Auf Vorschlag der kantonalen Schwyzer Kulturkommission hat die zuständige Kommission beim Bundesamt für Kultur (BAK) das Chlefele in die Liste der lebendigen Traditionen aufgenommen. In den Nachkriegsjahren verschwand dieser früher weitverbreitete Fastenbrauch weitgehend von der Bildfläche, ausser im Kanton Schwyz. Hier konnte sich das Chlefele halten, weil in den 1960er- und 2000er-Jahren wirksame Massnahmen ergriffen wurden. Nicht zuletzt dank der Einführung von «Priis-Chlefelen» in Schwyz, Muotathal und Steinen, an denen jedes Jahr insgesamt über 400 Kinder teilnehmen, ist die Tradition lebendig geblieben und noch heute vor allem bei der Schuljugend sehr beliebt.

Die detaillierten Dossiers zu allen Traditionen, die man im Web-Inventar der lebendigen Traditionen findet, haben Fachpersonen im Auftrag der kantonalen Kulturstellen erstellt. Die Dossiers geben einen Einblick in die grosse Vielfalt der Traditionen, von mündlich überlieferten Traditionen über gesellschaftliche Praktiken, Rituale, Feste bis zu traditionellen Handwerkstechniken und Praktiken im Umgang mit der Natur. Das Web-Inventar zur «Liste der lebendigen Traditionen in der Schweiz» findet man unter www.lebendige-traditionen.ch

Insgesamt reichten 18 Bewerberinnen und Bewerber Dossiers für die Förderbeiträge ein. Das Kuratorium sprach 6 Beiträge. Ziel der Förderbeiträge von Kanton und Stadt Schaffhausen ist «eine substantielle Förderung der überzeugendsten Bewerbungen». Das Kuratorium entscheidet unabhängig über die Höhe der Unterstützung; der Mindestbetrag beträgt SFr. 15’000 Franken. Zugelassen sind Bewerbungen alters- und spartenunabhängig.

Neben Vögeli untersützt werden die Konzeptkünstler Jana Honegger und Kent Clelland, der Schriftsteller Daniel Mezger, die Künstlerin Marion Ritzmann, der Künstler Michael Stoll sowie der Filmemacher und Regisseur Sebastian Weber.

Atelierstipendien des Kantons Schaffhausen, die es Kulturschaffenden ermöglichen, sich sechs Monate in Berlin aufzuhalten und ihre künstlerische Arbeit in einem anderen Umfeld weiterzuentwickeln, erhalten 2019 die Künstlerin Ursula Scherrer und der Künstler Velimir Ilisevic.
 

«Wenn ein Sportler gut herauskommen soll, muss das ganze Dorf mithelfen!» – Mit diesem Ausspruch brachte Gwendolyn Masin bei einer Vorführung in Bern den Sinn der gerade erschienenen deutschen Ausgabe ihres Violinlehrbuches für Kinder ab 4 Jahren auf den Punkt. Die vorspielenden Schülerinnen und Schüler zwischen 12 und 20 Jahren bewiesen mit ihrem Können, dass Masin den richtigen Weg eingeschlagen hat: sicheres, auswendiges, gut gestaltetes Spiel. Und die Eltern bezeigten mit ihrer Sichtbarkeit ihre tätige Mithilfe. Die deutsche Übersetzung besteht aus vier handlichen Bändchen im Gegensatz zum dicken Ringheft der englischen Ausgabe vor neun Jahren (vergl. Rezension in der Schweizer Musikzeitung 11/2009, S. 35).

