Im Alter von fünf Jahren wanderte Boris Giltburg mit seiner ganzen Familie aus der damaligen Sowjetunion nach Israel aus. Der sympathische und bescheiden auftretende Gewinner ist kein unbeschriebenes Blatt, hatte er doch bereits 2002 den 2. Preis beim Santander-Wettbewerb in Spanien, 2003 den 1. Preis beim Vendome-Wettbewerb in Lissabon sowie 2011 den 2. Preis beim Arthur-Rubinstein-Wettbewerb in Tel Aviv gewonnen. Er war auch schon mehrere Male in der Schweiz zu hören. Neben seiner begeisternden Musikalität beeindruckt Boris Giltburg durch die Fähigkeit, sich fliessend hebräisch, russisch, englisch, französisch und auch deutsch zu unterhalten. Sein Name deutet auf eine deutsche Herkunft, die Familiengeschichte lässt sich aber, wie er erzählte, nicht über mehr als drei Generationen durch die Wirren der Geschichte zurückverfolgen. Er zeigt neben seiner hauptberuflichen Tätigkeit als Pianist und Musiker grosses Interesse an (deutscher) Literatur, Malerei und neuerdings an Fotografie. Diese interdisziplinäre Kunstbetrachtung spielt hörbar in seine musikalische Interpretation hinein. Sein berührendes Spiel ist äusserst differenziert und nuancenreich, sodass die Musik zum agogisch atmenden und sogar die Pausen zum klingenden Erlebnis werden. Dass dabei die Technik nie Selbstzweck ist, sondern immer zu Gunsten der Musik überlegt eingesetzt wird, hob Boris Giltburg weit von zahlreichen der zwölf Finalistinnen und Finalisten aus neun Ländern ab. Man darf gespannt sein, wohin sein Weg noch führen wird.

Rémi Geniet
Der 2. Preis ging an den erst 21-jährigen Franzosen Rémi Geniet, der mit poetischem Spiel und differenzierter Anschlagskultur bei Beethoven (Sonate Nr. 9 op. 14/1) und beim zeitgenössischen Pflichtstück In the Wake of Ea des jungen französischen Komponisten Michel Petrossian faszinierte und überzeugte. Er verstand es sehr schön, zwischen Melodik und Harmonik ein Gleichgewicht herzustellen und auch graduelle Abstufungen bei Dissonanzen hörbar zu realisieren.

Die Aargauer Pianistin Beata Wetli hat eine kleine Anthologie mit Aargauer Komponisten aus dem 19. und 20. Jahrhundert unter dem Titel Aargauer Wanderungen eingespielt. Sofort wird hörbar, wie sehr das Klavier prädestiniert ist, seit der frühen Romantik auch für weniger spektakuläre Klanggebilde eine poetische Atmosphäre zu schaffen, zu parlieren, zu träumen, zu erzählen, zu fantasieren und Stimmungen einzufangen. Bildhaft und poetisch sind die passendsten Attribute dieses Tonträgers, der nebst einer grossen stilistischen Vielfalt – von frühromantischer Klangsprache über spätromantisch-impressionistische Anregungen bis zu neoklassizistischem Tongebilde ist alles zu hören – auch Ersteinspielungen bietet.
Im Vordergrund stehen die 22 kleinen Klavierstücken Von einer Wanderung (op.17) von Werner Wehrli. Sein meisterlicher Zyklus steht synonym für den programmatischen Titel der CD. Daneben sind auch Werke von Friedrich Theodor Fröhlich, Ernst Widmer, Emil Frey, Walther Geier, Ernest Bloch, von Busoni-Meisterschüler Robert Blum und glücklicherweise auch von Multitalent Peter Mieg zu hören. Und es ist zugleich klar, dass manche Komponisten nicht berücksichtigt wurden wie Carl Attenhofer, Hermann Suter oder Heinrich Sutermeister.
Das mag man zwar zunächst bedauern. Doch angesichts der Eindringlichkeit von Wetlis impressionistischer Klangverfeinerung, die auch tontechnisch sehr vorteilhaft eingefangen ist, darf man hoffen, dass eine Folge-Edition geplant ist mit weiteren Komponisten. Zu wünschen wäre es. Denn der Aargau bietet eine unerschöpfliche Quelle für Klaviermusik aus 150 Jahren. Jedenfalls macht diese Einspielung Lust auf mehr.

