Die aus den Intendantinnen und Direktoren von Schauspielhaus, Opernhaus, Kunsthaus und Tonhalle-Orchester Zürich bestehende Künstlerische Kommission der Festspiele Zürich hat entschieden, den Zürcher Festspielpreis 2017 dem Germanisten und Schriftsteller Peter von Matt zu verleihen. Der mit 50‘000 Franken dotierte, durch den Bär-Kaelin Fonds der Zürcher Festspielstiftung ermöglichte, spartenübergreifende Preis würdigt herausragende Leistungen für das Zürcher Kulturleben.

Der Zürcher Festspielpreis wird durch den Bär-Kaelin Fonds der Zürcher Festspielstiftung ermöglicht und würdigt herausragende Leistungen für das Zürcher Kulturleben. Er wird 2017 zum elften Mal vergeben. Als Jury wirkt die Künstlerische Kommission der Festspiele Zürich. Wurde der Preis bisher im Rahmen der Festspiele Zürich verliehen, findet die Verleihung 2017 erstmals im Vorbereitungsjahr zwischen zwei Festspiel-Ausgaben statt.

Die bisherigen Preisträger: 2007 Heinz Holliger, 2008 Luc Bondy, 2009 Peter Stein, 2010 György Kurtág, 2011 Matti Salminen, 2012 Heinz Spoerli, 2013 Pipilotti Rist, 2014 Fritz Senn, 2015 Anna Viebrock, 2016 Sophie Hunger.

Bevor das Jugendjazzorchester.ch (JJO) mit seinem Konzert loslegt, spricht der künstlerische Leiter, Christian Muthspiel, über die Zukunft. Im Juni dieses Jahres finden nämlich erneut Auditions statt. Dabei wird das Ensemble zum dritten Mal neu besetzt. Wiederum werden talentierte Musikerinnen und Musiker im Alter zwischen 16 und 25 Jahren gesucht, die «instrumental- oder vokaltechnisch bereits auf hohem Niveau» agieren und idealerweise Vorkenntnisse im Jazzbereich mitbringen. Gemäss Flyer sei jedoch der Wille wichtiger, sich mittels persönlichem Ausdruck im Kollektiv einzubringen und zu improvisieren.

Doch noch gebührt die Aufmerksamkeit der zweiten Ausgabe des gesamtschweizerischen Fördervorhabens: Im Basler Jazzcampus Club warten 16 Musikerinnen und Musiker auf ihren Live-Einsatz. Christian Muthspiel, einst Mitglied beim Vienna Art Orchestra, will dem Publikum das Projekt der Musikschule Jazz Basel zuerst näherbringen. «Wir wollen die Jugend zwischen Musikschule und Studium abholen», erklärt der Österreicher. Und verweist auch auf das Vorspielen im vergangenen Sommer, wo Interessierte die Chance erhielten, sich und ihr Können während zehn bis fünfzehn Minuten zu präsentieren. Dabei habe er viele tolle Talente zu sehen und zu hören bekommen, so der Posaunist und Komponist. Dementsprechend schwer sei die Auswahl gefallen.

«Meine Aufgabe ist es, jedes Jahr ein neues Programm zu schreiben», sagt Muthspiel. Dieses solle sich ganz nach den Fähigkeiten der teilnehmenden Musikerinnen und Musiker richten. «Das Ganze ist dann ein gemeinsames Weiterentwickeln von Modulen.» Viel gemeinsame Zeit, um zu einem überzeugenden Resultat zu finden, stand den Beteiligten nicht zur Verfügung: Drei Wochenenden und vier Tage intensives Proben in der Premierenwoche mussten genügen. Endlich gilt es ernst: Muthspiel wendet sich vom Auditorium ab und seinem Orchester zu. Zuvor verspricht er 90 Minuten Musik, zwei Stücke und keine Pause.

Der Beginn gerät alpin: Betont Schräges von Trompeten und Saxofon evozieren bergige Bilder. Es ist ein fröhliches Durcheinander, das sich nach und nach entwirrt und Fahrt aufnimmt. Schaut man in die Gesichter der jungen Künstlerinnen und Künstler, dann ist deren Nervosität unverkennbar. Keiner will seinen Einsatz vermasseln oder auch nur verpassen. Das beschert spürbare Angespanntheit und schlägt sich in vielen unruhigen Blicken und weggewischten Schweissperlen nieder. Das Lampenfieber ist verständlich, aber unnötig, denn: Das JJO findet schnell zu einem überzeugenden Groove.

