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Alain Kohler und der Pleyel Nr. 11265

Wie Kohler selber schreibt, hat er sämtliche Unterlagen der Firma Pleyel, die den Zeitraum zwischen 1839 und 1847 betreffen, nach Flügeln gesichtet, die Chopin in dieser Zeit in seinen Pariser Wohnungen zur Verfügung gestellt worden sein können, und ist dabei auf die Seriennummern mehrerer Flügel gestossen, auf die das mit Sicherheit zutrifft.

Den Flügel Nr. 11265 hat er ausfindig machen können, weil er von der Reparaturwerkstatt Edwin Beunk zum Verkauf ausgeschrieben worden war. Die Entdeckung ist von Jean-Jacques Eigeldinger, emeritiertem Professor der Universität Genf und ausgewiesenem Kenner Chopins, bestätigt worden. Das Instrument stand zwischen Dezember 1844 und Juni 1845 in Chopins Wohnung am Square d’Orléans in Paris. Chopin gab dort Klavierunterricht. Die Sonate für Cello und Klavier op. 65 ist sicherlich auf diesem Instrument entworfen worden.

Fünf Pleyel Flügel sind nachweislich von Chopin benützt worden. Sie befinden sich in Museen auf Mallorca, in Paris, Stockholm, Krakau und Warschau. Vor neun Jahren hat Eigeldinger in der Sammlung Alec Cobbe in England einen weiteren Flügel entdeckt. Der von Alain Kohler entdeckte Flügel hat den Vorteil, dass die originale Mechanik gut erhalten ist. Er wird künftig für künstlerische Projekte zur Verfügung gestellt.

Anfragen sind unter www.fortepiano.nl an Edwin Beunk zu richten.
 

1816 war ein Jahr ohne Sommer, was vor allem im Zürcher Oberland eine gravierende Hungerkrise zur Folge hatte. Zurückzuführen war die Düsternis auf einen riesigen Vulkanausbruch in Indonesien. Ein regional breit abgestützter, unter dem Patronat der Kulturkommission gegründeter Verein organisiert nun im Ritterhaus Bubikon unter anderem eine Ausstellung und ein Freilichtspiel zu den Ereignissen vor 200 Jahren, für die bereits ein grosses Interesse besteht, auch von Schulen. An die Kosten der beiden Teilprojekte erhält der Verein einen Beitrag von 250‘000 Franken aus dem Lotteriefonds.

Die Theatergruppe Karls kühne Gassenschau muss ihre 40 Jahre alte Tribüne aus Sicherheitsgründen ersetzen, was ihr Kosten von 730‘000 Franken verursacht. Daran erhält sie nun einen Lotteriefonds-Beitrag von 300‘000 Franken. Je 400‘000 Franken erhalten die Stiftung der Evangelischen Gesellschaft des Kantons Zürich für die Sanierung ihrer Obdachlosen-Herberge in Zürich und die Initianten für eine regionale Projektschau Limmattal, mit welcher identitätsstiftende Vorhaben dieser Region über die Kantonsgrenze hinaus gefördert werden sollen. Mit 300‘000 Franken unterstützt der Regierungsrat zudem ein Projekt der Universität Zürich, das die Selbstständigkeit von alleinstehenden alten Menschen mit dem therapeutischen Einsatz von Hunden fördern will.

Auch die Organisatoren des Züri Fäscht 2016 sollen 800‘000 Franken aus dem Lotteriefonds erhalten. Dies beantragt der Regierungsrat dem Kantonsrat. Mit dem gegenüber früheren Festen erhöhten Beitrag werden zusätzliche Sicherheitsaufwendungen und eine Teilabgeltung des Zürcher Verkehrsverbundes (ZVV) für das Nachtnetz ermöglicht.

Innenansichten aus der Welt der Kammermusik, speziell aus der noch immer mit der Aura des Mystischen versehenen Königsdisziplin Streichquartett, scheinen nach wie vor auf grosses Interesse zu stossen. Nach dem in bereits dritter Auflage befindlichen Buch von Sonia Simmenauer Muss es sein? – Leben im Quartett von 2008 (vergl. SMZ 9/2008, S. 35) bringt der Verlag Berenberg eine Publikation auf den Markt, die noch tiefere Schichten dieses traditionellen Viererbundes freilegt. Vielleicht war schon damals angedacht worden, das Thema später mittels eines ausgesuchten Quartetts genauer zu beleuchten, denn auf dem Titel war bereits das – passend zu Beethovens Titel sehr ernste – Bild des Vogler-Quartetts.

