Der Rockförderverein  Basel RFV schreibt: «Die Soundclinic ganz abzusagen ist für den RFV Basel keine Option gewesen. Der Grund: Musikschaffende müssen aktuell schon auf genug ihrer Einnahmen verzichten. Der RFV Basel hält an der Jurierung seiner geplanten Wettbewerbe auch in der Corona-Krise fest und spricht weiterhin Förderbeiträge. Allerdings gibt es keine Live-Events wie normalerweise zum Beispiel bei der Soundclinic.
Die vierköpfige, unabhängige Fachjury der Soundclinic hat sich letzte Woche virtuell kurzgeschlossen und über zwei Stunden die acht Songs in der Endrunde von zuhause aus beurteilt (35 Bands hatten sich beworben). Ihr Fazit: Alle acht hätten einen Beitrag verdient, die Songs von Heizöfel!i, Luna Oku und Rhea König hätten am Ende aber eine Spur mehr überzeugen können.»

Die jungen Frauen der Band Heizöfel!i, das Soloprojekt Luna Oku des Schlagzeugers Alon Ben und die junge Soulsängerin Rhea König erhalten einen Förderbeitrag. Sie können wählen zwischen einem professionellen Coaching im Wert von je 4000 Franken und einem frei verfügbaren Beitrag von je 2000 Franken.

In der Jury sassen Anna Aaron, Musikerin, Produzentin, Labelmacherin, Basel, Severin «Sevi» Landolt, Musiker (Klaus Johann Grobe), ehemals Booker Radicalis, IG Musik, Basel, Miriam Lenz, Musik- und Kulturjournalistin Keystone-SDA, Musikblog Rockette, Bern, und Niklaus Riegg, Leiter Popkredit Zürich, ehemals künstlerische Leitung Blue Balls Festival Luzern, Zürich.

Die Ausschreibung für die Soundclinic im Herbst erfolgt nach den Sommerferien.

Bereits erfolgte Ticketkäufe werden laut der Mitteilung vollständig rückerstattet. Das Festival bittet allerdings, falls möglich auf eine Rückforderung zu verzichten, um den finanziellen Schaden in Grenzen zu halten. Alternativ bietet das Festival an, den Kauf in eine Gutschrift für Tickets für die Festivalausgabe von 2021 umzuwandeln.

Ticketkäufer werden gebeten, bis zum 30. April die Ticket-Rückgabeseite des Festivals zu besuchen. Dort können sie ein Formular mit ihrer Wahl einreichen, um zu spenden, eine Gutschrift oder eine Rückerstattung für den gesamten oder einen Teil des Wertes der gekauften Tickets zu erhalten. Das Festival-Team wird sich dann mit jedem Ticketkäufer in Verbindung setzen, um die Rücksendung zu bestätigen.

Dirigenten-, Instrumental- und Gesangsprogramme sowie die bereits erfolgten Einladungen an Teilnehmer der Kurse werden um ein Jahr verschoben. Das Datum zur Bestätigung der Teilnahme wird zu einem späteren Zeitpunkt bekannt gegeben.

Als Prometheus einst das Feuer raubte und es zu den Menschen brachte, legte er damit den Grundstein zur Zivilisation. Als kluge Innovationen folgten bald das Rad und der tiefe Teller. Jüngst aber greift eine weit verbreitete Ignoranz gegenüber dem sozialen Miteinander, dem noch immer unbesiegten Hunger in der Welt und dem nun auch spürbaren Klimawandel um sich – kombiniert mit salonfähigem Zweifeln an der Wissenschaft. Dass es dazu kommen konnte, ist Epimetheus zu verdanken, Prometheus’ Bruder, dessen Name «der danach Denkende» bedeutet. Er heiratete übrigens die schöne Pandora – die mit der Büchse allen Übels …

Eine etwas andere Geschichte erzählt Ludwig van Beethoven in seiner Ballettmusik Die Geschöpfe des Prometheus op. 43, einer Auftragskomposition für den italienischen Ballettmeister Salvatore Viganò (1769–1821), der nach vielen Stationen zwischen 1799 und 1803 in Wien wirkte und 1811 Ballettdirektor an der Mailänder Scala wurde. Zwar haben sich weder ein Szenarium noch die originale Choreografie erhalten. Und doch lässt sich das in einer Introduktion und 16 musikalischen Nummern vertonte mythische Geschehen aufgrund des Theaterzettels nachvollziehen: In Beethovens Lesart haucht Prometheus mit der Flamme des Himmels zwei menschlichen Tonstatuen das Leben ein, vermag dabei aber nicht, ihre Vernunft zu erwecken. Nachdem eine höhere Stimme ihn von der Zerstörung seines Werkes abgehalten hat, führt er die Wesen auf den Parnass, wo sie durch Apollo nun nicht nur Vernunft und Gefühl erhalten, sondern auch den Sinn für die Natur und Kunst empfangen sollen.