Ausführlich sowohl für die Eltern, deren intensive Mitarbeit gefordert wird, wie für die Lehrpersonen, die viele Anregungen erhalten, beschreibt Masin ihre Absichten und Ziele, erzählt – untermalt von fröhlichen Illustrationen – ihre fantasievollen Geschichten für die Einführung neuer Bewegungsabläufe und berichtet tagebuchartig über Diskussionen mit Michaela und ihrer Mutter. Auf die Förderung einer fundierten eigenen Meinung und der Unabhängigkeit des Schülers sowie das altersgerechte schrittweise Erlernen des Notenlesens legt sie grosses Gewicht. Viele lebendige Fotografien ihrer Schüler sind hilfreich für das Begreifen der technischen Anforderungen. Fussnoten erklären unbekannte Begriffe. Die teilweise seit 2009 neuen Übungen und Stücke aller Lektionen – oft als Duette gestaltet – sind im Begleitheft vereint; ihm liegt auch eine Klavierstimme bei.

Gwendolyn Masin: Michaelas Musikhaus – Der Zauber der Geige, Illustrationen Colm Mac Athlaoich,
Fotos Martin Möll
, Kalligrafie Rhea Fay
; Heft 1: Lektionen 1–7,
 Heft 2: Lektionen 8–16, Heft 3: Lektionen 17–24, je Fr. 38.50; Begleitheft Fr. 26.50, Müller & Schade, Bern 2018

Die Anzahl der heute wieder zugänglich gemachten Zauberflöten-Bearbeitungen aus Mozarts Zeit und unmittelbar danach nimmt stetig zu! Mozarts letzte Oper erfreute sich zu Beginn des 19. Jahrhunderts immer grösserer Beliebtheit, auch in Frankreich, wo sie anfänglich mit Skepsis aufgenommen worden war. Die bürgerliche Hausmusikpflege erforderte Bearbeitungen für kleine Ensembles, weil die Fixierung auf Tonträger noch nicht existierte. Die populären Opern erfuhren auf diese Weise ihre Verbreitung und «Reproduktion» im familiären Zirkel und im biedermeierlichen Salon.

Besonders «exotisch» ist die vorliegende Besetzung mit Violine (alternativ: Flöte), Viola und Gitarre. Die Bearbeitung stammt vom französischen Gitarristen Antoine de Lhoyer (1768–1852), der ein bewegtes Leben hatte. Die Wirren der französischen Revolution führten den Leibgardisten des Königs in den österreichischen Militärdienst. Nach mehreren Verwundungen wirkte er als Gitarrenlehrer und Komponist zunächst in Hamburg, dann in Sankt Petersburg und, nach dem Sturz Napoleons, wieder in Paris. Er wurde geadelt und erneut in militärische Dienste berufen, die ihn in verschiedene Provinzen Frankreichs führten. 1830 verlor de Lhoyer seine militärische Position und auch seine Pension. Auch seine musikalische Schaffenskraft versiegte zu jener Zeit. Er verbrachte Jahre in Algerien und starb 1852 in Paris. De Lhoyers Werke, namentlich die Gitarrenduos, sind technisch anspruchsvoll. Als Gitarrist soll er auf dem Niveau von Mauro Giuliani und Fernando Sor gestanden haben.

Die vorliegende Mozart-Bearbeitung, de Lhoyers Opus 40, erschien um 1824 im Umfeld von Gitarrenduos, Kammermusik mit Violine und einer Bearbeitung der Oper La Dame Blanche von François-Adrien Boieldieu für Sologitarre.

Die Gitarre hat im Zauberflöten-Trio nicht durchwegs Begleitfunktion. Namentlich in der Ouvertüre nimmt sie ihren kontrapunktischen Part wahr (die Herausgeberin Andrea Förderreuther empfiehlt eine Vereinfachung beim Hauptthema für die Gitarre!) und gelegentlich beteiligt sie sich an der «Konversation» in den Terzetten.