Im neuen Buch nun, auf dessen Vorderseite die Protagonisten über das in drei Jahrzehnten Erreichte zufrieden lächeln dürfen, kehren viele Themen wieder, stellen sich aber aus einem anderen Blickwinkel dar. Der Autor Frank Schneider, früher Intendant des Konzerthauses Berlin, sah sich im Entstehungsprozess nicht als Leitfigur, sondern hat im Gegenteil das Konzept dazu gemeinsam mit dem Quartettmitgliedern entwickelt, und zwar erst, nachdem sie ihn um seine Mitwirkung gebeten hatten. Man könnte also durchaus sagen, das Buch sei in einem der Kammermusik wesensverwandten Verfahren interaktiv gewachsen.

Obwohl – wie der Untertitel besagt – Gespräche die Grundlage für den finalen Text bilden, ist hier keine lockere Ansammlung von erörterten Themen mit einer sich aus sich selbst entwickelnden Dynamik entstanden. Die akribisch vorbereitete, durchdachte und sensibel pointierte Fragestellung des Autors verleiht dem Buch ein tragfähiges Rückgrat, eine Struktur, die auch weniger informierte Leser an die Hand nimmt und den Lesegenuss durch die formale Geschlossenheit aufrecht erhält.

Das Vogler-Quartett eignet sich in mehrerlei Hinsicht ganz besonders für ein solch aufwändiges Unterfangen. Seit 30 Jahren in gleicher Besetzung auf den Bühnen der Welt zuhause, steht es aufgrund seiner Entstehungsgeschichte und der Herkunft der Musiker ganz besonders für eine deutsch-deutsche Erfolgsgeschichte vor dem Hintergrund der aufregenden letzten Jahre der DDR und ihres Zusammenbruchs 1989 sowie der Wiedervereinigung Deutschlands 1990. Die Doppelspitze der Streichquartette der DDR hiess damals: Vogler- & Petersen-Quartett. Letzteres ist bedauerlicherweise schon vor einigen Jahren nach zahlreichen Besetzungswechseln aufgelöst worden. Geprägt von Eberhard Feltz, neben Robert Levine der Nestor unter den Quartettpädagogen alter Schule, betrat das Vogler-Quartett mit Aplomb das Parkett der internationalen Konzertbühnen nach seinem ersten Preis am Wettbewerb in Evian 1986. Wie man auf youtube auch heute noch schön nachvollziehen kann, handelte es sich bei den vier Musikern zu dieser Zeit um eine klassische Band, die äusserlich ganz dem spiessig-biederen DDR-Look entsprach, aber als Quartett eine derartige Ernsthaftigkeit und Präzision entfaltete, die – bar jeder westlichen Wurstigkeit oder Arroganz – die Kollegen und Kolleginnen völlig überraschend an die Wand spielte.

Mag sein, dass die Mitglieder des Vogler-Quartetts, die allesamt aus der zunehmend vom Aussterben bedrohten Gattung musikalisch aktiver und Hausmusik praktizierender Familien stammen, ihre – wie sie selbst sagen – stoische Bedächtigkeit nie ganz abgelegt haben und zuweilen eine gewisse emotionale Distanz entfalten. Dabei ist ihr musikalischer Impetus und vor allem der intellektuelle, analytische, informierte Unterbau ihrer Interpretationen einem Eisberg gleich, riesenhaft unter dem Sichtbaren, immer fühlbar und geradezu ehrfurchtgebietend. Ihre Disziplin, ihr Fleiss und ihr nimmermüdes Interesse an neuen Herausforderungen, seien es nun Kinderkonzerte, Neue Musik, genreüberschreitende Projekte (u. a. mit Ute Lemper, jüdischer Musik, Tango) oder ganze Festivalprogramme (u. a. Homburger Kammermusiktage, Drumcliffe Festival Irland), zeichnen sie immer wieder vor anderen Ensembles aus, die mit den immer gleichen programmatischen Inhalten kein neues Interesse für die fantastisch vielfältige Kammermusik wecken, sondern durch das Einbalsamieren der teilweise überkommenen Rituale und Konzertformate den Ast absägen, auf dem sie eigentlich noch eine Weile sitzen wollen.