Obwohl das gesamte Ballett mit 29 Aufführungen ordentlichen Erfolg hatte, fand es bei den Zeitgenossen kein dauerhaftes Echo. In der Zeitung für die elegante Welt hiess es 1801 recht nüchtern: «Ob Herr van Beethoven bei der Einheit – um nicht Einförmigkeit der Handlung zu sagen, das leisten konnte, was ein Publikum, wie das hiesige, fordert, will ich unentschieden lassen. Daß er aber für ein Ballet zu gelehrt und mit zu weniger Rücksicht auf den Tanz schrieb, ist wohl keinem Zweifel unterworfen. … Dies fängt schon mit der Ouvertüre an. Bei jeder großen Oper würde sie an ihrer Stelle seyn, und einer bedeutenden Wirkung nicht verfehlen; hier aber steht sie an ihrer unrechten Stelle.» Und tatsächlich handelt es sich bei der Ouvertüre um einen fast sinfonisch disponierten Satz mit einer langsamen Einleitung und einer breit angelegten Durchführung. Wohl nicht zufällig verweist Beethoven mit dem eröffnenden Septakkord fast zitathaft auf die wirkungsvolle Eröffnung seiner Ersten Sinfonie; die Eröffnung des Prometheus-Finales aber kehrt in der Eroica wieder.

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Link zur Projektoberseite «52 x Beethoven»

Suisseculture schreibt, es würden derzeit «sehr viele Fragen an uns getragen betreffend der vom Bundesrat beschlossenen Massnahmen». Der Verband hat deshalb zu den wichtigsten Fragen eine kleine Zusammenstellung aufgeschaltet.

Suissculture-Infoseite:
https://www.suisseculture.ch/index.php?id=23&tx_ttnews%5Byear%5D=2020&tx_ttnews%5Bmonth%5D=03&tx_ttnews%5Btt_news%5D=180&cHash=56f7a41f5d08d0a2dfdf834ab9b4a22f

Informationen für Kulturschaffende, Selbständige und Unternehmen sind auch über die Webseite der ZHdK abrufbar. Der «Z-Kubator» der Hochschule hat eine Übersicht zu nützlichen Informationsquellen zusammengestellt. Die Liste wird laufend aktualisiert.

Der Stiftungsrat der Innerschweizer Kulturstiftung, bestehend aus den Bildungs- und Kulturdirektoren der Zentralschweizer Kantone, würdigt Fabian Römer mit dieser Preisvergabe und einem Preisgeld von 25`000 Franken als «hervorragende Persönlichkeit, die mit beeindruckender Kreativität und Empathie ein bedeutendes Werk an aussergewöhnlichen Filmkompositionen geschaffen hat». Sein Schaffen findet in der Schweiz und in Europa grosse Beachtung.

Fabian Römer wurde 1973 in Zürich geboren, aufgewachsen ist er im schwyzerischen Freienbach am Zürichsee. Nach der Matura an der Kantonsschule Schwyz folgte ein Berufsstudium Musik (SMPV Zürich) im Hauptfach Violine bei Slobodan Mirkovic, dazu Klavier und Komposition. 1995 war er Mitgründer des Tonstudios GYSKO Soundlab in Pfäffikon SZ. Im selben Jahr komponierte er seine erste Filmmusik für den französischen Kinofilm «Les Egarés» von Regisseur Gabriel Le Bomin. 1998 zog er nach München, wo er bis heute mit seiner Familie lebt. An der dortigen Musikhochschule ist er Dozent für Filmmusik. Vor allem aber ist er ein bekannter europäischer Filmkomponist und in der Branche hochgeachtet.

Die schweizerisch-belgische Koproduktion «Le milieu de l’horizon» von Delphine Lehericey wird bei den Schweizer Filmpreisen als bester Spielfilm 2020 ausgezeichnet. Ausserdem erhält Joanne Giger den Preis für das beste Drehbuch. Der Preis für den besten Dokumentarfilm geht an die Produktion der Hugofilm Productions GmbH «Immer und ewig» von Fanny Bräuning. Die von Olivia Pedroli für diesen Film komponierte Musik erhält zudem die Auszeichnung für die beste Filmmusik.

Olivia Pedroli wurde 1982 in Neuchâtel geboren und studierte zunächst Violine. Unter dem Namen Lole veröffentlichte sie die Alben «The Smell Of Wait» und «Sugary And Dry». Danach arbeitete sie in Reykjavik mit dem Produzenten Valgeir Sigurðsson (Björk, Kronos Quartet) und dem Icelandic Symphony Orchestras an einem neuen Werk. Resultat war das erste unter ihrem eigenen Namen heraus gebrachte Album «The Den».

Zwischen 2010 und 2013 trat Olivia Pedroli mit ihrem Quintett unter anderem am Montreux Jazz Festivals, den Nuits Botaniques in Brüssel, beim Eurosonic in Groningen, dem Reeperbahn Festival von Hamburg, der Jazzahead in Bremen , dem Airwaves in Reykjavik, dem Café de la Danse in Paris oder im Moods Zürich auf. Olivia Pedroli komponierte auch den Soundtrack zu Manuel von Sturlers Dokumentarfilm «Hiver Nomade», der 2012 mit mehreren European Film Academy Awards ausgezeichnet wurde.

