Seit 2009 verleiht die Schweizerische Musikforschende Gesellschaft (SMG) alle zwei Jahre den Handschin-Preis für den musikwissenschaftlichen Nachwuchs. Das Preisgeld beträgt 3000 Franken. Bewerbungsberechtigt sind Doktorierte, die ihre Promotion zwischen dem 1. Januar 2018 und dem 31. Dezember 2019 einschliesslich der Verteidigung abgeschlossen haben und
– das Schweizer Bürgerrecht besitzen oder
– an einer Schweizer Institution promoviert haben oder
– an einer Schweizer musikalischen Institution mit einem Pensum von mehr als 25% seit über einem Jahr angestellt sind oder
– mit ihrer Dissertation einen relevanten Beitrag zur schweizerischen Musikgeschichte leisten, Staatsbürgerschaft und akademische Filiation spielen hierbei keine Rolle.

Bewerbungen nimmt die Geschäftsstelle der SMG bis 20. März 2020 an, elektronische Bewerbungen können an den Sekretär Benedict Zemp (benedict.zemp@musik.unibe.ch) gerichtet werden. Die Preisverleihung findet am 17. September 2020 im Rahmen des ersten Studientages der SMG für den wissenschaftlichen Nachwuchs statt.
Der Bewerbung sind beizulegen:
– Dissertation (elektronisch)
– Motivationsschreiben
– Lebenslauf
 

Die Elementarteilchenphysik hat ihr Standardmodell, mit dem die wichtigen Wechselwirkungen beschrieben werden. In der Mathematik arbeitet man hingegen mit Standardabweichungen, um die Entfernung von einem Mittelwert zu bestimmen. Und in der Musik gibt es die Sonatensatzform. Von Adolph Bernhard Marx Mitte des 19. Jahrhunderts geprägt und bis heute in der Schule gepredigt, wird allzu schnell vergessen, dass dieses Modell wohl nur in wenigen, meist besonders langweiligen Fällen ohne Ausnahme funktioniert. Dass Begriffe wie Exposition, Überleitung, Seitenthema und Schlussgruppe dennoch im Gebrauch sind und unverzichtbar erscheinen, hat vielleicht nur einen Grund: Sie dienen als abstrakte Chiffren, mit denen sich Eigenarten einer Komposition trefflich beschreiben lassen – zumindest meistens.

Wenig überraschend hat Beethoven 1815/16 seine Klaviersonate op. 101 denn auch «anders» angelegt. Auf gleich mehreren Ebenen durchbricht er die noch jungen Konventionen der Gattung, so dass auch Marx trocken konstatieren muss, dass hier «der Name Sonate für eine vom gewöhnlichen Sonatenbau wesentlich abweichende Gestaltung angewendet» wird (Beethoven. Leben und Schaffen, 2. Aufl. 1863, Bd. 2, S. 216). Dies betrifft zunächst die Satzfolge mit einem formal changierenden Kopfsatz, einem lebhaften Marsch und einem langsamen Satz, der wie eine gross angelegte Einleitung zum Finale wirkt (einschliesslich einer Reminiszenz an den Kopfsatz). Darüber hinaus gilt dies aber auch für die Anlage des Verlaufs – mit Elementen der Fantasie, des Rezitativs oder der Toccata – wie für die Faktur mit ausgesprochen kontrapunktischen Verfahren: Das Trio des Marsches ist als Kanon angelegt, die Durchführung des Finales als weit dimensionierte Fuge. Ferner eröffnet Beethoven mit den deutschsprachigen, im Detail ausdifferenzierten Tempo- und Charakterbezeichnungen einen vollkommen neuen Ausdruckshorizont, der ebenso wie die zyklische Anlage des Werkes weit über das Jahr der Entstehung hinausweist.

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Link zur Projektoberseite «52 x Beethoven»

Die Sammlung enthält bisher kaum beachtete autographe Skizzen unter anderem zu den Bühnenwerken Intermezzo, Die Ägyptische Helena und Die Schweigsame Frau. Einsehbar sind ferner Strauss‘ Briefe an den Generalmusikdirektor Ernst von Schuch und den Kapellmeister Hermann Kutzschbach. Das Bühnengeschehen der Rosenkavalier-Uraufführung in Dresden wird durch Bühnenskizzen und Kostümentwürfe Alfred Rollers erlebbar.

