Sorprendentemente, della dozzina di eventi, anche quelli che presentavano esclusivamente musica contemporanea sono stati molto seguiti. Nonostante il generoso supporto di Novartis come sponsor principale, il Festival Interfinity dipende naturalmente dalle entrate. Per questo motivo, alcuni dei concerti della prima metà del festival hanno visto la partecipazione di artisti molto noti - come il flautista Maurice Steger, il Coro della Radio Lettone, i 12 violoncellisti dell'Orchestra Filarmonica di Berlino e l'organista Iveta Apkalna - che hanno riempito anche sale più grandi. Tuttavia, nei loro programmi hanno fatto riferimento al tema del festival. Lukas Loss, fondatore e direttore del festival, può affermare di essere più coerente di altri organizzatori nel concentrarsi su un tema specifico, quest'anno lo spazio, e nel presentare opere e persone che altrimenti non sarebbero state necessariamente ascoltate nella vita culturale di Basilea. L'aspetto particolarmente interessante per il pubblico è stato il fatto che molti eventi si sono svolti in sale altrimenti utilizzate per altri scopi o non aperte al pubblico.

Volume galattico

In un ex silo sulla Franck Areal, dove un tempo si produceva il prodotto sostitutivo del caffè «Franck Aroma» o l'estratto di caffè «Incarom» e che oggi ospita la Tanzhaus Basel, il Parser sovramodale per una cantante donna, chitarra elettrica, sassofono, percussioni ed elettronica del sound artist e compositore tedesco Alexander Schubert. Come recita il programma del festival, un'immersione nel «cosmo interiore dell'uomo: nell'estasi, nel suono e nella luce, nell'inconscio». Se effettivamente «ci si è tuffati nel profondo del subconscio e si sono incontrati il desiderio, i sogni e il», ognuno si sarà sentito in modo diverso.

In ogni caso Parser sovramodale, creato per l'Ensemble Nikel e presentato in anteprima a Vienna, è un Gesamtkunstwerk di musica, nebbia, luce ed elettronica che mette alla prova tutti i confini. Il suo incredibile volume, che si sente fisicamente nonostante le protezioni acustiche fornite all'ingresso, ricorda un folle party techno. Il testo («ventiquattro ore, avanti, ponte, cerchio, linea, aprire, contorcere, trascinare pesantemente, allineare le falene, le piume colpire abbracciare, la schiuma» ecc. L'esibizione di Mona Steinwidder (voce), Paulina Pitenko (sassofono), Miguel Garcia (percussioni, Denis Linnik (pianoforte), Ruben Mattia Santorsa (chitarra elettrica), Nika Schönfelder (luci) e Alexander Schubert (elettronica) è stata accolta con grande entusiasmo.

L'ampio spettro sonoro della chitarra elettrica

La chitarra elettrica è stata nuovamente protagonista di due concerti con il musicista israeliano Yaron Deutsch, professore di musica contemporanea all'Università di Musica di Basilea dal 2021. Il primo, sempre alla Tanzhaus Basel, ma in un altro silo del vasto sito, con Uli Fussenegger (contrabbasso) e un piccolo ensemble strumentale, ha presentato opere che hanno dimostrato con forza il potenziale della chitarra elettrica. Essa affascina con uno spettro che va dalla grande delicatezza a suoni che ricordano i motori di un jet in decollo, prodotti grazie a vari pedali o dispositivi aggiuntivi che agiscono direttamente sulle corde. Tutti e quattro i lavori di Elena Rykova, Clara Iannotta, Tristan Murail e Catherine Lamb sono stati convincenti, con gli Ondes Martenot, strumenti elettronici primitivi con un colore sonoro molto specifico, che hanno costituito un'ulteriore attrazione in due di essi. Lamb Ombra/Linea per otto strumenti (2011) è un continuum sonoro microtonale da cui emergono continuamente singoli colori, in cui è piacevole immergersi.

Il secondo concerto con Yaron Deutsch, ora alla Gare du Nord, il noto locale di Basilea per la musica contemporanea situato nell'ex sala d'attesa della Badischer Bahnhof, ha visto protagonista il violinista Irvine Arditti, uno dei più leggendari interpreti di musica contemporanea. Le opere eseguite, tutte scritte negli ultimi otto anni, non hanno colpito per il loro spettacolare virtuosismo, ma piuttosto per la loro sonorità finemente affinata. Kelley Sheehans Budella calde e di Sarah Nemtsov EMP, sia per violino che per chitarra elettrica, sono stati i pezzi più interessanti della serata, con Deutsch che ancora una volta ha suscitato suoni sorprendenti dal suo strumento. È stato sorprendente che il brano di Zeynep Toraman Giorni che durano per sempre, che era anche un duo, ha creato un'atmosfera quasi sacra che ricorda César Franck. In questa cornice, i due brani solistici Tiding per chitarra elettrica di Lisa Illean e Respiro per violino solo di Rebecca Saunders non è altrettanto convincente: l'uno troppo selettivo e l'altro troppo introverso.

Da Baikonur agli esopianeti

Diverse conferenze e panel hanno approfondito il tema del festival. Il film documentario proiettato nell'Auditorium Novartis Gehry è stato estremamente interessante. Turisti dello spazio.  Il regista svizzero Christian Frei, premiato con il Directing Award al rinomato Sundance Festival 2010, era presente di persona. Il film, che è stato oggetto di un'elaborata ricerca, racconta sia la partenza di ricchi turisti nello spazio da Baikonur, in Kazakistan, sia il riciclaggio dei rottami dei razzi da parte della popolazione locale. Uno spettacolare allargamento degli orizzonti!

Nell'aula di muratura della Gewerbeschule di Basilea è stato presentato un nuovo tipo di strumento, sviluppato da Fabrizio Di Salvo e Roberto Maqueda: Le Slie. Si basa sui principi fisici dell'altoparlante Leslie dell'organo Hammond. I dischi sonori in metallo, distribuiti in cerchio nella sala, erano controllati elettronicamente e integrati da un'intelligenza artificiale reattiva, che ricordava una costellazione cosmica. Ogni altoparlante conduceva una vita propria e i suoni viaggiavano attraverso la sala. Dal punto di vista acustico, tuttavia, non è stato particolarmente interessante e, a parte alcuni punti tranquilli, molto aggressivo, come se si stessero sbattendo delle sbarre di ferro. È rimasta una bella trovata, anche se brutalmente rumorosa. Questo strumento potrebbe avere un potenziale sonoro. Tuttavia, non è stato ancora sfruttato appieno.

L'ultimo concerto nella grande Sala 1 della Messe Basel è stato il più insolito in termini di aspetto esteriore. L'Orchestra Sinfonica di Basilea ha eseguito l'opera in penombra sotto la direzione del direttore taiwanese Lin Liao. Esopianeti del compositore britannico Robert Laidlow, con un testo parlato di Henry Legg, che ha fatto conoscere al pubblico il mondo degli esopianeti, i pianeti al di fuori del nostro sistema solare. Il tutto è stato accompagnato da un'installazione luminosa di Nick Verstand con laser, oggetti luminosi e migliaia di riflessi, oltre che dai riverberi dell'enorme sala espositiva.

Nel complesso, uno spettacolo impressionante. La musica di Laidlow ribolle, vaporizza e si gonfia. È così che si immagina la formazione dei corpi celesti e del cosmo, dove apparentemente ci sono anche pianeti incandescenti da un lato e gelidi dall'altro, dove piove ferro o i cristalli di quarzo turbinano nell'atmosfera in tempeste. Verso la fine dell'opera, enfatizzata da suggestivi suoni di tromba, la musica assume una tonalità maggiore e non è più molto lontana da quella di Richard Strauss.’ Zarathustra rimosso. Oltre alle trombe, si sentono bene anche gli archi, soprattutto i violini, e le varie percussioni; i fiati sono appena enfatizzati.

Interessante è lo strumento basato sull'intelligenza artificiale Stacco, inventato da Laidlow e da lui suonato, che contribuisce con suoni «artificiali». Il pubblico Esopianeti, suonato con aplomb dall'orchestra, è stato accolto molto bene, sicuramente anche per la moltitudine di impressioni acustiche e visive. Se l'opera - una composizione commissionata da Interfinity e dalla London Philharmonic Orchestra (LPO) - possa esistere musicalmente senza «messa in scena» mi sembra discutibile. Tuttavia, la prima mondiale in un concerto sinfonico della LPO a Londra lo scorso novembre è stata recensita molto positivamente. A Basilea, l'opera ha contribuito al coronamento di Interfinity 2026.

 

 

Indice dei contenuti

Focus

«Gli artisti sono diventati i mecenati culturali della società».»
Intervista con Estelle Revaz. È la prima musicista professionista del Consiglio nazionale, fa politica per i socialdemocratici ginevrini e allo stesso tempo porta avanti la sua carriera internazionale di violoncellista.

Il flirt tra pop e populismo
Ai politici piace utilizzare messaggi musicali accattivanti, a volte contro la volontà degli artisti. Diventa populista quando qualcuno si presenta come un ribelle e galleggia sul mainstream.

Dogane e politica
Nel Vallese centrale, le bande di ottoni non sono solo musica. Per molto tempo hanno fatto riferimento anche a una certa posizione politica di partito, che ha contribuito al loro successo.

Storia della musica con macchie bianche
La posizione politica dei grandi della vita musicale svizzera del XX secolo è ancora lontana dall'essere pienamente analizzata. Di tanto in tanto vengono fatte rivelazioni ingloriose, in particolare sugli anni della dittatura nazista. Questo vale anche per Werner Reinhart, un mecenate delle arti.

chat
Silke Gäng e Fiona Stevens parlano di come un'istituzione culturale può mostrare il proprio atteggiamento, sia all'interno che all'esterno.

(corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

Critiche

Nuove pubblicazioni Libri, Vettore sonoro, Siti web, Note, Film

Eco 

Poiché nell'edizione stampata non c'è spazio sufficiente per tutti i testi, essi sono elencati qui e collegati ai corrispondenti articoli online. La maggior parte di essi è stata pubblicata prima dell'edizione stampata.

Aprire una porta sul mondo
Daniel Schnyder è sempre stato affascinato dalle interfacce tra stili e tradizioni musicali al di fuori dell'Europa. Nelle masterclass Hirschmann condivide le sue intuizioni con le nuove generazioni.

100 anni di Caspar Diethelm
In occasione dell'anniversario, il pianista Patrizio Mazzola si unisce ad altri musicisti per onorare la memoria di una personalità artistica di spicco e della sua opera.

Quand le classique décoiffe
Bouillonnant écosystème culturel, la serie M Classics si presenta più audace che mai con un viraggio a 180°. Incontro con il direttore artistico, Mischa Damev.

Omaggio musicale alle vittime di Crans-Montana
Il 29 gennaio, presso la Rosey Concert Hall di Rolle, si è tenuto un concerto in omaggio alle vittime della tragedia avvenuta a Crans-Montana all'inizio dell'anno. 

Il programma di studi è stato completato?
Come vengono effettivamente impartite le lezioni di musica a livello primario? Bernhard Suter, mentore e docente di didattica della musica all'Università di Zurigo per la formazione degli insegnanti, ha condotto un'indagine.