Matthias von Orelli —The HEMU Site of Sion is part of a tradition of excellence in professional string education in Valais. This tradition is a direct legacy of the major musical contribution of the Hungarian violinist Tibor Varga, active in Valais since the 1960s and until his death in 2003. After creating a summer academy in 1963, a summer festival in 1964 and an international violin competition in 1967, he decided in 1988 to open a year-round independent high-level school in Sion whose name would evolve over time until it became the Conservatoire Supérieur Tibor Varga. When the Hautes Ecoles de Musique (HEM) was set up in Switzerland in 2008, the arrangements made at the federal level provided for the creation of only two HEMs in French-speaking Switzerland, within the HES-SO, which endangered the sustainability of professional music education in Valais. Anxious to preserve the artistic and educational tradition developed in the second half of the 20th century and to continue to train high-level professional musicians in Valais, the cantonal authorities then initiated negotiations with the canton of Vaud to agree on the integration of the Tibor Varga Superior Conservatory at the Lausanne University of Music. A similar approach emanating from the canton of Friborg at the same time, the 3 cantons agreed on the creation of an intercantonal high school of music and signed the agreements which were to lay the foundations for the birth of the HEMU Vaud-Valais-Fribourg . The Tibor Varga Superior Conservatory thus gave way to the HEMU Site de Sion.

Aujourd’hui l’HEMU Site de Sion continue de s’affirmer comme un pôle d’excellence dans l’enseignement des cordes et peut compter sur un corps professoral de très haut niveau pour préparer ses 60 étudiants de niveau bachelor et master à une carrière épanouie d’interprète et/ou de pédagogue. Des collaborations continuent de se développer avec l’Académie d’été Tibor Varga, le Concours International Tibor Varga et le Sion Festival, mais également avec de nombreux autres partenaires artistiques en Valais, en Suisse et à l’international.

Monsieur le directeur Aurélien D’Andrès, merci de prendre le temps de nous accorder cette interview. Comment caractériseriez-vous le site de Sion au sein de l’HEMU Vaud-Valais-Fribourg ?

L’HEMU est une institution qui se déploie sur 3 cantons aux identités et aux enjeux très différents. Le défi du site de Sion consiste donc à participer de manière active à la création et au développement d’un projet institutionnel global tout en conservant un lien direct avec le territoire valaisan, ses spécificités, ses attentes et ses possibilités.

Toute la structure de l’HEMU a récemment été redessinée. Quel impact cela a-t-il eu sur le site de Sion ?

Toute mesure qui touche à la gouvernance a forcément un impact sur l’entier de l’institution. Nous sentons une volonté de changement de culture d’entreprise qui vise une approche plus participative. La mise en place de cette culture passe par une plus grande implication des étudiants dans la vie de l’école. Des mesures concrètes telles que l’organisation récente du PulSion Winter Festival témoignent de la forme que cela peut prendre.

Vous avez un profond passé musical, pourriez-vous nous décrire brièvement votre vie professionnelle ?

D’un point de vue strictement musical, je suis issu du milieu amateur (je suis titulaire d’un certificat supérieur de piano et d’un certificat de violon du Conservatoire Can-tonal de Sion), un milieu d’une richesse incroyable en Valais, et je me considère donc plus comme un mélomane averti que comme un musicien. Après une double formation d’ingénieur EPFL et de gestionnaire culturel, mon parcours professionnel m’a ensuite amené successivement à administrer la Camerata de Lausanne, le Théâtre Le Baladin de Savièse puis désormais l’HEMU Site de Sion. Je développe actuellement mes compétences de leader en effectuant un Executive MBA à HEC Paris.

Comment jugez-vous le paysage musical dans notre pays et plus particulièrement dans le canton du Valais ?

Nous avons une chance inouïe en Suisse : l’offre musicale est riche et le standard de qualité très élevé. La présence de Hautes Ecoles de Musique de premier plan n’y est pas étrangère. Le Valais entretient pour sa part une relation très forte avec la musique. Le manque d’infrastructures adaptées a longtemps limité le développement de la musique classique en dehors de la riche période des festivals d’été, mais la construction imminente d’une salle de concert à Sion ainsi que d’autres projets dans le canton devraient bientôt nous aider à donner à nos événements l’ampleur qu’ils méritent.

Dans le contexte des Hautes écolesde musique suisses, la question de la position du pays au sein de l’Europe se pose sans cesse. En Valais aussi, les frontières avec les pays voisins sont proches – comment percevez-vous cette situation ?

Bien que délimité par de hautes et majestueuses montagnes, le Valais est une terre d’ouverture. Nous entretenons d’excellentes relations quotidiennes avec nos voisins vaudois, bernois, tessinois, uranais, italiens et français, et la culture touristique inscrite dans notre ADN nous destine de manière naturelle à l’accueil et à l’échange. Le repli sur soi n’a jamais été une option et je serais très étonné que cela puisse un jour être le cas dans le futur.

Comment la promotion musicale est-elle perçue dans le canton du Valais ?

Globalement plutôt bien, sachant que le Valais est un territoire qui respire la musique. Les milieux artistique, éducatif, touristique, économique et politique gagneraient cependant à mieux coordonner leurs efforts pour tirer un meilleur profit de l’incroyable dynamisme général qui anime actuellement le canton.

