suoni la musica per chitarra per l'adattamento cinematografico del romanzo di successo di Pedro Lenz". Il portiere è ig. Questo è stato di per sé un momento importante per me: lavorare con Peter è stato così rilassato, stimolante e libero che mi sono sentito quasi trasgressivo: Improvvisavo scene di film e non avevo mai guadagnato prima (e mai più da allora) così tanti soldi in modo così giocoso. Ma il vero scoop è arrivato dopo, quando questo film ha vinto il Premio del Cinema Svizzero nel 2014 e siamo stati premiati anche per la musica del film. Tra l'altro, uno di noi doveva fare il discorso di accettazione; Peter non voleva farlo in nessun caso e io, essendo balbuziente, ho fatto ricorso al trucco di fare il discorso cantando (https://www.srf.ch/play/tv/kultur-extras/video/beste-filmmusik-peter-von-siebenthal-und-richard-koechli?urn=urn:srf:video:3c6a76a8-3e78-4061-84df-306493765c63). Questo divenne l'attrazione della serata: tutti pensarono che Koechli fosse un tipo incredibilmente originale, quando invece si trattava solo di una soluzione di fortuna (preparata). Conclusione: avevo rinunciato da tempo al sogno della musica per film. Se rinunci ai sogni, non vuoi forzare nulla e non ti aspetti nulla dal destino, le porte possono aprirsi all'improvviso e puoi, ad esempio, vincere il Premio Svizzero di Musica Cinematografica con il tuo primo lavoro di musica per film. Quindi per me la formula «non smettere mai di sognare» non è assolutamente vera...

Tutti e tre gli esempi dimostrano che questi momenti di Sliding Doors sono sempre e senza eccezione resi possibili da persone che fanno qualcosa per gli altri e danno loro una possibilità o un «semplice» feedback costruttivo. Questo è il libero arbitrio dell'uomo - Dio può operare solo attraverso le persone e aprire le porte. Le persone non sono obbligate a giocare se non vogliono. Tuttavia, ogni persona felice cerca di giocare questo ruolo, perché sa che la sua felicità è stata resa possibile solo da questo.

Simon Borer (Long Tall Jefferson, Dandelion Honey)

Fai Baba e io ci conoscevamo più o meno di sfuggita dalla scena musicale, avendo suonato allo stesso festival qui o là nel corso degli anni e ci siamo salutati brevemente, ecc.

Nel tardo autunno del 2021, ci siamo conosciuti un po« meglio al grande »BlauBlau Alle Sterne" di Till Ostendarp nell'attico della Reitschule di Berna. Poi ci siamo dati appuntamento nel mio studio il 21 dicembre 2021 per stare insieme e suonare la chitarra. Quando siamo scesi insieme nel seminterrato, mi sono subito reso conto che il mio compagno di studio Paul Märki era stupidamente già lì - avevo dimenticato di prenotare nel nostro calendario dello studio, che stupido!

Un po' imbarazzata, presento Paul e Fai. Mentre Paul raccoglie le sue cose, Fai inizia a suonare la sua chitarra e facciamo due chiacchiere. In qualche modo nasce l'idea che noi tre potremmo registrare spontaneamente qualcosa insieme. Paul si siede alla batteria, io prendo il basso e partiamo. Qualche ora dopo, usciamo dallo studio eccitati e un po' increduli con un brano strumentale finito, intitolato Winter Solstice.

Durante il periodo natalizio, abbiamo mostrato con orgoglio questa musica a parenti e amici, che ne sono rimasti entusiasti. Così ci siamo riuniti di nuovo per vedere se avrebbe funzionato di nuovo - e così è stato! È così che è nato il nostro album di debutto Miele di tarassaco. Non potevamo immaginare ciò che doveva ancora accadere.

La prossima settimana partiremo per un altro tour europeo con il nostro secondo album Boogie dei ciliegi in fiore, questa volta fino in Inghilterra. Lo spettacolo a Londra ha registrato il tutto esaurito per settimane. Tutto questo non sarebbe successo se avessi prenotato nel calendario dello studio nel dicembre 2021.

Valeria Curti (fagotto solista, docente)

Mi chiedo spesso perché sono al punto in cui mi trovo nella mia carriera: docente all'Università delle Arti di Berna e fagottista solista al Musikkollegium Winterthur. Dove sarei oggi se mi fossero state aperte altre porte?

Ho investito molto nella mia formazione, soprattutto tra i 14 e i 25 anni ho trascorso molte ore con il mio strumento, il fagotto, filmando, analizzando e migliorandomi ogni giorno.

Oggi so che questo investimento da solo non sarebbe stato sufficiente. In matematica c'è giusto o sbagliato - nella musica classica, nell'arte in generale, è tutto un po' più complicato...

Quando avevo 19 anni, feci un'audizione per uno stage al Musikkollegium di Winterthur e fui «fortunato» perché il mio modo di suonare incontrava il gusto musicale della giuria, in particolare quello del fagottista solista dell'epoca. Credo che abbia sentito qualcosa nel mio modo di suonare che lo ha colpito. Naturalmente, non bisogna dimenticare che non sono stato selezionato per molte altre audizioni prima e dopo quel momento.