Die vier männlichen Mitglieder des Quartetts (mittlerweile eine Minderheitenkonstellation unter den Ensembles) kommen alle zu gleichen Teilen zu Wort. Was an Ausgewogenheit innerhalb des Viererbundes schon allein an der unterschiedlich gewichteten Wahrnehmung der einzelnen Stimmen scheitern und sich der natürlichen Quartetthierarchie unterwerfen muss, gelingt dem Buch auf beeindruckende Weise. Natürlich wurden die Texte nach den Gesprächen bearbeitet. Zu geschliffen und perfekt wirken die Antworten, als dass sie auf dem hohen sprachlichen und inhaltlichen Niveau spontan hätten entstehen können. Gleichwohl fällt auf, dass bei allen vier Musikern ein Höchstmass an Wahrnehmung, Reflexion und Durchdringung der Wesensmerkmale des eigenen Tuns vorhanden ist. Das kann man wahrlich nicht von allen Quartetten behaupten. Nichtsdestotrotz sind es vier unterschiedliche Charaktere, die sich hier fanden, mit all ihren Eigenheiten, Schwächen und Stärken. Die 30 Jahre Zusammenhalt aber erzeugen eine derart substanzielle Schicht an Gemeinsinn und erlebter Geschichte, dass man wie selten von einer «Ehe zu viert» sprechen kann. Man mag als nicht eingeweihter Leser schmunzeln über die Not mit zu niedrigen Stühlen oder den zuweilen sozial anstrengenden Afterconcert-Partys. Dass aber das ernsthafte Quartettspiel auf höchstem Niveau kein Beruf, sondern ein prioritäres Leben im Leben bedeutet, an dem sich alles andere ausrichtet, das kommt sehr schön zum Ausdruck. Es werden auch offen teuerste Verluste beklagt, die das künstlerische Tun verursacht hat, wie beispielsweise zerbrochene Ehen oder Beziehungen.

Trotz der Fülle des Buches und der vielen Einzelheiten, die es bespricht, gäbe es noch viel mehr zu sagen und zu fragen. Zum Beispiel, was eigentlich den Kern der bald dreihunderjährigen Faszination am Streichquartett ausmacht, warum so viele Komponisten ihr Wertvollstes dieser Gattung widmeten? Oder wie wäre es mit einem Buch der Partner der Streichquartettmusiker und deren Sicht auf die omnipräsente zeitliche und emotionale Konkurrenz? Wer weiss, vielleicht gibt es in ein paar Jahren ein weiteres Buch, das die Geschichten fortschreibt und ergänzt und uns den Kosmos Streichquartett wieder neu erklärt.

Frank Schneider, Eine Welt auf sechzehn Saiten.
Gespräche mit dem Vogler Quartett,
384 S., € 25.00, Berenberg-Verlag, Berlin 2015,
ISBN 978-3-937834-80-1

«Die Materialien […] sind didaktisch hervorragend aufeinander abgestimmt. Der Mix aus den Medien erlaubt einen flexiblen Einsatz und variablen Zugang zu den Inhalten sowohl beim eigenständigen Lernen als auch im Unterricht.» So begründete die Jury, die Preisvergabe an Bigband Drumming. Mit dem MusiX wurde bereits 2013 ein Lehrmittel aus dem Helbling-Verlag ausgezeichnet.

Bigband Drumming richtet sich an Schlagzeuger in Schul-Bigbands, Musikvereinen, Studentenorchestern und vielen weiteren Formationen. Auch Dirigenten und Arrangeure profitieren vom vermittelten Wissen. Die prämierte Publikation des Helbling Verlags schafft in einem sachkundigen Theorieteil wertvolle inhaltliche Grundlagen und bietet im Praxisteil umfangreiches Trainingsmaterial zu exemplarischen Grundstilen der Bigband-Literatur (Swing, Latin, Blues, Funk). Im Zentrum stehen aufwendig aufbereitete Videoclips der integrierten DVD (Gesamtspielzeit: 90 Minuten), die leicht spielbare Basis-Grooves, schrittweise Lernsequenzen, komplette Bigband-Performances und animierte Noten zum Mitlesen und Mitspielen präsentieren – jeweils aus Sicht des Drummers und ideal für das Selbststudium. Die Audio-CD (Gesamtspielzeit: 50 Minuten) ermöglicht mit ihren Gesamtaufnahmen und Play-alongs auch ein Üben ohne DVD-Player.

Der Deutsche Bildungsmedienpreis «digita» prämiert seit 1995 Lehr- und Lernangebote, die inhaltlich und formal herausragen und die digitalen Medien beispielgebend einsetzen. Er wird jährlich auf der didacta, Deutschlands größter Bildungsmesse, vergeben. Der Helbling Verlag mit seinen vier Standorten in Esslingen (D), Innsbruck (A), Bern (CH) und Ancona (I) bietet innovative Lehr- und Lernsysteme mit Schwerpunkten auf Musikpädagogik, Chor, Grundschulpädagogik und English Language Teaching.

Stephan Genze, Bigband Drumming, Ein Praxis-Lehrgang mit Video-Tutorial für Schlagzeuger, Bandleader und Arrangeure, 48 Seiten, inkl. DVD und Audio-CD, Fr. 47.90, Helbling-Verlag, Esslingen u.a., ISBN: 978-3-85061-998-1
 

Es hat sich unter Musikfreunden herumgesprochen, dass die ehemalige Druckerei des Willisauer Boten im Luzerner Hinterland zum Zentrum für Musikinstrumente geworden ist. Begonnen hat die Erfolgsstory im Jahr 2000. Damals hat die Albert-Koechlin-Stiftung die Sammlung von Christian Patt erworben, der sich durch Bildquellen zum Nachbau von Mittelalter- und Renaissanceinstrumenten hatte inspirieren lassen. Aus dieser Kernsammlung ist die Musikinstrumentensammlung Willisau entstanden, deren Leiter, ein Primarlehrer und gelernter Orgelbauer, in Wechselausstellungen vorerst die Verknüpfung mit dem lokalen Instrumentenbau des musikalisch regen Städtchens suchte. Es gelang Adrian Steger aber auch, angereiste Besucher durch Konzerte mit Alter Musik in den grossen Museumsraum und in die schönen Barockkirchen von Willisau zu locken.