Die Tonarten der ausgewählten 13 Teile der Zauberflöte entsprechen nicht überall dem Original. De Lhoyers Quelle war möglicherweise mangelhaft. Ganz ausgespart wird die Königin der Nacht. Die Herausgeberin hat Differenzen zur Mozart-Originalfassung abgeglichen und weitere Druckfehler korrigiert. In der Partitur werden Flöte und Geige separat aufgeführt, die Flöte oft oktaviert. Der Gesangstext ist in den Arien und Ensembles eingefügt, um den Ausführenden den dramaturgischen Zusammenhang aufzuzeigen und ihre Fantasie zu beflügeln. Fingersätze für alle Instrumente wurden eingetragen, in den Streicherstimmen auch Bogenstriche.

Wer in einem Ensemble mit Gitarre spielt und die Herausforderungen der fragilen Musik Mozarts nicht scheut, findet in diesen 13 Ausschnitten aus der Zauberflöte eine originelle Bereicherung des Repertoires.

Antoine de Lhoyer: Die Zauberflöte von Wolfgang Amadeus Mozart, bearb. für Violine (Flöte), Viola und Gitarre op. 40, hg. von Andrea Förderreuther, Diletto Musicale; Partitur DM 1463, € 28.95; Stimmen DM 1463-ST, € 45.00; Doblinger, Wien 2016

Bild oben: 

Bühnenbildentwurf von Karl Friedrich Schinkel für eine Zauberflöten-Produktion von 1815, 2. Akt, 3. Szene. Quelle: wikimedia commons
http://www.bridgemanartondemand.com/index.cfm?event=catalogue.product&productID=88481

Ursprünglich waren die für vier Flöten gesetzten 12 Minuteries oder minutiösen «Uhrwerke» des Schweizer Flötisten und Komponisten Walter Feldmann nur für einen 12-Ton-Crashkurs an einem Gymnasium vorgesehen, erfreuen sich mittlerweile aber auch bei Aufführungen von Flötenquartetten grosser Beliebtheit. Der Komponist bezeichnet die Stücke als «kleine Uhrwerke, die grösste Präzision verlangen, dazu aber spielerisch und humorvoll sind» und bemerkt ausserdem im Vorwort, es handle sich um «einfache Ideen und Kontraste, die sich immer mehr zu recht verworrenen Gebilden entwickeln, von Stück zu Stück chromatisch aufsteigend vom Anfangston H bis zum B, wobei der Epilog als eigentliche 13. Minuterie wieder vom H ausgehen muss».

Die Miniaturen bewegen sich durch die aufsteigenden Anfangstöne und sind im Charakter sehr verschieden. Auch variieren sie in der Gesamtlänge zwischen 25 Sekunden und 2:30 Minuten. Feldmann verwendet dabei eine grosse Farbpalette an Schattierungen und Ausdrucksgehalten: «Espressivo» beginnt die Sammlung mit der ersten Minuterie, die einen klangschönen Anfang macht. Flink huscht die zweite in Triolen und Trillern herbei. In der dritten Minuterie mit dem Titel «Bedächtig» entwickeln sich aus dem cis-Unisono elegische Klangfarben, die sich auffächern und wieder zum Ausgangston zurückkehren, wohingegen die vierte «Sehr rasch» sehr spritzig wirkt. In der fünften verwendet der Komponist erstmals effektvoll «äolische» Töne: nur Luft ohne Ton. Die lange sechste Minuterie entfaltet sich, ähnlich wie die dritte, aus einem Liegeton und ist weitgehend im Piano-Bereich gehalten. Im Gegensatz dazu beginnt die nächste «Scharf herausfahrend» mit Akzenten. In der achten mischt Feldmann wirkungsvoll Stimmen mit normalen Tönen ohne Vibrato und Stimmen mit Luftklang. Auch in den letzten Minuteries sorgen wandernde Triolen und punktuell getupfte Akkorde für Abwechslung. Fliessend und ohne Vibrato endet die zwölfte.

Die Sammlung ist sehr nuancenreich, es ist auch möglich, nur einzelne Sätze zu spielen, da diese im Schwierigkeitsgrad von einfach bis sehr anspruchsvoll variieren. Durch ihre Farbigkeit und ihren Spielwitz sind die 12 Minuteries eine grosse Bereicherung bei der Quartettliteratur.