Christian Muthspiel hält es jeweils nur kurz auf seinem Dirigentenstuhl. Immer wieder juckt er auf, gibt aufmunternde Anweisungen und spornt seine Schützlinge an. Schlagzeuger Lucas Zibulski kommt dabei nicht selten die Aufbruch-Rolle zu: Mit seinem energischen Spiel fährt er an diesem Abend mitten in die Parade des Musikgeschehens und erreicht dadurch eine Neuorientierung des Sounds. Flötistin Nancy Meier darf als erste zum Solo ansetzen; sie entlockt ihrem Instrument vorwiegend frühlingshafte Töne, die aber auch die Kraft des Archaischen besitzen. Als Bassist Valerio Wenger und Pianist Tim Bond ihre Musik dazugesellen, dreht sich der gemeinsame Effort rasch in Richtung Swing. Und das derart gekonnt, dass selbst Muthspiel seine Anerkennung murmelt.

In der hintersten der insgesamt drei Musikerreihen drängen sich nebst Valerio Wenger auch zwei Gitarristen: Die beiden bieten höchst Unterschiedliches, ergänzen sich jedoch schier perfekt. Während Dominik Zäch flüssige und geschmeidige Licks bevorzugt, zeigt Sidney Chopard sein Flair für Flamboyantes. Die namenlose Komposition von Muthspiel entpuppt sich als nahezu ideales Vehikel, um sich zu präsentieren und zu beweisen. Das Stück mäandert durch verschiedenste Stilgefilde und scheint sich vor so unterschiedlichen Künstlern wie Santana, Chet Baker, Lee Ritenour oder Henry Mancini zu verneigen. Mit dem Ergebnis, dass die Musik nur selten gefällig ist, dafür nonstop neugierig. Der Sound, der mal klagend, mal jubilierend anmutet, führt über Stock und Stein, erklimmt Bergspitzen und verirrt sich zwischenzeitlich im Dunkel der Unübersichtlichkeit, nur um wieder zurück in die Spur zu gelangen.

Während das Duett zwischen Noah Eiermann am Flügelhorn und Carlo Bechtel an der Trompete befreiend wirkt, zeichnet sich das Zusammenspiel der Saxofonisten Charlotte Lang, Marina Iten und Niels Pasquier nicht zuletzt durch gegenseitiges und eloquentes Anfeuern aus. Muthspiel ist es mit seinem Programm sogar gelungen, mit der Marimba (Fabian Schürmann) und der Violine (Gabriel Raiser) zwei Instrumente einzubauen, die im Jazz meist ein Schattendasein fristen, in diesem Ensemblekontext jedoch aufblühen. Vor dem Konzert zweifelten die Veranstalter nicht daran, dass die grosse Herausforderung des Abends in der Spannung zwischen kollektivem Prozess und der Entfaltung individueller Spiellust liegen würde. Nach anderthalb Stunden intensiver Musik darf man feststellen: Das Jugendjazzorchester.ch hat die Aufgabe nicht nur mit sichtlicher Freude und Bravour erledigt, sondern ist an dieser auch gewachsen.
 

Am 16. März 2017 werden die Awards in der ersten Durchführung der Swiss Cultural Challenge verliehen. Diesen neuen Wettbewerb für Kreativschaffende hat die Fachhochschule Nordwestschweiz FHNW im vergangenen Sommer lanciert. Die Swiss Cultural Challenge will dazu beitragen, den Kreativ- und Wirtschaftsstandort Schweiz zu stärken.

Vierzehn Nachwuchsgestalterinnen und -künstler, die gleichzeitig Jungunternehmende sind, stehen nun mit neun Projekten in der letzten Runde des Wettbewerbs. Zu den Nominierten gehören Sarah Chaksad und Valentin Hebel, die eine neuartige Vertriebs-Plattform für Musik aufbauen, und Frank Imhof, der ein Metronom entwickelt, mit dem komplexe Rhythmen geübt werden können.

Mehr Infos: www.sechallenge.ch

Mit Inkrafttreten des neuen Kulturförderungsgesetzes im Jahre 2012 wurde eine tiefgreifende Reform bezüglich der Förderung kultureller Organisationen eingeleitet, deren erste Konsequenzen sich bereits damals, zu Beginn der Förderperiode 2012–2016, offenbarten (unter anderem durch die Reduktion des Beitrags des Bundesamts für Kultur an den STV um rund ein Drittel).