Den eigentlichen Aufschwung erlebte das kleine Museum aber durch die Sammlung Heinrich Schumacher, die von 1943–2009 im Richard-Wagner-Haus auf Tribschen in Luzern zugänglich war und seit 2010 nun in Willisau ausgestellt ist. Anstelle eines Sammlungskatalogs publizierte Adrian Steger 2013 in der Reihe Innerschweizer Schatztruhe zusammen mit Martin Kirnbauer, Martina Papiro, Franz Peter und Georg Anderhub ein informatives Musikinstrumenten-ABC von Alphorn bis Zugposaune.

Seltene Instrumente mit durchschlagenden Zungen: Drehharmonium, Mélopone und das kontrabassartige Cécilium

Durchschlagender Erfolg mit durchschlagender Zunge

Wie Neue Musik vermitteln? Wie kann eine als unzugänglich empfundene Musik im Unterricht erschlossen werden? Die Universal Edition hat mit Listening Lab eine Heftreihe begonnen, die Wege zu einer breit angelegten, alle Sinne beteiligenden Annäherung aufzeigen.

Die einzelnen «Workshops» innerhalb der Hefte richten sich an unterschiedliche Altersgruppen. Es gibt Projekte und Spiele sowohl für Kinder als auch für Jugendliche und Erwachsene. Doch, so meinen die Autoren, diese Angaben zum Zielpublikum seien nicht absolut zu verstehen, vielmehr gehe es darum, die Sprache und Arbeitsweise den Gruppen anzupassen.

Zwölftonreihe als Grundlage
Als erstes stellen Constanze Wimmer und Helmut Schmidinger Materialien rund um das Violinkonzert von Alban Berg vor. Dieses Werk gilt vielen als eines der wichtigsten Konzerte im 20. Jahrhundert. Zu Beginn ertönen die leeren Saiten der Geige G-D-A-E. Aus diesen vier Tönen entwickelt sich gleichsam das Stück, dem eine Zwölftonreihe zugrunde liegt. Ein Kärntner Volkslied (Ein Vogerl aufm Zwetschgenbaum) und ein Bachchoral (Es ist genug) sind in das Stück verwoben, es kommen ein Walzer und der Rhythmus eines Totentanzes vor. Alles Ingredienzen, die den aussermusikalischen Kontext spiegeln. Denn Berg widmet sein Werk Manon Gropius, der Tochter von Alma Mahler, die 19-jährig an Polio stirbt, und untertitelt es mit «Dem Andenken eines Engels». Tod und Trauer, Schmerz und Liebe sind in dieser Musik spürbar.

Aus der Musik selber und aus der Geschichte, die diese umgibt, gewinnt Constanze Wimmer die Zugänge zum Werk. Zum Beispiel bei der «Quintensuche»: Paarweise werden Quinten gesungen, eine Person gibt einen Ton vor, die andere sucht den Quintton. Oder es gilt die zuvor verstimmten Streichinstrumente richtig zu stimmen. Eigene, persönliche Zwölftonreihen entstehen, indem man die Buchstaben seines eigenen Namens als Musiknoten notiert und die Tonfolge anschliessend mit dem Stabspiel ausprobiert. Im «Projektvorschlag Porträtklangmalerei» zeigen praktische Konzepte, wie mit eigenem Spielen, Komponieren und Experimentieren in die Welt von Bergs Violinkonzert eingetaucht werden kann.

So bietet das Heft vielerlei Anregungen und Tipps für den Unterricht. Dazu gibt es reiche Hintergrundinformationen, besonders interessant die vielen Zitate von Th. W. Adorno und Willi Reich.

«Nous pensons en effet que le mariage des arts est un acte fondamental dans la démarche éducative, comme dans toute démarche artistique. Pour cette raison, nous avons eu l’idée de proposer à des compositeurs majeurs de notre siècle, Hugues Dufourt, Georg Friedrich Haas, Cristobal Halffter, György Kurtàg, Mauro Lanza, Philippe Manoury, Bruno Mantovani, Gérard Pesson et Wolfgang Rihm, de s’inspirer d’une oeuvre de leur choix au Musée du Louvre…, pour créer une pièce destinée à des pianistes en cours de cursus musical.» So äusserten sich Anne-Lise Gastaldi und Valérie Haluk über ihr Projekt, das 2014 unter dem Titel univers parallèles bei der Universal Edition herausgegeben wurde.