Walter Feldmann: 12 Minuteries für 4 Flöten (2013), Spielpartitur CV 16.332, € 49.80, Carus, Stuttgart

Es ist im Tierreich so, wie es auch schon bei den Neandertalern war: Wer als Mann gut singen kann, der demonstriert seiner Umgebung Stärke, Kreativität und Gesundheit. Singende Männer haben also eigentlich alles, was Frauen sich wünschen. Und dennoch kränkelt die Spezies Männerchor und das Singen in Chören wird zunehmend zur Frauensache. Der Erfolg eines Männerchores hängt entscheidend vom Repertoire ab und der damit zusammenhängenden Herausforderung, wiederum junge Männer für das Singen zu begeistern.

Gleich zwei interessante Repertoire-Sammlungen sind vor Kurzem erschienen, die in keiner Männerchor-Bibliothek fehlen sollten:

Die erfolgreiche Reihe «Chor aktuell» aus dem Bosse-Verlag hat wieder einmal Zuwachs bekommen; diesmal mit einem empfehlenswerten Band für Männerchor. Spannende Originalliteratur und hochwertige, anspruchsvolle, aber gleichzeitig auch gut singbare Arrangements zeichnen die Sammlung aus. Wie gewohnt gibt es ein weites Spektrum an Stilen, Gattungen und fremdsprachigen Texten sowie einen grossen Pop- und Avantgardeteil.

Der zweite Band von Breitkopf & Härtels Chorbibliothek, einer Reihe aus zehn Bänden, die zum 300-jährigen Verlagsjubiläum erscheint, widmet sich ebenfalls dem Männerchor. Der Band umfasst wesentlich mehr weltliche als geistliche Musik. Interessant daran ist, dass der Verlag erstmals nahezu alle lieferbaren Einzelausgaben aus 300 Jahren Verlagsgeschichte zusammenfasst und das originale Notenbild beibehält. Der Band bietet damit ein gut sortiertes Basisrepertoire mit Schwerpunkt Romantische Chormusik (Schubert, Schumann, Mendelssohn), aber auch «modernere» Komponisten wie Sibelius, Johann Nepomuk David oder Siegfried Thiele, die die Männerchortradition ins 20. Jahrhundert weiterführten, sind vertreten.
 

Chor aktuell – Männer, hg. von Oskar Egle, Stefan Kalmer, Hans-Joachim Lustig, BE 2499, € 25.95, Bosse Verlag, Kassel 2017

Chorbibliothek für Männerchor, Sammlung geistlicher und weltlicher Chormusik, ChB 5324, 368 Seiten, € 24.90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2017

Hejo, spann’ den Wagen an heisst das erste Stück und könnte zugleich die Ermunterung sein, ein Zweiergespann am Instrument zu bilden. Der Klavierpädagoge und Gehörbildungslehrer Martin Reich hat in dieser Sammlung von 20 Stücken bekannte Melodien von Frère Jacques bis zum Thema von Rhapsody in Blue für Klavier zu vier Händen arrangiert. In progressiv geordneten Sätzen deckt er ein stilistisch breites Spektrum ab von klassischer Musik über Volkslieder bis hin zu Gospel, Blues und Ragtime.

Mit seinen Bearbeitungen verfolgt er aber eine ganz bestimmte pädagogische Absicht: Der Primo- und der Secondo-Part sollen sowohl musikalisch als auch von den spieltechnischen Ansprüchen her ausgewogen sein. So finden wir denn eine gut klingende, lockere Satzweise, die sich darin auszeichnet, dass die Melodie nicht nur im Diskant zu hören ist wie so oft, sondern auch in den Mittel- und Unterstimmen im Secondo. Dies klingt nicht nur farbig, sondern verlangt von den Spielern auch, dass sie sich gegenseitig gut zuhören und um eine ausgewogene Balance der Parts bemüht sind. Die Stücke sind meist relativ kurz, klar strukturiert und mit Fingersätzen versehen. Sie bewegen sich im Schwierigkeitsgrad von Unter- bis Mittelstufe. Ich kann mir gut vorstellen, dass gerade die ersten Stücke mit etwas fortgeschrittenen Schülerinnen und Schülern auch im Blattspielunterricht gut eingesetzt werden können (Erkennen von Strukturen, Denken in Lagen).