Die aktuell gültige, im Sommer 2015 vom Parlament verabschiedete Kulturbotschaft, enthält die Verlautbarung, dass der Bund in der Förderperiode 2017–2020 «innerhalb der einzelnen Sparten auf eine enge Zusammenarbeit zwischen den Organisationen und gegebenenfalls auf eine Reduktion der Finanzhilfeempfänger hinwirkt.» Dies ist nun in unvorhergesehen drastischer Weise Realität geworden. Ab 2018 werden nur noch neun von bisher siebzehn Organisationen professioneller Kulturschaffender vom BAK finanziell unterstützt.

Der STV gehört zu jenen acht Verbänden, die ab dem kommenden Jahr als eigenständige Strukturen keine Finanzhilfen mehr erhalten. Begründet hat das BAK seinen Entscheid mit Verweis auf eine Förderverordnung, nach welcher Verbände, «die im kulturellen Bereich tätig sind, sich aber vorwiegend auf die Promotion und Vermittlung von Kulturschaffenden oder die Sammlung und Erhaltung von Kulturgütern ausrichten», nicht mehr unterstützt werden.

Aus diesem Anlass lädt der STV seine Mitglieder zu einem Informations- und Austauschabend ein. Die STV-Leitung wird mögliche Szenarien für die Zukunft präsentieren und zur Diskussion stellen, um die Mitglieder in die bevorstehenden Veränderungsprozesse von Anfang an einzubeziehen.

Wann? Mittwoch, 15. März, 19.15 Uhr
Wo? Atelier Bollwerkstadt, Forum (1. Etage), Bollwerk 35, 3011 Bern (5 Minuten zu Fuss ab Bahnhof).
Um Anmeldungen über die Geschäftsstelle bis spätestens 10. März wird gebeten.
 

Eine neue, digitale Kulturveranstaltungsplanung verbindet fortan den Veranstaltungskalender von We Love Aarau (weloveaarau.ch) mit einer vorausschauenden Planung. Die Massnahme wurde laut der Mitteilung der Stadt im Kulturkonzept von November 2014 vorgesehen und trägt nun als Planungstool zur Vernetzung des Kulturschaffens bei.

Die Veranstaltungsplanung hilft, Überschneidungen von Vernissage-und Festival-Daten, Veranstaltungen und Premieren in Aarau zu umgehen und die Organisation der einzelnen Kulturveranstaltungen zu verbessern. Mit dem Tool kann auf die herkömmliche Planung via Excel-Tabellen durch die Kulturstelle verzichtet werden.

So können, weit im Voraus, provisorische und definitive Veranstaltungstermine in den Online-Kalendern von «We Love Aarau» eingegeben und die Termine anderer Veranstalter eingesehen werden. Bei Überschneidungen können sich die Betroffenen untereinander austauschen und gegebenenfalls ihre Daten anpassen. Die Veranstaltungen und Ausstellungen aus dem Planungstool werden direkt im «We Love Aarau-Kalender» publiziert.
 

Das von Migros-Kulturprozent getragene und geförderte Musikfestival m4music feiert in diesem Jahr seinen 20. Geburtstag. Sinn und Zweck des in Zürich und Lausanne durchgeführten Events ist die Förderung und Vernetzung der Schweizer Musikszene. Jetzt verspürt Migros-Kulturprozent Lust auf mehr: In seinem Auftrag präsentieren die Herausgeber Hedy Graber, Dominik Landwehr und Philipp Schnyder von Wartensee eine Buchreihe zur «Popmusik in der Schweiz heute». Die zwölf Autorinnen und Autoren des ersten Bandes mit dem Titel Time Is Now hatten den Auftrag, einzelne Aspekte der hiesigen Popszene unter die Lupe zu nehmen.

Auf 192 Seiten werden so unterschiedliche Themen wie das Konzertland Schweiz, die Monetarisierung von Musikvideos oder die Musikszene der Romandie behandelt. Eine breite Themenpalette. Wer sich durch den Sammelband liest, wird nicht selten an einen m4music-Besuch erinnert: Manches wirkt beliebig, vieles jedoch dringlich und spannend. Das Problem des Buches: Time Is Now mag sich nicht entscheiden, ob das Gebotene bloss als Momentaufnahme der Musikszene dienen oder insbesondere auch als Handbuch für Jungmusiker mit weitreichenden Aspirationen genutzt werden soll.