L'energia di un'orchestra
L'Orchestra da Camera di Basilea ha inviato un trio al Museo Tinguely per riflettere sulla sostenibilità. «Unter Strom» ha offerto una corsa veloce alla storia della musica, con molte domande e poche risposte.

Salvataggio nella nebbia
Durante la riunione del Gruppo parlamentare per la musica del 4 marzo, sono stati discussi i possibili effetti del «pacchetto di sgravi 27» sull'industria musicale. Il pacchetto, che grava sui professionisti della musica, è stato messo a punto in gran fretta con conseguenze poco chiare.

Focus sull'America al Festival di Lucerna
Sebastian Nordmann ha presentato il suo primo programma estivo. Il festival vuole diventare più rilevante, ma vuole che il tema controverso sia inteso in termini puramente musicali.

Gerusalemme al centro
Il festival di musica da camera Mizmorim, svoltosi a Basilea alla fine di gennaio, si è concentrato sugli incontri interculturali. Artisti ed ensemble rinomati come il Quartetto Gringolts, il clarinettista Reto Bieri e il flautista Ariel Zuckermann hanno fornito l'eccellenza musicale.

Il desiderio disperato dell'apocalisse
Il Teatro dell'Opera di Zurigo mostra Il paradiso dei mostri. Insieme a Elfriede Jelinek, l'austriaca Olga Neuwirth ha creato un'opera di grande attualità in cui scatena gli uni contro gli altri i mostri del presente.

Si ricostruisce un festival
Il nuovo Ascona Music Festival è stato presentato a Locarno alla fine di gennaio. Non è stato lasciato nulla di intentato: Il festival d'artista Settimane musicali di Francesco Piemontesi diventerà l'evento culturale «classicAscona».

 

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

Swissmedmusica (SMM) / Associazione Svizzera di Medicina della Musica (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Montante e sordo
Puzzle di Pia Schwab

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Emissione dell'ordine per CHF 12.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

 

Il centenario della nascita di questo importante compositore svizzero dovrebbe essere un'occasione per onorarlo in questa sede e contribuire a mantenere viva la sua memoria. È possibile che non sia più conosciuto dai giovani, sebbene abbia arricchito in modo degno il panorama dei compositori svizzeri. La Svizzera è generalmente troppo modesta dal punto di vista artistico e quindi troppo poco orgogliosa dei suoi artisti del passato e del presente rispetto a molte altre nazioni. Prima di approfondire le caratteristiche artistiche e le realizzazioni di Diethelm, una selezione di singoli punti di riferimento esterni della sua vita servirà da cornice.

Vita
31. 3. 1926	nato a Lucerna
dal 1944	Allievo del Conservatorio e della Scuola di musica ecclesiastica di Lucerna Lezioni private di composizione con Johann Baptist Hilber e Albert Jenny
1946-50	Lezioni di direzione d'orchestra con Ernst Hans Beer, Lucerna, e Alexander Krannhals, Basilea
1946-79	Attività professionale come amministratore del catasto, funzionario fiscale ecc. a Sarnen, attività politica in loco
1948 - 1952	Corsi con Hindemith e Honegger e partecipazione ai corsi estivi di Darmstadt.
dal 1958	Direzione d'orchestra (Orchestra della Radio di Zurigo, prove di opere proprie)
1960	Matrimonio con Brigitte, nata Ullrich, tre figlie: Esther, Jutta, Irene
1963-93	Insegnante di storia della musica, materie teoriche e musica da camera al Conservatorio di Lucerna
1969	Premio d'arte del Cantone di Obvaldo
1985	Premio d'arte del Cantone di Lucerna
1. 1. 1997	morto a Lucerna

Non solo un «musicista»

Ho potuto accompagnare Caspar Diethelm musicalmente e personalmente per 25 anni. L'iniziale sottovalutazione reciproca delle nostre capacità artistiche si è presto trasformata in un grande apprezzamento reciproco. Lo scetticismo iniziale è alimentato quasi esclusivamente dall'ignoranza e dalla mancanza di conoscenza. Questo ricorda il detto originale dell'Aula Cher di Sarner, dove (probabilmente ancora oggi) è scritto a grandi lettere: «Mänge macht sich Gedanke aber dänkt nid derbiä». Questa frase pungente nell'originale dialetto obvaldese potrebbe essere stata scritta da Diethelm (o era addirittura sua? - chi lo sa...). «Parava» le affermazioni con un'arguzia pronta e amava dare alle sue opere titoli appropriati. Per esempio, il concerto per pianoforte che ha scritto per me con Yggdrasil che deriva dalla sua lettura dell'Edda norrena antica-che gli hanno sempre fatto una grande impressione. La parola è un antico norreno che significa «frassino del mondo», per così dire l'albero della vita (ogni cosa è collegata a ogni altra). Altri titoli di opere includono Menhir, un imponente blocco di pietra (bretone), La ruota della vita (come un mandala buddista), Sinfonia di mandala, Maya (secondo le Quattro Verità buddiste). Questi pochi esempi mostrano già quali fenomeni e campi di conoscenza accompagnarono Diethelm per tutta la sua vita. Vanno citati anche la filosofia (leggeva «antichi greci» come Platone o Aristotele in originale), la biologia, la botanica, la scienza dei funghi (a livello professionale come ispettore cantonale dei funghi!) e la sua attività di politico locale, anche se qui mi limiterò a esempi selezionati. La sua formazione era quindi molto varia, persino completa, per quanto possa esserlo un essere umano. Non era quindi un «semplice musicista», simile in questo a Robert Schumann.

Indipendenza artistica

Tuttavia, poiché qui sto descrivendo Caspar Diethelm soprattutto come compositore, è opportuno spiegare le caratteristiche del suo stile: Dal punto di vista stilistico, credo che egli provenga dalla tradizione romantica tedesca, il che può sorprendere. Alcuni dei suoi antenati provengono da zone più lontane della Germania. Diethelm ha incorporato questo Romanticismo tedesco - sia lo stile «tradizionale» di Brahms, Bruch o Reger, per esempio, sia gli stili «speciali» di Bruckner e Mahler - nella sua vasta opera. Li ha, per così dire, trasferiti in un linguaggio tonale più moderno del XX secolo. In questo è paragonabile a Bartók, Stravinsky, Martin o Honegger. Tutto questo senza essere un epigono dipendente, ma con grande indipendenza. Inoltre, come Debussy e Ravel, ha occasionalmente una predilezione per i «balcanismi» e le influenze dell'Estremo Oriente (anche extra-musicali).

Diethelm ha raccontato questo aneddoto su Bruckner: quando gli fu chiesto se fosse un «brahmsiano» o un «wagneriano», Bruckner rispose: «Io stesso sono un Aner». E ricordo anche qualcosa su Honegger: accendendo spontaneamente la radio senza sapere quale opera venisse suonata, pensai tra me e me che Honegger, che qui sospettavo, fosse ancora più geniale di Diethelm, per poi scoprire che si trattava dell'opera di Diethelm. Sinfonia di mandala di Diethelm... In effetti, Diethelm era «Aner stesso», per tornare a Bruckner.

È auspicabile che la Svizzera si ricordi in futuro del suo grande figlio Diethelm, lo faccia rivivere attraverso la sua musica e lo porti nel mondo come grande ambasciatore della piccola Svizzera.

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Ulteriori materiali e informazioni su Caspar Diethelm

Un'autoposizione di Caspar Diethelms, probabilmente realizzata alla fine degli anni Settanta.

"Nelle sue opere, Caspar Diethelm cerca di trovare un'affermazione che gli si addica, senza impegnarsi in una scuola o in uno stile particolare. Da un lato, c'è un forte radicamento nella tradizione, nel paesaggio del suo cantone, dove ha vissuto e lavorato fin dalla nascita, e nell'enfatizzare l'unicità svizzera. Dall'altro lato, c'è la sua preoccupazione per tutti gli stili, dalla musica dodecafonica all'avanguardia da Webern in poi. Nella misura in cui possono essere viste come un arricchimento delle possibilità espressive del compositore, le influenze di tutte queste aree possono essere trovate più o meno chiaramente. D'altra parte, l»"atonalità", qualunque cosa significhi in concreto, è evitata; la musica è invece strutturata e modellata secondo centri di gravità, cioè secondo i livelli di tonalità nel senso di Hindemith. Oltre a un'armonia indipendente che non evita il semplice oltre a suoni estremamente complessi, e a un ritmo idiosincratico e talvolta aggressivo con una preferenza per le firme di tempo composte, il compositore si dedica in modo particolare all'elemento della melodia, e sempre di più. Anche nelle prime opere non si possono ignorare gli echi di elementi della musica popolare, anche se non si tratta mai di citazioni, ma solo di formazioni che intendono evocare un suono svizzero o addirittura originale svizzero. Oltre ai grandi maestri del passato, i modelli del compositore sono Paul Hindemith e Bela Bartók, nonché i compositori svizzeri Arthur Honegger, Othmar Schoeck e Frank Martin".»

Eventi e pubblicazioni per l'anno del giubileo

Oltre a vari concerti a partire dalla fine di marzo, sono previste due produzioni in CD. In ottobre, l'etichetta Toccata pubblicherà le prime registrazioni mondiali dei concerti op. 210, 285 e 211 con la Deutsche Staatsphilharmonie sotto la direzione di Rainer Held. Solista in Yggdrasil è il dedicatario Patrizio Mazzola, che ora esegue in prima assoluta il concerto per pianoforte dopo che Esther Diethelm lo ha pubblicato nel 2024. La parte solista del concerto per violino Anubi Sibylle Tschopp, che ha provato l'opera con Caspar Diethelm e l'ha presentata in anteprima nel 1996, sarà responsabile della produzione. Nel Concerto Hiemalis Infine, si può ascoltare Kilian Herold, clarinettista solista dell'Orchestra Filarmonica di Berlino. Il lancio di questo CD avrà luogo il 29 novembre a Lucerna.

Il secondo CD uscirà a novembre, sempre per l'etichetta Toccata, e contiene cinque prime registrazioni di opere di musica da camera.

Ulteriori dettagli sui CD e sui concerti sono reperibili su in questo documento (link al PDF). La newsletter per l'anno dell'anniversario può essere ordinata su caspardiethelm.com. https://www.caspardiethelm.com/aktuelles.html

Recensione sulla Schweizer Musikzeitung

Caspar Diethelm: Opere sinfoniche, Royal Scottish National Orchestra, diretta da Rainer Held.
Guild GM3CD 7808

 

Il Grand Guignol, questo pomposo spettacolo di Punch and Judy proveniente dalla Francia, tende al mostruoso, all'irreale e al surreale, anche se da tempo è stato superato e sorpassato dalla realtà. Il Théâtre du Grand Guignol di Pigalle, inaugurato nel 1897 e che sconvolgeva il pubblico con torture, stupri e omicidi sanguinosi, chiuse il 5 gennaio 1963 perché non poteva competere con Buchenwald. L'arte non si avvicina alla realtà. Lo sanno bene i due artisti che hanno creato un nuovo «Grand Guignol Opéra».