Martin Reich: primo & secondo. 20 ausgewogene Arrangements für Klavier vierhändig vom Kinderlied bis zu Rhapsody in Blue, EB 8895, € 16.90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2017

2013 gegründet, ist die Heitere Fahne bereits zu einem festen Bestandteil des Kulturlebens in der Region Bern geworden. Unter dem Dach der ehemaligen Brauereiwirtschaft in Wabern (Gemeinde Köniz) ist ein inklusiver Frei- und Begegnungsraum entstanden. Ein Ort, an dem laut der Mitteilung des Kantons «Kultur, Theater und Gastronomie zusammenkommen und sich gegenseitig bereichern, ein Ort, der Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund und verschiedensten Fähigkeiten zusammenbringt und einbezieht».

Die Heitere Fahne wird vom Kollektiv Frei_Raum betrieben. Sie ist offen für Menschen mit und ohne Behinderungen, für Menschen mit Migrationshintergrund, mit psychischen Problemen oder in schwierigen gesellschaftlichen Situationen, aber auch für Kinder und Jugendliche. In der Heitere Fahne wird für alle zugängliche Kultur mit grossem Engagement, viel Herzblut und nicht zuletzt enorm viel Freiwilligenarbeit gelebt.

Diesen wichtigen Beitrag zum Kulturleben und den fast uneingeschränkten partizipativen Ansatz zeichnet der Kanton Bern auf Empfehlung der Kommission für allgemeine kulturelle Fragen mit dem Kulturpreis 2018 aus. Die Preisverleihung findet statt am Dienstag, 18. September 2018, 19.30 Uhr, in der Heitere Fahne, Dorfstrasse 22/24, Wabern.

Im Historischen Lexikon der Schweiz erinnern nur wenige Zeilen an den Solothurner Komponisten Alois Franz Peter Glutz von Blotzheim (1789–1827). Aber um den als Kind erblindeten Liedermacher aus der Beethovenzeit ranken sich allerlei Anekdoten. So soll dieser begüterte Musiker wiederholt grosse Mengen von Haferbrei an bedürftige Landsleute verteilt haben. Der Wahrheit entspricht, dass es sich der Patriziersohn leisten konnte, einen musikbegabten Blindenführer auf seine Streifzüge von Dorf zu Dorf mitzunehmen. Ludwig Rotschi, der künftige Musiklehrer am Kollegium und Musikdirektor in Solothurn, begleitete Alois Glutz während Jahren weit herum, einmal bis nach Schwyz, wo der Wandermusiker ein halbes Jahr nach Ludwig van Beethoven «auf der Durchreise» (wie es im Sterberegister heisst) verschied. Rotschi notierte die von Glutz getexteten und vertonten Lieder und unterstützte den sehbehinderten Komponisten auch bei deren Publikation.

Diese Lieder im Volkston, die sich mit den gleichzeitigen Neuschöpfungen des Künstlerpaares Gottlieb Jakob Kuhn und Ferdinand Fürchtegott Huber vergleichen lassen und die manchmal an einen berühmten Zeitgenossen, Franz Schubert, erinnern, leben in der Sammlung Im Röseligarte (1908–1925), ja, sogar in Schulgesangbüchern unserer Zeit weiter. Oft wird vergessen, dass das noch heute beliebte Volkslied Morge früeh, eh d’Sunne lacht auf Alois Glutz zurückgeht.