Aargauer Wanderungen. Klaviermusik von Aargauer Komponisten aus 150 Jahren. Beata Wetli, Klavier. Wiediscon WD 9451

Die Schweizer Forschungsstiftung «Kind und Krebs» unterstützt die Kinderkrebsforschung systematisch und leistet an die durch den medizinischen Fachausschuss ausgewählten, kliniknahen Projekte finanzielle Beiträge.

Die aus den Forschungsprojekten gewonnenen Erkenntnisse sollen es den Spezialisten ermöglichen, präzisere Diagnosen zu stellen und spezifische Therapieformen zu entwickeln. Auf diese Weise trägt «Kind und Krebs» dazu bei, die Heilungschancen der an Krebs erkrankten Kinder weiter zu verbessern.

Die gesamten Einnahmen des Benfizkonzertes gehen zugunsten der Stiftung. Die Musiker, die Dirigenten und die Solisten stellen ihre Gagen vollständig zur Verfügung – ebenso verzichtet die Tonhalle auf Kostenerstattung.

Gespielt werden Beethovens «Egmont»-Ouvertüre und Tripelkonzert sowie Piazzollas «Cuatro Estaciones Porteñas». Karten für das Benefizkonzert sind ab sofort im Vorverkauf der Tonhalle erhältlich.

Mehr Infos: www.tonhalle-orchester.ch

Auf gerade mal 190 Seiten gelingt es Thomas Richter, die Themen «Musik und Gehirn», «Musik und Menschheitsgeschichte» und sogar «Die Zukunft des Gehirns» unterzubringen. Respekt, sagt man da, zumal es sich ja nicht nur um grosse Problemfelder handelt, sondern auch um weithin Unerforschtes, ja sogar um Prophezeiungen. Richter misst sich nicht an, all das klären zu können, was er anspricht. «Vieles bleibt offen», heisst es am Ende des Buches. Gleich zu Beginn räumt der frühere Pianist und heutige Berater pharmazeutischer Untenehmen zu Recht ein: «Die Hirnforschung wird klar unterscheiden müssen, was sie sagen kann und was ausserhalb ihres Zuständigkeitsbereiches liegt, so wie die Musikwissenschaft (…) zu Bachs Fuge einiges zu sagen hat, zur Erklärung ihrer einzigartigen Schönheit aber schweigen muss.» (S. 8)

Die Relativierung mehr oder weniger wissenschaftlicher Methoden führt Richter zu einem feuilletonistischen Knäuel diverser Argumentationsstränge. Evolutionistische Theorien fristen ein erquickliches Dasein, hinzu gesellen sich strenger schulmedizinische Erörterungen über Funktionsweisen unseres Hirns, subjektive Kommentare zu eigenen Musikvorlieben oder auch Spekulationen über die Frequenz-Variationen unseres Kammertons a. Kurzweilig ist das durchaus; bei der Darstellung ungeheurer Gehirnleistungen beim Hören und Musizieren überzeugen des Autors Kompetenzen. Mit fortschreitender Lektüre aber drängt sich der Eindruck einer gewissen Geschwätzigkeit auf; zu viel scheint einfach so aus dem Ärmel geschüttelt. Und ein ums andere Mal führen Richter seine Subjektivismen aufs Glatteis. Vollends rutscht er aus, wenn er immer wieder auf die «Zwölftonmusik» oder «Neutöner» zu sprechen kommt. Hatte Friedrich Blume einst das «Naturereignis» Musik dazu missbraucht, der Elektronischen Musik ihr Daseinsrecht abzusprechen, so verfährt Richter nicht prinzipiell anders. Bei ihm ist es eben das (naturgegebene) Hirn, das offenbar nicht bereit ist, den Schritt mitzumachen von der Tonalität zur Atonalität, von der schönen Melodie zur zusammenhangslosen Tonansammlung schönbergscher Prägung: «Das Gehirn wehrt sich gegen die atonalen, dissonanten Stücke der Zwölftonmusik, da mag sie noch so sehr die Musiktheorie wie auch die kompositorische Praxis im 20. Jahrhundert beeinflusst haben.» (S. 45)