Le Valais est un canton alpin et touristique – cela a-t-il un impact sur votre travail quotidien ?

Absolument. C’est avant tout une question de partage de valeurs. Le montagnard est un travailleur infatigable qui respecte son environnement et ses racines. Le touriste fait preuve de curiosité et recherche le partage, la découverte, la nouveauté, la surprise, l’enchantement, le plaisir. Tout cela résume totalement ce que nous souhaitons voir émerger chez nos étudiants dans leur pratique musicale quotidienne.

Enfin, une question très simple (ou pas !) : quelle musique aimez-vous le plus écouter ?

Le silence, à condition qu’il soit immédiatement précédé ou suivi de quelque chose de beau.

D’origine française, Etienne Lin étudie actuellement à l’HEMU Site de Sion dans la classe d’alto de Tatjana Masurenko, en 1re année de master en Interprétation orientation concert, après avoir également effectué son bachelor à Sion.

Etienne Lin, que représente le Valais pour vous ? Et surtout Sion comme lieu d’études ?

Le Valais et la Suisse de manière générale sont pour moi de très beaux endroits. C’est une chance unique de pouvoir étudier ici, notre site ne compte qu’une soixantaine d’étudiants ce qui favorise les échanges et la construction des liens entre nous.

Sion est entourée par la montagne, la nature n’est jamais loin. Pour moi qui viens du département des Hautes-Pyrénées et d’une ville pas tellement plus grande que Sion, je ne suis pas dépaysé. C’est très agréable pour moi d’évoluer dans une école et une ville à taille humaine, cela se sent aussi dans le rapport avec les gens. Le cadre et les conditions de travail sont agréables avec un accès aux salles de répétition et aux locaux de notre école 365 jours par an.

La tradition des cordes dans notre école est héritée de l’ancien Conservatoire Supérieur Tibor Varga. La plupart des personnes ont déjà entendu parler de l’école créée par le maître violoniste Tibor Varga, mais son intégration au sein de la Haute Ecole de Musique de Lausanne l’a quelque peu plongée dans l’anonymat, il me semble. Par ailleurs, nous occupons des locaux pas vraiment adaptés à notre pratique musicale et censés être provisoires, ceci depuis un certain nombre d’années…

Je dirais que la raison pour laquelle on ne pense pas au Valais quand on parle éducation musicale c’est parce que nous n’avons pas assez de visibilité, pourtant la qualité et le succès de l’enseignement sont présents. Tout cela devrait être résolu bientôt je l’espère, avec la construction d’un nouveau pôle musique où nous côtoierons le conservatoire cantonal !

Jusqu’à récemment, vous étiez président de l’association PulSion. Que fait cette association et quelles sont vos tâches ?

Les buts principaux de l’association PulSion sont de créer, améliorer la vie étudiante au sein de notre école et de défendre les intérêts des étudiants si nécessaire. Depuis deux ans, nous avons lancé aussi un festival de musique entièrement réalisé par les étudiants : le PulSion Winter Festival. Nous avons également d’autres projets et événements comme aider les élèves non francophones à apprendre le français, organiser des auditions de rodage ou des sorties…

Vous avez beaucoup de contacts avec les autres étudiants. Où voyez-vous les grands défis auxquels sont confrontées les Hautes Ecoles de Musique Suisse ?

Les formations artistiques sont fascinantes mais aussi très difficiles à gérer je trouve, du fait de la très grande diversité des profils, des identités, des besoins, des cultures et autres. Il peut y avoir par exemple dans une même promotion des écarts d’âge de 15 ans, certaines personnes sont déjà plongées dans leur carrière en même temps que leurs études…

Je pense que l’enjeu des Hautes Ecoles de Musique est de savoir adapter les formations et cours proposés, de proposer de nouvelles ouvertures et d’accompagner au mieux leurs étudiants dans leur développement personnel et de carrière.

Johann Jacob Froberger (1616–1667) – «der Franz Liszt des 17. Jahrhunderts» – ist als Clavierist bekannt, als Komponist von Toccaten, Canzonen, Ricercari und Suiten. Am berühmtesten sind wohl seine «Lamenti» und «Tombeaus» oder die beiden Meditationen ..faict à Madrid sur la Mort future bzw. …faist svr ma Mort fvtvre. Verbale Anweisungen wie «avec/à discrétion» weisen längst darauf hin, dass Frobergers eigenen Vortrag noch viel mehr ausmachte, als was seine überlieferten Notentexte enthalten. Sein legendärer Ruhm basiert nicht nur auf zwei umfangreichen autografen Sammlungen und unzähligen Abschriften sowie mittlerweile drei Gesamtausgaben, sondern auch auf der Tatsache, dass ein zusätzliches Autograf 2006 kurzzeitig auftauchte, seither aber weder Forschung noch Edition zugänglich ist. Gründe genug für ein Symposium, das zu Frobergers 400. Geburtstag im Oktober 2016 in seiner Geburtsstadt Stuttgart stattgefunden hat, und für die nachträgliche Veröffentlichung der dortigen Referate.