Es erstaunt, dass das Werk des zu Lebzeiten weit herum bekannten Strassenmusikers mit der Gitarre am Rücken und dem Flageolett im Sack, der auch für Flöte, Gitarre und fürs Fortepiano komponierte, erst vor Kurzem in einer dreibändigen Ausgabe greifbar geworden ist. Verena Bider, die scheidende Direktorin der Zentralbibliothek Solothurn, hat die Bestandesaufnahme der Lieder und Instrumentalwerke angeregt. Es ist aber vor allem der vielseitige Bibliothekar Christoph Greuter, dem die für den praktischen Gebrauch eingerichteten Hefte zu danken sind. Als an der Schola Cantorum Basiliensis geschulter Lautenist, Berufsgitarrist und in Musikeditionen erfahrener Mitarbeiter kann Greuter eine Sammlung aller auffindbaren Werke von Alois Glutz von Blotzheim vorlegen.

Die eben erschienenen Musikalien bereichern das Repertoire von schweizerischen Volksliedern und die Literatur für das gehobene Liebhabermusizieren. Die Lieder und Tänze fordern aber auch Musikologen zu Analysen und Vergleichen auf. Die vorliegende Neuausgabe weist zudem auf fehlende Stimmen und Werke hin und kann als fortgeschrittene Vorarbeit zu einer künftigen Gesamtausgabe bezeichnet werden. Einstweilen darf man sich über einen aus der Vergessenheit befreiten Schatz freuen und sich beim Spielen und Singen an eine liebenswerte schweizerische Musikerpersönlichkeit der Romantik erinnern.

Alois Franz Peter Glutz von Blotzheim: Lieder und Instrumentalmusik, hg. von Christoph Greuter, (Musik aus der Zentralbibliothek Solothurn, Heft 9), Heft I: M&S 2399, Heft II: M&S 2451,Heft III: M&S 2452, je Fr. 32.00, Müller & Schade, Bern 2017

Die Lieder wurden von einer 15-köpfigen Arbeitsgruppe, bestehend aus vielen musikalischen Experten, ausgewählt. Laut Gesamtprojektleiterin Vreni Kölbener steht m Zentrum des neuen Appenzeller Liederbuchs das Gemeinsame, trotz unterschiedlicher Dialekte, Schreibweisen und Melodien.

1968 erschien das Innerrhoder Liederbuch. In Appenzell Ausserrhoden veröffentlichte schon im Jahr 1807 Johann Heinrich Tobler ein erstes Werk, das in den letzten beiden Jahrhunderten verschiedene Male erneuert wurde, zuletzt 1952 unter dem Titel «Aus der Heimat». Beide Liederbücher, die während Jahrzehnten in den Schulen und Gesangsformationen zur Standardliteratur gehörten, wurden zwar mehrere Mal aufgelegt, sind unterdessen aber vergriffen. Der Anstoss zu einer Neuauflage und Aktualisierung dieser Sammlung von appenzellischem Liedgut kam aus Appenzell Innerrhoden.

Der Erziehungsdirektor und stillstehende Landammann Roland Inauen erteilte im Jahr 2014 den Auftrag, das Liederbuch zu überarbeiten. Kurz darauf schloss sich das Ausserrhoder Departement Bildung und Kultur dem Auftrag an. Appenzell Ausserrhoden und Appenzell Innerhoden entschieden, ein gemeinsames Liederbuch zu erarbeiten, in dem bewährtes Liedgut erhalten und neues Liedgut aufgenommen werden sollte. Die Bildungsdirektoren Roland Inauen (Appenzell Innerrhoden) und Alfred Stricker (Appenzell Ausserrhoden) nehmen das Singgut der beiden Kantone als grossen Kulturschatz wahr, der den Sängerinnen und Sängern nun in neuer Form wieder zugänglich gemacht wird.