Auf Dauer wirken solch rückschrittliche Stereotype nicht nur geschwätzig, sondern auch ärgerlich. Zumal dann, wenn die Funktionsweisen des Gehirns nach eigenen Worten ungeklärt sind, zumal dann, wenn in unsäglicher (plötzlich doch unangenehm zeitgemässer) Manier die omnipräsente Quote ins Spiel kommt. Als Beleg für die der menschlichen Aufnahmefähigkeit nicht angepasste Musik nach Schönberg dient der Rausschmiss des Dortmunder Generalmusikdirektors, der gehen musste, weil er sich um die zeitgenössische Musik bemühte und, als Folge, wegen «dramatisch sinkender Auslastungen» (S. 45). Möge also den Klassikern wieder mal ein unendliches Leben beschieden sein! Zumindest bisher sind Konzerte mit Beethoven und Schubert ja immer voll.

Thomas Richter, Warum man im Auto nicht Wagner hören sollte. Musik und Gehirn, 200 S., € 8.95, Reclam, Stuttgart 2012, ISBN 978-3-15-020255-5

Princess And The Bear, das klingt nach Märchen. Und nicht so sehr nach Alpen oder Hamburg. Doch das Duo hat ein ordentliches Stück Herz im Hafen der norddeutschen Metropole liegen lassen und sein erstes Album Sleeping In The Bee House in einer Holzhütte auf dem Bürgenstock eingespielt. Wo die beiden während der Aufnahmen auch genächtigt haben, und zwar – der Titel deutet es an – in einem umgebauten Bienenhäuschen. Gut möglich, dass das Werk deshalb so innig wirkt. Wie eine Ballade auf engstem Raum.

Die Aufgabenverteilung bei Princess And The Bear ist klar: Simone Schorro ist die Sirene, die singt und Glockenspiel betreibt, während Gitarrist Michael Tobler als stiller Partner und Stichwortgeber agiert. Obschon sich die beiden bereits vor sechs Jahren zusammengeschlossen haben, ist Sleeping In The Bee House ihr erstes gemeinsames musikalisches Zeugnis. Und was für eins. Die Luzernerin und der Zürcher schaffen luftige Liedkreaturen aus Folk, jazzigem Pop und einer alles umschlingenden Melancholie, die trotz ihrer inhaltlichen Schwere auch sanften Schwung besitzen. Dabei fahren Princess And The Bear ein ausgesprochen tiefes Tempo, aalen sich im wohl Temperierten und widmen sich der Fragilität.

Schorros Gesang steht im Zentrum, kreist, schwankt und bestimmt; ihre Stimme mutet an wie eine Flaschenpost auf hoher, aber stiller See. Passend dazu ächzt auf Stücken wie «100 Years» oder «I Still Miss You» ein Akkordeon, einer sich biegenden Planke gleich. Die ebenso geschmeidigen wie knorrigen Lieder erzählen von Schmetterlingen, Türen oder Ankern, sind eher verträumt denn verspielt und voller Verwerfungen. Aus dem Album spricht die Sehnsucht. Und die Kraft. So sehr, dass sich feststellen lässt: Sleeping In The Bee House ist ein Ereignis.