Mi sono sentito subito a mio agio nella sezione dei fiati del Musikkollegium e sono riuscito ad integrarmi bene - l'intesa era giusta! E così è successo che ho potuto crescere musicalmente e personalmente al Musikkollegium Winterthur a fianco del mio mentore. Tre anni dopo, il secondo fagottista dell'orchestra, che aveva ricoperto il ruolo per più di 30 anni, andò «fortunatamente» in pensione e io riuscii a battere tutti gli altri all'audizione.

Sebbene mi sentissi a mio agio nella posizione di secondo fagotto, sentivo chiaramente di voler mostrare al mondo qualcosa in più di me e della mia personalità musicale, e feci un'audizione per posizioni di fagotto solista a Lugano e Monaco, senza successo.

Il mio trampolino di lancio per la carriera è avvenuto in seguito a un evento molto triste: Il mio collega, mio mentore e modello, si ammalò gravemente e morì l'anno successivo. Non era solo il fagottista solista del Musikkollegium Winterthur, ma anche un docente dell'Università delle Arti di Berna. E così è successo che ho potuto seguire le sue orme dopo vari iter, sia a Berna che a Winterthur. A volte è difficile per me suonare al suo posto perché, a seconda del pezzo, mi vengono in mente ricordi di lui che mi rendono triste. Ma ogni tanto mi capita di non suonare brevi passaggi come «io», ma inconsciamente come «lui», per esempio nelle sinfonie di Brahms, che ho suonato più volte al suo fianco e ho assorbito inconsciamente il suo stile di esecuzione. Questi momenti mi sfuggono dalla bocca, per così dire. Questo mi fa spesso sorridere.

Vorrei che oggi fosse ancora seduto sulla sua sedia a Winterthur e che ci ispirasse tutti con il suo modo di suonare. Avrei semplicemente preso un'altra strada e probabilmente oggi starei facendo e/o insegnando la mia musica da qualche altra parte, perché ho investito abbastanza in gioventù e oggi ho risorse su cui contare, anche grazie ai miei genitori, che hanno reso possibile questo percorso per me.

Addendum del 18 maggio: solo due giorni fa il mio curriculum è cambiato. Ho vinto un'audizione e dalla prossima stagione suonerò come fagotto solista nell'Orchestra di Santa Cecilia a Roma.

Veronica Fusaro (cantante, cantautrice - registrata prima della sua esibizione all'ESC)

Sono seduta sulla sedia da trucco e ho un minuto per risponderti 🙂 Non credo in un momento decisivo in cui tutto si ribalta all'improvviso. Guardando indietro, è più la somma di tante piccole decisioni, incontri ed esperienze che hanno plasmato il mio percorso. Questi singoli passi mi hanno gradualmente confermato e rafforzato in ciò che faccio oggi. Ma ciò che è emozionante è che in questo momento ho la sensazione che molte cose si stiano unendo e diventando improvvisamente più chiare, come se questi sviluppi si stessero unendo per formare un quadro più grande.

 

Le dinamiche che si stanno manifestando a livello europeo e che vengono europeo Studio influiscono in modo particolare sulla Svizzera. Infatti, i meccanismi che decidono quale musica ascoltare sono all'opera anche qui, ma in un mercato ulteriormente frammentato da diverse aree linguistiche.

Gli algoritmi decidono cosa ascoltare

Le piattaforme di streaming sono oggi il punto di accesso più importante alla musica. I brani che vi sono visibili dipendono in larga misura dalle raccomandazioni algoritmiche e dalle playlist curate.

Questi sistemi sono orientati principalmente alle abitudini di ascolto esistenti e alle tendenze globali. Questo effetto è rafforzato dalla struttura del mercato: gran parte dei contenuti curati è controllata nei centri aziendali internazionali dei fornitori di streaming, spesso senza una conoscenza approfondita delle scene o dei contesti culturali locali.

Di conseguenza, l'attenzione si concentra su contenuti già di successo, mentre per la musica nuova, locale o linguisticamente meno diffusa è molto più difficile raggiungere il pubblico.

Le aree linguistiche come confini invisibili

Un risultato chiave dello studio lo conferma: La lingua agisce come un filtro strutturale nello spazio digitale. Gli utenti si muovono prevalentemente all'interno dei propri spazi linguistici, i cosiddetti «silos linguistici».

Questo ha un impatto diretto sulla visibilità: i contenuti in lingue minori vengono raccomandati e distribuiti molto meno frequentemente di quelli in lingue dominanti a livello globale.

I brani in lingua inglese provenienti dalla Svizzera non vengono trattati dalle piattaforme come «musica svizzera», ma come parte dell'offerta globale in lingua inglese. Sono quindi in diretta concorrenza con milioni di pubblicazioni internazionali, il che rende la loro visibilità ancora più difficile.