Unterschiedliche Qualität

Augenfällig ist die unterschiedliche Qualität der Beiträge. So beschränkt sich der Artikel Kaufst du noch? der Journalistin Martina Kammermann beispielsweise darauf, Altbekanntes zum Thema Streaming darzustellen. In ihrem Text bleiben leider aktuelle Strömungen – wie der überraschende Vinyl-Boom – unerwähnt. Noch weniger zu packen vermag Sophies Liebling hebt ab von Autorin Carole Gröflin. Ihre Reportage über den Sänger Faber begnügt sich mit einer blossen Betrachtung, die nichts hinterfragt oder auch nicht versucht, mehr über die Motivation des 23-jährigen Schützlings von Sophie Hunger zu erfahren.

Andere Beiträge bieten der Leserschaft weitaus mehr und schürfen tiefer. Christoph Fellmann, Musikredaktor des Tages-Anzeigers, argumentiert in seinem Beitrag, Die neue Folklore, Pop sei seit den 1990er-Jahren hierzulande nicht mehr Sub-, sondern Volkskultur. Fellmann hofft, der Schweizer Pop finde künftig wieder aus dieser hinaus, um unwegsameres Gelände zu erforschen. Ganz nach der Maxime: Um Spannung zu erzeugen, ist Reibung notwendig. Aufschlussreiches und Anregendes gibt es auch aus den Federn von Musikjournalist Adrian Schräder, der sich im Rahmen einer Reportage in der Schweizer Hip-Hop-Szene umgesehen hat, sowie von Bund-Redaktor Ane Hebeisen, der zu einer kurzen, aber fesselnden Geschichte des Pops im Radio ansetzt.

Obgleich man Time Is Now einiges vorwerfen kann und muss – von sprachlichen Leerläufen bis hin zu einer mangelnden inhaltlichen Fokussierung –, bereitet die Veröffentlichung des Bandes auch Freude. Denn wie die Herausgeber festhalten, «existieren zum Thema erstaunlich wenige Publikationen mit hiesigem Absender». Das mag sich mit der Sammelreihe zusehends ändern. Time Is Now ist ein noch etwas verhaltener erster Schritt. Aber einer in die richtige Richtung.

Time Is Now – Popmusik in der Schweiz heute, hg. von Hedy Graber, Dominik Landwehr, Philipp Schnyder von Wartensee im Auftrag des Migros-Kulturprozent,
192 Seiten, Fr. 19.50, Limmat-Verlag, Zürich 2016,
ISBN 978-3-85791-817-9

Es war der Initiative der Grande Société de Bern zu danken, dass sich in dieser Stadt ab 1800 ein reges Theaterleben entwickeln konnte. Die Aktivitäten im Hôtel de Musique bildeten die Voraussetzung für das 1903 eröffnete Stadttheater. Das 250-jährige Bestehen der Grande Société nahm die Berner Musik- und Theaterwissenschaft zum Anlass, «sich mit der Rolle des Hauses sowie der Musik- und Theatergeschichte Berns und der Schweiz näher auseinanderzusetzen», wie Klaus Pietschmann und Fabian Kolb im Vorwort des Buches Musik und Theater in der Schweiz des 19. Jahrhunderts schreiben.

Der Band in der Reihe Berner Veröffentlichungen zur Musikforschung fasst auf 396 Seiten die wichtigsten Resultate zusammen. Darin enthalten sind sowohl Fachaufsätze zum Thema als auch umfassende dokumentarische Auflistungen. Zur letzten Kategorie gehört Florence Sidlers Verzeichnis der Theateraktivitäten des Hôtel de Musique in Bern von 1798 bis 1900, das sie durch Auswertung von Quellen wie dem Tagebuch des Berner Bürgers Samuel Rudolf Walthard, des Nachlasses von Peter Stadler und des Intelligenzblattes Bern erhalten hat.Ein reicher Fundus für die Wissenschaft.

Vergleichbares liefert Irène Minder-Jeanneret in Opernpraxis in der Westschweiz zwischen 1750 und 1850. Eine spannende vergleichende Studie bietet Gabriela Freiburghaus in ihrem Essay Theater als Pachtbetrieb um 1850, wo sie schreibt: «Während sich die Voraussetzungen und Umstände der Gründung der beiden Aktiengesellschaften in Bern und Zürich völlig unterschiedlich gestalteten, erwiesen sich die Schwierigkeiten zur Aufrechterhaltung des Theaterbetriebs im Pachtbetrieb als ähnlich.»