Princess And The Bear: Sleeping In The Bee House
www.princessandthebear.ch

Auf gerade mal 190 Seiten gelingt es Thomas Richter, die Themen «Musik und Gehirn», «Musik und Menschheitsgeschichte» und sogar «Die Zukunft des Gehirns» unterzubringen. Respekt, sagt man da, zumal es sich ja nicht nur um grosse Problemfelder handelt, sondern auch um weithin Unerforschtes, ja sogar um Prophezeiungen. Richter misst sich nicht an, all das klären zu können, was er anspricht. «Vieles bleibt offen», heisst es am Ende des Buches. Gleich zu Beginn räumt der frühere Pianist und heutige Berater pharmazeutischer Untenehmen zu Recht ein: «Die Hirnforschung wird klar unterscheiden müssen, was sie sagen kann und was ausserhalb ihres Zuständigkeitsbereiches liegt, so wie die Musikwissenschaft (…) zu Bachs Fuge einiges zu sagen hat, zur Erklärung ihrer einzigartigen Schönheit aber schweigen muss.» (S. 8)

Die Relativierung mehr oder weniger wissenschaftlicher Methoden führt Richter zu einem feuilletonistischen Knäuel diverser Argumentationsstränge. Evolutionistische Theorien fristen ein erquickliches Dasein, hinzu gesellen sich strenger schulmedizinische Erörterungen über Funktionsweisen unseres Hirns, subjektive Kommentare zu eigenen Musikvorlieben oder auch Spekulationen über die Frequenz-Variationen unseres Kammertons a. Kurzweilig ist das durchaus; bei der Darstellung ungeheurer Gehirnleistungen beim Hören und Musizieren überzeugen des Autors Kompetenzen. Mit fortschreitender Lektüre aber drängt sich der Eindruck einer gewissen Geschwätzigkeit auf; zu viel scheint einfach so aus dem Ärmel geschüttelt. Und ein ums andere Mal führen Richter seine Subjektivismen aufs Glatteis. Vollends rutscht er aus, wenn er immer wieder auf die «Zwölftonmusik» oder «Neutöner» zu sprechen kommt. Hatte Friedrich Blume einst das «Naturereignis» Musik dazu missbraucht, der Elektronischen Musik ihr Daseinsrecht abzusprechen, so verfährt Richter nicht prinzipiell anders. Bei ihm ist es eben das (naturgegebene) Hirn, das offenbar nicht bereit ist, den Schritt mitzumachen von der Tonalität zur Atonalität, von der schönen Melodie zur zusammenhangslosen Tonansammlung schönbergscher Prägung: «Das Gehirn wehrt sich gegen die atonalen, dissonanten Stücke der Zwölftonmusik, da mag sie noch so sehr die Musiktheorie wie auch die kompositorische Praxis im 20. Jahrhundert beeinflusst haben.» (S. 45)

Auf Dauer wirken solch rückschrittliche Stereotype nicht nur geschwätzig, sondern auch ärgerlich. Zumal dann, wenn die Funktionsweisen des Gehirns nach eigenen Worten ungeklärt sind, zumal dann, wenn in unsäglicher (plötzlich doch unangenehm zeitgemässer) Manier die omnipräsente Quote ins Spiel kommt. Als Beleg für die der menschlichen Aufnahmefähigkeit nicht angepasste Musik nach Schönberg dient der Rausschmiss des Dortmunder Generalmusikdirektors, der gehen musste, weil er sich um die zeitgenössische Musik bemühte und, als Folge, wegen «dramatisch sinkender Auslastungen» (S. 45). Möge also den Klassikern wieder mal ein unendliches Leben beschieden sein! Zumindest bisher sind Konzerte mit Beethoven und Schubert ja immer voll.

Thomas Richter, Warum man im Auto nicht Wagner hören sollte. Musik und Gehirn, 200 S., € 8.95, Reclam, Stuttgart 2012, ISBN 978-3-15-020255-5