Questa dinamica è particolarmente rilevante per la Svizzera. Con quattro lingue nazionali, un piccolo mercato incontra diverse aree culturali. Ciò che è evidente su larga scala in Europa è condensato su piccola scala in Svizzera: La diversità esiste, ma è distribuita in spazi di percezione separati.

Più offerta non significa più presenza

Il numero di canzoni disponibili sta crescendo rapidamente. Allo stesso tempo, una buona parte di essi rimane praticamente invisibile. Lo studio lo dimostra: Essere online da soli non è sufficiente. Il fattore decisivo è se la musica viene trovata o meno.

Inoltre, c'è uno sviluppo che sta ulteriormente esacerbando questa dinamica: l'uso dell'intelligenza artificiale sta aumentando ulteriormente la quantità di musica prodotta. Il risultato è un

un'ulteriore intensificazione della competizione per l'attenzione.

Questo sposta la domanda centrale da «Si produce abbastanza?» a «Chi viene ascoltato?».»

La visibilità come questione di politica culturale

I risultati sottolineano che la diversità culturale non emerge automaticamente nell'ambiente digitale. Oltre alle piattaforme, i formati curati, i media e la promozione mirata continuano a svolgere un ruolo importante nel rendere visibili le diverse voci.

IndieSuisse, SONART e l'organizzazione mantello Swiss Music Council stanno quindi affrontando sempre più spesso la questione di come rafforzare la visibilità nello spazio digitale in dialogo con le piattaforme, i media e i politici.

Il pubblico modella anche ciò che diventa visibile

Tuttavia, non sono solo gli algoritmi a determinare la visibilità, ma anche il comportamento degli utenti. Gran parte dell'utilizzo avviene tramite raccomandazioni predefinite,
Tendenze o playlist automatiche. Le ricerche attive di musica nuova o sconosciuta sono relativamente rare.

Se fate delle scelte consapevoli e non lasciate che la vostra fruizione della musica sia affidata agli algoritmi, potete influenzare direttamente i contenuti che diventano visibili e si diffondono.

Opportunità di rendere udibile la diversità svizzera:

• Cercare in modo specifico la musica svizzera, invece di affidarsi alle raccomandazioni automatiche.
• Creare e condividere le proprie playlist
• Utilizzare offerte curate, come playlist di etichette o media (ad esempio «IndieSuisseMonday #fresh»).
• Consigliare consapevolmente la musica

Un tema di crescente attualità

La questione della scopribilità dei contenuti culturali sta diventando sempre più una sfida centrale per la cultura, i media e la politica. Con il progredire della digitalizzazione, l'attenzione si sta spostando dalla produzione alla distribuzione, e quindi alla questione di chi diventa visibile.

Allo stesso tempo, sviluppi tecnologici come i sistemi di raccomandazione algoritmica e l'intelligenza artificiale generativa stanno rafforzando le dinamiche esistenti. Senza contromisure mirate, la diversità delle forme di espressione culturale nello spazio digitale rischia sempre più di scomparire.

Lo studio europeo mostra quindi più di un'istantanea:
La visibilità della musica sta diventando un prerequisito centrale affinché la diversità culturale abbia effettivamente luogo.

IndieSuisse, SONART e l'organizzazione ombrello Consiglio svizzero della musica invitano i politici e gli amministratori a fornire condizioni quadro adeguate e risposte normative contemporanee per contrastare efficacemente questo sviluppo indesiderato della politica economica e culturale.

 

Questo testo è il Comunicato stampa del Consiglio svizzero della musica del 1° giugno 2026

Le composizioni degli ultimi 25 anni hanno fornito una visione vivace della sua ricca opera di musica da camera. Il programma comprendeva cinque opere: l'apprezzato assolo per flauto Movimento del 1999, lo spigoloso-virtuoso Scena I per violino e violoncello, il pianoforte solo La canzone di Daphne, composto nel 2002 per Massimiliano Damerini e la Biennale di Venezia, in prima esecuzione al Festival di Berna 2023 Canzona ad astra per baritono, clarinetto e violoncello su frammenti di testo dell'astronomo Johannes Kepler, nonché una prima mondiale, Un dialogo tra anima e corpo, una composizione commissionata dall'Accademia.

Il nuovo lavoro si basa su un testo del poeta e politico barocco inglese Andrew Marvell, che descrive le contraddizioni tra corpo e anima come un'unione e un'opposizione carica di conflitti e senza via d'uscita. Un tema sempre attuale, non solo per gli psicologi di oggi. Il testo ha ispirato il compositore a creare un duetto declamatorio e gestuale in forma di discorso e controdiscorso, con le voci intrecciate sostenute dai cinque strumenti in un vivace commento. Con Maud Niklas (soprano), Robert Koller (baritono) e i musicisti dell'ensemble di Monaco der/gelbe/klang sotto la direzione di Peter Hirsch, l'opera ha riscosso un grande successo di pubblico.

In una conversazione di mezz'ora con il compositore e membro dell'Accademia Nikolaus Brass, Bettina Skrzypczak ha avuto anche l'opportunità di parlare a lungo delle sue opere e del suo punto di vista artistico.

Link all'evento