In weiteren Aufsätzen widmet sich etwa Edith Keller den Schweiz-Aufenthalten Louis Spohrs, während Samuel Weibel den Berner Musik- und Sängerfesten nachspürt. Schliesslich sei noch auf Manfred Veraguths aufschlussreichen Aufsatz zur Theaterlandschaft der Stadt Bern am Ende des 19. Jahrhunderts hingewiesen.

Insgesamt steht diese Veröffentlichung zwischen einer Sammlung von Essays zu spannenden Einzelaspekten und einem hilfreichen Nachschlagewerk.

Musik und Theater in der Schweiz des 19. Jahrhunderts. Das Berner Hôtel de Musique und sein Umfeld, hg. von Fabian Kolb und Klaus Pietschmann, (=Berner Veröffentlichungen zur Musikforschung, Bd. 5),
396 S., Fr. 102.00, Peter Lang, Bern u. a. 2016,
ISBN 978-3-0343-2061-0

Bild oben: 
Anonymes Aquarell, Stiftung Schloss Jegenstorf, fotografiert von ManuelKehrli, wikimedia commons

Nach der Neuausgabe des ersten Klavierkonzerts d-moll op. 15 von Johannes Brahms hat sich Paul Badura-Skoda nun auch des umfangreicheren und in der Tat noch wesentlich anspruchsvolleren zweiten angenommen, dies ebenfalls für die Edition Peters.

«Ziel der Neuausgabe ist es, nicht nur den Text des Komponisten möglichst genau wiederzugeben, sondern auch Hinweise auf die „richtige“ Interpretation zu bieten, soweit dies überhaupt möglich ist … Darüber hinaus sehe ich mich als der wohl letzte Musiker, der noch auf eine direkte mündliche Tradition zurückblicken kann. Diese Überlieferung reicht von Brahms über Eugen d’Albert, Edwin Fischer und Wilhelm Backhaus bis zu mir», schreibt Badura-Skoda im Vorwort durchaus zutreffend und nicht frei von Eitelkeit. Diese Ahnenreihe liesse sich doch ohne Weiteres auch fortführen …

Ein wichtiger Zeuge der Brahmsschen Ahnenreihe war natürlich auch Arthur Rubinstein, der das zweite Klavierkonzert 1929 mit dem London Symphony Orchestra unter Albert Coates erstmals aufnahm. Rubinstein war zwar über diese Zusammenarbeit nicht glücklich, aber es lohnt sich doch, diese Aufnahme anzuhören: Die Tempi scheinen für heutige Ohren vor allem im 1. und 3. Satz absurd schnell – und entsprechen doch ziemlich genau den Metronomangaben des Komponisten!

Zurück zur neuen Ausgabe der Edition Peters: Im Vergleich zur alten, die noch Emil von Sauer betreut hatte, sind nicht nur Textgenauigkeit, Quellenangaben und die Fingersätze des Herausgebers zu loben, die gerade bei heiklen Stellen den erfahrenen Pianisten verraten. Das Notenbild ist zudem sehr übersichtlich und gut lesbar gestaltet. Und last but not least: Das dicke Heft (es sind mehr als 100 Seiten) ist sehr geschickt gebunden. Man kann darin mit Leichtigkeit die Seiten wenden und der Buchrücken bleibt trotzdem stabil. Ganz banal und dennoch ganz wichtig!

Johannes Brahms, Konzert Nr. 2 B-Dur op. 83 für Klavier und Orchester, Ausgabe für zwei Klaviere, hg. von Paul Badura-Skoda, EP 11407, Fr.25.95, Edition Peters, Leipzig u.a. 2015

Bach hatte mit seinen zweistimmigen Inventionen und dreistimmigen Sinfonien für Klavier eine pädagogische Absicht. Er schrieb im Titel der Niederschrift von 1723: «Auffrichtige Anleitung, wormit denen Liebhabern des Clavires, besonders aber denen Lehrbegierigen, eine deütliche Art gezeiget wird, nicht alleine (1) mit 2 Stimen reine spielen zu lernen, sondern auch bey weiteren progreßen auch (2) mit dreyen obligaten Partien richtig und wohl zu verfahren, anbey auch zugleich gute inventiones nicht aleine zu bekommen, sondern auch selbige wohl durchzuführen, am allermeisten aber eine cantable Art im Spielen zu erlangen, und darneben einen starcken Vorschmack von der Composition zu überkommen.»