«Avec discrétion» Rethinking Froberger fördert aktuelle Erkenntnisse zutage, die weit über Frobergers Person hinausgehen. Wohl finden sich aufgrund neuer Quellen wesentliche Präzisierungen zu Details von Biografie und Umfeld, erstaunlicher aber sind Nachweise, wie sehr Froberger der französischen Lautentradition verpflichtet war (Dirksen und Ledbetter) und wie (auch) sein Komponieren auf bestehenden Satzmodellen beruhte (Gavito), dass also zwischen originellem Komponieren und modularem Improvisieren kaum prinzipielle Unterschiede auszumachen sind. Von besonderem Interesse dürften auch die Texte zu Frobergers Aufführungspraxis sein: Karin Paulsmeiers Bemerkungen zu Eigenheiten der Notation, Francesco Ceras Untersuchungen zur Fermatenpunktierung und Florian Bassanis Hinweise zur performativen Anreicherungspraxis aufgrund französischer Tasten- und Gesangstraktate. Zudem werfen Martin Kirnbauer und Eugène Michelangeli Fragen nach den beabsichtigten Instrumenten auf: vieltöniges Cembalo bzw. Clavichord.

Der Symposiumsbericht enthält darüber hinaus eine Begriffsgeschichte von «Diskretion», Einblicke in die damaligen Arten des Reisens und eine Betrachtung des musikalischen Rom im 17. Jahrhundert, wo sich der Frescobaldi-Schüler Froberger mehrmals aufgehalten hat. Schliesslich darf bei Rethinking Froberger auch die Frage gestellt werden, warum er sich nicht verstärkt der Vokalmusik zugewandt hat.

Insgesamt liegt der Vorzug des umfassenden Bandes (einschliesslich Dokumenten, Abbildungen, Quellen- und Editionsverzeichnis sowie umsichtiger Bibliografie) nicht nur in der Vielfalt der Zugänge, sondern in einer Fülle an wissenswerten Details zur Geschichte und Wiedergabepraxis der Musik des 17. Jahrhunderts. Wer sich mit Claviermusik unter einer breiteren Perspektive beschäftigen möchte, muss zu diesem Buch greifen.

«Avec discrétion» Rethinking Froberger, hg. von Andreas Vejvar und Markus Grassl, (Wiener Veröffentlichungen zur Musikgeschichte, Band 14), 544 S., € 53.00, Böhlau, Wien u.a. 2018, ISBN 978-3-205-20740-5

2019 sind aus Anlass des 300. Geburtstags von Leopold Mozart zwei gegensätzliche Bücher erschienen. Erich Broy erforschte die sich vom Generalbass ablösende und zur italienischen Opernsinfonie hinwendende Kompositionsweise. Als Material dienten ihm die Knabenwerke von Wolfgang Amadeus und die Kopfsätze der Sinfonien von Leopold Mozart. Leopold stützte sich auf die theoretischen Schriften von Joseph Riepel, der das Komponieren als componere (Zusammensetzen genau bestimmter Taktteile) beschreibt. Die meisterhafte Art, wie der Vater seinen Sohn unterrichtete, zeigt sich an den schnellen Fortschritten in dessen Werken KV 1 bis KV 7 und auch in vielen Gemeinsamkeiten der Kompositionen – was für Konfusion bei der Zuschreibung sorgt und für die Qualität von Leopolds Schaffen spricht!

Die wissenschaftlich exakten Analysen anhand vieler Notenbeispiele im Text und in einem zusätzlichen Notenband setzen professionelle Kenntnisse voraus; Lesende können sich mit Hilfe von musikanalyse.net/tutorials dafür schlau machen. Wertvoll ist die Tabelle auf den Seiten 307–309, die alle bekannten Sinfonien Leopold Mozarts auflistet mit Angabe von Quelle und deren Datierung, Authentizität, stilistischer Einordnung und vermutlicher Entstehungszeit. In diesem Zusammenhang erwähne ich das Buch von Christian Broy, dem Bruder von Eric, zur Überlieferung der Quellen und zur Vertriebsstrategie Leopold Mozarts (Zur Überlieferung der grossbesetzten musikalischen Werke Leopold Mozarts, Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, Band 5, Wissner Musikbuch, Augsburg 2012).

Silke Leopold lässt uns mit Begeisterung am aufopfernden Leben Leopold Mozarts teilnehmen. Schon die zweispaltige Zeittafel im Anhang macht die europäische Bedeutung seines Wirkens klar: Neben den Familiendaten und Tätigkeiten Leopolds zeigt die zweite Spalte die wichtigsten politischen und kulturellen Ereignisse auf, die er miterlebte – eine interessante Geschichtslektion!