Zentrale Quellen sind zudem die seit den Ur- und Erstaufführungen genutzten Orchestermaterialien zu bisher zehn Bühnenwerken, darunter Salome, Elektra, Rosenkavalier, Die Frau ohne Schatten. Diese im Besitz der Staatskapelle Dresden befindlichen Materialien wurden von der SLUB im Rahmen des Landesdigitalisierungsprogramms für Wissenschaft und Kultur des Freistaates Sachsen bearbeitet und veröffentlicht.

Originalartikel:
https://blog.slub-dresden.de/beitrag/2020/1/27/richard-strauss-gemeinfrei-slub-stellt-quellen-zu-leben-und-werk-des-komponisten-online/

Bettina Skrzypczak wird mit dem Heidelberger Künstlerinnenpreis für das Jahr 2020 ausgezeichnet. Die Preisverleihung erfolgt am 19. Februar 2020 im Rahmen eines Konzerts des Philharmonischen Orchesters Heidelberg. Die Auszeichnung wurde 1987 ins Leben gerufen und ist weltweit der einzige Preis, der ausschliesslich an Komponistinnen vergeben wird. Zu den Preisträgerinnen gehören unter anderen Sofia Gubaidulina (1991), Younghi Pagh-Paan (1995), Olga Neuwirth (2008), Isabel Mundry (2011) oder Chaya Czernowin (2016).

Im Konzert am 19. Februar – mit Wiederholung am 20. Februar – erklingt das Orchesterwerk Initial von Bettina Skrzypczak. Es wurde 2007 vom Orchestre de Chambre de Lausanne beim Festival Les Amplitudes in La Chaux-de-Fonds uraufgeführt. Seither ist es mehrfach auch international nachgespielt worden, so beim Festival Warschauer Herbst und bei der Biennale Musica in Venedig.

Bettina Skrzypczak ist Professorin für Komposition und Theorie an der Hochschule Luzern – Musik. Sie engagiert sich seit vielen Jahren im Schweizer Kulturleben; bis 2016 leitete sie das von ihr gegründete Ensemble Boswil für zeitgenössische Musik, und 2015 wirkte sie als Kuratorin der Tage für Neue Musik Zürich. Als Jurorin, Expertin und Gastdozentin ist sie bei internationalen Kompositionskursen gefragt. Sie ist Autorin zahlreicher Texte über zeitgenössische Musik. Gegenwärtig arbeitet sie an einer Orchesterkomposition für das Lucerne Festival, die am 6. September von der Basel Sinfonietta uraufgeführt wird.
 

Von den 29 Klavier-Studierenden aus dem In- und Ausland, die an einer Schweizer Musikhochschule immatrikuliert und nach dem 1. September 1992 geboren sein mussten, qualifizierten sich acht Kandidatinnen und Kandidaten für das Finale. In der ersten und zweiten Wettbewerbsrunde hatten sie Stücke aus einem von der Jury (Benjamin Engeli, Adrian Oetiker, Walter Prossnitz und Oliver Schnyder) definierten Repertoire vorzutragen.

Der erste Preis (12’000 Franken) ging an Asuto Kitamura aus Japan, Jahrgang 1996, und der zweite (8000 Franken) an Georgiana Pletea aus Rumänien, Jahrgang 1993. Beide Drittpreisträger, Jérémie Conus aus der Schweiz, Jahrgang 1994, und Yilan Zhao aus China, Jahrgang 1995, erhielten je 4000 Franken.
 

Foto: Rahn Musikpreis / Priska Ketterer

Georgiana Pletea

Der Erstpreisträger und die Zweitpreisträgerin erhalten zusätzlich einen Auftritt als Solist bzw. Solistin am Rahn-Preisträgerkonzert mit dem Kammerorchester Basel unter der Leitung von Andrew Joon Choi. Zudem wird ihnen die live Bild- und Tonaufnahme des Konzerts als Streaming-Link zur Verfügung gestellt. Das Rahn-Preisträgerkonzert findet am 30. März 2020 um 19.30 Uhr in der Tonhalle Maag in Zürich statt. Asuto Kitamura wird Schumanns a-Moll-Klavierkonzert op. 54 interpretieren, Georgiana Pletea Mozarts d-Moll-Konzert KV 466.