Weil diese zwei- und dreistimmigen Sätze konsequent kontrapunktisch gearbeitet sind, eignen sie sich sehr zum Spiel im Duo oder Trio. Bei der Besetzung als Streichtrio (Violine, Viola und Violoncello) muss zudem in keiner Stimme irgendetwas oktaviert werden, was ausserhalb des Tonbereichs der drei Instrumente liegt. So bleibt die originale Stimmführung erhalten. Auf diese Weise kommen auch tastenunkundige Streicher in den Genuss von Bachs «auffrichtiger Anleitung» zum Umgang mit drei obligaten Partien und zur «cantablen Art im Spielen»!

Der Geiger Dmitry Sitkovetsky hat seiner Transkription der Sinfonien eine akribische bogen-technische Einrichtung plus einige Phrasierungsangaben mitgegeben. Vereinzelt lässt er Passagen auch im Pizzicato spielen, etwa das in chromatischem Lamento gehaltene Thema der Sinfonia 9. Bei den Pizzicati der Violine setzt er dort gelegentlich Oktavverdopplungen ein, wahrscheinlich um sie denjenigen von Viola und Violoncello klanglich ebenbürtig zu machen. In den anderen Stücken bleibt das Pizzicato meist dem Violoncello vorbehalten. Auf Angaben zur Dynamik, zum Tempo und auf Fingersätze verzichtet Sitkovetsky. Er bleibt also sehr nahe am Original.

Puristen mögen über derartige Bearbeitungen die Nase rümpfen. Bach ist aber erstens nicht umzubringen, auch in den exotischsten Instrumentationen nicht! Und zweitens eignen sich diese Sinfonien von ihrer Länge und dem Schwierigkeitsgrad her tatsächlich für die Einführung von Lernenden ins kontrapunktische Spiel. Und sie klingen schön – Bach ist viel zu bescheiden, wenn er diese Stücke nur als Etüden bzw. «auffrichtige Anleitung» betrachtet!

Johann Sebastian Bach: Sinfonien BWV 787–801 (15 dreistimmige Inventionen), Tran-skription für Violine, Viola und Violoncello von Dmitry Sitkovetsky, Partitur und Stimmen, D 06 043, € 39.95, Doblinger, Wien 2015

Fast alle der für diese Ausgabe ausgewählten Stücke russischer Komponisten sind bekannte Melodien, denen man als «Klassikhits» immer wieder begegnet. So finden sich darin beispielsweise der Walzer aus Tschaikowskys Ballett Dornröschen und ein berühmtes Thema und der Tanz der kleinen Schwäne aus Schwanensee.

Arnold W. Zamarin hat bei seinen Bearbeitungen für zwei Flöten darauf geachtet, «die Themen der Stücke auf beide Stimmen gleichwertig aufzuteilen, um das Spiel für beide Spielerinnen bzw. Spieler abwechslungsreich zu gestalten». Neben den Werken von Tschaikowsky wurden auch Kompositionen von Borodin wie der Tanz der Polowetzer Mädchen in die Sammlung aufgenommen. Der Walzer aus der Jazzsuite Nr. 2 von Dmitri Schostakowitsch wurde auf die Melodie- und Bassstimmen reduziert und ist nach 1–2 Jahren Unterricht bereits gut spielbar. Die Kompositionen von Prokofiew hingegen sind wesentlich anspruchsvoller gesetzt. Ausserdem arrangierte Zamarin eine Duofassung des Säbeltanzes von Aram Chatschaturjan, die, in entsprechendem Tempo gespielt, dem Charakter der Komposition gerecht wird. Doch auch langsame melodiöse Stücke wie der Song of India von Rimski-Korsakow sind in der Sammlung enthalten. Dessen virtuose Komposition Hummelflug bildet auch den Schlusspunkt dieser gelungen und Spielfreude weckenden Sammlung, die den Flötistinnen und Flötisten ermöglicht, auch als Duo bekannte Stücke russischer Komponisten zu spielen.