Der farbig bebilderte Hauptteil erzählt in sieben Kapiteln (jeweils mit roten Zitat-Schlagzeilen übersichtlich unterteilt), wie der Vater, der in Augsburg Buchbinder war, Leopold eine bevorzugte Jesuitenausbildung ermöglichte, wie sich Leopold in Salzburg unter den launischen oder grosszügigen Erzbischöfen schlau etablierte, sich verheiratete und seine Werke vermarktete. Wie ein Adliger führte er mit seinen Kindern ausgedehnte Bildungsreisen durch und knüpfte damit europaweit nützliche Kontakte und machte Geschäfte, gleichzeitig ebnete er den Kindern den Weg zum Erfolg. Die vielen zitierten Briefe zeugen von viel Intellekt, Autorität, Gefühl und Humor. Zum Beispiel: Seine Urteile über die verschiedenen Konfessionen Europas – auch seine eigene – werden immer kritischer, je weiter er sich von Salzburg entfernt. In anschaulichen Analysen einiger Kompositionen beweist die Autorin Leopolds Genie in der Tonmalerei. Die Bedeutung seiner Violinschule ist in den Kontext anderer Instrumentalschulen der Zeit eingebettet. Tragisch ist die Verhärtung im Verkehr mit dem «unvernünftigen» und verschwenderischen Sohn, rührend die Sorge des Grossvaters um Leopoldli, den Sohn von Nannerl. Die prominente Autorin glänzt mit Wissenschaftlichkeit und Erzählgewalt.

Eric Broy: Leopold Mozart – Komponieren in einer Zeit stilistischen Wandels, Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, Band 6.1 und 6.2 (Notenband), zus. 506 S., € 59.80, Wissner Musikbuch, Augsburg 2019, ISBN 978-3-95786-162-7

Silke Leopold: Leopold Mozart – «Ein Mann von vielen Witz und Klugheit», Eine Biografie, 280 S., € 29.99, Bärenreiter/J.B. Metzler, Kassel/Stuttgart 2019, ISBN 978-3-7618-2086-5

Werkverzeichnis von Leopold Mozart:
Cliff Eisen: Leopold-Mozart-Werkverzeichnis (LMV), Beiträge zur Leopold-Mozart-Forschung, Band 4 (Hrsg. Internationale Leopold Mozart Gesellschaft), 272 S., € 39.80, Wissner Musikbuch, Augsburg 2010, ISBN 978-3-89639-757-7

Seit 2018 beteiligt sich Pro Helvetia am Fonds Impuls für neue Musik. Gefördert werden grenzüberschreitende Projekte von Institutionen mit Geschäftssitz in Deutschland, Frankreich oder in der Schweiz. Grenzüberschreitend meint dabei nicht nur Landes-, sondern auch Gattungs- und Formatgrenzen. Die Projekte sollen laut der Ausschreibung «die Idee vom Austausch zwischen den Kulturen konkret werden lassen.»

Die Bewerbung erfolgt online über ein Antragsformular, das in Kürze aufgeschaltet wird. Bis am 1. Mai 2020 können Anträge für Projekte gestellt werden, die frühestens ab 1. August stattfinden.
 

Die Sammlung der Musikethnologin Hanny Christen, die zwischen 1940 und 1960 durch die Schweiz reiste, um Melodien aufzunehmen oder aufzuschreiben, beinhaltet eine farbige Zusammenstellung von diversen Volkstänzen aus verschiedenen Regionen. Im Vorwort ihrer Auswahlausgabe für zwei Querflöten und Klavier weist die Herausgeberin Helene Schulthess darauf hin, dass die Vielfalt in der Sammlung Christen ein Abbild der «kulturellen und regionalen Kleinräumigkeit der Schweiz» sei, aber gleichwohl auch von den Einflüssen anderer europäischer Länder geprägt sei. Auffällig häufig finden sich in der Sammlung Stücke mit der Bezeichnung «Schottisch», die aber je nach Region musikalisch unterschiedlich umgesetzt sind.

26 Tänze, einen aus jedem Kanton, hat Schulthess in ihr Heft aufgenommen (drei stammen nicht aus der Sammlung Christen). Die unverändert übernommenen Melodien können mit zwei Querflöten und meist akkordisch gehaltener Klavierbegleitung aufgeführt werden, klingen aber auch mit der von der Herausgeberin ergänzten, oft kontrapunktisch geführten zweiten Stimme als reine Flötenduette sehr gut. Der erste Tanz Schottisch aus dem Kanton Zürich wirkt durch eine bewegte zweite Stimme sehr konzertant. Die Melodiestimme der Mazurka aus dem Kanton Uri wird im ersten Teil von der zweiten Flötenstimme gewissermassen jodelnd untermalt. Melodiös bewegt sich der Ländler aus dem Kanton Nidwalden und wird dabei von kecken Einwürfen mit Vorschlägen in der zweiten Stimme kontrastiert. Virtuos tanzt die Trompetenpolka aus dem Kanton Zug und ist durch ihre mit Triolen kombinierten Sechzehntelfiguren für beide Stimmen anspruchsvoll zu spielen. Sogar der von der Basler Fasnacht bekannte Arabimarsch fand Einzug in die abwechslungsreiche Sammlung. Manche Stücke wie der flotte Jupitergalopp aus St. Gallen oder der Venusgalopp aus dem Kanton Waadt wirken schon fast wie Salonmusik, genauso der beschwingte Rosenwalzer aus dem Kanton Aargau. Die gelungene, interessante Sammlung gibt einen Einblick in die Melodienvielfalt der Schweizer Volksmusik und ist von fortgeschrittenen Schülerinnen und Schülern gut spielbar.
 