Foto: Rahn Musikpreis / Priska Ketterer

Jérémie Conus und Yilan Zhao

In anderen Kantonen hätten sich vergleichbare Tests bereits erfolgreich etabliert, schreibt die Stadt Luzern. Die Dienststelle Volksschulbildung des Kantons Luzern, der Verband für die Luzerner Musikschulen sowie ausgewählte Instrumental- und Vokallehrpersonen und Musikschulleitungen haben gemeinsam eine Luzerner Variante dieser Stufentests entwickelt.

Die Tests haben sechs Stufen mit ansteigenden Anforderungen. Schon nach wenigen Unterrichtsjahren kann die erste Stufe bestanden werden, während sich die sechste Stufe an den Aufnahmekriterien für ein Berufsstudium an Musikhochschulen orientiert. Je nach Leistung kann alle zwei bis drei Jahre die nächsthöhere Stufe absolviert werden. Die Stufentests tragen dazu bei, die eigene Leistung transparent zu machen, Ziele zu setzen und den persönlichen Lernplan zu gestalten.

Auf allen Stufen wird ein Pflichtstück aus einer verbindlichen Liste gewählt, ein weiteres Stück wird selber gewählt. Dazu kommen Fragen zu Musiktheorie und Rhythmik sowie ein schriftlicher Test. Als Experten sind Instrumental- und Vokallehrpersonen der Musikschulen im Kanton Luzern im Einsatz.

Mit den Stufentests wird ein weiterer Schritt zur regionalen Zusammenarbeit im Bereich der musikalischen Bildung im Kanton Luzern gemacht. Im Zentrum steht aber die optimale Förderung der musikalischen Entwicklung der Schülerinnen und Schüler, die durch die Stufentests zusätzliche Unterstützung erhält.

Öffentliches Zertifikatskonzert
Am Samstag, 8. Februar 2020, findet das Zertifikatskonzert statt. An dieser öffentlichen Veranstaltung treten ausgewählte Teilnehmende mit ausgezeichneten Leistungen auf, und alle erfolgreichen Prüflinge nehmen ihr Zertifikat in Empfang.

Zertifikatskonzert des Kantonalen Stufentest Luzern

Samstag, 8. Februar 2020, 16 Uhr
Südpol, Arsenalstrasse 28, 6010 Kriens, Grosse Halle
Freier Eintritt
Weitere Informationen: www.musikschuleluzern.ch
 

Daniela Berger war von 2002 bis 2015 Mitglied des Stadtrats Baden und stand in dieser Funktion dem Ressort Kultur / Kinder Jugend Familie vor. Unter anderem fiel in diese Zeit der Aufbau einer neuen professionellen Kulturförderung in der Stadt Baden und die Aufgleisung des Um- und Erweiterungsbaus des Kurtheaters Baden. Daniela Berger ist Gründungs- und Geschäftsleitungsmitglied der Badener Tanzcentrum AG und dort auch als Tanzlehrerin tätig.

Das Aargauer Kuratorium fördert insbesondere das professionelle zeitgenössische Kunstschaffen im oder mit engem Bezug zum Kanton. Das elfköpfige Gremium entscheidet als Fachgremium im Rahmen der bewilligten Mittel abschliessend über Förderbeiträge. Die einzelnen Förderbereiche – unter anderem Kunst in sämtlichen Sparten, immaterielles Kulturerbe, spezifische Weiterbildung für Kulturschaffende, Auszeichnungen – müssen durch die elf Mitglieder des Kuratoriums angemessen vertreten sein.
 

Tabea Zimmermann studierte unter anderem bei bei Sandor Végh am Mozarteum in Salzburg und ist unter anderem Gewinnerin des internationalen Wettbewerbs in Genf 1982. Ab 1987 bis zu dessen Tod im Jahr 2000 konzertierte sie regelmässig mit ihrem Ehemann David Shallon.