Il loro punto di partenza è l'inutilità dell'impresa; ciononostante, tentano di mandare nel mondo due vampire a loro immagine e somiglianza: forse per salvarlo, dopotutto, o almeno per eliminare il peggior tiranno, un «re-presidente» le cui sembianze reali vediamo ogni giorno al telegiornale. Falliscono miseramente; il presidente, dopo tutto, viene mangiato da un altro mostro, il resuscitato Gorgonzilla. Tuttavia, la fine del mondo non può essere fermata in questo modo: un diluvio spazza via tutto. Alla fine, vediamo i due vampiri che suonano la Fantasia in fa minore di Schubert su un Bösendorfer, navigando verso il tramonto nell'oceano.

Divario tra testo e musica

L'opera Il paradiso dei mostri, che ha debuttato all'Opera di Stato di Amburgo il primo febbraio e viene ora proiettato a Zurigo, ci porta su un treno fantasma lussuriosamente apocalittico verso l'abisso. Con un sacco di spettacolo e di agitazione. Questo rende la distopia divertente. Gli abissi artistici si annidano altrove: non nel mostruoso, di cui si potrebbe certamente fare di più, ma nel ritmo teatrale, spesso rallentato dalla rassegnazione e dalle dichiarazioni di buone intenzioni. «Non siamo più richiesti», canta un vampiro proprio all'inizio. «Venite a me, tutti coloro che sono pacifici e vogliono rimanere tali!» sono le prime parole di Gorgonzilla. Non è questo il modo di fare arte eccitante e aggressiva. Ma viene subito da chiedersi se i due autori non vogliano proprio questo, se non ci stiano portando fuori strada.

L'idea di questo teatro musicale fu della compositrice Olga Neuwirth, che riuscì a convincere la librettista di sempre, l'amica Elfriede Jelinek, da tempo stanca dell'opera, a scrivere un testo comune. Ma è proprio con questo testo che c'è un problema. Egli divaga e fa la predica, divagando, a volte facendo la predica, a volte sarcastico, a volte piatto. Le parole si bloccano. La prima scena, ad esempio, non decolla. Si può ammettere che tale banalità faccia parte del genere, come un'anti-qualità che contrasta il buon gusto. Tuttavia, la musica suona fin troppo ricca, vivace, raffinata, colorata, jazzistica e spiritosa. L'orchestra del Teatro dell'Opera diretta da Titus Engel suona in modo accattivante.

Lungo e ingombrante come la fine del mondo

Di conseguenza, i livelli spesso si allontanano l'uno dall'altro. A questo si aggiunge una scenografia colorata ma a volte poco fantasiosa. Il regista Tobias Kratzer e il suo team a volte faticano a far muovere le schermaglie, ma riescono a creare immagini magnifiche nei momenti culminanti. La battaglia dei mostri con Gorgonzilla (Anna Clementi) e il Presidente (eccellente: Georg Nigl) diventa un teatro d'ombre più grande della realtà. La scena finale nel mare inonda l'occhio e l'orecchio grazie all'uso sapiente dei dispositivi cinematografici che Neuwirth ama tanto. C'è tanto da vivere, quasi troppo, perché tutte le scene, anche quelle veramente riuscite, sono troppo lunghe e ingombranti. Lo spettacolo potrebbe essere ridotto di un buon terzo. L'unica cosa che andrebbe persa sarebbe la precaria non-qualità che caratterizza in qualche modo l'opera.

Ma in questo momento, il critico comincia a sospettare che ancora una volta stia cercando di differenziare troppo e che nel farlo si stia perdendo la fine del mondo. Potrebbe essere così. - Un grande (non mostruoso) applauso.

Zurigo, Teatro dell'Opera; Prima l'8 marzo 2026; coproduzione con Amburgo e Graz. Ulteriori rappresentazioni fino al 12 aprile

41 opere di 49 compositori di 23 Paesi sono state selezionate per l'11° Ars Electronica Forum Wallis Call for Acousmatic Works. 24 opere sono state ammesse alla Selezione per concerti. Altre 17 opere hanno ricevuto una menzione speciale. 157 compositori provenienti da 42 Paesi e da tutti i continenti hanno presentato un totale di 182 opere. La giuria era composta da Kotoka Suzuki (JPN), Jaime Oliver La Rosa (PER), Reuben de Lautour (TUR/NZL) e Javier Hagen (Direttore del Festival Forum Wallis).

I concerti si terranno quest'anno il 5 e 6 giugno e il 3 e 4 luglio nell'ambito del Festival per la nuova musica Forum Wallis presso il MEbU (Münster Earport) di Goms.

Il Forum Valais è un festival internazionale annuale di nuova musica in Svizzera. È organizzato dal capitolo vallesano della International Society for New Music (IGNM-VS). Dal 2006 ha coprodotto oltre 350 prime mondiali e presentato opere di oltre 500 compositori di tutto il mondo. Tra gli ospiti abituali del festival figurano ensemble quali recherche, Zafraan, UMS'nJIP, dissonArt, Steamboat Switzerland, Cod.Act, Arditti String Quartet, Klangforum Wien, ensemble für neue musik zürich, Contrechamps e Ensemble Modern.

http://forumwallis.ch

I vincitori della selezione di concerti

(in ordine alfabetico)

Bai Boyi (CHN) - Riportami in Indonesia
Bernard Bruno (FRA) - lune(s)
Blackburn Manuella (GBR) - Il treno dei pensieri
Borrel Stéphane (FRA) - La Grenouille de Lycie

Cho Youngjae (KOR) - nartece
Delap Gordon (IRL) - Un insetto che rifugge la luce
Duchenne Jean-Marc (FRA) - Su un cielo che cambia
Eghdami Pierre (FRA/GER) - Fulgurite

Harrison Jonty (GBR) - Musica da camera
Hayashi Kyohei (JPN) - Giardino delle farfalle
Karkatselas Theodoros (GRC) - Quarks
Kokoras Panayiotis (GRC) - Scatola inutile
Kulari Daniel (ALB/ITA) - Variazioni e disintegrazioni su un tema di Çesk Zadeja

Lund-Jensen Pascal (CHE/DEN) - Costruire l'Antropocene
Moyers Jr. Timothy (USA) - Heliosphere
Noiseau Etienne (FRA) - Jardins d'Épicure
Otani Yasuhiro (JPN) - Soglie di presenza
Prod'homme Lucie (FRA) - Espèces de grosse sons

Stollery Pete (GBR) - Bosque
Totaleee (ITA, Giuseppe Pisano, Andrea Laudante, Paolo Montella) - Non è un atlante di traiettorie algo-siderali
Vanderburg Kyle (USA) - Tempesta in una teiera
Yağlı Berk (CYP/TUR) - Falso risveglio su un'isola del Mediterraneo
Yang Wei (CHN) - Pioggia contenuta, pioggia contenuta
Zouning Anne Liao (CHN) - Tempesta di polvere

 

Premiato con una menzione speciale

(in ordine alfabetico)

Alsina Tarrés Ariadna, Andrić Andreja, Bermúdez Chamberland Diego, Bravo Benard Hector, Carcassi Daniele, Casolino Alessandro, Harper Nathan, Kishore Varun, Lampropoulou Magda, Laudante Andrea, Lewis Andrew, Li He, Montella Paolo, Naylor Cameron, Oliveira João Pedro, Parisse Mattia, Parry Jake, Pastorino Paolo, Scott Richard, Sismann Valentin, Snapir Jonatan, Tesorini Riccardo, Zaiceva Sofia

 

Come il Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna - Musica annuncia che le tre persone assumeranno il loro incarico nel semestre autunnale 2026/27. L'HSLU scrive della carriera dei musicisti:

Fabre Guin ha studiato violino, clavicembalo, organo e composizione (tra cui armonia, contrappunto, teoria formale, strumentazione e armonizzazione al pianoforte) presso i conservatori di Nancy, Saint-Maur-des-Fossés e Parigi, nonché musicologia alla Sorbona. Inizialmente ha insegnato écriture al Conservatoire d'Aubervilliers e dal 2018 è al Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris nei settori di scrittura, analisi musicale e cultura musicale applicata attivo. È anche organista titolare della chiesa Sainte-Geneviève di Parigi e si esibisce regolarmente.

.Johanna Kulke.. ha conseguito un Bachelor con doppia specializzazione in pianoforte e violino e un Master in violino e teoria musicale presso la Scuola di Musica di Lucerna. Dal 2018 insegna violino, pianoforte, teoria musicale e composizione presso la Scuola di Musica Oberaargau di Langenthal e Herzogenbuchsee e lavora anche come violinista, direttore d'orchestra e compositore..

.Sanne Lorenzen.. ha studiato musica da chiesa presso la Royal Danish Academy of Music di Copenaghen. Ha poi conseguito un bachelor e un master in teoria musicale presso l'Università della Musica di Friburgo e un master in organo presso la Schola Cantorum Basiliensis. Dal 2022 insegna teoria musicale presso il Pre-College della Scuola di Musica di Lucerna ed è docente senior di teoria musicale e formazione auditiva presso l'Università di Musica e Arti dello Spettacolo di Graz. Lavora anche come organista presso la chiesa riformata di Sursee..

 

Le tradizionali Settimane musicali di Ascona sono ormai storia. Fondato nel 1946, il più antico festival di musica classica della Svizzera, insieme al Festival di Lucerna (1938) e alla Settimana musicale di Braunwald (1936), è stato radicalmente riorganizzato in occasione del suo ottantesimo anno e si chiama ora classicoAscona. Il processo di trasformazione è stato realizzato dal nuovo direttore artistico, il manager culturale Christoph Müller, in collaborazione con le autorità locali. Con il Sindaco Giorgio Gilardi sul podio e un gran numero di rappresentanti locali in sala, questi ultimi erano ben rappresentati alla conferenza stampa. Una chiara indicazione dell'importanza che Ascona attribuisce al festival in futuro. L'obiettivo è quello di diventare un fattore economico della regione, il che significa promuovere il turismo culturale e attirare sul Lago Maggiore un pubblico sempre più facoltoso. Il periodo di svolgimento dell'evento, da metà settembre a metà ottobre, è ideale per questo scopo; le popolari feste estive sono terminate e l'inizio soleggiato dell'autunno ticinese fa la sua parte. Oltre ad Ascona e Locarno, le Isole di Brissago, il Monte Verità e le chiese di Ronco e della bassa Valle Maggia sono luoghi suggestivi.

Da festival degli artisti a evento culturale

I drastici cambiamenti vanno dal nuovo logo aziendale, dall'aspetto un po' cool, al marketing, alla strategia per il pubblico e alla struttura del programma. Il festival degli artisti, guidato per 13 anni dal pianista Francesco Piemontesi, in cui il direttore artistico si è esibito anche come solista e camerista e ha raccolto intorno a sé un illustre gruppo di persone affini, è diventato così un evento culturale in cui considerazioni economiche e programmazione artistica sono strettamente intrecciate.