Die Aargauer Pianistin Beata Wetli hat eine kleine Anthologie mit Aargauer Komponisten aus dem 19. und 20. Jahrhundert unter dem Titel Aargauer Wanderungen eingespielt. Sofort wird hörbar, wie sehr das Klavier prädestiniert ist, seit der frühen Romantik auch für weniger spektakuläre Klanggebilde eine poetische Atmosphäre zu schaffen, zu parlieren, zu träumen, zu erzählen, zu fantasieren und Stimmungen einzufangen. Bildhaft und poetisch sind die passendsten Attribute dieses Tonträgers, der nebst einer grossen stilistischen Vielfalt – von frühromantischer Klangsprache über spätromantisch-impressionistische Anregungen bis zu neoklassizistischem Tongebilde ist alles zu hören – auch Ersteinspielungen bietet.
Im Vordergrund stehen die 22 kleinen Klavierstücken Von einer Wanderung (op.17) von Werner Wehrli. Sein meisterlicher Zyklus steht synonym für den programmatischen Titel der CD. Daneben sind auch Werke von Friedrich Theodor Fröhlich, Ernst Widmer, Emil Frey, Walther Geier, Ernest Bloch, von Busoni-Meisterschüler Robert Blum und glücklicherweise auch von Multitalent Peter Mieg zu hören. Und es ist zugleich klar, dass manche Komponisten nicht berücksichtigt wurden wie Carl Attenhofer, Hermann Suter oder Heinrich Sutermeister.
Das mag man zwar zunächst bedauern. Doch angesichts der Eindringlichkeit von Wetlis impressionistischer Klangverfeinerung, die auch tontechnisch sehr vorteilhaft eingefangen ist, darf man hoffen, dass eine Folge-Edition geplant ist mit weiteren Komponisten. Zu wünschen wäre es. Denn der Aargau bietet eine unerschöpfliche Quelle für Klaviermusik aus 150 Jahren. Jedenfalls macht diese Einspielung Lust auf mehr.

Aargauer Wanderungen. Klaviermusik von Aargauer Komponisten aus 150 Jahren. Beata Wetli, Klavier. Wiediscon WD 9451

Princess And The Bear, das klingt nach Märchen. Und nicht so sehr nach Alpen oder Hamburg. Doch das Duo hat ein ordentliches Stück Herz im Hafen der norddeutschen Metropole liegen lassen und sein erstes Album Sleeping In The Bee House in einer Holzhütte auf dem Bürgenstock eingespielt. Wo die beiden während der Aufnahmen auch genächtigt haben, und zwar – der Titel deutet es an – in einem umgebauten Bienenhäuschen. Gut möglich, dass das Werk deshalb so innig wirkt. Wie eine Ballade auf engstem Raum.

Die Aufgabenverteilung bei Princess And The Bear ist klar: Simone Schorro ist die Sirene, die singt und Glockenspiel betreibt, während Gitarrist Michael Tobler als stiller Partner und Stichwortgeber agiert. Obschon sich die beiden bereits vor sechs Jahren zusammengeschlossen haben, ist Sleeping In The Bee House ihr erstes gemeinsames musikalisches Zeugnis. Und was für eins. Die Luzernerin und der Zürcher schaffen luftige Liedkreaturen aus Folk, jazzigem Pop und einer alles umschlingenden Melancholie, die trotz ihrer inhaltlichen Schwere auch sanften Schwung besitzen. Dabei fahren Princess And The Bear ein ausgesprochen tiefes Tempo, aalen sich im wohl Temperierten und widmen sich der Fragilität.

Schorros Gesang steht im Zentrum, kreist, schwankt und bestimmt; ihre Stimme mutet an wie eine Flaschenpost auf hoher, aber stiller See. Passend dazu ächzt auf Stücken wie «100 Years» oder «I Still Miss You» ein Akkordeon, einer sich biegenden Planke gleich. Die ebenso geschmeidigen wie knorrigen Lieder erzählen von Schmetterlingen, Türen oder Ankern, sind eher verträumt denn verspielt und voller Verwerfungen. Aus dem Album spricht die Sehnsucht. Und die Kraft. So sehr, dass sich feststellen lässt: Sleeping In The Bee House ist ein Ereignis.

Princess And The Bear: Sleeping In The Bee House
www.princessandthebear.ch

Bei besonders anspruchsvollen Musikstücken (wie zum Beispiel bei einigen Passagen der 6. Paganini-Etüde von Franz Liszt) dürfen die Intervalle zwischen den einzelnen Fingerbewegungen 30 Millisekunden nicht überschreiten. Sie müssen zudem höchst präzise realisiert werden. Im Vergleich dazu sind die schnellsten Intervalle, die nichtgeübte Musiker erreichen, eher bescheiden (ca. 150 Millisekunden). Eine Reihe von Untersuchungen belegen, dass mehr als 10 000 Trainingsstunden aufgewendet werden müssen, um professionelle Spielleistungen zu ermöglichen. So intensive Trainings hinterlassen «Spuren» in den an der Expertise-Kontrolle beteiligten Hirngebieten. Besonders die in die motorischen Gebiete eingebundenen Hirngebiete weisen teilweise erhebliche anatomische und neurophysiologische Veränderungen auf.