Sie lebt in Berlin und hat drei fast erwachsene Kinder. Professuren hatte Tabea Zimmermann bereits an der Musikhochschule Saarbrücken und an der Frankfurter Hochschule für Musik inne; seit Oktober 2002 ist sie Professorin an der Hochschule für Musik «Hanns Eisler». Sie hat überdies das Interesse vieler zeitgenössischer Komponisten für die Bratsche geweckt und zahlreiche neue Werke in das Konzert- und Kammermusikrepertoire eingeführt.

Die Auszeichnung der Ernst von Siemens Musikstiftung ist mit 250’000 Euro dotiert und zählt zu den wichtigsten Musikpreisen weltweit.
 

Das FMB findet seit 2012 alle zwei Jahre statt und gehört zum festen Bestandteil der Agenda vieler Bildungsverantwortlicher. Christine Bouvard Marty, Präsidentin des Verbands Musikschulen Schweiz (VMS), durfte in diesem Jahr eine beeindruckende Zahl an Besucherinnen und Besuchern begrüssen, die Mehrheit davon war an beiden Tagen anwesend: Weit über 400 Tageseintritte wurden abgesetzt.
Im Jahr 2007 rief der damalige Präsident des VMS, Hector Herzig, das FMB ins Leben, um die musikalische Bildung als wichtigen Bestandteil der Gesamtbildung im Bewusstsein der Gesellschaft zu verankern. Dieses Anliegen fand in der grandios gewonnenen Volksabstimmung über die «Musikalische Bildung» 2012 einen ersten Höhepunkt. In den ersten fünf Foren (2007 bis 2012, anfänglich noch jährlich stattfindend) wurden folgerichtig neben musikpädagogischen und Zukunftsthemen die politischen Aspekte der Bildung stark gewichtet. Da sich die Umsetzung des Verfassungsartikels 67a «Musikalische Bildung» inzwischen am Vierjahresrhythmus der Kulturbotschaft orientiert, deren dritte Periode (2021–2024) in diesem Jahr in die entscheidende Phase der parlamentarischen Beratung geht, lag es nahe, auch diesmal einen Fokus auf die Politik zu richten.

Ein ebenso aufschlussreiches wie unterhaltsames Referat zu den Mechanismen der Macht in Bundesbern hielt Markus Ritter, Präsident des Schweizerischen Bauernverbands und CVP-Nationalrat (SG). Unter dem Titel «Politisch erfolgreich sein – was man von den Bauern lernen kann» präsentierte er eine Sieben-Punkte-Anleitung. Als äusserst erfolgreicher und bekennender Lobbyist hat Ritter mehrfach bewiesen, dass seine Rezepte zum Erfolg führen: «Das Richtige, zum richtigen Zeitpunkt, in der richtigen Form, mit der richtigen Person, am richtigen Ort zu tun, ist grundlegend für den Erfolg», stellte er fest.
Über ein grosses politisches Wissen verfügt auch Max Fuchs, Honorarprofessor für Erziehungswissenschaften an der Universität Duisburg-Essen. Für seine Leistungen als ehemaliger Vorsitzender des Deutschen Kulturrats und als Mitglied des Bundesjugendkuratoriums wurde Fuchs mit dem Bundesverdienstkreuz ausgezeichnet. In einer wissenschaftlich stringenten Art und Weise leitete er in seinem Vortrag, ausgehend von der «Allgemeinen Erklärung der Menschenrechte» der UNO (1948), ein «Menschenrecht Musik» ab.
David Vitali vom Bundesamt für Kultur (BAK), dort unter anderem zuständig für die musikalische Bildung, sprang als Referent für die verunfallte Direktorin des BAK, Isabelle Chassot, ein. Vitali erläuterte die in parlamentarischer Beratung befindliche Kulturbotschaft und hob die Pläne zur Umsetzung der musikalischen Begabtenförderung hervor. Der Referent nahm anschliessend unter der Gesprächsleitung von Jodok Kobelt zusammen mit Christine Bouvard Marty, Max Fuchs und dem Direktor des Schweizer Gemeindeverbands, Christoph Niederberger, an einer «Table ronde» teil.