Il basilese Müller, violoncellista ed ex membro dell'Orchestra da Camera di Basilea, può contare su una vasta esperienza come organizzatore di eventi. Prima della sua nomina ad Ascona, ha diretto per 25 anni il Festival Menuhin di Gstaad, dove ha portato l'affluenza annuale da 13.000 a circa 28.000 persone - un fatto che è stato notato ad Ascona. Ha inoltre fondato il Circolo cameristico di Lucerna e, insieme a Sol Gabetta, il Festival di Solsberg nella Svizzera settentrionale. Recentemente è diventato anche direttore del Festival musicale di Klosters. Un multi-imprenditore musicale che ora vuole far fruttare il suo modello di business, che sa adattare alle condizioni locali, anche per Ascona.

Presenza dei media, celebrità e artisti in residenza

Il successo sarà garantito da una migliore pubblicità (Müller parla di 30.000 indirizzi e-mail), da nuovi contenuti del programma e dall'apertura a un nuovo pubblico. E infine, ma non meno importante, attraverso l'apparizione di celebrità internazionali, grazie alle quali Müller potrà attingere ai contatti con gli artisti che ha costruito nel corso degli anni. Il trofeo più prezioso che ha annunciato per Ascona è Cecilia Bartoli. La sua apparizione come ospite nell'opera di Gluck Orfeo ed Euridice, L'opera è rappresentata in forma semiscenica dai Musiciens du Prince di Monaco, ma con biglietti che costano tra i 95 e i 275 franchi, non è per la gente comune. Con un budget raddoppiato a 1,7 milioni di franchi, i prezzi dei biglietti sono abbastanza ragionevoli, anche per i concerti dei tre «artisti in residenza», il soprano Julia Lezhneva, il violinista Vilde Frang e il violoncellista Sol Gabetta, che tengono anche delle masterclass. Solo le orchestre ospiti, come l'Orchestra da Camera di Basilea, la Camerata Salzburg e la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, sono un po' più care.

Accademie di ogni tipo

I programmi di formazione sono una parte nuova e importante del festival: la classicaAscona Academy, la Choral Academy con il London Tenebrae Choir e la Baroque Academy con l'ensemble Il Pomodoro e il flautista Maurice Steger. I concerti finali, intitolati «Next Generation» e gratuiti, sono riservati ai giovani musicisti. È prevista anche la collaborazione con il Conservatorio di Lugano e con le scuole regionali. L'obiettivo di tutte queste misure è suscitare la curiosità del pubblico locale per i concerti a pagamento. Business musicale internazionale, promozione di giovani talenti e attrazione di nuovo pubblico: un mix interessante. A settembre vedremo come tutto questo si concretizzerà.

 

 

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Quando Franz Josef Raff (1789-1861) fuggì da Empfingen-Wiesenstetten, nel sud della Germania, verso la Svizzera nel 1810 su consiglio del padre, non immaginava che il futuro figlio Joseph Joachim avrebbe avuto una carriera mondiale come compositore. Le guerre napoleoniche, in particolare i preparativi per la campagna di Russia e la morte prematura di un fratello in guerra, lo portarono a fuggire nell'abbazia di Wettingen. Dopo aver lavorato come precettore a Lucerna, nel 1817 il musicista Franz Josef giunse a Lachen, capoluogo del distretto di Märchl, come insegnante e musicista di chiesa. I circoli progressisti dell'élite liberale rivoluzionaria del villaggio avevano già fondato una scuola elementare insieme alla parrocchia, accanto alla scuola di latino, e padre Raff fungeva da severo pedagogo che eccelleva anche nella musica sacra.

Il matrimonio di Katharina con la figlia del vicino contadino di buoi e Landammann Franz Joachim Schmid, politicamente ribelle, politicizzò in modo decisivo gli umori della famiglia Raff. Schmid fu uno dei capifila che lottarono contro il dominio delle potenti famiglie aristocratiche e patrizie di Svitto e, insieme al medico märchler Melchior Diethelm, volevano realizzare un cantone indipendente di Ausserschwyz. Melchior Diethelm sarebbe poi diventato uno degli architetti del sistema bicamerale svizzero. Joachim Raff nacque il 27 maggio 1822 nell'antica Sust del XVI secolo. Questo «edificio polivalente» funge da centro commerciale e di scambio, oltre che da scuola e armeria. Doveva anche ospitare l'appartamento degli insegnanti.

Il talento precoce di Gioacchino

Durante gli anni della scuola in Svizzera, fino al 1840, Joachim si distinse per la diligenza, la musicalità, i molteplici talenti, il comportamento anticonformista, l'ambizione e persino il desiderio, espresso alla madre, di realizzare qualcosa di molto speciale nella vita. Il severo padre gli insegnò a suonare il violino, il pianoforte e l'organo. Impara presto il latino e al Collegio dei Gesuiti di Svitto, che frequenta dal 1838 al 1840, è più volte il primo della classe in un'ampia gamma di materie. Nel corso della sua vita, continuerà la sua formazione da autodidatta e diventerà uno degli storici della musica e dei compositori più riconosciuti. Le influenze precoci e un eccellente corredo genetico furono determinanti per il suo successo.

La sua precoce politicizzazione al tavolo del pub del nonno, la consapevolezza di essere figlio di un rifugiato politico esposto e quindi di appartenere a una minoranza, ma anche la sua grande sensibilità, la sua mente forte e la sua personalità sorprendente hanno accompagnato Raff per tutta la vita.

Le prime composizioni di Raff furono cantate da lui, insieme ai suoi compagni di studio, alla «Pannerfest» per il signore del vessillo Theodor Ab Yberg (1795-1869) a Svitto nel 1840. Fu anche colpito dalla visita della Landsgemeinde di Svitto il 3 maggio 1840 a Rothenthurm.

Joachim Raff è entusiasta dei costumi politici, dei relativi riti democratici, delle procedure e delle elezioni in questo periodo politicamente molto incerto di transizione da una confederazione di Stati a uno Stato federale e quindi alla prima pietra della Svizzera.

Ne scrisse anche nel maggio 1840 nell'allora noto giornale cattolico-conservatore «Sanct Gallischer Wahrheitsfreund». Ben presto sviluppò una propria identità basata sulla giustizia e sull'uguaglianza. Nella sua biografia ci sono indizi di bullismo precoce, ostracismo a causa del suo talento e un'impressionante e personalissima risoluzione dei conflitti con il severo padre (fa lo sciopero della fame contro di lui).

Nel corso della sua vita, si è sempre definito con convinzione e con una coscienza esplicitamente paritaria come qualcuno che proviene dalla madrepatria Svizzera e che ha come patria la Germania.

Tutto questo si può leggere nella biografia della figlia Helene Raff, scrittrice e pittrice, sul padre (Bosse, Ravensburg 1925).

Prima esperienza professionale e anni di viaggi

Sebbene Joachim Raff volesse diventare un musicista professionista contro la volontà dei genitori, fece la sua prima esperienza professionale come insegnante a Rapperswil dal 1840 al 1844.

Un'esperienza con l'allora già noto musicista Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) attesta la sua musicalità superiore alla media, che alla fine scatena il suo rischioso cambiamento di carriera per diventare un musicista indipendente nel 1843. Questo passo coraggioso e avventuroso, compiuto contro ogni previsione, non solo lo allontanò dalla famiglia, ma lo portò anche a rimanere senza casa sul Platzspitz di Zurigo.

Grazie a un tentativo un po' disperato di entrare in contatto con Franz Liszt (1811-1886), allora celebrato come pianista di punta, al Casinò di Basilea nel giugno 1845, ottenne una promettente promozione.

Dopo il loro primo progetto comune, l'inaugurazione del monumento a Beethoven a Bonn nell'agosto del 1845, Liszt gli organizzò diverse opportunità di lavoro nelle case di musica di Colonia, Stoccarda e Amburgo. In questo periodo furono scritte molte composizioni per pianoforte, più o meno riuscite. Soprattutto, però, Raff imparò molto da autodidatta, scambiò idee con musicisti e pubblicò in varie riviste specializzate internazionali. A Stoccarda Raff conobbe e apprezzò il suo più importante amico e mecenate per tutta la vita, Hans von Bülow (1830-1894).

Profilazione a Weimar

Joachim Raff fece il passo di assistere Franz Liszt nella transizione a partire dal 1849/50. Sebbene il compositore di Lachen si sentisse in qualche modo sfruttato da Liszt (molti strumenti, orchestrazioni, corrispondenza, organizzazione di viaggi e giornate musicali, trattative con gli editori, attività giornalistiche), fu anche sostenuto da lui (aiuto per le proprie composizioni, esecuzioni di opere di Raff al pianoforte, direzione di opere di Raff, offerta di varie relazioni, ecc.) Tuttavia, la sua progressiva emancipazione dal mecenate fu inarrestabile anche a causa delle differenze stilistiche.

Fin dall'inizio, Raff persegue coerentemente la strada dell'elaborazione dei più diversi elementi stilistici della storia della musica, da cui è costantemente ispirato. Non conosce le appassionate dispute sullo stile che erano comuni nel XIX secolo.

Allo stesso tempo, però, è attento a seguire il proprio percorso, la propria musica, con uno stile tutto suo. Soprattutto la sua maestria contrappuntistica, la coloritura della strumentazione e la complessità del trattamento dei temi divennero il suo marchio di fabbrica.

Raff espande la sua attività compositiva. Canzoni, lavori di musica da camera e persino un'opera («King Alfred») sono al centro del suo ulteriore sviluppo musicale negli anni giovanili. Successi, ma anche ripetuti fallimenti, si susseguono parallelamente.

La sua rete di contatti si espande in modo significativo. Incontra Richard Wagner (1813-1883), i violinisti Joseph Joachim (1831-1907), Edmund Singer (1831-1912), Alexander Ritter (1833-1896) e il violoncellista Bernhard Cossmann (1822-1911), oltre a rappresentanti della corte di Weimar come il granduca Carl Alexander (1805-1863). Fu in grado di parlare personalmente e su un piano di parità con i compositori Hector Berlioz (1803-1869), Robert Franz (1815-1892), Johannes Brahms (1833-1897) e Louis Spohr (1784-1859). Inoltre, scambiò regolarmente idee con figure letterarie progressiste come Peter Cornelius (1824-1874) e August Heinrich von Fallersleben (1798-1874).

La domanda di Wagner

Il carisma e il successo di Richard Wagner in particolare sfidarono Raff. Il radicale riorientamento dell'opera come Gesamtkunstwerk lo ispirò. Nel suo libro «La questione di Wagner» (1854), Raff analizza in modo approfondito ma anche critico la star del suo tempo. Raff cerca di contrastare la tecnica dei leitmotiv di Wagner, il ruolo dell'orchestra e l'espansione dell'armonia con la propria interpretazione. Con l'epopea fiabesca «La bella addormentata» (1856), affronta la questione in modo pratico.

Il dramma musicale «Sansone» (scritto tra il 1851 e il 1857) avrebbe dovuto essere da un lato la sua tesi di dottorato, dall'altro un'opera alla pari di Wagner (Lohengrin). Raff voleva anche soddisfare i requisiti per una posizione di segretario presso la Fondazione Goethe o di curatore presso la biblioteca di Weimar (dipartimento musicale). Questo esempio dimostra in modo impressionante le tre grandi potenzialità di Raff, già evidenti nella sua prima giovinezza: la carriera accademica, la carriera di compositore e, ciò che resta da descrivere, la carriera di insegnante universitario e di direttore di università. Diversi motivi impediscono la rappresentazione della tragedia completata. Solo nel 2022, in occasione del 200° anniversario della nascita di Joachim Raff, la prima mondiale ebbe luogo con successo al Teatro Nazionale Tedesco di Weimar. E nel 2023, il Registrazione in prima mondiale al Teatro di Berna sotto la direzione generale del progetto di Graziella Contratto (Label Schweizer Fonogramm).