Bei dieser Idee denkt man vielleicht spontan an Mussorgskys berühmte Bilder einer Austellung. Allerdings konnte es hier logischerweise nicht um einen stilistisch einheitlichen Zyklus gehen. Und auch die mehrheitlich mässigen pianistischen Anforderungen, woran sich die meisten Komponisten auftragsgemäss auch gehalten haben, folgen nicht den Spuren des russischen Vorbilds.

Entstanden ist vielmehr ein bunte Sammlung von kurzen Stücken, die gelegentlich mehr über den Komponisten (keine einzige Komponistin!), als über das gewählte Kunstwerk aus dem Louvre verraten.

Da gibt es den Astronomen nach Vermeer, eine aparte Klangmalerei von Philippe Manoury; Rembrandts Ochsen, plötzlich im Louvre von Wolfgang Rihm, mit einfachsten Mitteln und Witz erzählt, oder das motorische, effekthascherische Autoportrait von Bruno Mantovani. Sehr tiefschürfend dagegen Kurtágs …couple égyptien en route vers l’inconnu… inspiriert von einem Kunstwerk, das ca. 2350–2200 v. Chr. entstanden ist, welches der Komponist vielleicht nicht ohne ironischen Hintersinn dem 90-jährigen Ausnahmepianisten Menahem Pressler gewidmet hat.

Keiner der Komponisten hat sich wohlweislich an die Mona Lisa gewagt.Wie die wohl klingen würde?

Dufourt, Haas, Halffter, Kurtàg, Lanza, Manoury, Mantovani, Pesson, Rihm: ­univers parallèles. Dix nouvelles pièces pour piano inspirées de chefs-d’ouvres du Louvre, UE 36 021, € 24.95, Universal ­Edition, Wien

Für mutige Interpreten und Komponistinnen ist der greifenden und der streichenden oder sonstwie klangerzeugenden Hand alles erlaubt. Die Frage ist nur, wie das Verlangte notiert und ausgeführt wird!

Die mit Neuer Musik erfahrene und erfolgreiche Bratscherin Barbara Maurer hat nach jahrelangem Austausch mit ihren Triokolleginnen eine übersichtliche Zusammenstellung geschaffen von «allem was mit Saiten, Holz und 150 Pferdehaaren möglich ist». Sie beschreibt die jeweilige Ausführung eingehend und diskutiert die Notationsmöglichkeiten. Viele Notenbeispiele und Zeichnungen ergänzen die Erklärungen vorteilhaft.

Auch für nicht mit Neuer Musik Befasste ist das Kapitel über die Teiltöne sehr aufschlussreich, weil hier die Erzeugung der Flageolettöne mit vielen praktischen Hinweisen grundlegend erklärt wird; schon in diesem ersten Kapitel wird das extreme «Fawsett»-Flageolett, das mit dem Bogen erzeugt wird, vorgestellt. So geht es weiter im Kapitel mit den Tonhöhen, das zuerst Grundlegendes über Schlüssel, Differenz-, Resonanztöne und Glissandi gut zusammenfasst und dann ausführlich über Mikrotöne, Triller und Skordatur referiert. Der Klangerzeugung mit und ohne Bogen ist der grösste Teil des Werkes gewidmet, und der ist so abenteuerlich, dass ich das nicht kurz beschreiben kann. Die letzten 30 Seiten des A4-formatigen Buches wenden sich an die Komponisten mit wertvollen Hinweisen zur Notation von Partituren und an die Interpretinnen zu ihrer Arbeit bei Proben und Aufführungen.

Barbara Maurer, Saitenweise. Neue Klangphänomene auf Streichinstrumenten und ihre Notation, BV 446, € 26.90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2014

Die Messbarkeit von musikalischen Leistungen ist bei Pädagogen umstritten und doch wird sie im «richtigen Leben» in vielen Bereichen vorgenommen, man denke nur an die zahlreichen Musikwettbewerbe, Castingshows oder an die harten Auswahlverfahren für Studienplätze und Musikerstellen. Hasselhorn stellt sich berechtigterweise die Frage nach der Bewertbarkeit von Leistungen, die neben den genannten Bereichen auch in weiterführenden Schulen gemessen werden müssen. Der Autor konzentriert sich in seinen Untersuchungen auf die musikpraktischen Kompetenzen, klammert also den sowieso schon bewertungsrelevanten theoretischen Musikunterricht aus. Er zielt ebenso wenig auf eine Bildungstheorie für das Fach Musik ab, betont aber, dass ohne klar definierte Bildungsziele für den Musikunterricht sein in akribischer Kleinarbeit hergeleitetes und empirisch erprobtes Kompetenzmodell nur bedingte Aussagekraft haben könne.