Das FMB versteht sich traditionellerweise als Impulsgeberin für Zukunftskonzepte der Bildung. Den Auftakt des zweiten Tags machte Jan Rihak, Start-up-Gründer und Entwickler von «Classtime», einer in verschiedenen Ländern bereits erfolgreich eingesetzten, webbasierten Partizipations- und Prüfungsplattform für den modernen Unterricht. In seinem Vortrag «Ein unternehmerischer Spirit mit Modellcharakter für Bildungsinstitutionen?» präsentierte er Learnings aus der Programmentwicklung, und bot diese den Zuhörenden als Hilfestellung für eventuelle eigene Projekte an.
Anstelle des erkrankten Peter Röbke sprach Michaela Hahn, Professorin für Musikschulforschung an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, zum Thema «Aspekte einer Musikpädagogik der Gegenwart». Sie warf einen Blick auf die Wurzeln und die Entwicklung der Musikschulbewegung bis heute, benannte den gesellschaftlichen Auftrag der musikalischen Bildungsinstitutionen und stellte einige impulsgebende europäische Modellprojekte vor.
Einer der führenden Soziologen Deutschlands, Armin Nassehi, Ordinarius an der Ludwig-Maximilians-Universität München, äusserte sich in seinem Referat «Bildung gestalten in der digitalen Gesellschaft» zur Bedeutung der Digitalisierung. Er erörterte die Frage: «Für welches Problem ist die Digitalisierung die Lösung?» und stellte diese epochale Errungenschaft in eine Reihe mit anderen weltverändernden Erfindungen wie dem Buchdruck oder der Dampfmaschine. Wie in allen Lebensbereichen sei die Digitalität auch in der Bildung ein Fakt. Die Technik sei aber in den Dienst der Bildungsziele zu stellen.

Das musikalische Rahmenprogramm war wie immer von erlesener Qualität. Das Klarinettenquartett Quadrifoglio hatte sich im Thurgauer und im Schweizerischen Jugendmusikwettbewerb (SJMW) bereits erste Preise mit Auszeichnung erspielt. Damit verdienten sich diese hochmusikalischen jungen Menschen auch einen VMS-Spezialpreis. Der zweite VMS-Preis ging an die Rockband Weird Fishes. Sie hatte bereits am SJMW Jazz&Pop für Furore gesorgt und mit ihrem progressiven Sound das Publikum vom Hocker gehauen. Der Hitparaden-Habitué Gustav setzte den Schlusspunkt des ersten Tages. Er ist seit Jahren bekannt für seine pädagogisch motivierten Schulkonzerte.
Zum dritten Mal führte der VMS seinen Wettbewerb mit zukunftsweisenden Musikschulprojekten durch. Dieses Mal gab es keine Zweit- und Drittplatzierten, sondern gleich drei erste Plätze: Die «Ecole de Jazz et de Musique Acutelle» (EJMA) verdiente sich nach Ansicht der Fachjury unter dem Vorsitz von Felix Bamert einen davon für ihr Projekt «Département de musique assistée par ordinateur (MAO)». Der nächste ging an die Swiss Jazz School Bern (SJS), für das Projekt «iMPro-Webapp: Das digitale Lehrmittel für Improvisation».
Den Publikumspreis holte sich die Musikschule Olten mit «Offene Musikschule Olten – Mehr Raum und Zeit für die Musik».
Das nächste FMB findet am 21. und 22. Januar 2022 in Baden statt.

«Nach Schottland! Wann fahren wir? Habe ich noch Zeit, meine Zigarre zu Ende zu rauchen?» Ja, Zeit war da, auch ein Steamer, für den der bedeutende Komponist Jonathan Savournon gleich zwei Schiffspassagen gesponsert bekommen hatte. Musikalische Werke von Savournon haben sich nicht erhalten, denn er entsprang der wunderbaren Fantasie von Jules Verne. Mit seinem Roman von der Reise mit Hindernissen nach England und Schottland steht er auch heute noch auf der Höhe der Zeit, vor allem mit dem weisen Fazit: «Sie haben alles gestreift, aber in Wahrheit haben sie nichts gesehen!» Inspiriert hat Verne übrigens nicht etwa Mendelssohns Reise in die Highlands oder dessen Schottische Sinfonie, sondern eine eigene Exkursion im Jahre 1859, die er gemeinsam mit dem französischen Komponisten Aristide Hignard (1822–1898) unternahm.