Una svolta a Wiesbaden

Sempre a Weimar Joachim Raff conobbe la sua futura moglie, l'attrice Doris Genast (1827-1912). Lei lavorava al teatro di Wiesbaden e le centinaia di pagine di lettere reciproche della loro relazione a distanza tra Wiesbaden e Weimar fortunatamente esistono ancora e costituiscono la base per future ricerche sulla «Silver Age di Weimar».». Nel 1856, Raff scelse quindi Wiesbaden, una città termale con una vasta gamma di attrazioni turistiche e culturali, come futuro centro di lavoro e di vita fino al 1877.

Come se si stessero aprendo le porte, Joachim Raff si tuffò nel suo periodo creativo più fruttuoso, produttivo e di successo come compositore.

Sofisticate suite per pianoforte, i primi concerti al Gewandhaus di Lipsia, che egli stesso dirige, la cerimonia di premiazione alla Gesellschaft der Musikfreunde di Vienna nel 1863 con la sua prima sinfonia «An das Vaterland», impegnative sonate di grandi dimensioni per pianoforte e violino, molte altre opere di musica da camera (trii, quartetti, quintetti, sestetti, ottetti), canzoni e opere corali, sinfonie di successo (ad esempio la Terza Sinfonia op. 153 «Im Walde» del 1869, o la Quinta Sinfonia, op. 177, «Lenore»), eseguite in tutto il mondo, caratterizzano questo periodo. Ad esempio, la Terza Sinfonia op. 153 «Im Walde» del 1869, o la Quinta Sinfonia, op. 177, «Lenore»), eseguite in tutto il mondo, caratterizzano questo periodo. Furono scritte anche nuove opere (ad esempio "Die Parole"; "Dame Kobold").

Anche la vita privata di Joachim Raff cambia. Nel 1859 sposò Doris Genast, figlia del regista e attore di Weimar Eduard Genast (1797-1866), che lavorava ancora con Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) alla corte di Weimar.

Nel 1865 si unì a loro l'unica figlia della coppia, Helene. Fu cresciuta ed educata in modo progressista e paritario dalla coppia, all'epoca all'avanguardia e con carriere artistiche e professionali da entrambe le parti. Imparò le stesse materie scolastiche dei suoi colleghi maschi e fu una delle pioniere del movimento femminile in Germania all'inizio del XX secolo.

Joachim Raff riceve diverse onorificenze, croci di cavaliere e medaglie al merito da vari ducati in Germania, Lussemburgo e Italia. Nel 1872, insieme a Franz Liszt e Richard Wagner, viene nominato membro onorario della Filarmonica di New York. Dedicò un concerto per pianoforte all'amico Hans von Bülow e onorò il violoncellista Friedrich Grützmacher (1832-1903), allora di spicco, con il Concerto per violoncello, op. 193. Un altro strumentista di livello mondiale, il violinista spagnolo Pablo de Sarasate (1844-1908), fece proprie le vaste opere per violino di Raff e le diffuse quasi in tutto il mondo.

Direttore del Dr. Hoch'sches Konservatorium di Francoforte sul Meno

Per l'autodidatta Joachim Raff fu una grande soddisfazione e un onore essere chiamato a diventare il primo direttore del neonato Dr. Hoch'sches Konservatorium nel 1877. Erano in discussione anche personalità come Johannes Brahms e Josef Gabriel Rheinberger (1839-1901). L'avvocato di Francoforte Dr. Joseph Hoch (1815-1874) lasciò in eredità alla città una considerevole fortuna per consentire la fondazione di questo conservatorio.

Raff mette insieme con entusiasmo un importante corpo docente e sviluppa rapidamente la scuola in un'accademia musicale riconosciuta a livello internazionale. Egli stesso insegna composizione. Franz Liszt e molti altri importanti musicisti visitano più volte l'istituto.

Come specialista, Raff assunse la pianista e compositrice Clara Schumann (1819-1896). La presenza di una donna come professore universitario è insolita e testimonia ancora una volta la concezione progressista dell'uguaglianza di genere del direttore innovativo. Raff ha anche intrapreso la sua strada visionaria creando una classe separata per le compositrici. Nel suo discorso inaugurale del 22 settembre 1878, Raff menziona gli studi sansoniani e «fornisce un abbozzo di storia della musica in una forma concentrata e con una dizione sofisticata che si trova raramente». (Cahn P., Das Hoch'sche Konservatorium, 1878-1978, 1979).

Joachim Raff continuò a comporre anche opere molto conosciute. Sinfonie, un'opera, preludi orchestrali, una cantata, un ciclo vocale e, soprattutto, la sua opera sacra più importante, l'oratorio «Welt-Ende Gericht Neue Welt». Questa opera 212 è una delle sue ultime opere. La figlia di Raff, Helene, nella sua biografia del padre, afferma che verso la fine della sua vita era spesso perseguitato da premonizioni di morte. Nel 1881 completò l'ampia opera e l'anno successivo, il 24 giugno 1882, Raff morì di paralisi cardiaca a Francoforte sul Meno.

In occasione del 200° anniversario della sua nascita, nel 2022, il suddetto oratorio sarà eseguito in modo impressionante e degno dai cori del Gewandhaus e dalla Capella Lipsiensis sotto la direzione di Gregor Meyer nella chiesa parrocchiale di Lachen, sua chiesa natale, e nel Gewandhaus di Lipsia e registrato su CD.

Un'eredità duratura

L'eredità di Raff è duplice. In primo luogo, la sua musica. A partire dagli anni Settanta, essa ha conosciuto una sorprendente rinascita. L'opera di Raff è di nuovo presente nella ricerca (numerose tesi di laurea, master, progetti di ricerca in vari Paesi), nelle registrazioni (circa 150 produzioni in CD per 55 etichette), in innumerevoli e importanti concerti in tutto il mondo, in pubblicazioni, produzioni in podcast, presenza nei media elettronici e mostre.

È probabilmente in questo contesto che anche i responsabili della musica riconoscono la personalità di Raff. In un momento in cui le provocazioni, le divisioni, l'egoismo, le fake news, la radicalizzazione e il nazionalismo hanno un impatto sempre più negativo sugli eventi mondiali, il lavoro di Raff, che si basa sull'armonizzazione, sul collegamento, sulla coerenza, sulla conoscenza fondata e quindi su approfondimenti rispettosi e apprezzabili, assume una nuova dimensione.

Molti musicologi riconoscono il valore della «sintesi» con cui caratterizzano l'opera di Joachim Raff. Raff poteva essere spesso duro nelle sue argomentazioni e perseguire i suoi obiettivi con una certa ostinazione; entrò persino in conflitto con la legge a causa dei suoi debiti occasionali. Ma con la sua musica e le sue idee sociali, voleva unire e non dividere. Trasmetteva valori e riduceva le tensioni. Come «contrappunto», la sua visione dell'uomo e del mondo si adatta bene al XXI secolo.

Elenco delle fonti

Libri

- Cahn, Peter: Il Conservatorio Hoch 1878 - 1978, Francoforte sul Meno, 1979

- Dörffel, Alfred: Die Gewandhauskonzerte zu Leipzig 1781 - 1881, ristampa dell'edizione del 1884,

Lipsia, 1980

- Genast, Eduard: Dal periodo classico di Weimar, Stoccarda, 1903

- Kolb, Severin: «Die Wagnerfrage» - Joachim Raffs Auseinandersetzung mit Richard Wagner in Weimar (1850 - 1856), Raff-Studien Band 2, Wiesbaden, 2026

- Kolb, Severin e König, Stefan: (a cura di), Synthesen. Conferenza sull'apertura dell'Archivio Joachim Raff, Lachen 2018 (relazione del congresso), Raff-Studien Volume 1, Wiesbaden, 2026

- Kolb, Severin: Anni di sconvolgimenti - Joachim Raff a Stoccarda (1847 - 1849) in Musik in Baden-Württemberg, Marbach am Neckar, 2021 / 2022

- Marty, Res: Joachim Raff - Vita e opera, Lachen, 2014

- Marty, Res: Pubblicazione per l'anniversario, 50 anni della Società Joachim Raff, Lachen 2022

- Marty, Res: Linee e suoni, documenti e storie dall'archivio Joachim Raff, Lachen 2025

- Raff, Helene: Foglie dell'albero della vita, Monaco, 1938

- Raff, Helene: Joachim Raff, una biografia, Regenburg, 1925

- Schäfer, Albert: Catalogo cronologico-sistematico delle opere di Joachim Raff, Wiesbaden, 1888.

- Thomas, Marc: La musica di Joachim Raff, catalogo illustrato, Stoccarda, 2022

Documenti

- Biblioteca di documentazione Walter Labhart, Endingen AG

- Joachim Raff Archivio / Collezione Marty, Lachen

 

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Il 24 febbraio 2026 ricorre il quarto anniversario dell'inizio della guerra di aggressione russa contro l'Ucraina. Con un tour di concerti attraverso la Svizzera e il Liechtenstein, i rifugiati, le organizzazioni partner locali e la popolazione uniscono le forze per commemorare le vittime della guerra e inviare un messaggio di solidarietà. Il tour è organizzato dall'Associazione culturale ucraina Prostir Lucerna e da Ukrainehilfe Zentralschweiz, in stretta collaborazione con numerosi partner locali.

Nell'ambito del tour, l'orchestra da camera dell'Ivan Karabyts Bachmut College for Culture and Art (attualmente in esilio a Kamjanez-Podilskyj, Ucraina) si esibirà in diverse città. Il programma comprende brevi opere di compositori ucraini, espressione della diversità culturale indipendente dell'Ucraina: la cultura come resistenza e speranza.

Bachmut - una città che non esiste più

Bachmut, un tempo città di circa 80.000 abitanti, è diventata teatro di una delle battaglie più brutali del XXI secolo ed è ora considerata inabitabile. L'istituto tecnico da cui è nata l'orchestra è stato distrutto nel 2022, gli strumenti saccheggiati, le aule vandalizzate e la sala concerti bombardata. Ciononostante, i giovani artisti continuano a fare musica, in condizioni di emergenza, con archivi recuperati e pochi strumenti superstiti.

L'orchestra utilizza i concerti per raccogliere donazioni e sensibilizzare l'opinione pubblica internazionale sulla situazione in Ucraina. Allo stesso tempo, fare musica insieme lancia un segnale forte: per la dignità, l'identità culturale e il futuro.

Date dei concerti - Tour Svizzera e Liechtenstein

Giovedì 19 febbraio 2026 - 18:00 | Schaan (LI)
Chiesa parrocchiale di San Lorenzo, Reberastrasse 17, 9494 Schaan
Organizzazione locale: Associazione SKS Integrationshilfe

Venerdì 20 febbraio 2026 - 19:00 | Zug
St. Johannes Zug, St.-Johannes-Strasse 9, 6300 Zug
Organizzazione locale: parrocchia cattolica della città di Zug.