26 Schweizer Volkstänze aus 26 Kantonen, aus der Sammlung Hanny Christen für 2 Querflöten und Klavier bearbeitet von Helene Schulthess, Fr. 26.00 plus Versandkosten, www.helene-schulthess.ch/de/kompositionen-bearbeitungen

Der Name Josef Schelb ist wohl den wenigsten Klarinettisten geläufig, obwohl dessen umfangreiches kompositorisches Schaffen (unter anderem elf Sinfonien, weitere grosse Orchesterwerke, Ballette, mehrere Opern und viel Kammermusik) etliche Werke für Klarinette umfasst. Nebst der jetzt als Breitkopf-Urtext erstmalig im Druck erschienenen Klarinettensonate aus dem Jahr 1947 stammen ein Konzert für Bassklarinette mit Begleitung von zehn Soloinstrumenten (1930/43), ein Klarinettenquintett, ein Klarinettenquartett sowie weitere Kammermusikwerke mit Klarinette aus seiner Feder.

Josef Schelb (1894–1977) wurde in Freiburg im Breisgau geboren, war unter anderem Kompositionsschüler von Hans Huber in Basel und studierte in Genf Klavier. Nebst einer Karriere als Konzertpianist war er während mehr als 30 Jahren Professor für Klavier und Komposition an der Musikhochschule Karlsruhe. Sein Schaffen lässt sich keiner bestimmten Schule zuordnen, sondern ist von unterschiedlichen Einflüssen seiner Zeit geprägt.

So ist auch die kurz nach dem Zweiten Weltkrieg entstandene Klarinettensonate stilistisch nicht klar einzuordnen. Formal klassisch in vier Sätzen angelegt, ohne festgelegte Tonart, aber doch mit tonalen Bezügen und metrisch-rhythmisch eher traditionell lässt sie sich am ehesten mit der Sonate von Schelbs Zeitgenossen Paul Hindemith vergleichen.

Der erste Satz ist geprägt von einer expressiven, rhythmisch pointierten Melodieführung und strahlt eine vorwärtsdrängende Unruhe aus. Im zweiten, ruhigeren Satz begeben sich Klarinette und Klavier in einen ausdrucksvollen Dialog. Der dritte Satz, im 6/8-Takt geschrieben, lebt von schnellen Tongirlanden und zeigt einen lustig-spritzigen Charakter. Im Schlusssatz herrscht wieder ein optimistisch vorwärts gerichteter Eindruck vor.

Die schön gestaltete Ausgabe mit Einführung und Kritischem Kommentar bietet eine erfreuliche Bereicherung des Klarinettenrepertoires der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.
 

Josef Schelb: Sonate für Klarinette und Klavier, hg. von Albert Schelb, Erstausgabe, EB 8991, € 24.90, Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2019

Lied kreativ ist ein Buch für den Musikunterricht auf der Unterstufe bis zur 4. Klasse und zeigt gut verständlich, wie man mit Liedern arbeiten kann. In einem ersten Schritt geht es darum, die Lieder zu erlernen. Methodisch versiert bieten die Autorinnen vielfältige und handlungsorientierte Zugänge an, wobei das musikalische Charakteristikum eines jeden Liedes den Nukleus für die Erarbeitung bildet. In einem zweiten Schritt folgt die Gestaltung des Liedes, und hier liegt die grosse Qualität von Lied kreativ. Denn die Lieder werden nicht nur gesungen, sie werden vertanzt, in Szene gesetzt, mit Orff-Instrumenten begleitet. Die Arrangements sind leicht umsetzbar. Worauf die Autorinnen zu Recht stolz sind: Gezielt bieten sie Anregungen zum Improvisieren, sodass die Kinder eigene Ideen beisteuern können. Dieser Ansatz geht übrigens ganz in Richtung der «Gestaltungsprozesse», wie sie im Lehrplan 21 prominent postuliert werden.

Lied kreativ gliedert sich in drei Teile, den Anfang macht Methodik der Liedvermittlung: Obwohl die Unterrichtsmodelle vielfältig sind, folgt die Arbeit am Lied einem klaren, aufbauenden Konzept. Am Anfang stehen Atem- und Stimmbildungsübungen, gefolgt von der Text- und Melodievermittlung. Die Anweisungen dazu sind präzise, man spürt die Erfahrung und Sachkompetenz der ausgebildeten Musikpädagoginnen (EMP). Eingebettet sind die gesanglichen Übungen in Geschichten und Bilder, die die Kinder sinnlich ansprechen und mitnehmen, getreu der Maxime: «Ein Lied erarbeiten heisst, mit ihm zu spielen.» Wie man das planmässig macht, skizziert das Kapitel «Möglicher Weg zu einem eigenen Stunden-Konzept», wobei folgende fachdidaktische Anweisung besonders gefällt: «Die Lehrperson leitet die Aktionen möglichst nonverbal an.» Tatsächlich krankt Musikunterricht oftmals an zu vielen verbalen Anweisungen und Erläuterungen, statt über musikalische Aktionen direkt zu führen. Nicht durch Reden, sondern durch Machen werden die Teilnehmenden bewegend und singend aktiviert. So sind sie von Beginn weg in medias res, die Sinne werden gleichzeitig angesprochen, es braucht keine Übersetzung vom Kopf in den Körper.