Die bislang zu diesem Thema publizierten neuroanatomischen Arbeiten haben gezeigt, dass bei Pianisten vor allem die primären Motorareale, welche die Finger kontrollieren, auf beiden Hemisphären besonders gross geworden sind. Diese Grössenveränderungen äussern sich in grösserem Volumen des neuronalen Gewebes, aber auch in einer grösseren kortikalen Oberfläche im Handmotorkortex. Neben diesen Volumenunterschieden können auch Veränderungen der Kabelsysteme ausgemacht werden, welche die motorischen Hirngebiete mit den Händen und Beinen verbinden.


Diese anatomischen Besonderheiten sind bei den Betroffenen wahrscheinlich im Zuge des motorischen Lernens entstanden. Je früher sie mit dem Musiktraining begonnen hatten, desto stärker sind die anatomischen Veränderungen in der Regel ausgeprägt. Man erkennt auch markante Unterschiede zwischen den Musikern, je nachdem welche Instrumente sie spielen. Bei Pianisten sind vor allem die beiden Handmotorareale auf der rechts- und linksseitigen Hemisphäre besonders gross und stärker vernetzt. Bei Streichern dagegen, die ja vor allem die Finger der linken Hand besonders trainieren müssen, ist nur der rechtsseitige Handmotorkortex anatomisch auffällig bzw. grösser geworden. Besondere anatomische Anpassungen findet man auch im kortikospinalen Trakt, der den Handmotorkortex mit den Händen und Armen verbindet.


Neben diesen spezifischen Anpassungen im motorischen System finden sich auch neurophysiologische Besonderheiten bei der funktionellen Kopplung zwischen den motorischen und sensorischen Arealen – vor allem zwischen Motor- und Hörkortex. Die neurophysiologischen Aktivierungen in den motorischen Hirngebieten bei Pianisten sind wie erwähnt besonders an das Pianospiel angepasst. Man erkennt diese besondere Anpassung auch anhand der Optimierung der neurophysiologischen Erregung in den beteiligten Hirngebieten. Bei Pianisten sind dies geringere neurophysiologische Aktivierungen in den Motorarealen beim Pianospielen als bei ungeübten Personen. Offenbar haben sich in Folge des häufigen Übens die am besten geeigneten neuronalen Schaltkreise etabliert, um die motorischen Abläufe zu ermöglichen.


Beim hoch trainierten Pianisten hat sich als Folge des Übens ein automatisiertes Fehlerkontrollsystem etabliert, dass es ihnen erlaubt, motorische Fehler während des Spiels unbewusst zu erkennen und zu kontrollieren. Die Fehlerkontrolle wirkt sich allerdings nicht auf die gerade fehlerhaft durchgeführte Handlung, sondern vielmehr auf zukünftige Handlungen aus.


Bemerkenswert ist, dass sich solche neurophysiologischen und neuroanatomischen Anpassungen nicht nur im frühen Kindes- und Jugendalter einstellen, sondern auch im Erwachsenenalter und – was besonders interessant ist – auch im Seniorenalter. Insofern ist der Erwerb musikalischer Spielkompetenz nicht nur der Jugend vorbehalten, sondern auch im Alter möglich. Möglicherweise ist das menschliche Gehirn ein Leben lang plastisch, so dass man das Musizieren bis ins hohe Alter erwerben kann.