Sabato 21 febbraio 2026 - 17:00 | Olten
Christkatholische Stadtkirche, Kirchgasse 2, 4600 Olten
Organizzazione locale: KALYNA Rete Ucraina Regione di Olten

Domenica 22 febbraio 2026 - 09:00 | Basilea
Thomaskirche di Basilea (funzione seguita da un concerto),
Hegenheimstrasse 229, 4055 Basilea
Organizzazione locale: Chiesa mondiale
Donazioni: Aiuti ucraini con il cuore

Domenica 22 febbraio 2026 - 17:00 | Zurigo
Grossmünster Zurigo, Zwingliplatz 7, 8001 Zurigo
Organizzazione locale: Grossmünster Zurigo
Donazioni: HEKS

Lunedì 23 febbraio 2026 - 19:00 | Lucerna
Chiesa di San Luca di Lucerna, Morgartenstrasse 16, 6003 Lucerna
Organizzazione locale: Associazione culturale ucraina Prostir & Ukrainehilfe Zentralschweiz

Martedì 24 febbraio 2026 - 18:30 | Berna
Cattedrale di Berna (preghiera per la pace e concerto), Münsterplatz 1, 3000 Berna
Organizzazione locale: Associazione delle Chiese cristiane in Svizzera (AGCK)

Mercoledì 25 febbraio 2026 - 19:00 | Ginevra 
Ginevra Espace Madeleine / Temple de la Madeleine Rue de la Madeleine 15, 1204 Genèvee
Organizzazione locale: Missione permanente dell'Ucraina a Ginevra (in coordinamento)

 

Ingresso libero - raccolta / donazioni

L'ingresso è gratuito. All'uscita verrà effettuata una colletta/donazione. Il ricavato andrà sempre a favore di Associazione culturale ucraina Prostir Lucerna e Ukrainehilfe Zentralschweiz e sarà utilizzato integralmente per Ukrainehilfe sul territorio.

Il tour di concerti è interamente finanziato da sovvenzioni: le donazioni provenienti dai concerti vengono quindi convogliate direttamente in misure di aiuto specifiche, in particolare nelle regioni in prima linea come Kharkiv, Donetsk/Donbas, Luhansk, Zaporizhia e Kherson. Vengono sostenuti sia gli aiuti umanitari (ad esempio, attrezzature e forniture urgenti) sia gli aiuti culturali (ad esempio, strumenti musicali per bambini e sostegno alle istituzioni culturali). Eccezioni: A Basilea, la raccolta va all'iniziativa «Ukrainehilfe mit Herz», a Zurigo le donazioni vanno all'HEKS (a seconda dell'organizzazione locale dei rispettivi concerti).

Da due anni e mezzo si sapeva che Sebastian Nordmann sarebbe succeduto a Michael Haefliger al Festival di Lucerna. L'ex direttore della Konzerthaus di Berlino ha assunto ufficialmente la carica di direttore artistico il 1° gennaio 2026 ed è stato invitato alla conferenza stampa al KKL per presentare il programma. Il suo predecessore non aveva previsto alcun programma, ma il Consiglio di Fondazione aveva fissato due obiettivi chiari: L'Orchestra del Festival di Lucerna e l'Accademia del Festival di Lucerna dovevano essere mantenute. Oltre a garantire l'eccellenza artistica, Nordmann dovrà soprattutto rendere il Festival più rilevante. Questo aspetto è stato sottolineato da Markus Hongler, presidente del Consiglio di fondazione, nel suo discorso di benvenuto.

Sogni senza incubi

Il festival musicale dovrebbe quindi avere un impatto sociale ancora più forte. In questo contesto, è stato sorprendente il riserbo di Sebastian Nordmann sul tema di quest'anno, «American Dreams», soprattutto alla luce degli attuali sviluppi politici negli Stati Uniti. Alla conferenza stampa, il nuovo direttore artistico si è volutamente attenuto alla musica. Il motto si è cristallizzato due anni fa in una conversazione con Riccardo Chailly, direttore principale dell'Orchestra del Festival di Lucerna, che voleva un focus americano. Di conseguenza, il concerto inaugurale del 14 agosto proporrà la Sinfonia n. 1 di Charles Ives e la Sinfonia n. 1 di George Gershwin. Concerto in Fa per pianoforte (solista: Frank Dupree) e orchestra. Il programma è completato dal brano di Gershwin Ouverture cubana e Steve Reichs Contrappunto di New York per undici clarinetti. Ma si può lasciare inalterata la connotazione positiva di «American Dreams» mentre molti americani vivono attualmente come un incubo la violenza di massa dello Stato? «Non vogliamo prendere posizione sulla politica di partito o sulla politica economica», risponde Nordmann in un'intervista personale. «Ciò che è importante per noi sono i sogni americani che sono stati espressi, ad esempio, nella musica di George Gershwin o nella musica minimale di Steve Reich e John Adams». Gli artisti sono stati invitati per la loro arte: da Yo-Yo Ma e Hilary Hahn alla poetessa Amanda Gorman.

La musica dovrebbe parlare da sola

Non vuole offrire un forum per la politica di partito, ma piuttosto rimanere in dialogo e costruire ponti. Secondo Nordmann, il festival è sinonimo di valori democratici e umanistici. Ma come si può realizzare questa affermazione senza una chiara posizione politica, visto che negli Stati Uniti non si parla più di politica di partito, ma piuttosto della minaccia fondamentale alla democrazia? Nordmann risponde: «Penso che sarebbe sbagliato per le istituzioni culturali dire cosa è giusto o sbagliato in termini di politica di partito. Vogliamo essere a favore di qualcosa, non contro qualcosa. Chiunque si esprima a favore dell'odio e della violenza non si esibirà con noi. Vogliamo sostenere le orchestre e gli artisti statunitensi. E dimostrare loro che li ascoltiamo e li vediamo», afferma Nordmann. La musica americana deve quindi farsi valere - e quest'estate ce n'è molta, da John Adams a Frank Zappa, da Leonard Bernstein ad Aron Copeland. L'artista in residenza è Augustin Hadelich, che vive negli Stati Uniti e si esibirà in quattro programmi diversi, tra cui i concerti per violino di Samuel Barber e Ludwig van Beethoven e una Fiddle Night. Anne-Sophie Mutter, la cui carriera è iniziata all'età di 13 anni al Festival Internazionale di Musica di Lucerna, festeggia il suo 50° anniversario sul palco con la Pittsburgh Symphony Orchestra e il 2° Concerto per violino di Penderecki, tra gli altri, ma ha anche un programma americano con il 2° Concerto per violino di André Previn.

Connessioni e innovazioni

La scorsa estate Jörg Widmann è stato presentato come il successore del defunto Wolfgang Rihm come direttore dell'Accademia del Festival di Lucerna. Con la sua direzione dell'opera orchestrale «mostruosa» (parole dello stesso Widmann) di Wolfgang Rihm Tutuguri un legame con il suo predecessore. La fragile musica del compositore in residenza Mark Andre, di cui Widmann è entusiasta, suona completamente diversa. Il Festival di Lucerna, che presenta 20 orchestre sinfoniche e 120 eventi, presenta innovazioni soprattutto nel campo dell'istruzione. Con il formato «Mittendrin», portato da Berlino, è possibile prendere posto in orchestra e, con il motto «Luege Lose Erläbe», un bambino o un giovane riceve un biglietto di accompagnamento per 10 franchi a ogni concerto. Due eventi di apertura gratuiti al KKL e all'aperto sulla Europaplatz hanno lo scopo di stuzzicare l'appetito per il festival, che è di due giorni più breve rispetto all'anno scorso. Con «Orchestrare il momento», il festival ha proposto un claim emozionale. Sarà sufficiente a renderlo più rilevante?

«La parola Gerusalemme contiene sia la parola ebraica »Shalom« che quella araba »Salam'. Entrambe significano pace. Al festival non vogliamo dividere le diverse culture, ma piuttosto unirle attraverso la musica. Gerusalemme è una città che ci unisce come società", afferma Michal Lewkowicz, fondatore e direttore artistico del festival di musica da camera Mizmorim di Basilea. Quasi tutti i concerti, le letture e le visite guidate della dodicesima edizione, che si è svolta all'insegna del motto "Gerusalemme", hanno registrato il tutto esaurito. Artisti ed ensemble rinomati come il Quartetto Gringolts, il clarinettista Reto Bieri e il flautista Ariel Zuckermann hanno fornito l'eccellenza musicale. Al festival sono stati scoperti anche giovani talenti come il Quartetto Arola di Berna, fondato solo nel 2024 ed emerso dalla masterclass che si è svolta per la prima volta a novembre.

Quasi tutti gli eventi erano incentrati su Gerusalemme. Lukas Landmann ha illustrato i 5.500 anni di storia della città, conquistata 34 volte, al Museo Ebraico della Svizzera. Heidy Zimmermann ha mostrato la composizione inedita creata nel 1967 alla Fondazione Paul Sacher. Gerusalemme per cantante solista, narratore, due cori e orchestra di Roman Haubenstock-Ramati. L'ensemble vocale Voces Suaves ha dedicato il suo programma a «Wenn ich Dein vergesse...» a salmi dal Rinascimento ai giorni nostri, che l'oudista israelo-palestinese Taiseer Elias ha accostato a melodie arabe nei suoi assoli. Il concerto di apertura «The Ties that Bind us» di David Krakauer (clarinetto) e Kathleen Tagg (pianoforte) presentava già echi di jazz e klezmer con 22 novembre un'opera del compositore siriano Kinan Azmeh.

Da Bach a Feldman

Il concerto «Yerushalayim shel zahav» presso lo Studio SRF di Basilea ha combinato la musica occidentale di Johann Sebastian e Carl Philipp Emanuel Bach con sette canzoni di Gerusalemme molto diverse tra loro, cantate in modo espressivo da Hila Baggio, che hanno mostrato l'ampiezza dell'ebraismo e della sua musica: dai sefarditi ai chassidici, dallo yiddish allo yemenita. Marcelo Nisinman ha scritto arrangiamenti emozionanti per flauto (Ariel Zuckermann), violino (Ilya Gringolts), clavicembalo (Francesco Corti) e lui stesso al bandoneon, che danno a ciascuno dei brani il proprio colore.

Yerushalayim shel zahav in tempo triplo lento, che è diventato noto a livello internazionale grazie alla cantante israeliana Ofra Haza, perde pathos nella versione di Nisinman e guadagna in complessità. Il suo Il muro del silenzio Il ritratto della città commissionato dal festival è sorprendentemente mondano e suona come tango e gioia di vivere. E trasmette una buona impressione della vivacità e della multiculturalità della città, che è oggetto di una vivace discussione nel foyer davanti a hummus, pita e birra.