Classical Favorites from Russia, Leichte bis mittelschwere Arrangements bekannter russischer Opern und Ballette für zwei Flöten von Arnold W. Zamarin, UE 36 728, € 16.95, Universal Edition, Wien 2016

An guten Klarinettensonaten herrscht kein Überfluss – umso erfreulicher, dass endlich die Klarinettensonate von Adolf Busch (1891–1952) im Druck erschienen ist, die seit 1991 in der CD-Einspielung von Thomas Friedli und Ulrich Koella bekannt ist. Im letzten Jahr hat die Karlsruher Klarinettistin Bettina Beigelbeck die Sonate aufgenommen und sie nun auch im Verlag Breitkopf herausgegeben. Das Werk entstand 1939 und ist dem englischen Klarinettisten Reginald Kell (1906–1981) gewidmet. Der Schweizer Komponist Adolf Busch wohnte damals noch in Riehen bei Basel, musste aber im November 1939 nach Amerika emigrieren, wo er die Sonate sogleich überarbeitete. Stilistisch führt sie die Linie von Brahms über Reger weiter, ist aber bei Weitem zugänglicher als Regers Klarinettenwerke. Busch breitet in drei unterschiedlichen Sätzen ein ganzes Panorama der Musikgeschichte, von Bach bis in seine eigene Zeit, aus. Beide Stimmen sind technisch anspruchsvoll; Busch dachte beim Komponieren des Klavierparts wohl an einen Pianisten vom Kaliber seines Schwiegersohns Rudolf Serkin (1903–1991).

Die Ausgabe erfüllt alle Anforderungen einer modernen Edition. Dies bedeutet zum einen, dass Partitur wie Klarinettenstimme auf 46 bzw. 8 Seiten im Gross-A4-Format zusammengedrängt sind, was eher Entziffern als flüssiges Lesen bedeutet, und zum anderen, dass die differenzierte Verwendung von Versetzungszeichen in Buschs Vorlage – zumal in Musik mit derart rasch wechselnden Tonarten – dem starren Schema «gilt immer für die Länge eines Taktes» geopfert wurde.

Eigentlich sind die Zeiten vorbei, in denen «offensichtliche Fehler und Ungenauigkeiten stillschweigend korrigiert» werden. Änderungen beruhen immer auf einem Vorverständnis der Herausgebenden, über das sie Rechenschaft ablegen müssten: Woher kommt das ges in Takt 17 des dritten Satzes, warum wurde der Leitton in Takt 70 eliminiert usw.? Gleichwohl handelt es sich bei dieser Edition um eine längst fällige Behebung eines gravierenden Repertoirelochs.

Adolf Busch, Sonate für Klarinette und Klavier A-Dur op. 54, hg. von Bettina Beigelbeck, EB 8899, € 22.90, Edition Breitkopf, Wiesbaden 2016

1958 hat sich Konrad Ewald entschlossen, einen Führer durch die Violaliteratur zu schaffen, 1975 gab er ihn im Selbstverlag heraus, 2013 erschien er in vierter Auflage (siehe Rezension von Walter Labhart: Nektar für ein Bratscherherz, Schweizer Musikzeitung 1/2014, S. 18), und vor Kurzem wurde daraus www.music4viola.ch, eine geniale und zukunftsweisende Website!

Ewald, der weitgereiste Baselbieter Sprachlehrer, spielt die meisten der aufgelisteten Solo-, Kammermusikwerke und Konzerte selber und kommentiert viele davon sympathisch persönlich und bedeutsam unter Berücksichtigung von musikalischem Wert und Spielbarkeit. Dabei richtet er sich bescheiden an die Amateure, obschon dieses Vademecum längst ein Werkzeug auch für Profis geworden ist. Er hat Jahrzehnte hindurch in den abgelegensten Winkeln der Editionen gestöbert und auch Manuskripte berücksichtigt. So hat er unzählige unbekannte Werke entdeckt. In seinen Kurzmonografien von Komponisten weist er nebst den eindeutigen Bratschenwerken (Soli, Duette, Terzette, Konzerte) auch auf grösser besetzte Werke hin. Ebenfalls aufgeführt werden Bratschen-Arrangements von Originalwerken für Cello, Klarinette und andere Instrumente.

Die Überführung des Kompendiums in die Website music4viola ist eine grosszügige Steigerung dieses Lebenswerks. Das Blättern ist ein Vergnügen: Die Schaltflächen «Komponisten, Werke, Onlineshop» führen dank Filtern schnell zu bestimmten Zeitepochen, Gattungen, leichten oder besonders empfehlenswerten Stücken; und zu Verlagen (bislang vorwiegend zum Amadeus-Verlag), um online zu bestellen. Man kann sogar ausschliesslich Komponistinnen herausfiltern! Unter «Mediathek» gibt es Lexikon-, Wikipedia- und Youtube-Beiträge anzuklicken, unter «Musiksuche und Input» wird man dazu aufgefordert, weiterzuforschen und die Ergebnisse oder eigene Kenntnisse, die im Verzeichnis fehlen, mitzuteilen. Ein Treuhänder sorgt für prompte Rückmeldungen. Aus dem schon dicken Führer in Buchform ist ein entwicklungsfähiges Werkzeug mit offenem Ende geworden!

www.music4viola.info

Obschon er sich gegen sein Lebensende über die zunehmende Vernachlässigung seines kompositorischen und malerischen Schaffens beklagte, kam Peter Mieg (1906–1990) in den besten Jahren bezüglich Aufmerksamkeit nicht zu kurz.