Die Ideenpakete, der zweite Teil des Lehrmittels, offerieren einen bunten Strauss klanglich-tänzerisch-szenischer Anregungen für Erarbeitung und Gestaltung der Lieder. Das Begrüssungslied Swing lädt zum Tanz mit Spazierstöcken – Hereinspaziert, ins Varieté der Dreissigerjahre! – für Solisten, Tänzer und Publikum. Auch das Lied mit andalusischen Klängen ist in ein szenisches Spiel (Torero) eingebettet, während die Vokalperkussion den Ragtime beschwingt. In den Ideenpaketen gehört das Orff-Instrumentarium standardmässig dazu. Aber nicht nur! Backutensilien braucht es im Schlaraffenland, im afrikanischen Aye kerunene führen Tücher durch den Spiegeltanz, die Klangfarben aus Papier untermalen das Herbstlied.

Während die Ideenpakete lose Unterrichtsangebote präsentieren, liegen im dritten Teil des Bandes ausgearbeitete Unterrichtsmodelle vor. Zum Beispiel Warumba: Der Sprechgesang mit humoreskem Liedtext lässt sich sowohl im Kanon singen als auch mit Bodyperkussion begleiten. Ein szenisches Spiel mit einer Kokosnuss stimmt auf das Lied ein, Strandtätigkeiten wie Muschelnsammeln lockern die Körper, dazu ertönt Rumba-Musik. Aus dem Wort «Ko-kos-nuss» generieren sich Atem- und Stimmbildungsübungen, die mit den Vokalen arbeiten und das Zwerchfell aktivieren. Melodieteile werden in Handlungen und Geschichten gepackt («die Kokosnuss ist unglücklicherweise auf einer Palme liegengeblieben») und bereiten auf anspruchsvolle Intervallsprünge vor. Das gesamte Lied wird mehrfach in Varianten wiederholt: Text sprechen, Gesten stumm zeigen, Liedabschnitte vor- und nachsingen. Schritt und Klatsch akzentuieren die Betonungsverschiebungen im Liedtext, unterbrochen von improvisierten «Strandposen».

Nachdem das Lied erarbeitet und geübt wurde, wird es nun gestaltet. Über den Rhythmus von «Kokosnuss-Kokosnuss-Rumba» improvisieren Sängerinnen und Sänger paarweise eine Bodyperkussion. Die Gruppe wählt ein Impromotiv aus und imitiert es. Nun singt die eine Hälfte, die andere begleitet mit Bodyperkussion und, wenn es klappt, sogar im Kanon. Die Play-back-Einspielung und die Klavierbegleitung auf den beigelegten CDs bieten Unterstützung.

Fazit: Durchdachte Ideen, variabel umsetzbar. Gut gemacht!
 

Verena Dotzler, Birgit Herwig: Lied kreativ. Singen mit Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen. Ideenpakete und Unterrichtsmodelle für eine fantasievolle Liedvermittlung, Buch mit 2 CDs, Best.-Nr. 943, € 29.90, Fidula, Koblenz

Am Anfang stand ein Ende: Nach acht Jahren löste sich 2016 das Genfer Quartett Orioxy, dessen auf dem Jazz basierender Sound selbst zärtlichste Momente mit wilder Energie zu verknüpfen verstand, unerwartet auf. «Als alles zerbrach, erhielt ich den Schlag meines Lebens», erinnert sich Harfenistin Julie Campiche. Dennoch oder gerade deshalb ging sie zwei Wochen später bereits ihr neues Projekt an. Eigentlich sei ihr das zu schnell gegangen, räumt die Westschweizerin ein, aber: «Man muss die Überraschungen nutzen, die das Leben bereithält.»

Mittlerweile sind drei Jahre vergangen und das Julie Campiche Quartet, zu dem neben der Bandleaderin auch Saxofonist Leo Fumagalli, Kontrabassist Manu Hagmann und Schlagzeuger Clemens Kuratle gehören, hat Ende Januar mit Onkalo sein Plattendebüt veröffentlicht. Sechs Songs umfasst das Werk und zeigt sich neugierig und experimentierfreudig: Das erste Stück, Flash Info, beginnt mit einer introspektiven Harfenmelodie, die nach einer Minute durch überfallartige Jazzsequenzen unterbrochen wird – zumindest vorübergehend.

Das Gebotene ist erstaunlich energiegeladen und präsentiert ein Flair für Improvisationen und minimalistische Motive. Auf dem Album entfaltet sich progressiver Jazz, der sich in erster Linie für Klanglandschaften interessiert, die sich konstant und überraschend verändern. Das wirkt meditativ, mitunter aber auch zappelig und bisweilen sogar aufrüttelnd. Vielleicht, weil man spürt, dass sich hinter den Kompositionen stets Geschichten verbergen. Onkalo – finnisch für Hohlraum – soll beispielsweise von vergrabenen radioaktiven Abfällen erzählen. Julie Campiche und ihren Begleitern gelingt es auf der CD, nicht nur einen Sog zu entwickeln, sondern auch Musik, die auf eine ebenso faszinierende wie mutige Klangreise mitnimmt.