Hasselhorn geht in seinem von der Deutschen Forschungsgemeinschaft DFG unterstützten Projekt vom selben Kompetenzbegriff aus, der auch dem Lehrplan 21 zugrunde liegt (Weinert, 2001). «Musikpraktische Kompetenz» sieht er als «eine notwendige Voraussetzung für komplexere musikbezogene Handlungen». Vor diesem Hintergrund entwickelt Hasselhorn zunächst ein theoretisches Kompetenzmodell. Er untersucht bestehende Modelle aus dem angelsächsischen Bereich und vergleicht diese mit Curricula der deutschen Bundesländer auf Sekundarstufe I. Er kondensiert die gewonnenen Erkenntnisse schliesslich in ein dreidimensionales Strukturmodell mit den für die Schule geltenden Musikbereichen: Gesang, instrumentales Musizieren, Rhythmusproduktion. Jeder Dimension ordnet er je drei niveauabgestufte Bewertungsskalen zu. In Zusammenarbeit mit erfahrenen Musiklehrern entwickelte er Testitems (Aufgaben). Zur Erfassung der Messresultate war ein umfangreicher technischer Aufbau vonnöten.

Die Resultate für die untersuchte Jahrgangsstufe 9 zeichnen sich durch eine unerwartete Heterogenität aus und zeigen eine Diskrepanz zwischen den hohen curriculären Ansprüchen und den tatsächlich gemessenen Einzelkompetenzen. Der hierzulande auf kollektive Ergebnisse angelegte Musikunterricht dürfte durch eine geschickte Didaktik aber zu weit akzeptableren Ergebnissen gelangen, als dies die gemessenen Einzelfähigkeiten vermuten lassen. Der Test habe denn auch «nur eine einzige Aufgabe», aber diese erfülle er «in hervorragender Weise (…) nämlich die leistungsstärkeren von den leistungsschwächeren Schülern objektiv, zuverlässig und gültig zu trennen».

Johannes Hasselhorn, Messbarkeit musikpraktischer Kompetenzen von Schülerinnen und Schülern, Entwicklung und empirische Validierung eines Kompetenzmodells, Perspektiven musikpädagogischer Forschung, Band 2,
196 S., € 29.90, Waxmann, Münster 2015,
ISBN 978-3-8309-3294-9

In den neuen vier Bänden legen drei der vier Mitglieder der Kieler Brahms-Forschungsstelle – Katrin Eich, Johannes Behr und Jakob Hauschildt – sowie als externer Herausgeber der US-Amerikaner George S. Bozarth die Ergebnisse ihrer philologischen Forschungen in folgenden Editionen vor: Klavierauszug des 2. Klavierkonzertes B-Dur op. 83, Klaviersonaten, Klavierarrangements der drei Streichquartette op. 51 und 67 sowie Orgelwerke des Komponisten.

DDie Untersuchung des Klavierauszugs zum Zweiten Klavierkonzert hat gezeigt, dass zum Teil bis heute fehlerhafte Lesarten der Komposition aufgeführt werden. Die Neuausgabe enthält zum ersten Mal die noch spät von Brahms vorgenommenen Änderungen und Korrekturen der Partitur und Solostimme, die irrtümlich nicht in spätere Auflagen des besonders früh veröffentlichten Klavierauszuges gelangt waren.

Sehr schwierig gestaltete sich die Aufarbeitung der Klaviersonaten: Kompositorisch relevante nachträgliche handschriftliche Änderungen in Brahms‘ Handexemplaren waren nicht immer eindeutig auf den Komponisten selbst zurückzuführen und auch in ihrer Gültigkeit nicht eindeutig bestimmbar. Während derartige Varianten durch praktische Ausgaben des 20. Jahrhunderts teilweise weite Verbreitung gefunden haben, werden sie im nun vorliegenden Band nicht im Haupt-Notentext, sondern in Fussnoten mitgeteilt.

Die Forschungsstelle der Johannes-Brahms-Gesamtausgabe ist Teil des Musikwissenschaftlichen Institutes der Christian-Albrechts-Universität zu Kiel (CAU). Ihre Arbeit wird seit 1991 je zur Hälfte vom Land Schleswig-Holstein und von der Bundesrepublik Deutschland finanziert und von der Akademie der Wissenschaften und der Literatur, Mainz, koordiniert. Sie ist als wissenschaftliches Editions- und Forschungsprojekt angelegt und soll bis 2026 die unzureichende alte Gesamtausgabe von 1926/27 ersetzen und erheblich erweitern. Die neue Gesamtausgabe zieht sämtliche erreichbaren Werkquellen heran. Auch fragmentarisch überlieferte Kompositionen, Entwürfe und Skizzen von Brahms werden gesammelt, in ihrer Bedeutung untersucht und angemessen dokumentiert.
 