Und Beethoven? Bekanntermassen hat er weder die Seine noch den Firth of Forth gesehen. Dann aber nahm George Thomson (1757–1851) aus dem fernen Edinburgh 1803 Kontakt mit ihm auf, nachdem dieser bereits bei Haydn, Pleyel und Koželuh kammermusikalisch begleitete Arrangements und knapp gefasste Einleitungen zu schottischen Weisen bestellt hatte: für Singstimme(n), Klavier, Violine und Violoncello. Bis 1820 hat Beethoven knapp 170 Bearbeitungen dieser Art angefertigt, und es darf vermutet werden, dass es für ihn nicht nur ein lukratives Brotgeschäft war. So ersetzen diese Arrangements in seinem Œuvre die Folge der originären Klaviertrios, die 1811 mit dem grossformatigen Werk in B-Dur op. 97 zu einem Abschluss gekommen war. Denn Thomsons Wunsch nach instrumentalen Vor- und Nachspielen eröffnete Beethoven einen kompositorischen Freiraum – ein Freiraum, der allerdings in Edinburgh unverstanden blieb. Umso klarer wurde er von einem anonymen Rezensenten der 1822 bei Schlesinger in Berlin erschienenen deutschen Ausgabe erfasst: «Kein entschlafener Barde wird hier aus den Trümmern nebelvoller Vorzeit geweckt: Beethoven’s selbstständiger Geist ist es, der hier über Hügeln des Schlummers in einem sich selbst erträumten Lande wandelt, das er Schottland nennt.» (Allgemeine musikalische Zeitung, Jg. 30, 1828, Sp. 284)

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Beim ästhetischen Erleben handelt es sich um ein komplexes Zusammenspiel von Wahrnehmungsweisen und kognitiven Prozessen: Merkmale der Kunstwerke wie die Farbgebung und die dargestellten Inhalte spielen eine Rolle, aber auch individuelle Eigenschaften des Betrachters wie seine Fachkenntnis sowie kontextbezogene Faktoren – etwa der Titel eines Kunstwerks.

Wie Kontextinformationen zu den Kunstwerken das ästhetische Empfinden beeinflussen, haben Forschende der Universität Basel um die Psychologen Jens Gaab und Klaus Opwis in einer realen Ausstellungssituation untersucht. Insbesondere gingen sie der Frage nach, ob und wie sich verschiedene Arten von Informationen auf die ästhetische Erfahrung von Museumsbesucherinnen und -besucher auswirken.

Frühere Forschung hat gezeigt, dass Kontextinformationen die Wahrnehmung und das Erleben massgeblich prägen können – etwa wenn Wein den Konsumenten besser schmeckt, wenn sein Preis höher angegeben wird.

Originalartikel:
www.unibas.ch/de/Aktuell/News/Uni-Research/Kunst-spricht-fuer-sich-und-laesst-Herzen-schneller-schlagen.html
 

In seinen Anfängen bewegte sich der Zürcher Geiger Tobias Preisig noch in recht konventionellen, romantisch angehauchten Jazz-Gefilden. Spätestens aber mit dem spektakulären und international viel beachteten Geige/Schlagzeug-Duo Egopusher und im Duett mit Stefan Rusconi an der Kirchenorgel hat er sämtliche stilistischen Fesseln abgeworfen. Und mit Diver, seinem ersten Solo-Album, zeigt er sich abermals von einer neuen Seite. «Die Geige hat eine lange Tradition und wird als prestigeträchtiges, mit technischer Virtuosität verbundenes Instrument wahrgenommen», erklärt der 38-jährige, inzwischen in Berlin lebende Künstler im Begleittext. «Deswegen gibt es eine Tendenz, dass die Musik schwierig sein muss, um das technische Können des Spielers zu präsentieren. Mich interessierte das immer weniger.»