Eine besonders wertvolle Ergänzung des neuen „Appenzeller Liederbuchs“ sind die zahlreichen Illustrationen, die der Künstler und Kunstlehrer Werner Meier geschaffen hat. Ein Glossar im Anhang hilft dem besseren Verständnis einzelner Dialektworte.

Das Appenzeller Liederbuch erscheint in einer Auflage von 15’000 Exemplaren, kostet im Verkauf 24 Franken und kann im Buchhandel bezogen werden (ISBN 978-3-033-06739-4). Den Schulen wird das neue Appenzeller Liederbuch über die kantonalen Lehrmittelverwaltungen abgegeben. Die Gesamtkosten für das gemeinsame Projekt belaufen sich auf rund 150‘000 Franken, wobei viel ehrenamtliche Arbeit geleistet wurde. Finanziert wird das Liederbuch durch verschiedene Stiftungen und die beiden Kantone.
 

Yi-Chang Liang hat den Preis in der Höhe von 12’000 Franken mit seiner Interpretation von Toshio Hosokawas Komposition «Sorrow River» für Blockflöte und Streichorchester gewonnen. Der 1992 in Taiwan geborene Blockflötist studierte am Amsterdamer Konservatorium und an der Hochschule der Künste Bern in der Klasse von Michael Form.

Er trat bereits mit verschiedenen Ensembles als Solist auf, so mit La Cetra Barockorchester Basel und mit dem Malaysischen Philharmonieorchester unter der Leitung von Maurice Steger. Am Moeck/SRP Solo Recorder Playing Competition gewann er 2011 den 2. Preis. 2016 spielte er die Uraufführung des Auftragswerks «Ten Dipoles».

Ihr Masterstudium in Specialized Music Performance Klassik ebenfalls erfolgreich abgeschlossen haben die beiden Geiger Mateusz Kasprzak-Labudzinski und Daniele D’Andria (Violinklassen von Monika Urbaniak und Bartlomiej Niziol) sowie Yan Yao (Akkordeonklasse von Teodoro Anzellotti) und Mami Miyamoto (Klarinettenklasse von Ernesto Molinari).

Am Julierpass zeigt der russische Fotograf Alex Plotnikov Portraits junger russischer Tänzer in historischen St. Petersburger Interieurs. Im Hotel Löwe verweist eine Serie von lebensgrossen Kartonfiguren auf die illustren Gäste des ehrwürdigen Posthotels. In Riom öffnet die Burg ihre Türen und lädt zur Kostümausstellung «Noahs neue Kleider», eine Installation von Martin Leuthold mit Musik von Lorenz Dangel. Im «Kabinett der Visionen» in der Turnhalle des Riomer Schulhauses werden Entwicklungsprojekte und Zukunftsperspektiven für Riom eröffnet.

Der Wakkerpreis wird der Bündner Kulturinstitution «für ihren vorbildhaften Umgang mit der vorhandenen Baukultur» im Bergdorf Riom zugesprochen. Dazu hat Origen auch das Projekt Malancuneia vorgestellt: Vier leerstehende Gebäude sollen restauriert und neu belebt werden. Das verwaiste Gemeindehaus soll zum Festivalzentrum werden, das historische Frisch-Haus wird Mitarbeiter und Gäste beherbergen. In einer leerstehenden, modernen Scheune werden Werkstätten eingerichtet, Kostüme genäht und einheimische Schafwolle verarbeitet. Das Schulhaus wird zum Bildungszentrum und steht für internationale Kooperationen, Meisterkurse und zeitgenössische Theaterkreationen zur Verfügung.

Die notwendigen Investitionen in die Infrastruktur belaufen sich für das Projekt auf 7,6 Millionen Franken. Origen will möglichst viele Baumassnahmen bis zur Übergabe des Wakkerpreises im August 2018 finanzieren. Entsprechende Förderer, Mäzene und Sponsoren werden auf einer Tafel am Gemeindehaus aufgeführt. Die Regierung des Kantons Graubünden hat der Stiftung rund eine Million Franken in Aussicht gestellt, falls es Origen gelingt, die restlichen Gelder zu beschaffen. Die Gemeinde Surses  beteiligt sich mit Baurechtsvergaben.