Wirklich gehaltvolle romantische Literatur im mittelschweren Bereich ist für Cello nicht besonders zahlreich vorhanden. Eine sinnvolle Abhilfe schafft hier der Kölner Dohr-Verlag. In der Reihe Adrian’s Song Album Series wurden mehrere Liedsammlungen bedeutender romantischer Komponisten wie Franz Schubert, Felix Mendelssohn Bartholdy, Robert Schumann, Johannes Brahms, aber auch Gabriel Fauré von Adrian Connell für Cello und Klavier eingerichtet.

Der Umfang der Cellostimme geht nicht über die 4. Lage hinaus und ist damit auch für Schüler zu bewältigen. Der harmonisch-melodische Reichtum dieser Kompostionen bietet sowohl Ausführenden als auch Zuhörern ein wesentlich grösseres Vergnügen, als herkömmliche seichte Salonstücke. Kleiner Abstrich: es wäre sinnvoll gewesen, auch die Liedtexte abzudrucken und somit Schülern leichter Erkenntnisse über die Verbindung von Text und Musik zu ermöglichen.
 

Robert Schumann, Schubert Song Album, arr. von Adrian Connell für Violoncello und Klavier (Bd.1), Partitur und Stimme, E.D. 88550, € 9.80, Dohr, Köln 2014

Franz Schubert, Schubert Song Album (Bd. 1), E.D. 88540, € 11.80

Johannes Brahms, Brahms Song Album (Bd. 1), E.D. 88530, € 11.80

Gabriel Fauré, Fauré Song Album (Bd.1), E.D. 88520,
€ 10.80

Felix Mendelssohn Bartholdy, Mendelssohn Song Album (Bd.1), E.D. 88510, € 9.80

Hormone sind biochemische Botenstoffe, die in speziellen Zellen produziert und über das Blut transportiert werden. Sie entfalten an verschiedenen Organen spezifische Wirkungen. In der Pubertät wachsen Kehlkopf und Vokaltrakt schnell und bei Knaben unter dem Einfluss der Androgene (der männlichen Hormone) noch ausgeprägter als bei Mädchen, bei denen der «Stimmbruch» meist nicht bemerkt wird.


Die fast fünfzehnjährige Mara nimmt seit mehr als einem Jahr Gesangsunterricht. Eine Musikmatura ist geplant. Seit einem halben Jahr geht das Singen gar nicht mehr, die Stimme ist deutlich tiefer geworden. Die Untersuchung zeigt höchstens eine leichte Rötung der Stimmlippen. Aber Mara hatte bisher noch keine Menstruation, das lässt an ein hormonelles Problem denken. Der Hormonspezialist weist dann auch ein Überwiegen von männlichen Hormonen nach. Bei Mara ist es also gewissermassen zu einem Stimmbruch gekommen, wobei die Stimme nicht wie bei Jungen um eine Oktave abgesunken ist, aber eben tiefer als die Mädchenstimme von Gleichaltrigen, die sich physiologischerweise um etwa eine Terz senkt.


Die Hormonstörung kann behandelt werden, aber die Stimme wird nicht mehr höher werden, die Virilisierung des Kehlkopfs ist nicht rückgängig zu machen. Vermutlich wird Mara wieder Zugang zur Singstimme finden können, wenn sich der Kehlkopf an die neue Situation gewöhnt, und dafür ist zunächst eine logopädische Stimmtherapie angezeigt. Aber in welcher Stimmlage singen möglich ist, und ob es für eine Musikmatura reichen wird, ist unsicher.


Der vierzehneinhalbjährige Mike sucht mich auf, weil er zwei Monate zuvor erkältet war und er seine Singstimme noch immer nicht wiedergefunden hat. Er singt solistisch in einem Ensemble als Mezzosopran. Er spricht mit einer etwas unnatürlich hohen, dünnen und brüchigen Stimme. Die Untersuchung zeigt einen reizlosen Kehlkopf, der aber bereits deutlich grösser ist als bei einem Kind.


Was liegt vor? Mike hat den Stimmbruch eigentlich schon durchgemacht, das heisst, das hormonell stimulierte Wachstum des Kehlkopfs hat stattgefunden. Aber durch die Pflege des hohen Singens ist er auch beim Sprechen in einer hohen Stimme hängen geblieben. Hier handelt es sich nicht um eine hormonelle Störung, sondern um eine fehlerhafte Anpassung an eine normale Entwicklung. Was nun?