Due concerti sono stati dedicati al compositore ebreo-americano Morton Feldman, che avrebbe compiuto 100 anni il 12 gennaio. Nell'appuntamento notturno, la mezz'ora Perché i modelli? per flauto, glockenspiel e pianoforte (1978). I toni profondi del flauto (Anja Clift) incontrano i suoni alti e caldi del pianoforte (Dmitry Batalov). Christian Dierstein si unisce alle linee del glockenspiel. È una musica molto tenera e intima che fa fermare il tempo e trasforma semplici cambi di tono in eventi. Il concerto di chiusura «Jerusalem Syndrome» con il Mizmorim Festival Ensemble, che presentava alcune prime svizzere, ha attraversato un arco di tempo nell'Ackermannshof che va dal compositore ebreo Stefan Wolpe (1902-1972), fuggito dalla Germania nazista per raggiungere gli Stati Uniti, al palestinese israeliano Samir Odeh-Tamimi, che vive in Germania e il cui trio Li-Umm-Kámel combina la musica araba con le tradizioni compositive europee. Un altro incontro interculturale in questo festival.

Radio SRF 2 Kultur presenterà uno spaccato del programma del Festival Mizmorim di quest'anno il 19 marzo 2026 dalle 20 alle 22 nel programma «Im Konzertsaal».

Il Le Giornate Mondiali della Musica di quest'anno si svolgerà a Bucarest dal 23 al 31 maggio. Il suo motto «Columna Infinita» è un riferimento alla scultura dell'importante artista rumeno Constantin Brâncuși.

L'edizione musicale svizzera (PMI) per la prima volta a nome del ISCM Svizzera (Sezione svizzera del Società internazionale di musica contemporanea) ha fatto il suo ingresso tra le opere svizzere. Si trattava di composizioni di Alice Hoi-ching Yeung, Barbara Rettagliati, Benoit Moreau, Christophe Schiess, Manuel Valverde e Paul Clift dal Call for Scores di ISCM Svizzera dello scorso autunno. La selezione è stata effettuata da Christian Spitzenstaetter (Presidente ISCM Svizzera/SME), Aline Sarah Müller (ufficio SME), Mathias Steinauer (SME/direttore artistico ISCM WMD 2004 in Svizzera) e Javier Hagen (SME/a. Presidente ISCM Svizzera).

Il lavoro di Iris Szeghy è stato presentato dalla sezione slovacca. Iris Szeghy (2016/2026) è la quinta compositrice svizzera alle Giornate Mondiali della Musica dell'ISCM dopo Helena Winkelman (2015), Junghae Lee (2004/2019), Esther Flückiger (2020/2023) e Karin Wetzel (2021).

Ulteriori informazioni: https://iscm.org/wnmd/2026-romania/

Indice dei contenuti

Focus

Solo ciò che mi tocca è un'eredità
Adriano, Graziella Contratto, Myriam Schleiss e Urs Schnell discutono del patrimonio culturale musicale della Svizzera sotto la direzione di Michael Eidenbenz.

Riconoscere, preservare e promuovere il patrimonio culturale
Cosa c'è nella «Lista delle tradizioni viventi» e perché?

Patrimonio culturale mondiale - e ora?
Quale processo ha portato all'inserimento dello jodel svizzero nella «Lista rappresentativa del patrimonio culturale immateriale dell'umanità» dell'Unesco e quali sono le conseguenze?

«L'idea dello jodel svizzero è un mito».»
L'etnomusicologo zurighese Dieter Ringli classifica ciò che sta accadendo attualmente nella scena dello jodel del Paese.

La Fonoteca Nazionale tra passato e futuro
Traduzione tedesca del testo originale italiano

(corsivo = riassunto in tedesco dell'articolo originale francese)

Critiche

Nuove pubblicazioni Libri, Vettore sonoro, Siti web, Note, Film

Eco 

Poiché nell'edizione stampata non c'è spazio sufficiente per tutti i testi, essi sono elencati qui e collegati ai corrispondenti articoli online. La maggior parte di essi è stata pubblicata prima dell'edizione stampata.

L'avanguardia e i consigli di Wotan
Il Festival di Lucerna presenta le nuove tendenze musicali con «Forward».

Jam session sinfonica
Nell'Orchestra di repertorio, dilettanti e studenti di musica eseguono per una sera opere popolari della letteratura concertistica classica insieme a professionisti.

Dirigere un'orchestre à vent en vrai
Le Giornate svizzere della direzione d'orchestra offrono sei giorni di masterclass e concerti per futuri direttori d'orchestra e chef d'orchestre à vent.

Lettera aperta in merito alla votazione sulla «Iniziativa di dimezzamento» nel marzo 2026
130 firmatari

Musica classica totale
Carta bianca da Jürg Erni

Base

Articoli e notizie dalle associazioni musicali

Konferenz Musikhochschulen Schweiz (KMHS) / Conférence des Hautes Ecoles de Musique Suisse (CHEMS)

Consiglio svizzero della musica (SMR) / Conseil Suisse de la Musique (CSM)

Swissmedmusica (SMM) / Associazione Svizzera di Medicina della Musica (SMM)

Società Svizzera di Musicologia (SMG) / Société Suisse de Musicologie (SSM)

Associazione Svizzera dei Musicisti (SMV) / Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM)

Associazione svizzera di pedagogia musicale (SMPV) / Société Suisse de Pédagogie Musicale (SSPM)

SONART - Musicisti Svizzera

Fondazione Concorso svizzero di musica per la gioventù (SJMW)

Cultura di Arosa

SUISA - Società cooperativa di autori ed editori di musica

Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (VMS) / Associazione Svizzera delle Scuole di Musica (ASEM)

 

Patrimonio osseo
Puzzle di Pia Schwab

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Emissione dell'ordine per CHF 12.- (+ CHF 2.- di spese di spedizione)

È un gesto noto, ce lo portiamo appresso dall’infanzia e ci resta più o meno attaccato negli anni, a seconda del livello di romanticismo insito in ciascuno e ciascuna. Non capita forse anche a voi, di tanto in tanto, di portarvi all’orecchio una conchiglia, una di quelle che avete sul legno dello scaffale che sopravanza l’allinearsi dei libri? «Senti il mare» ci dicevano da piccoli, perché si sa: le conchiglie hanno la capacità magica di impregnarsi del suono della loro dimora, e conservarlo in perpetuo. Crescendo si impara, se lo si vuole, che fanno solo da cassa di risonanza – minima ed imperfetta – per i rumori esterni, come il suono della nostra stessa circolazione sanguigna che irrora le orecchie. Eppure, il desiderio di credere in quel piccolo mare resta. Sarà che risponde alla grande mania della nostra specie, l’impadronirsi dell’esistente, e in quella che è la sua più impalpabile ed effimera realtà: il mondo dei suoni.

L’udibile, per la natura stessa della sua onda, si disperde e poco a poco svanisce. Lo conoscono bene i musicisti e gli attori, il fantasma della perfezione, la chimera della ripetizione identica di una sequenza di note o parole. Per palliare questa perdita di controllo sul reale, l’umano inventa lo stratagemma della scrittura. Verba volant, scripta manent: un rimedio ingegnoso alla dispersione di energia del mondo dei suoni. La scrittura è un codice che, anziché tentare la conservazione, punta alla ripetibilità del messaggio e del significante, appoggiandosi sulla capacità immaginifica del cervello umano.

Ma cosa ne è del vero suono, del vero oggetto? I castrati della Roma Barocca studiavano innanzi ai muri da eco per avere un riflesso passeggero della loro voce, e solo nel 1857 Éduard Léon Scott de Martinville brevetta il fonoautografo, una specie di oscillometro con cui riesce a trascrivere le vibrazioni del suono su dei vetri anneriti. Trascrivere ma non ancora riprodurre: si deve attendere il 2008 per potere ascoltare i suoi fonoautogrammi - un frammento di Au Clair de la Lune, qualche verso del Tasso e altri piccoli esperimenti. Au Clair de la Lune, alcuni versi del Tasso e altri piccoli esperimenti.

Ma nel 1878, intanto, Edison brevetta il suo fonografo, il quale trasmette le vibrazioni captate da una membrana a un pennino che incide su un cilindro coperto da un foglio di stagnola, e permette anche il percorso inverso di «rileggere» il solco e quindi riascoltare i suoni incisi. Nel 1888 Berliner sposta l’incisione dal cilindro al disco, più facile da riprodurre serialmente per la commercializzazione della musica. Il ventesimo secolo vede poi il passaggio alle registrazioni elettriche su nastro magnetizzato, e infine alle captazioni sonore puramente digitali, al regno dei compact disc e alla finale smaterializzazione del supporto: la musica si sposta nella rete. Dal nostro smartphone oggi possiamo registrare e riprodurre ore di suono e accedere a quasi tutta la musica del mondo online.

Una biblioteca per i suoni

Esistono le biblioteche, per conservare e mettere a disposizione della popolazione i documenti scritti. E i suoni? Una volta riusciti a fissare questi suoni su un supporto, cosa ne è dei supporti e della memoria sonora di una civiltà?

Già a fine ‘800, a pochi anni dall’invenzione di Edison, si registra assiduamente. Alcune istituzioni europee capiscono precocemente l’importanza di conservare, esattamente come si farebbe con lo scritto, questo patrimonio: nascono così nel 1899 il Phonogrammarchiv di Vienna e nel 1900 quello di Berlino. In Svizzera la Biblioteca Nazionale colleziona sin dall’inizio del secolo scorso, tra i documenti cartacei, anche qualche documento sonoro, ma negli anni ‘60 si sente la necessità di creare anche qui un’istituzione specifica che si occupi del mondo dei suoni. Nel 1984 il Comune di Lugano mette a disposizione spazi e fondi perché nel 1987 nasca la fondazione Fonoteca Nazionale Svizzera. Dal 2016 diventa istituzione pubblica, integrata come sezione della Biblioteca Nazionale. Dopo gli esordi allo Studio Foce, nel 2000 la FNS si sposta al Centro San Carlo ed è attualmente in attesa di trasferirsi, nel 2031, alla Città della Musica, progetto avveniristico che la congiunge in un unico polo – gli spazi della RSI di Besso – ad altri partner dell’ambito musicale.

Essendone una sezione, il mandato della Fonoteca è derivato dalla Legge federale sulla Biblioteca Nazionale Svizzera: collezionare, inventariare, conservare, rendere accessibile e far conoscere il patrimonio sonoro svizzero. Questo è definito e si costituisce come una serie di documenti chiamati Helvetica che implicano una relazione con il Paese e vengono acquisiti, documentati e catalogati in cinque settori, di cui quattro musicali – classica, jazz, rock&pop, folk – e un quinto che racchiude tutto ciò che musica non è: parole e voci, audiolibri, pièces teatrali, interviste, ma anche suoni della natura e paesaggi sonori.

«I nostri documenti più antichi sono dei cilindri di cera – musica classica e operette – provenienti dalla collezione di una persona di Chiasso,» ci spiega Günther Giovannoni, direttore della Fonoteca dal 2019. «Per quanto riguarda la musica, in Svizzera non esiste come in altri paesi l’obbligo di depositare una copia in Fonoteca, quindi in questi 40 anni abbiamo dovuto, grazie anche al supporto della Suisa, delle società di gestione dei diritti musicali e a collaborazioni con la radio ed altri partner, recuperare il terreno perso durante tutti questi anni. Per quanto riguarda lo streaming, il Parlamento Federale ha approvato una legge sul deposito legale digitale a partire dal 2027. Una mole di materiale gigantesca che implica la necessità di scegliere: non siamo obbligati ad avere tutto, ma solo quello che si ritiene importante. È un lavoro delicato che fanno i responsabili dei diversi settori.»