Unter dem Begriff «Positive Economy» werden Modelle und Überlegungen verstanden, wie Künstlerinnen und Designer ihre unterschiedlichen Möglichkeiten zu passenden unternehmerischen Arrangements bündeln. Wie in den vorangehenden Berichten werden Angaben zur Zahl der Beschäftigten und Unternehmensgrösse in den Teilmärkten präsentiert, ergänzt um Karten zur regionalen Konzentration der Industrie in der Schweiz. 

Der Bericht will zum Verständnis neuer Geschäftsmodelle beitragen. Er behandelt Fragen rund um die Digitalisierung und untersucht, wie diese die Geschäftsmodelle von Kunst- und Designschaffenden beeinflusst. Laut Christoph Weckerle, dem Co-Autor der Studie und Direktor des Departements Kulturanalysen und Vermittlung der ZHdK wird dabei deutlich, dass Geschäftsmodelle in den Creative Economies Kreations- und Produktionsprozesse kaum mehr trennen und sich so von «herkömmlichen» unternehmerischen Modellen unterscheiden.

Eingebettet in den Bericht sind Porträts von Akteuren in Kulturberufen weltweit: Auf der Basis von über 120 Interviews geben sie Einblick in diverse künstlerische Lebenswelten und deren unternehmerische Strategien.  Der Bericht kann online bestellt werden und steht ab sofort in englischer Sprache zum Download bereit. Ab Herbst 2018 kann zudem eine französische und deutsche Version heruntergeladen werden.

Bestellung unter www.creativeeconomies.com

Die drei erhalten je ein Preisgeld von je 10’000 Franken und ein Stipendium in Form einer Teilnahme an der Lucerne Festival Academy im Wert von weiteren 10’000 Franken. Der Lucerne Festival Academy-Fonds der Stiftung Freunde von Lucerne Festival erhält 2018 darüber hinaus von Renate und Fritz Gerber eine ausserordentliche Spende von 500’000 Franken.

Die 1989 in Madrid geborene Saxophonistin Sara Zazo Romero komplettierte 2017 ihren Master im Fach Pédagogie Instrumentale an der Haute École de Musique de Lausanne, zuvor hatte sie dort bereits ihren Master im Fach Interprétation musicale abgeschlossen.

Der französische Geiger Alexandre Guy wurde 1995 in La Rochelle geboren. Er absolvierte den Master of Arts in Music Performance an der Haute École de Musique de Genève. Mit dem 2016 gegründeten Meteorôs Quintett gewann er 2017 und 2018 den ersten Preis des Kammermusik-Wettbewerbs der Norwegischen Musikhochschule in Oslo.

Der Schweizer Schlagzeuger Thomas Soldati wurde 1996 in Vercorin geboren. Er studiert momentan an der Haute École de Musique de Genève und nahm an Meisterkursen unter anderem mit der Komponistin und Marimbaphon-Spielerin Keiko Abe und dem Schlagzeuger Peter Sadlo teil.

Über die Lucerne Festival Academy erfolgte zum vierten Mal die Ausschreibung des «Fritz-Gerber-Awards». Nebst der Bewerbung der Musikerinnen und Musiker auf die offene Ausschreibung wurden Empfehlungen von Hochschulen und bekannten Künstlern entgegengenommen. Die Jury bestand auch in diesem Jahr aus Michael Haefliger, Intendant von Lucerne Festival, Komponist und Dirigent Heinz Holliger sowie Dozenten der «Teaching Faculty» der Akademie. Zur Teilnahme am Award berechtigt sind junge Künstler bis 28 Jahre, die das Schweizer Bürgerrecht besitzen oder seit mindestens fünf Jahren in der Schweiz leben.