Man nennt diese Stimmlage, die sich bei bereits weitgehend erfolgter Mutation noch nicht gefestigt hat, Cambiata. Die Sprechstimme des Knaben muss durch eine erfahrene Logopädin in die männliche Lage gesenkt und dort stabilisiert werden, denn das ständige zu hohe Sprechen strapaziert die Stimme und führt zu Stimmermüdung und Heiserkeit. Aus diesem Grund hat sich Mikes Stimme nach der Erkältung auch nicht erholt. Singen kann Mike vorläufig weiter hoch. Die Aufnahme eines Konzertes, das Mike einige Monate später mit der hohen Stimme wieder singen kann, klingt einwandfrei.


Wenn die Stimme trotz Wachstum hoch bleibt, spricht man von einer Mutationsstörung. Bei Männern ist diese pathologische Stimme höchst auffällig, aber durch Logopädische Therapie gut zu behandeln. Bei Mädchen mit Mutationsstörung kommt es erst viel später zu Stimmermüdung und Heiserkeit, und die Diagnose ist schwieriger zu stellen. Logopädie ist auch hier die Therapie der Wahl.


Mutationsstörungen sind ziemlich häufig. Echte hormonell bedingte Stimmstörungen, wie im Fall von Mara beschrieben, viel seltener. Wenn ein Jugendlicher nicht oder nur teilweise in die männliche Stimmlage kommt, ist eine Untersuchung beim Phoniater angezeigt. Senkt sich die Stimme eines Mädchens merklich ab, oder kann es überhaupt nicht mehr singen, ohne dass es vermehrt belastet oder früher für Stimmstörungen anfällig gewesen wäre, dann sollte auch das medizinisch überprüft werden.


Musik ist emotional besetzt – sie gehört heute zur atmosphärischen Ladengestaltung ebenso wie Beleuchtung, Farben, Dekoration und sogar Gerüche. Sie kann zum Konsum reizen, Wohlfühlstimmungen hervorrufen, Begeisterung auslösen oder auch die Wiedererkennung von Marken fördern. Die Wirtschaft hat dies erkannt und setzt gezielt auf das sogenannte  «Audio-Branding».  Stefan Weinzierl vom Fachgebiet Audiokommunikation der TU Berlin geht der Frage nach, inwieweit Markenattribute wie Sportlichkeit, Eleganz oder Jugendlichkeit durch musikalische Inhalte und deren akustische Eigenschaften repräsentiert werden können.

Derzeit monopolisieren zwei grosse amerikanische Konzerne den Weltmarkt der so genannten Instore Music. Das soll anders werden. Dafür wollen die Forscher um  Weinzierl die Grundlagen schaffen. Das Team will ein Werkzeug entwickeln, mit dem Marketing-Agenturen aus grossen Musikarchiven automatisiert eine zu den jeweiligen Markenwerten passende Programmauswahl als Playlist selektieren können. Eine intuitiv bedienbare Oberfläche soll die Komplexität der dahinterliegenden Mechanismen verbergen, die Informationen über den soziokulturellen Hintergrund der Hörer sowie Informationen über die klangliche Signatur der Musik verwenden.

Die Werkzeuge sollen Profis in die Lage versetzen, qualitativ hochwertige Audio-Branding-Dienste anzubieten und so mit den grossen US-Playern zu konkurrieren. Aber auch kleine und mittlere Musikproduzenten und Labels in Europa sollen zur Vermarktung ihrer musikalischen Kreationen als Instore-Musik profitieren können.

Neben den anwenderorientierten Aspekten will das Projekt aber auch erkenntnisorientierte Aspekte abdecken: Wie konstituiert sich die Bedeutung von Musik? Welche inner- und aussermusikalischen Faktoren stehen dahinter? Dazu sollen Ressourcen für eine gross angelegte empirische Studie geschaffen werden.

Paul Hindemiths Sonate op. 11 Nr. 3 für Violoncello und Klavier existierte vor der Drucklegung 1921 in einer stark von der Endfassung abweichenden Form: ursprünglich dreisätzig konzipiert, verwarf Hindemith den ersten und dritten Satz und verwendete nur den mittleren als Schlusssatz in der zuletzt zweisätzigen Endfassung. Die Partitur der Erstfassung gilt heute als verschollen. Lediglich deren autografe Solo-Cellostimme sowie Klavierskizzen sind erhalten.

Der türkische Pianist Fazil Say hat sich der Aufgabe gestellt, die überlieferten Quellen in eine aufführbare Form zu bringen. Wie jeder Teilrekonstruktion bzw. Ergänzung haftet natürlich der Makel des Hypothetischen an diesem Experiment. Doch Fazil Says Fassung ist ein beachtenswerter Lösungsansatz und evoziert die stilistische Vielschichtigkeit, welche in Hindemiths Werken dieser Periode zu finden ist. Nicht nur Hindemith-Fans sollten sich damit beschäftigen.

Paul Hindemith, Sonate für Violoncello und Klavier op. 11 (Erstfassung 1919), ergänzt und bearbeitet von Fazil Say, Partitur und Stimmen, ED 21259 € 38.00, Schott, Mainz