Il patrimonio culturale sonoro di un paese

Ci si potrebbe chiedere cosa ci sia di importante da conservare nel chiasso, spesso molto commerciale, che ci assale durante una piccola scrollata sui socials. «Non è nostro compito giudicare,» interrompe Giovannoni. «Il valore commerciale o artistico non sono i nostri soli criteri di scelta: abbiamo ad esempio una sezione dedicata alle pubblicità, che secondo alcuni parametri possono essere meno ricche o formative, ma sono importantissime storicamente e sociologicamente, e lo sono ancora di più per gli addetti ai lavori. La vera questione è la sostenibilità: ha senso conservare così tanto materiale? Quali sono i costi, ambientali e finanziari? Le nostre linee guida ci autorizzano a non prendere tutto per non intasarci. Una cernita, ad esempio, viene fatta anche sulle nuove produzioni artistiche, che lasciamo decantare per un po’ prima di annetterle ai nostri fondi.»

Ciò implica una chiara visione di cosa sia il concetto del patrimonio sonoro di un Paese. «É, in parte, la nostra memoria sonora a costituirci,» spiega Giovannoni. «La Svizzera è piccola ma molto diversificata per lingua, cultura e sfaccettature. Il lavoro dell’archivista è quello di conservare la memoria, perché essa ci caratterizza. Abbiamo un compito di tutela volto al futuro: conservare al meglio questo patrimonio sonoro per le prossime generazioni.»

Interessantissimo in questo senso il settore del parlato e dei suoni, che è forse il più ricco della Fonoteca. Se c’è stata l’esplicita intenzione di documentare le campane di un gran numero di chiese della Confederazione, i paesaggi sonori a volte sono l’effetto secondario di altre registrazioni, fatte in luogo pubblico, che ci permettono la cronaca di un certo spazio - un mercato di paese, una piazza cittadina - a distanza di decenni. «I suoni cambiano, come il nostro quotidiano,» spiega Giovannoni: «prendete lo scricchiolio di un ghiacciaio, come sta mutando negli anni e il fatto che tra poco non esisterà più. Oppure, più prosaicamente, il Comune di Lugano ha depositato tutte le registrazioni del consiglio comunale degli ultimi 60 anni: si può seguire l’evoluzione del discorso politico sotto l’aspetto linguistico, sociologico...»

Tra i documenti musicali, alcuni ci guidano attraverso la storia del Paese, come il fondo Hanny Christen: «cinquanta nastri magnetici scoperti per caso all’inizio degli anni ‘90 che hanno salvato una parte della «vecchia e pura» musica tradizionale svizzera, e ne hanno rivoluzionato la nostra visione,» ci spiega Andrea Sassen, responsabile della sezione folk. «Oppure pensate al fondo K-Sound di Kiko Berta, che ha registrato alcuni degli album più importanti degli anni ‘90 e contiene perle mai stampate a livello commerciale,» aggiunge Yari Copt, responsabile della sezione rock.

«Ma è interessante anche guardare al presente,» continua: «oggi esiste una generazione di artisti svizzeri che lavora con una visione chiara e con una grande qualità produttiva. Questo, dal punto di vista di chi lavora con la memoria musicale, è un segnale fortissimo. Il ruolo della Fonoteca è fondamentale non solo come archivio del passato, ma come luogo vivo che documenta il presente e costruisce il patrimonio sonoro di domani. Preservare oggi queste produzioni significa permettere di raccontare con precisione cosa stava succedendo nella musica svizzera in questo momento storico.»

Sguardo rivolto al futuro

Preservare, ma anche, straordinariamente, creare, come a voler portare lo sguardo verso quello che conta immortalare per il futuro: sul canale Youtube della Fonoteca, Bruno Spoerri festeggia i suoi 90 anni deliziando il pubblico con un live-streaming meraviglioso e magistralmente registrato allo Studio Lemura dai microfoni di Lara Persia. «È il primo di una serie di concerti che abbiamo commissionato grazie a una donazione eccezionale,» spiega Giovannoni. «Un po’ di vetrina: valorizziamo i nostri archivi creando contenuti con chi, il patrimonio sonoro svizzero, ha contribuito a farlo. Un omaggio a queste persone che hanno dato tanto.»

Anche qui, di nuovo, torna il concetto di lascito, di visione rivolta al futuro. E ciò ci riporta alla sfida tecnica dei supporti, tema centrale nel ruolo di conservazione che ha la Fonoteca. «Siamo legati strettamente alla tecnologia,» racconta Giovannoni. «In primo luogo per la longevità dei supporti: alcuni, come i dischi di gommalacca o di vinile, sono resistenti e tra un secolo li ascolteremo ancora se sono conservati in maniera professionale. Altri no: i nastri magnetici lentamente perdono informazioni, i CDR che si potevano «bruciare» in casa hanno in media una speranza di vita di cinque anni circa. Lo stesso discorso vale per gli apparecchi di riproduzione, che hanno la loro obsolescenza e la loro traiettoria storica.

Un esempio sono le cassette Dat della Sony, prodotte per 20 anni fino al 2007 quando la casa madre ha smesso, senza però cedere le autorizzazioni. Oggi abbiamo ancora una scorta di testine di lettura, ma finirà, e allora avremo un grave problema. Tutto ciò per noi implica delle priorità riguardo alla digitalizzazione e alla conservazione. E una sfida tecnologica continua per conservare e rendere fruibile questo materiale: vogliamo essere un luogo in cui si creano stimoli e occasioni per utenti e pubblico per scoprire del nuovo.»

Questa volontà si esplicita in progetti tecnologici avveniristici, come le ricerche per continuare a leggere i Dat, ad esempio, o programmi faro come Visual Audio, un sistema di digitalizzazione che permette di salvaguardare il contenuto audio di un disco rotto attraverso una fotografia analogica e una scansione dell’immagine.

Ma anche un discorso educativo mainstream rivolto a ogni pubblico che si concretizza in visite guidate, workshop, conferenze e inviti alle scuole. Importantissima in questo senso è la sensibilizzazione all’ascolto ed al suono che la Fonoteca rivolge ai più giovani.«I giovani ascoltano musica, ma spesso la fonte è il cellulare, con una qualità drammaticamente bassa,» lamenta Giovannoni. «Serve educarli ad un ascolto consapevole, e ciò è fondamentale anche riguardo ai potenziali danni da esposizione. Bisogna portare la loro attenzione sul fatto che la qualità sonora della musica è un fattore importante per l’ascolto, e che il momento, il mezzo e il formato con cui si fruisce possono cambiare la nostra percezione. I ragazzi a volte non sanno nemmeno che ci sono altri mezzi per ascoltare musica diversi dal loro cellulare e non si rendono conto delle differenze di qualità. Bisogna semplicemente educarli, e ciò è possibile, mostrando i progressi tecnici e le differenze tra le qualità sonore che si incontrano percorrendo la storia dei supporti.»

Questa votazione è di importanza fondamentale per la musica. La SRG non è solo un altro fornitore di media, ma la più importante piattaforma mediatica per la musica svizzera, sia per i professionisti che per l'ampia scena amatoriale ed emergente.

La musica arriva in Svizzera - via SRG

La musica fa parte della vita quotidiana in Svizzera. Circa il 20% della popolazione canta, un altro 20% suona uno strumento e quasi il 15% balla regolarmente. E quasi tutti ascoltano musica. Il fattore decisivo è il canale: Oltre l'80% della popolazione consuma musica attraverso la radio e la televisione.

È proprio qui che entra in gioco la SRG. Trasmette ogni anno oltre 42.000 ore di musica svizzera, produce circa 1.000 ore di musica dal vivo e, con una quota media di musica svizzera di circa il 40%, raggiunge un pubblico che nessun fornitore privato o piattaforma di streaming può raggiungere nella stessa misura.

Questa presenza non è una coincidenza, ma un mandato di politica culturale - ed è la base per la visibilità, il reddito e la promozione di giovani talenti.

La visibilità determina la prossima generazione

Yvonne Glur, co-responsabile del dipartimento di musica amatoriale presso l'Università di Parigi. Consiglio svizzero della musica e Presidente di accordeon.ch, La visibilità è fondamentale per la prossima generazione di musicisti amatoriali. I giovani si impegnano quando sperimentano che le loro capacità e la loro passione sono riconosciute, valorizzate e mostrate«.»

Che si tratti di musica per ottoni, cori, musica popolare, jazz o formati contemporanei: Molti ensemble e club esistono al di fuori di una logica commerciale. Senza un palcoscenico nazionale, scompaiono rapidamente dagli occhi del pubblico - e quindi dalla vita culturale quotidiana.

La diversità ha bisogno di infrastrutture

L'iniziativa del dimezzamento priverebbe la SRG di gran parte delle sue risorse finanziarie. Le conseguenze sarebbero prevedibili: meno produzioni interne, meno trasmissioni, meno servizi. Aumenterebbero i contenuti internazionali favorevoli, mentre la musica svizzera e i formati regionali verrebbero compressi.

Marc Trauffer, cantante e produttore pop dialettale, avverte: «Abbiamo urgentemente bisogno di una SSR forte. Il grande intrattenimento televisivo non può essere finanziato nel settore dei media privati in quattro lingue - e questo è proprio ciò che contribuisce alla diversità del nostro Paese.»

Ciò che vale per gli spettacoli e le serie vale anche per i formati musicali: i contenuti svizzeri sono complessi, radicati a livello regionale e raramente adatti alle masse in senso puramente commerciale. Proprio per questo è necessaria una forte infrastruttura pubblica.

Più della musica: la cultura come forza unificante

La conferenza sui media di Soletta ha chiarito che la SRG non è centrale solo per la musica, ma per la cultura nel suo complesso. Film, serie, registrazioni di concerti, archivi, giornalismo culturale e piattaforme digitali come Play Suisse creano una sfera pubblica condivisa, al di là delle barriere linguistiche.

Se questa infrastruttura si indebolisce, la Svizzera perderà parte del suo centro culturale. Le regioni, le comunità linguistiche più piccole e i formati di nicchia sarebbero particolarmente colpiti.

Un "no" congiunto da parte del settore culturale

La scena culturale è d'accordo: riforme, critiche e ulteriori sviluppi fanno parte del processo. Ma il dimezzamento non è un'ottimizzazione. È un taglio netto, con conseguenze per i posti di lavoro, i giovani talenti, la diversità e la coesione culturale.

Ecco perché i musicisti si uniscono a cineasti, autori, attori e associazioni culturali per dire: No all'iniziativa di dimezzamento della SSR. No allo smantellamento del palcoscenico mediatico.

Video con Patti Basler

 

Cosa succede quando si ascolta Mani Matter di nuovo - politicamente esagerato e di grande attualità? Satirico e cabarettista Patti Basler ha scritto un proprio testo contro l'iniziativa di dimezzamento della SSR al ritmo di «I han es Zündhölzli azündt».

Con umorismo e acutezza, va al cuore della questione: cultura, atteggiamento e non fare le cose a metà.