Prof. Dr. rer. nat. Lutz Jäncke


Universität Zürich/Psychol. Institut


Lehrstuhl für Neuropsychologie


> lutz.jaencke@uzh.ch


Im Sport engagieren sich laut der Meldung des Zentrums für Kulturmanagement der ZHAW annährend drei Viertel der befragten Unternehmen. Den Bereich Corporate Responsibility unterstützen 50 Prozent, die Kultur 48 Prozent und die Medien 24 Prozent.

Durchschnittlich gaben die Unternehmen 2012 rund 1,8 Millionen Franken für Sponsoring aus. Der grösste Teil der Gelder (38 Prozent) floss in den Sport, gefolgt von der Kultur (23 Prozent). Im Vergleich zu Deutschland hat das Kultursponsoring in der Schweiz eine höhere Bedeutung. Im Nachbarland fliessen insgesamt nur rund 10 Prozent der Gelder in die Kultur und satte 65 Prozent in den Sport. Überdurchschnittlich aktiv im Sponsoring-Markt sind die Finanzdienstleister (Banken, Versicherungen).

Die häufigsten Kultur-Sponsorships betreffen Film, klassische Musik sowie Rock-, Pop- und Jazzmusik. Die befragten Experten gehen davon aus, dass das Sponsoring in den Sparten Film sowie Rock- und Popmusik in Zukunft weiter an Bedeutung gewinnt, während «traditionelle» Bereiche wie Ballett, Oper oder klassische Musik eher an Bedeutung verlieren werden.

Die Studie kann über folgenden Link kostenlos bezogen werden:
www.zhaw.ch/de/management/zkm/forschung-und-entwicklung/studie-sponsor-visions-schweiz.html

Im 18. Jahrhundert hielt man sich junge Singvögel und spielte ihnen Melodien vor. Sie sollten sich die Tonfolgen einprägen, lateinisch «recordari», und dann nachpfeifen. Für diese Unterweisung benutzte man oft Blockflöten, die dadurch zu ihrem englischen Namen «Recorder» kamen. Es gab sogar Melodiensammlungen, die passende Weisen für verschiedene Vogelarten empfahlen.

Damit sind wir mitten in der Thematik dieser Publikation, die Vogelrufe und -gesang vor allem an den Schnittstellen zur Musik beleuchtet. Der Autor Christian Marti ist selber Amateurmusiker und hat über 20 Jahre Material zum Thema gesammelt. Das spürt man auf den bloss 32 Seiten in jedem Satz. Türen zu weiten ornithologischen Forschungsfeldern und einem reichen musikalischen Repertoire werden aufgestossen, und doch ist der Text angenehm lesbar, fast möchte man sagen: erholsam, was vielleicht daran liegt, dass alles an einem frühen Frühlingsmorgen seinen Anfang nimmt: Wer beginnt da wann zu singen? Und wozu eigentlich? Singen nur Männchen? Warum meint man manchmal im Spätsommer, die Vögel seien alle verschwunden? Vögel haben keine Stimmbänder. Wie singen sie dann? Was sind Rufe, was Gesänge? Wollen uns Stare verspotten, wenn sie Geräusche imitieren? Wird ein junger Kuckuck, der so viele Bettellaute macht wie die vierköpfige Brut seiner Wirtsfamilie, auch vierfach gefüttert? Wie verändert sich der Vogelgesang bei stetem Umgebungslärm? Und wie wird Vogelgesang überhaupt notiert?

Eher biologische Fragestellungen werden abgelöst durch zunehmend musikalische. Es geht um Komponisten, die Vogelstimmen in ihre Werke eingeschrieben haben, um eine Art Hitparade der am häufigsten zitierten Arten und auch um Vogelstimmen ab Tonband im Konzertsaal

Das Beste: All die erwähnten Vogelstimmen und Musikbeispiele sind auf der Website der Vogelwarte zu hören! Eine wirklich lohnende Sache – das pfeifen sogar die Spatzen von den Dächern. 

Christian Marti mit Beiträgen von Gilberto Pasinelli, Vogelstimmen, (=Themen aus der Vogelwelt, Heft 70),
32 S., Fr. 5.00, Schweizerische Vogelwart Sempach 2013, info@vogelwarte.ch
Das Heft ist auch auf Französisch und Italienisch erhältlich.