Seinen späten Durchbruch erzielte der kompositorisch von Frank Martin beratene Musiker 1952 mit dem weltweit aufgeführten Concerto da Camera per archi, pianoforte e timpani. Einflüsse von Bartók, Strawinsky und besonders von Martinů hatte Mieg darin zu einer unverkennbar eigenen Tonsprache entwickelt. Grundsätzlich dem Neoklassizismus verpflichtet, zeichnet sie sich durch zart-expressive Kantabilität und tänzerisch beschwingte Rhythmik aus.

Dem in Lenzburg geborenen, in Aarau gestorbenen Multitalent wurde schon 1976 eine erste Monografie gewidmet. Wenige Jahre nach seinem Tod erschien die erste wissenschaftliche Arbeit über das kompositorische Schaffen, von Michael Schneider verfasst und 1995 vom Amadeus-Verlag (Winterthur) herausgeben. Dank profunden Werkanalysen und ausführlichem Literaturverzeichnis wurde das Buch zum Standardwerk.

Ganz anders präsentiert sich jetzt die dritte, reich bebilderte Publikation. Anna Kardos und Tom Hellat gelang das Kunststück, den Lebensweg des frankophilen Künstlers, der in Paris studiert hatte und sich als Komponist von der dortigen Avantgarde anregen liess, mit jener Klarheit nachzuzeichnen, die für alle seine Schaffenszweige typisch ist. Im Vordergrund steht der hochsensible Mensch, der die aus der Kindheit stammende Verletzlichkeit bis ins hohe Alter behielt und durch Selbstironie zu verbergen versuchte.

Die sprachlichen Qualitäten des Buches sind beeindruckend, häufig nimmt es sogar literarische Züge an. Wie das Autorenpaar etwa Stimmungen in einem Pariser Park oder im Lenzburger Wohnsitz des ausserordentlich belesenen und umfassend gebildeten Einzelgängers sowie dessen Alltag beschreibt, bereitet nicht alltägliches Lesevergnügen.

Anna Kardos, Tom Hellat: Auf der Suche nach dem eigenen Klang. Der Komponist, Publizist und Maler Peter Mieg,
256 S., Fr. 34.00, Verlag Hier und Jetzt, Baden 2016,
ISBN 978-3-03919-378-3

Auf Seite 4 – noch vor dem Inhaltsverzeichnis dieses Buches – fällt eine kleine Notiz auf: Das Rollenverzeichnis der Opern, Orchester- und Chorbesetzung sowie eine ausführliche Bibliografie fänden sich auf der Homepage des Verlags. Und tatsächlich gelangt man mit der richtig abgetippten Adresse zum Gewünschten. Nur: Ist es nicht etwas seltsam, dass diese Angaben keinen Platz mehr im Buch selber fanden, einem «musikalischen Werkführer» zu Puccinis Opern? Des Weiteren: Das Bändchen enthält weder Einleitung noch Register, aber auch keine Bilder und erst recht keine Notenbeispiele. Nüchtern werden sämtliche Opernwerke des Italieners abgehandelt, von Le Villi bis Turandot, knapper die frühen, ausführlich die grossen erfolgreichen. Der Autor Gerd Uecker, selber ein erfahrener Opernintendant, zuletzt an der Semperoper in Dresden, breitet reichlich Material und Wissen vor uns aus, historisches, musikgeschichtliches, biografisches – dies betont sachlich und klar gegliedert, so dass man Gesuchtes auch später wiederfindet. Allerdings hätte ich mir von einem gänzlich unillustrierten Buch denn doch eine essayhafte Vertiefung des Stoffs gewünscht – oder aber eine aus der Bühnenerfahrung genährte Sinnlichkeit und Theaternähe – oder aber eine Puccini adäquate stilistische Eleganz und Leidenschaft. So wirkt der Text streckenweise ein wenig lieblos und hölzern.

Gerd Uecker: Puccinis Opern. Ein musikalischer Werkführer, 128 S., € 8.95, C.H.Beck, München 2016,
ISBN 978-3-406-69842-2