Diver wurde in drei intensiven Wochen in Preisigs Studio mit Blick aufs Fussballstadion erarbeitet und aufgenommen. Bei der Produktion half Jan Wagner mit, dessen künstlerische Verbindungen ins Faust-Studio in Scheer, aber auch zur Szene um den Berliner Berghain-Klub reichen. Die Abkehr von demonstrativer Virtuosität hat Preisig in den Bereich von minimalistischen Melodiefragmenten geführt, die im abschliessenden Stück Collective gar auf lang dahingestrichene Einzeltöne reduziert werden. Die Rhythmen geben sich Luft und lassen sich viel Zeit. Dann und wann werden sie mittels hauchartiger Bass- und Knacklaute angetönt, oft werden sie bloss von der integralen Bewegung der Geigenmotive getragen. Untermalt wird das Ganze von asketischen Haltetönen aus dem Synthesizer und viel Echo.

Die Disziplin und die Kühnheit, sich auf Essenzen zu konzentrieren, stehen Preisig gut. Diver besteht aus acht in Aufbau und Melodik höchst verschiedenen Stücken, die indes allesamt eine meditative Ruhe ausstrahlen. Ähnlich wie die Ambient-Musik von Brian Eno schaffen sie eine geradezu physische Räumlichkeit, in der sich der Zuhörer ebenso verlieren wie finden kann. Ein herrliches Album voller Raum, Ruhe und Licht.
 

Hätte ich einen kleinen, engen Quartierladen einzurichten, ich würde Thomas Grossmann fragen. Der Kontra- und E-Bassist hat nach seiner erfolgreichen Kontrabass-Schule, dem Kontrabass ABC, nun ein Buch für E-Bass verfasst. Und dieses Buch hat die gleiche Qualität wie ein guter Quartierladen. Dort gibt es einfach alles – ausser vielleicht Bass-Saiten. Und in Grossmanns Buch gibt es auch einfach alles – sogar mit Bass-Saiten!

E-Bass ABC bis Z bietet sieben aufbauende Lektionen auf rund 100 Seiten. Anschliessend wird auf 50 weiteren Seiten E-Bass-Know-how vertieft. Die zwölf Kapitel sind eine Art Referenz zu den Lektionen, mit Basisthemen wie Tuning, Tabulatur und Notenlängen. Darüber hinaus findet man viele Grundsatzüberlegungen und Anregungen zu Themen wie Zupfhand und -techniken, Abdämpfen und Fingersätzen. Auch Techniken wie Slap, Flageoletts und Akkordspiel werden beleuchtet.

Der Einstieg geschieht – dank dem Fokus auf die Griffbrettmarkierungen – sofort mit Musik. Mit den solide produzierten Play-alongs zu jedem Notenbeispiel machen bereits die einfachsten Übungen Spass. So entsteht Spielfreude schon bevor man sich dem «klassischen» Lektionen-Aufbau mit Leersaiten und Lagen von tief nach hoch zuwendet. Zu jeder Lektion gibt es weitere Übe-Anregungen.

Insgesamt ist ein hoher Praxisbezug vorhanden. Das zeigt sich auch in den vielen Zusatzinfos und Erklärungen. Sie lassen das Heft auf den ersten Blick etwas überfrachtet wirken. Doch gerade im Musikunterricht sind sie wertvoll, als Ergänzungen und Anregung für eigene Überlegungen. So würde ich das Buch auch primär in diesem Setting empfehlen. Einsteiger, welche sich ohne Lehrperson mit dem Buch auseinandersetzen, brauchen ziemlich viel Biss. So oder so – am Schluss wird man belohnt mit einer soliden Grundkenntnis des Instruments und der gängigen Spieltechniken.

Fortgeschrittenen Spielerinnen und Spielern kann E-Bass ABC bis Z dank den praktischen Tipps und den weit ausgreifenden Themen ebenfalls helfen, fehlendes Wissen aufzuholen. Doch die grosse Stärke dieses Buchs ist die umfassende Breite, nicht die Vertiefung.
 

Thomas Grossmann: E-Bass ABC bis Z. Für Einsteiger, Umsteiger und Fortgeschrittene EH 11788, Audiofiles zum Download, Fr. 34.50, Hug-Musikverlage, Zürich 2019